C’est la première fois que vos serviteurs mettaient les pieds à La Péniche. Sur les bords de la Deûle, face au champ de mars, le bateau existe en tant que Café Théâtre depuis 12 ans. Susceptible d’accueillir une centaine de personnes, il constitue un lieu de référence de découverte de musiques actuelles et humoristique.
A l’affiche, ce soir, Anna Aaron, qui a eu la gentillesse de nous accorder une interview, une grosse heure plus tôt, dans le Vieux Lille. Anna est de nationalité suisse et vient de publier son second album. Baptisé « Neuro », il a été précédé par un remarquable clip –et par ailleurs single– intitulé « Stellarling ». Et c’est ce clip qui nous a donné l’envie d’aller la voir en concert. Afin de vérifier que cette voix remarquable l’est tout autant sur les planches…
Vers 20h40, le backing group d’Anna monte sur le petit podium. Un drummer, un bassiste (également préposé aux synthés) et une guitariste (parfois à la sèche, le plus souvent à l’électrique) qui pianote circonstanciellement sur un synthé mais surtout assure à merveille les contre voix. Anna débarque à son tour et s’installe derrière une console impressionnante qui combine plusieurs niveaux de claviers, dont un synthé et un piano électrique, mais également une boîte à rythmes et une loop station qui va lui permettre, notamment, d’échantillonner sa voix. Sans oublier les deux micros. Doit y a voir également d’autres gadgets électroniques, mais là on entre dans un domaine purement technique. En la voyant débarquer sur l’estrade, on reconnaît à peine la demoiselle que nous venons de rencontrer en tête à tête. Maquillée, les cheveux tirés en arrière, vêtue d’un top reproduisant les motifs en pointillés de son dernier elpee, elle a manifestement un fameux charisme.
Le set s’ouvre par l’inévitable « Stellarling », et première constatation, le son est parfait. La voix d’Anna est aussi splendide que sur disque, et franchement au milieu de tout ce matos, elle assure. Une voix qui va même nous flanquer des frissons sur « Simstin », la plage qui clôt le dernier long playing. « Sea monsters » est un premier extrait du précédent elpee, « Dogs in spirit ». Le morceau le moins convainquant, aussi. Mais « Totemheart » remet immédiatement les pendules à l’heure ; un titre qui évolue sur un tempo électro dance subtil, tout en mettant l’accent sur les voix, les boucles de voix et la contre voix. Un morceau dont le final est même plutôt surprenant. A partir d’« In the devil’s cave », deuxième plage issue de l’opus précédent, le son monte en puissance, « Elijah’s chant » autre extrait embrassant même un format carrément rock. Avant que « Neurohunger », dernier track du concert proprement dit, ne libère un groove dévastateur.
Le rappel est rapidement accordé et s’ouvre par « Mary Ruth » qu’Anna interprète en solo. Les autres musicos remontent sur la scène pour aborder l’atmosphérique « Off ». La setlist embraie par le beau et mélancolique « Case », puis le dispensable « Linda » avant de s’achever par le percutant « Where are you David ».
Bref, devant à peine 50 spectateurs, Anna Aaron a démontré toute l’étendue de son talent, un talent qui augure un succès futur à conjuguer sous une autre dimension. Elle possède une voix hors du commun, dont l’amplitude lui permet de passer du grave au falsetto avec une facilité déconcertante. Dans un registre qui oscille de Sophie Hunger à Kate Bush, en passant par Lene Lovitch et même parfois Sinead O’Connor. Et en plus, c’est une excellente musicienne (NDR : c’est un prof de musique classique qui lui a donné ses premiers cours de piano) et elle compose ses propres chansons. Dans la langue de Shakespeare, qu’elle maîtrise parfaitement. Enfin, elle peut s’appuyer sur une guitariste/vocaliste aussi douée que solide. Et très jolie, pour ne rien gâter. Un pari ? Non, une projection ! L’AB ou le Cirque Royal, d’ici deux ans. On en reparlera…
(Organisation : A Gauche de La Lune)
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Néo-zélandais émigré dans les Vosges, en France, Robert Hancock n’est pas né de la dernière pluie. Entre 1986 et 1989, il a sévi chez The Magic Roundabout. A l’époque, il vivait encore à Wellington, aux Antipodes. Il déménage ensuite à Edimbourg, en Ecosse, où il y fonde June Frost. Il y restera de 1990 à 1996 avant de s’établir à Nancy, où il poursuit l’aventure de son groupe, jusqu’en 2000. C’est à partir de 2001 qu’il se lance dans une carrière solo. Bref, en 15 années de carrière, ce bourlingueur a quand même publié 7 albums, dont ce « You are here ».
Première constatation, Bob possède une superbe voix, comparable à celle de Mark Hollis (Talk Talk). De temps à autre, elle est soutenue ou contrebalancée par celle d’Aurélie Jung, dont le timbre limpide fait absolument merveille, notamment dans les chœurs. Robert joue d’une multitude d’instruments, de la guitare acoustique (souvent), semi-acoustique et parfois électrique, mais également de la basse, de la mandoline, de l’ukulélé et des claviers. Il a reçu le concours de quelques musiciens de studio, mais surtout d’un remarquable percussionniste, Cyrille Lecocq, capable de jongler entre drums, congas, bongos, djembé et j’en passe. Dans le style, il me rappelle un certain Robin Thyne, qui militait au sein de Natural Acoustic Band, fin des sixties, début des seventies.
Au cours de cet elpee, Hancock rend hommage à un ami disparu, un certain Jean-Christophe Massinon, artiste plasticien particulièrement créatif et prolifique. Sur « 12 propositions », tout d’abord, puis « After this time », une compo dont les sonorités me rappellent Ed Kuepper. Bref, un chouette album découpé en 12 plages qui baignent dans une mélancolie douce, parfois amère, mais dont le ton général peut progressivement vous tourmenter l’esprit…
Originaire de Stembert près de Verviers, The Larsens Lupins a publié 2 albums depuis 2009. Le trio nous propose aujourd’hui un nouvel Ep intitulé « Do You Wanna Brock’n’Broll ». Si j’avais été de méchante humeur, j’aurais préféré décréter, qu’à l’évidence, ces jeunes Belges ont passé plus de temps pour élaborer des jeux de mots que pour écrire leurs compos… Mais à l’écoute des 6 titres de ce disque, impossible de critiquer les Larsens Lupins tant leur musique incarne un certain esprit rock ! L’honnêteté et la liberté de ton caractérisent à merveille les morceaux du groupe qui suintent le rock garage. James S. Brokenstring, Marvin G. Flyingstick et Bill C. Sputterman mélangent judicieusement l’énergie du punk et le swing du rock 70’s, malgré quelques imperfections et un accent anglais incertain (« Butterfly Effect »). Sauvages, les solos sont particulièrement réussis. Mention spéciale à « Nothing is Good » qui dézingue tout sur son passage. « Do You Wanna Brock’n’Broll with The Larsens Lupins ? ». Absolutely my Dear !
Chanteuse/compositrice/interprète/pianiste, Anna Aaron est de nationalité suisse. Elle est plus précisément bâloise. « Neuro » constitue son second opus, et fait suite à « Dogs in spirit », paru en 2011. Lors des sessions d’enregistrement, elle a reçu le concours de Ben Christopher, de Jason Cooper (NDR : c’est le drummer de Cure !), mais surtout de David Kosten, à la mise en forme, producteur qui a notamment bossé pour Bat For Lashes et Guillemots.
Les lyrics de « Neuro » s’inspirent du ‘Neuromancien’ de William Gibson, un auteur de science-fiction qui a notamment influencé le film culte, « Matrix ». Vous avez peut-être eu l’occasion de regarder et d’écouter le remarquable clip consacré à « Stellarling », une compo au tempo sautillant, balisée par un piano sonore, et magnifiée par la voix ample et profonde d’Anna, alors réminiscente de Lene Lovitch. C’est également une des meilleures chansons de l’opus. « Sutekina » est également superbe. Les vocaux semblent alors plutôt hantés par Sinéad O’Connor. Une plage énigmatique, enrobée de chœurs. Ces voix sont d’ailleurs extrêmement travaillées tout au long de l’elpee. Par le biais du rerecording, c’est une certitude. A l’instar de « Case », une piste électro abordée dans l’esprit de Radiohead. De « Neurohunger », également, davantage électro indus, mais sous un format plus proche de Nine Inch Nails. Une électro qui s’imprime également parfois sur un format binaire. Sans doute idéal pour danser, mais pas vraiment ma tasse de thé. Je la préfère dynamisée par une boîte à rythmes plus ample. Comme sur l’hymnique « Totemheart », sorte de rencontre improbable entre le Floyd et Donna Summer, une piste dont la conclusion ressemble à une incantation mystique. Le long playing s’achève par « Simstim », encore un morceau électro, mais à la fois atmosphérique et minimaliste.
Anna Aaron se produira ce jeudi 20 mars à la Péniche de Lille.
C’est peut-être votre serviteur qui vieillit mal ; mais impossible d’accrocher à cette forme de hip-hop sirupeux proposée par les nouvelles stars du genre qui nous viennent de l’Hexagone. A l’instar de Maître Gims et de ses très lourdes Sexion d’Assaut. Pourquoi ces digressions introductives ? Parce que Dry –celui qui nous intéresse ici– est taillé dans le même bois ; il a d’ailleurs participé à la confection de l’horrible single « Ma Mélodie », en compagnie de l’autoproclamé Maître qui lui renvoie l’ascenseur pour la circonstance (« Le Choix »). Les textes du Français sont aussi secs (ahahah !) que ses beats indigestes et ‘bling-bling’ ! C’est déjà une mauvaise idée de débuter par une intro parlée humble et moralisatrice pour ensuite balancer des inepties dégradantes telles que ‘j’ai vu trop de gens du rap game devenir facteur…’. Même si l’egotrip fait partie inhérente du hip-hop, faut y mettre de la classe. N’est pas Kerry James ou La Rumeur qui veut. Surtout quand on ne possède pas le flow de Booba, par ailleurs. Et puis ces refrains chantés et même légèrement ‘vocodorisés’ comme sur les horripilants « On Fait Semblant » ou « Le Plus Beau Jour » s’avèrent tout bonnement pénibles. « Maintenant ou Jamais » ? Je pense voir adopté le second choix, à l’écoute de la daube du mois poussée dans le dos (NDLR : le ravin ?) par l’horrible single « J’avance ».
Sept longues années que la formation teutonne n’avait plus enregistré d’album. « Close to the glass » est paru ce 24 février dernier. Il fait suite à « The Devil, You + Me », publié en 2009. Les vétérans allemands retrouvaient leur public dans une Orangerie sold out pour défendre ce nouvel elpee, qui a recueilli d’excellentes critiques…
Et l’auditoire n’est plus toute première jeunesse pour accueillir ces ex-héros de l’électro-rock. Au début des années 2 000, ils avaient touché en plein cœur les mélomanes, à l’aide de leurs hits délicats issus de « Shrink » et de « Neon Golden ». Ouvrant par ailleurs, toute grande, la porte aux géniaux bidouilleurs de The Postal Service. Les frères Markus et Michael Archer ainsi que leur complice Martin Gretschmann montent sur les planches. Le guitariste, le bassiste et le programmateur sont soutenus par le drummer Martin Gretschmann, le percussionniste Andi Haberl et un sixcordiste de tournée.
Et, c’est avec un réel plaisir et un brin de vague à l’âme qu’on se plonge dans le concert. En outre, contrairement à pas mal d’autres formations qui se réunissent pour raisons lucratives (NDR : qui a parlé des Pixies ?), le band n’est pas du tout sur le retour ! L’armada constitue toujours une véritable machine de guerre scénique particulièrement talentueuse, louvoyant entre salves rock, expérimentations électro et capable de dispenser de véritables hits indie intergénérationnels (« Pick Up the Phone », « Pilot »). Le son est compact et puissant. Empreinte d’une grande sensibilité, la voix de Markus est un peu juste, mais elle permet d’adoucir cette expression sonore plutôt musclée. Une intensité entretenue par des guitares bien ciselées, une ligne de basse solide et des drums amples. La dextérité du batteur est même impressionnante ! The Notwist a donc réalisé un ‘sans-faute’, ce soir. Conquis, le public s’est laissé bercé par une certaine forme de nostalgie, mais a pu également savourer de nouvelles compos, qui sont loin de faire de la figuration ! Et cette puissance s’est avérée, au fil du set, exponentielle. Ce qui n’était pas pour gâcher notre plaisir !
Après avoir salué l’assistance, en manifestant une joie non dissimulée, le groupe revient pour attaquer ses hits incontournables : « Neon Golden » et surtout « Trashing Days » dans une incroyable version mixant reggae-dub, électro club et rock… Un magnifique final qui va entraîner des prolongations, puisque le groupe va accorder un second rappel diablement rock ! La classe, l’intégrité et le talent, ce sont les aptitudes que The Notwist est parvenu à acquérir au fil du temps. Bref, il vieillit comme le bon vin ! On espère les revoir lors des festivals estivaux !
(Organisation Botanique)
Dans le cadre des Sessions Coca-Cola, l’Ancienne Belgique recevait, dans son antre, le duo Eriksson Delcroix, concepteur de la bande originale du film belge, tant loué –et à raison– ‘Broken Circle Breakdown’ (ou ‘Alabama/Monroe’). Bjorn Eriksson s’était déjà illustré, dans le passé, chez Zita Swoon et Admiral Freebee, alors que Nathalie Delcroix milite au sein du groupe folk, Laïs. La rencontre de ces deux personnalités a donné naissance, récemment, au superbe album de country/folk « For Ever ». Une véritable pépite. Alors que les tickets pour assister aux concerts de Broken Circle Breakdown sont épuisés depuis belle lurette, ce spectacle est une belle occasion d’accomplir un périple virtuel au pays de l’Oncle Sam.
La première partie est assurée par You Raskal You. Le groupe anversois réunit trois guitaristes (deux acoustiques et un électrique), un bassiste et un drummer. A premier abord, sculptée essentiellement dans le folk, l’expression sonore paraît intéressante. La gratte électrique charge les compos de nuances et insuffle de l’énergie aux compositions. Les deux préposés aux grattes sèches poussent, chacun leur tour, la chansonnette. Mais aucun de ces deux vocalistes ne jouit d’un timbre susceptible de faire la différence. Finalement, c’est lorsqu’ils chantent en chœur que les vocaux passent le mieux la rampe. Au fil du set, on se rend compte que les morceaux sont coulés dans un même moule. S’étirant même sur un low tempo bien paisible. Les accès d’électricité sont beaucoup trop rares pour secouer un auditoire, alors au bord de l’assoupissement…
Vu la formule minimaliste adoptée par leurs compos sur disque, on pouvait craindre que la transposition en ‘live’ des chansons de Eriksson Delcroix se solde par un échec. Aussi brillantes soit-elles, des folk songs peuvent se révéler particulièrement emmerdantes, lorsqu’elles sont interprétées, face à un auditoire, brutes de coffrage. Heureusement, nos inquiétudes se sont rapidement estompées, en constatant la présence de nombreuses chaises sur le podium. Et, lorsque les musiciens y montent, on a le pressentiment que la soirée sera bonne. Le moustachu Bjorn Eriksson (chant/guitare) et Nathalie Delcroix (chant/autoharpe) sont vêtus d’une superbe chemise à floches, dans un style cow-boy du plus bel effet ! Ils s’installent au milieu de l’estrade. A leur droite, un préposé à la sèche et un banjoïste coiffé d’un magnifique chapeau se partagent l’espace. A leur gauche, se plante le guitariste solo. Le bassiste et un percussionniste s’installent derrière eux. On est donc très loin du format minimalisme tant redouté. Il ne faut que quelques notes et surtout quelques mots pour se rendre compte du talent de toute la troupe. Manifestement tous ces musiciens sont de véritables chevronnés. Les deux voix sont splendides. Que ce soit en solo ou conjuguées. Les sonorités du bottleneck émanant du manche électrique sont bien mises en évidence. Les compos oscillent du folk au country, à l’instar de « Nashville Tennessee », et des titres les plus bruts aux plus progressifs, comme sur « Riding on a Snake with a Bottle of Tequila in My Hand », compo écrite pour un side project précédent d’Eriksson, avec une facilité déconcertante. On ne peut s’empêcher de penser à Calexico voire à Mark Lanegan & Isobel Campbell. Et si le ton est plus froid, en début de parcours, notamment lorsque le combo interprète « Home is where the Angels Roam », au fil du temps, l’ambiance va se réchauffer et le tempo des compos s’élever. Avant d’entamer le single « Walking », Bjorn Eriksson invite sa fille à monter sur les planches pour l’accompagner au chant. La demoiselle est moins à l’aise que papa, mais elle ne s’en sort pas trop mal. Et le climat va même devenir propice à la danse, lorsque le préposé au banjo –également moustachu– va se lever pour chantonner un air, dans la bonne humeur générale.
Ce soir, nous étions (presque) à Nashville Tennessee…
(Organisation AB)
Des PiaS Nites, il y en a aujourd’hui un peu toute l’année et même en France. Celles qui se déroulent à Tour & Taxis, en mars, en sont à leur cinquième édition. Deux jours au cours desquels le label met en vitrine les formations phares de son catalogue. Et comme on ne change pas une formule qui gagne, pas de modification majeure n’est à constater dans les aménagements des lieux. Faut dire que les deux dates affichent à nouveau sold out. Consacré à l’électro, le vendredi soir a bénéficié du concours de grosses pointures comme Paul Kalkbrenner, Vitalic VTLZR, The Magician ou encore Tiga. Le samedi est réservé au pop/rock.
Pour cette nouvelle édition, les organisateurs ont tout misé sur deux des formations belges les plus illustres. En l’occurrence dEUS et Girls in Hawaii. Mais également sur plusieurs découvertes, dont le projet solo du chanteur de Balthazar, Anderlecht, et la jazzwoman, Mélanie De Biasio. Un désistement, celui de Baxter Dury. A charge de John Grant (NDR : qui avait fait sensation quelques mois plus tôt au Botanique), du duo allemand Milky Chance ou encore de l’Anglais d’East India Youth de pallier à son forfait, The Spectors et Champs complétant l’affiche.
Les hostilités débutent vers 18h30, mais il faut attendre le set du duo teuton Milky Chance pour que les choses sérieuses commencent. Quoique responsable d’un tube intitulé « Stolen dance », il faut bien avouer que la paire ne jouit pas d’une grande célébrité. L’un est armé d’une guitare acoustique et l’autre se charge des claviers. Leur cocktail d’électro/folk/reggae est plutôt plaisant, mais hormis les singles, il ne parvient qu’en de trop rares occasions à enthousiasmer l’auditoire…
Après ce concert sympathique, on avait hâte de découvrir la jazzwoman Mélanie De Biasio dans un contexte qui ne lui était pas forcément favorable. C’est la petite salle qui accueille la jeune Belge. Elle prend bien le temps de construire les atmosphères. Son dernier opus recèle de subtils morceaux, de véritables pépites. Sa voix est simplement magnifique et les arrangements particulièrement soignés. Le set baigne au sein d’un climat feutré. Malheureusement, il ne correspond pas à l’événement. Le public, principalement venu pour se défouler, ne prend pas la peine de s’en imprégner. Trop bavard il rompt même le charme qui émane de l’atmosphère ambiante…
La première tête d’affiche débarque à 21h45. Pourtant, pour accueillir les Wallons de Girls in Hawaii, l’énorme hangar de Tours & Taxi n’est pas comble. Ce qui va d’ailleurs porter préjudicie à la qualité du son ; mais le groupe est en forme. Tous leurs titres majeurs sont interprétés. « I’m not Dead » est attaqué en début de parcours. « Sun of the Sons » figure également sur la setlist. Qui ne néglige pas pour autant le plus ancien répertoire. Dont l’indétrônable « Found in the Ground ». Si rien d’exceptionnel ne se produit au cours du spectacle, c’est toujours avec un grand plaisir que l’on assiste à un concert de Girls in Hawaii.
Accusant un léger retard, John Grant prend le relais. La petite salle est loin d’être bondée. Certains spectateurs ont choisi ce moment pour s’hydrater ou se sustenter, d’autres ont décidé de squatter les premiers rangs pour assister au set de dEUS. Tant pis pour eux ! Barbu, l’artiste est toujours aussi charismatique. Et il va nous livrer une prestation digne de celle accordée au Botanique, l’an dernier. Il est vêtu de noir, tout comme la troupe qui l’accompagne. Le set s’ouvre par les morceaux les plus paisibles de ses deux albums, dont le superbe « I Wanna go to Marz ». Son électro/folk séduit les mélomanes présents. A mi-parcours, il change de registre et propose des titres plus dansants, aux rythmes syncopés mais communicatifs. Il est plus ou moins 23 heures, lorsque l’Américain nous réserve « Queen of Denmark ». Un final rituel. C’est également l’apothéose de ce concert. La puissance et l’émotion réunies en une seule chanson !
Vingt ans après la publication de leur majestueux « Worst Case Scenario », dEUS était invité aux PiaS Nites pour conclure en beauté la soirée. Les Anversois étaient attendus de pied ferme. La grande salle est alors quasiment remplie. Vu le 20ème anniversaire de la sortie de leur premier elpee, on s’attendait à retrouver quelques titres de cet opus dans la set list. Un seul nous sera accordé, « Suds and Soda ». Dommage ! A la place, le show s’est concentré sur le dEUS aux six cordes. En fait, le combo a essentiellement puisé dans le ‘best of’ de son répertoire. Dont « Roses », « Instant Street » ou encore « Little Arithmetics ». Les années se suivent et se ressemblent. En ‘live’, on ne constate plus vraiment de grande évolution chez le band, même si Tom Barman et sa troupe continuent d’assurer sur les planches.
La cuvée 2014 des PiaS Nites est plus qu’honorable. Les découvertes et les têtes d’affiche ont honoré leur contrat. Mais si les prestations étaient de bonne facture, il faut reconnaître qu’il a manqué un grain de folie. Baxter Dury avait sans doute la carrure pour nous l’apporter ; mais comme il a brillé par son absence…
Organisation PiaS
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Pas d’évidence d’une éventuelle posture ‘fâchée’ dans les vignettes d’Upset, mais plutôt des fulgurances pop-punk très ensoleillées issues de Californie. Formé en 2013 par Ali Koehler, Jennifer Prince (La Sera) et Patty Schemel (ex-Hole!), le trio marche sur les traces de Best Coast voire des Vivian Girls. Faut dire qu’Ali a été la drummeuse des premiers et en est toujours celle des seconds. Tout au long de cet elpee, la formation distribue des bombinettes pop très catchy appuyées par des guitares légèrement saturées. Une sorte de Cindy Lauper Punk mi lo-fi donc… Les textes d’obédience teenage sont à l’avenant et « She’s Gone » s’affiche dès lors résolument comme un album de saison, sous ces premiers rayons de soleil, grâce à ses hits miniatures inoffensifs comme « About Me » ou « Queen Froxsteen ». Upset déroule un savoir-faire certain qui procure d’évidentes ‘Good Vibrations’ mais ne devrait pas pour autant passer le prochain hiver.
L'Autrichienne Clara Prettenhofer nous propose son second album. Repérée par Agoria, lorsqu'il relevait encore du team Infiné, elle est restée fidèle au label français malgré le départ de son parrain. "Blue Distance" se destine encore plus à une écoute domestique que le précédent elpee, "Polyamour". On ne retrouve en effet plus que deux morceaux susceptibles d'être dansés, "Hedonic Treadmill" qui aurait pu naître à Cologne au cours de ces dix dernières années et "Placid Kindness" dont la techno mélodique est assez proche du monde de Rone. D'autres morceaux plus downtempo évoquent également son compagnon de label ("Holy" notamment).
La majorité des morceaux proposent une electronica cristalline et rêveuse traversée par des voix éthérées ; et le travail sur les rythmiques est plutôt intéressant. On retiendra les nappes synthétiques enveloppantes de "I Saw Your Love" qui confèrent un petit côté Boards of Canada au meilleur titre de "Blue Distance" ou encore "My Double Edged Sword" qui fond un post-trip-hop abstrait à la Burial dans une orchestration plus symphonique. Mais avouons-le, cet univers est parfois un peu ennuyeux et les multiples effets sur les voix finissent par lasser. L’ensemble est fort joli mais ne suscite que peu d'émotions. Et de "Blue Distance", il ne restera bientôt qu'un souvenir aussi évanescent que les mélopées qui le peuplent.
Los Hacheros nous vient de New York, un quintet réunissant un chanteur percussionniste (congas), un flûtiste percussionniste (mambo), un violoniste/tromboniste, un bassiste/contrebassiste et un guitariste. Lors des sessions d’enregistrement de ce « Pilon », leur premier elpee, la formation a reçu le concours d’un joueur de bongo. Des sessions qui se sont déroulées ‘live’ et ont été enregistrées en analogique sur un 388 Tascam.
Papote Jimenez chante dans la langue de Cervantès d’un timbre haut perché, des compos sculptées dans une salsa un peu trop calme à mon goût. Hormis le morceau d’entrée « Azucar » et « Convergencia », le reste de l’opus manque cruellement de punch. Et s’il y a un groove, il est bien trop pudique pour remuer les tripes. Dommage, car les différents instrumentistes ne manquent pas de talent. Idéal pour sonoriser les quais de gare, un jour d’été, sans risquer de heurter la moindre susceptibilité.
Jack La Motta & Your Bones est un ensemble italien issu de Lonigo, un petit patelin sis quelque part entre Venise et Vérone. Ce quatuor pratique une forme de country/punk/rock/garage marécageux, ténébreux ou poussiéreux, selon les circonstances. Leurs idoles ? Dans le désordre : Johnny Cash, Elvis Presley, Sergio Leone, Ennio Morricone, Clint Eastwood ainsi que Franco Nero. Il y a même un peu de mariachi (NDR : ces cuivres sur « Puerca Vaca » !) Et de temps à autre de l’harmonica. Leur musique ne manque ni d’énergie, ni de fantaisie, mais elle doit plus que probablement se vivre en ‘live’. Conclusion, les 12 titres de ce « Baby give me my chick » ne laisseront certainement pas dans mon esprit, un souvenir impérissable…
C’est en 2006, qu’Alan Myson aka Ital Tek laisse ses premières traces. Sur le label Net Lab. A partir de 2008, on le retrouve parmi les artistes signés par le label Planet Mu, alors en pleine mutation. Epoque bénie où ses collègues Boxcutter, Distance, Vex'd, Pinch ou MRK1 inventent une dubstep sombre mâtinée de sonorités indus et de mélodies IDM. Le premier album d'Ital Tek, "cYCLiCAL", est d'ailleurs un monument du genre. Alan Myson va ensuite coller à l'évolution du label. Il incorpore des synthés et des influences garage dans les compositions de "Midnight Colour" (2010) puis s'engouffre dans la vague Bass Music qui saisit Planet Mu sur "Nebula Dance" (2012). Cet album ne manque pas de qualité mais est alors un peu occulté par les succès de ceux de Kuedo et Machinedrum.
"Control", le présent Ep est la suite logique de "Nebula Dance". Ital Tek continue à nous proposer sa vision de la musique à la mode. Une vision qui reste influencée par l’IDM des années 90. C'est sans doute pourquoi votre serviteur éprouve toujours un grand plaisir à écouter les productions de ce jeune Anglais. Il existe un réel talent derrière cette fusion de différentes époques.
Un jeune chroniqueur branché vous parlerait de ‘Trap futuriste’, de ‘tornade de juke’ ou de ce ‘bon exemple de la déferlante footwork qui s'abat sur les productions électroniques et va réhabiliter la jungle et la Drum & Bass’. Mais plutôt que de vous abreuver de néologismes musicaux, disons sobrement qu'il s'agit d'un mini-album assez réussi de drum-break-bass, tantôt rythmé tantôt plus méditatif.
Deux titres s'imposent. Le tournoyant "Fireflies" qui pose des voix angéliques sur des breakbeats agressifs. Puis "Jupiter Ascent". Il dépoussière la plus inventive D&B des nineties. "Violet" nous laisse imaginer ce qu’offrirait le "Moments in Love" d'Art of Noise s'il était produit aujourd'hui. Très agréables aussi, les oniriques "Zero" et "Doom/Dream clôturent chacune des faces. On attend donc impatiemment la suite des aventures ‘rétro futuristes’ d’Alan Myson. Un Ep est prévu pour avril sur Civil Music et le quatrième album devrait sortir un peu plus tard dans l'année.
Alors qu’il transcendait le folk céleste de Damien Jurado en lui offrant une trilogie inoubliable, le producteur Richard Swift a prouvé parallèlement, il y a quelques mois, que cette soudaine alchimie n’était pas un pur hasard mais qu’elle était susceptible d’être appliquée à d’autres ! Le 3ème album de Foxygen constitue un parfait nouvel exemple du savoir-faire de ce nouveau gourou de la production pop-folk actuelle. Difficile de faire plus délicieusement jouissif que cet imparable « We Are the 21st Century Ambassadors of Peace and Magic », une oeuvre truffée de tubes branleurs baignant dans une bienheureuse atmosphère psyché-pop ! Emmené par Jonathan Rado (et sa voix à la Dylan) et Sam France, la jeune formation étasunienne nous y réserve d’irrésistibles plages oscillant entre sonorités 60’s et contemporaines, à l’instar de l’inusable « San Francisco », du très cool « No Destruction », caractérisé par ses claviers vintage, du plus MGMT « Oh Yeah » ou du déjà classique « Shuggie ».
Foxygen a concocté un des plus beaux albums de l’année 2013 et il était temps d’y revenir car il n’est vraiment pas trop tard pour se plonger dans ses dédales tant il appartient pleinement au XXIème siècle comme le scande son titre. Quoique, tout autant au siècle dernier… et puis maintenant, à l’histoire de la musique…
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