Marie Davidson, artiste canadienne établie à Montréal, nous invite ici à découvrir une musique électronique très novatrice, cinématique et organique, basée exclusivement sur des instruments analogiques : boîtes à rythmes et vieux synthés vintage. Sur ce premier opus, publié le 4 avril par l'excellent label bruxellois Weyrd Son Records, on identifie ce qu'on pourrait décrire comme la bande-son électronique d'un film imaginaire des années '70. On pense surtout à John Carpenter ("Assault On Precinct 13"), mais aussi aux BO des films italiens du genre ‘Giallo’ comme ceux de Dario Argento ou encore le célèbre « Canibal Holocaust ».
Le titre « Prélude », qui ouvre l'elpee, constitue une mise en condition. Un peu comme dans le premier album d'Enigma, l'artiste installe une atmosphère propice à la méditation (voire à l'auto-hypnose eriksonienne). La voix de MD, sensuelle et un peu ingénue, parle doucement dans notre oreille et c'est un vrai plaisir. Ensuite, « Abduction » nous plonge dans l'ambiance oppressante d'un film de science-fiction. Les sons sont cinglants, comme des rayons lasers décochés en pleine « Guerre des Mondes ». On pense ici à Suicide pour le côté hypnotique et répétitif. « Shaky Leg » opère un détour via la minimal wave aux accents house façon Grace Jones ou Miss Kittin', une plage dominée par la voix de MD, qui se fait plus coquine ; et le 'spoken word', à la limite entre le chant et la déclamation, est ici interprété en anglais.
« Vie et Mort d'un Ego » est sans nul doute la plage la plus cinématographique. Elle est conçue comme une longue progression instrumentale, étrange et répétitive, d'abord pointilliste, comme des gouttelettes d'eau qui perlent contre la vitre et ensuite, majestueuse, au fil d'une valse lente de cordes synthétiques.
La face ‘B’ commence par le titre phare de l'opus : « Je ne t'aime pas ». Le tempo de la boîte à rythmes est lent mais il pulse comme un cœur qui bat. Les sons de synthés adoptent des couleurs ambient, kraut, psyché. La composition libère une atmosphère fiévreuse, dominée par la voix fragile et touchante de Marie, mais affiche aussi un côté 'nouvelle vague' très attachant. Un véritable hit qui devrait séduire les fans de minimal wave, bien sûr, mais aussi le public amateur de Charlotte Gainsbourg et de 'French Pop' en général.
« Perte d'Identité » est sans doute le titre le plus ambitieux. Par sa durée tout d'abord : 7 minutes 20 ! Mais on ne s'ennuie pas une seconde. On retrouve un rythme pulsé et des sonorités claustrophobes, un peu comme dans « Abduction ». Le poème que MD récite ici est troublant, puissant, existentiel. En fin de parcours, changement radical : sur des nappes synthétiques, MD nous souffle doucement : ‘Ouvre les yeux, ce n'était qu'un instant...’ Dommage, on aurait bien aimé que le rêve dure plus longtemps. En ‘bonus track’, MD nous livre un remix très house du « Shaky Leg » de Cristobal U & The Mole.
Notons la participation à la réalisation et au mixage du mari de MD, Pierre Guerineau (en compagnie duquel Marie forme le duo Essaie Pas), ainsi que de David Kristian et Cristobal Urbina. Le mastering est signé par l'Ostendais KGB (AtOMiC Studio), également impliqué chez Simi Nah. On épinglera également le superbe artwork réalisé par Weyrd Son, aka Michael Thiel, ainsi que la très belle photo de MD, réalisée par Alice Thiel.
En conclusion : pour une première production vinyle, Marie Davidson frappe très fort. Malgré le côté froid des synthétiseurs, on sent une pulsation organique, presque physique. D'emblée, MD crée un univers propre, foncièrement original, fascinant et tellement attachant. L'artiste finalise déjà son second album, qui paraîtra sur le label texan Holodeck Records : on en redemande !
Pour se procurer l’album c’est ici et pour lire notre interview de Marie Davidson et Pierre Guerineau, c’est là
Enfin, pour savourer le clip de "Je ne t'aime pas" c’est encore ici
En 2009, Timbre Timbre publiait son premier elpee. Un opus éponyme à l’atmosphère empreinte de sensualité. Dans la foulée, le Canadien (NDR : il est originaire de l’Ontario) opérait une tournée sur le Vieux Continent ; mais manquant encore d’expérience, il ne parvenait pas à communiquer le feeling de ses compos à son auditoire. Quelques mois plus tard, il se produisait en tout anonymat, au cœur du Parc Royal, dans le cadre d’un festival organisé par l’Ancienne Belgique. Lors de sa dernière visite au Botanique, le 19 mars 2012 très exactement, il remplissait la Rotonde et démontrait qu’il avait pris de l’assurance sur les planches. Ce jeudi 3 avril, il revenait au Bota, mais à l’Orangerie, le jour de la publication de son nouvel album, en Belgique. Et la salle est pleine à craquer pour accueillir Taylor Kirk.
La première partie est assurée par le groupe Only Child, une formation canadienne pratiquement inconnue. En outre, à l’extérieur le temps incite au farniente ; aussi les spectateurs profitent de la clémence de ce début de printemps pour prendre un verre en terrasse. Votre serviteur, le premier !
Il est 20h55 lorsque la sirène nous rappelle à l’ordre. Timber Timbre va bientôt monter sur l’estrade. La foule massée à l’extérieur (c’est-à-dire quasiment tout le monde) se presse vers l’Orangerie. Il ne faut pas attendre 10 minutes avant que la température ne monte de quelques degrés. Et que l’humidité ambiante n’envahisse les lieux. Accusant un léger retard, Taylor Kirk, cheveux longs et vêtu d’un costard, monte sur le podium. Il est accompagné d’un batteur et d’un bassiste. Hormis deux ampoules suspendues qui vacillent au-dessus de la tête du trio, l’éclairage est projeté dans leur dos. L’atmosphère est lugubre. Le set s’ouvre par des morceaux issus du dernier long playing, « Hot Dreams ». Des compos plus généralement blues/rock. Mais la setlist va puiser dans l’ensemble de sa discographie. Les notes guitare dispensées par le Canadien résonnent dans la salle. Sa voix est voluptueuse. Elle me fait penser tantôt à Léonard Cohen, tantôt à Nick Cave. Si sur disque, ses chansons empruntent un format folk, en ‘live’, elles privilégient la tension électrique. Une intensité qui va s’accentuer lorsque l’expression sonore va tout doucement glisser vers un rock progressif pas du tout palpable sur ses précédents opus.
Malheureusement, on a l’impression que Taylor Kirk a érigé une barrière entre lui et le public. Jamais, on ne verra son visage. Peu loquace, il n’adressera qu’un seul ‘merci’ à son auditoire, sans autre commentaire. Cette absence de communication va même finir par devenir dérangeante. Et au bout d’une bonne heure de prestation, on a eu l’impression que le set tournait en rond.
S’il faut reconnaître l’aspect strictement musical était irréprochable, en revanche, on a le droit de se demander pourquoi l’attitude de l’artiste vis-à-vis de l’auditoire, était si glaciale ? Pourquoi s’est-il enfermé dans sa coquille ? Un minimum de contact aurait peut-être permis à Timber Timbre de briser cette morosité ambiante qui s’est installée au fil du concert...
(Organisation Botanique)
La musique psychédélique est un peu comme le Phoenix : régulièrement, elle renaît de ses cendres pour livrer un nouvel avatar, héritier des traditions des années sixties et seventies. Après The Church (« Heyday ») dans les années '80, Oasis et Kasabian dans les années '90 et plus récemment, Tame Impala, Black Angels et Animal Collective, Temples, une formation originaire de Kettering dans le Northamptonshire, vient de prendre le relais. Soutenus par Noel Gallagher, l’ex-guitariste/compositeur d'Oasis, ils rencontrent actuellement une ascension assez fulgurante. Leur passage au Botanique nous permettrait donc d'aller vérifier si nous étions en présence d'un 'hype' comme l'Angleterre nous en fourgue régulièrement ou s'il s'agissait d'un véritable talent en pleine éclosion.
La salle de l'Orangerie est bien remplie et ce qui est frappant, c'est l'étendue des tranches d'âge représentées : depuis le vieux hippie reconverti au consumérisme jusqu'aux jeunes branchés arborant fièrement une frange à la Brian Jones. Sur scène, pas de surprise : les musicos ont le même look que dans leurs clips vidéos : le chanteur/guitariste, James Edward Bagshaw, est un croisement entre Syd Barrett et Marc Bolan et l'autre membre fondateur, le bassiste Thomas Edison Warmsley, semble sorti du groupe glam The Sweet.
Au moment où les musiciens montent sur les planches, on entend la musique de « Daydream », le célèbre hit du groupe belge Wallace Collection ; mais, sacrilège, dans une version 'cover' ! Une furieuse faute de goût, si vous voulez mon avis. Enfin, dès le premier titre du concert, le superbe « Colors To Life », on doit se rendre à l'évidence : les lascars savent jouer ! Le son est parfait, les harmonies vocales époustouflantes et l'ensemble donne l'impression d'un professionnalisme sans faille. Ces petits morveux n'ont qu'un album à leur actif, l'envoûtant « Sun Structures », paru en février dernier sur Heavenly Recordings, et ils sont déjà au top de leurs capacités techniques.
La musique de Temples est un véritable kaléidoscope d'influences diverses. Dans l'ensemble, on pense évidemment à la pop psychédélique de la fin des 60’s : Pink Floyd (période « See Emily Play »), Beatles (« Tomorrow Never Knows »), The Monkees, The Zombies, The Easybeats ou The Byrds. Mais on reconnaît également ça et là quelques touches de T.-Rex (« Keep It Dark »). Dans « Sun Structures », les triolets exécutés en parfait parallélisme par les quatre musiciens font irrémédiablement penser au Yes du début des années '70.
Le public est parfaitement réceptif mais c'est « A Question Isn't Answered » qui provoquera le plus de réactions. La rythmique presque tribale évoque Kasabian et on est emporté par les mélodies très simples, jusqu'à la superbe finale a capella. Un joli moment ! Dans « Mesmerize », la formation s'autorise une digression instrumentale assez bruitiste, dans la tradition psyché. « Sand Dance » clôture le set, révélant des accents Zeppeliniens du meilleur acabit. En rappel, Temples interprètera un « Shelter Song » dominé par des harmonies vocales très 'sixties', que n'auraient pas reniées les Mama's & Papa's.
Au final, un concert techniquement parfait mais sans véritable grain de folie. Les musicos sont appliqués. Comme de bons élèves, ils reproduisent les sonorités de leurs aînés mais, ils en oublient qu'il faut casser le moule, briser le carcan, si l'on veut exister en tant qu'artiste. De plus, dans les mélodies, ils abusent, en général, de ‘clichés’, des clichés qui après quelques écoutes, se transforment en ‘rengaines’. Et surtout, l'ensemble est trop apprêté, trop propre ; on ne ressent pas l'âme, la folie, la transgression du réel qui sous-tend le mouvement psyché. En conclusion, malgré des débuts prometteurs, Temples devra s’affranchir de références encore trop présentes aujourd'hui, sil veut déployer ses ailes. A vérifier lors de la sortie de leur deuxième opus !
Setlist
Colors To Life
Prisms
Sun Structres
A Questions Isn't Answered
The Golden Throne
Ankh
Move With The Season
Keep In The Dark
Mesmerize
Sand Dance
Encore :
Shelter Song
(Voir aussi notre section photos ici)
Laurence Jones est un jeune chanteur/guitariste anglais. Pourtant, âgé à peine de 21 ans, son blues rock est inspiré par d’illustres gratteurs qui affichent de nombreuses années au compteur ou considérés aujourd’hui comme des légendes, à l’instar d’Eric Clapton, de Buddy Guy, Jimi Hendrix et Walter Trout. "Thunder in the sky", son premier elpee, était chargé de promesses. Depuis, l’artiste a pris de la bouteille. Il s’est énormément produit en ‘live’. Il a servi de supporting act pour le Royal Southern Brotherhood et côtoyé le Texan Mike Zito qu'il a réussi tout bonnement à impressionner. Le gamin a désormais tout dans les mains. Il a signé un contrat chez Ruf ; ce qui lui a permis d’enregistrer cet opus au sein du studio Dockside à Maurice, en Louisiane. Des sessions au cours desquelles il a bénéficié du concours de grosses pointures, dont Yonrico Scott, Charlie Wooton ainsi que la section rythmique du Royal Southern Brotherhood. En outre, Mike Zito s’est chargé de la mise en forme.
"Foolin' me" est une entrée en matière très musclée. Pour un si jeune gars, la voix de Laurence s’affirme naturellement. La guitare crache le feu au sein de cet univers manifestement rockin' blues. "Move on" adopte un même tempo. Le climat est torride. Solide, la voix domine l’ensemble soutenu par une section rythmique de grande classe. L’envol des cordes est particulièrement impressionnant. "Tomorrow is another day" baigne dans une ambiance plus cool, une compo qui flirte avec le R&B. Le grand Jumpin' Johnny Sansone est bien de la partie. Il rugit de plaisir sur son harmonica. Une piste au cours de laquelle on remarque le soin apporté par Zito à la production. Un grand moment ! Sur "Temptation", Jones me rappelle Walter Trout, dans un style proche d'Albert Collins. Les cordes sont dupliquées de manière à assurer des échanges brûlants. "Can't keep living like this" est un rock blues plutôt gouailleur à la limite du hard. Laurence se réserve le dobro et Mike Zito les cordes acoustiques tout au long de "Whisper in the wind", une tendre ballade. Le spectre de Jimi Hendrix plane sur "Fall from the sky", notamment lors de l’excellente finale, qui met en exergue les cordes. La voix de Jones est naturellement puissante, incisive même, tout au long du "My eyes keep me in trouble" de Hysear Don Walker, une parenthèse funk. "Southern breeze" constitue un autre sommet de l'opus. Très inspirée par le Sud, caractérisée par la présence d’une guitare slide, cette plage évolue dans un registre que ne renierait pas Zito. "Wind me up" nous plonge dans une ambiance digne des Allman Brothers, un blues puissant, irrigué par l'orgue de Lewis Stephens (NDR : un musicien qui bosse régulièrement en compagnie de Zito) et caractérisé par des guitares dédoublées. Blues lent, "Bad bad dream" est a nouveau hanté par Hendrix. En finale, "Soul swamp river" est dominé par l’harmo passionnel de Johnny Sansone, un titre coécrit par Mike Zito et Laurence Jones…
Le patronyme de cette formation est susceptible de vous induire en erreur. Cette formation ne nous vient pas du pays de l’Oncle Sam ou de l’Albion mais bien de l’Hexagone. Elle est même issue de l'île d'Oléron. Et est dirigée par le chanteur Arthur Di Piazza, qui a adopté le sobriquet d'Archi Deep. Ce guitariste/pianiste militait encore au sein d’un groupe punk, en l’occurrence Redfish, fin de la décennie précédente, avant de monter ses Monkeyshakers. Un line up impliquant une section rythmique, Martin Leroy à la basse et Camille Sullet à la batterie.
Archi Deep a vécu pas mal de temps à Londres. Les premiers elpees des Stranglers constituent certainement ses disques de chevet. Et c’est manifeste sur le titre qui entame l’opus, "Ballad of love". Une compo punk, tramée sur les lignes de basse. La voix rappelle inévitablement celle de Hugh Cornwell. Une introduction très réussie. Plus garage, "Half of a two" est parcouru par une guitare aux accents métalliques. Soutenu par les chœurs des deux Moneyshakers, le chant est lustré, communiquant un aspect plus pop à la plage. Les sonorités sont parfaitement ciselées et surtout bien maîtrisées. "Psycho girl" s’ouvre par des accès de gratte funkysants. Camille fait le forcing sur ses peaux pour communiquer ce profil nerveux qui incite au déhanchement. S’étalant sur plus de 7 minutes, "Whispering song" se distingue manifestement de l’ensemble. A l’instar du titre, il fait l’apologie du murmure. Un véritable tour de force opéré par le chanteur qui emprunte quelque peu les paroles à « The end » (‘This is the end, my friend…’) de Jim Morrison, tout en conservant un style personnel. Un morceau au cours duquel on est propulsé par les cordes d’Arthur Di Piazza, dans un périple psychédélique, délirant, bruitiste. Une véritable claque ! "Oh God! I want you!" retombe sur terre ; ou plus exactement dans un garage pop que le band semble affectionner! Trop court, ce mini elpee s’achève par le ludique "Hate". Ce groupe français a manifestement du potentiel ; il est à suivre de très près…
La Chiva Gantiva a été fondé par 3 Colombiens expatriés en Belgique. Dont le leader Rafael Espinel, chanteur/percussionniste qui avant de vivre à Bruxelles pour y suivre des cours de Beaux-Arts, avait transité par le Sud de la France. C’est en partageant une collocation au sein de la capitale, qu’il va rencontrer la plupart des musiciens qui vont former le groupe, un line up que rejoint alors un Français, un Vietnamien, et deux Belges. Et il faut avouer qu’en un peu plus de cinq ans, le septuor a pris de l’envergure. En 2010, il se produisait encore au Harby Festival à Anseroeul, entre Tournai et Renaix. Puis, après avoir effectué plusieurs allers-retours entre la capitale de l’Europe et la Colombie, où il remporte un franc succès, il commence à écumer des festivals de plus en plus conséquents en Belgique (Esperanzah, Couleur Café, Dour, etc.), et même à travers tout le Vieux Continent. Il vient d’enregistrer son second elpee, « Vivo », et se prépare à une tournée mondiale. En attendant, il se produisait ce vendredi 28 mars dans un AB Club sold out !
Vers 20h40, le combo monte sur l’estrade. Un drummer, un bassiste vêtu d’une salopette rouge, un guitariste (NDR : Felipe Deckers, également co-responsable de l’écriture des morceaux), deux cuivres dont un saxophoniste et un clarinettiste, une percussionniste en short, dont les cheveux bouclés lui tombent jusqu’au bas du dos ; et enfin, Rafael –cheveux noirs mi-longs en broussaille et barbe– armé d’un micro surmonté d’une mini caméra destinée à le filmer (voir résultat ici) Le set s’ouvre par le titre maître du dernier elpee, « Vivo ». Et on entre directement dans l’ambiance. Cumbia, champeta, afrobeat, funk, hip hop et rock vont faire bon ménage, ce soir. La température s’élève d’ailleurs rapidement dans la salle ; et le public a déjà des fourmis dans les jambes. Régulièrement, Rafael vient frapper sur son llamador ; mais surtout, il harangue la foule et l’invite à participer au spectacle. Lui demandant de répondre à ses onomatopées ou plus tard de lever les bras en les balançant de gauche à droite ; ou encore de faire le plus de bruit possible pour dépasser les 100 décibels. Il chante la plupart du temps dans la langue de Cervantès, parfois de Voltaire (« Pigeon »). Après quelques titres, il se retrouve en marcel et fatalement, à mi-parcours, torse nu. Bien vite imité par le drummer. Faut dire qu’il fait de plus en plus chaud, dans l’AB Club. La percussionniste frappe sur une sorte de tambour couché (tambora allegre) ou alors un tube en laiton. Après l’avoir détaché de son support, elle le secoue ou le gratte, à l’aide d’une sorte de racloir. Elle se déhanche sensuellement, un sourire permanent aux lèvres. Et puis, lorsqu’elle empoigne ses maracas, on a l’impression qu’ils ne font qu’un avec elle. La setlist épingle également l’un ou l’autre titre plus rap metal, abordé dans l’esprit de Rage Against The Machine ; moment choisi par les musicos pour bondir sur le podium, incitant la foule à les imiter. Même les cuivres s’y mettent, venant parfois se mesurer en bord de podium. Puis, le groupe nous présente un invité colombien. Il a emporté son propre llamador. Le premier titre auquel il participe manque un peu de cohérence ; mais dès le suivant, les ‘battles’ entre percus se multiplient. Natalia prend place derrière les fûts, afin que le batteur puisse passer à la trompette ; et son intervention est vraiment remarquable. Et quand La Chiva Gantiva attaque « Apreatao », on n’est plus loin d’une ambiance de carnaval, Natalia entamant alors une danse bien sud-américaine. Un petit bémol ? Certaines longueurs dans les morceaux ; et puis lorsque le guitariste, doué d’une excellente technique pourtant, en rajoute une couche. Ce qui heureusement, ne va pas nuire au climat général du set.
Le rappel s’ouvre par « Pa Ke Gozen ? ». Le gratteur a opté pour une sèche à 12 cordes tout au long de cette compo imprimée sur un tempo frénétique, au cours de laquelle Rafael prend son micro pour un revolver. Excellent ! Pour le très dansant « Amamar », Rafael s’est coiffé de son célèbre chapeau de flamant rose, et le fait tourner autour de la tête. Ebouriffant ! La finale est particulièrement percussive. Le drummer a enfilé sa tenue de squelette et le public ne tient plus en place. Hormis le batteur, tous les musiciens sont en front de scène et semblent particulièrement heureux de l’accueil que lui réserve l’auditoire. C’est bras dessus bras dessous, que les sept musicos, complètement trempés, viennent saluer un public conquis et en transpiration. Plus un poil de sec !
(Organisation : AB + Live Nation)
Setlist
Vivo
Para Arriba
Estrenando
Pigeon
Por eso canto
El Pollo
Chofer
La Pecosa
El Valor tiene mareo
Pelao
Loco como yo
Wepaje
El chenche
Apretao
Rappel
Pa ke gozen?
Amamar
Migraño
(Voir aussi notre section photos ici)
L'histoire de Vex Ruffin encouragera sans doute tous ceux qui veulent faire carrière dans la musique. Adolescent, il écoute surtout du hardcore punk de L.A et la cold wave de Cure et Joy Division. Puis, il va succomber aux univers tourmentés de Throbbing Gristle et Cabaret Voltaire. Deux influences qu'il revendique régulièrement, tout comme le kraut-rock et le jazz expérimental. C'est dire si le monsieur est éclectique. Mais pour vraiment saisir l'essence de sa musique, il faut aller chercher dans son panthéon deux autres noms : Suicide et Madlib. Son univers electro-punk minimaliste évoque en effet régulièrement les pionniers new-yorkais ; et le génial producteur de hip hop lui a insufflé l'envie de devenir Beatmaker et de composer principalement à l'aide d'un sampler (le fameux SP 303).
C'est en 2011 qu'il se décide, sans grand espoir, à envoyer une démo par mail au label Stones Throw. Et là, miracle, le boss qui n'écoute quasiment jamais ce qu'on lui envoie par Internet est intrigué par la pochette et se décide à jeter une oreille. Convaincu par ce qu'il entend, il contacte Vex Ruffin qui croit d'abord à une blague d'un de ses potes. Mais l'intérêt de Stones Throw est bien réel et les morceaux sortiront sous format cassette, quelques mois plus tard, sous le titre "Same Thing Tomorrow".
Le présent opus constitue donc la suite des aventures electro-punk lo-fi de Vex Ruffin, même si le son est tout de même un peu moins crasseux que précédemment. Le principe est toujours le même : un beat de boîte à rythmes répétitif peuplé de sonorités sombres sur lequel se pose un voix monocorde. Des boucles de synthés vintage, un accord voire deux de guitare ou de basse répété à l'infini (de son propre aveu, Vex n'a pas la technique pour proposer plus), c'est le royaume du minimalisme. Du kraut-rock de chambre mâtiné de No-Wave qui touchera sans doute les amateurs des expérimentations new-yorkaises de la fin des seventies, début des eighties.
Bref, si vous aimez les superproductions, la musique de stade et les sons léchés, passez votre chemin. Mais si vous êtes friands d'imperfections lo-fi, d'atmosphères post-punk répétitives, d'émotions et de sonorités brutes, alors il se pourrait que vous vous perdiez avec plaisir dans les paysages minimalistes de ce laborantin.
Domicilié à Berlin depuis quelques années, cet artiste anglais nous propose son premier elpee. Avant d’enregistrer cet album, il n’avait gravé que quelques Eps et singles. Un opus qui constitue une sorte de ‘best of’, puisqu’il réunit la quintessence de sa discographie, publiée à ce jour.
Découpé en huit plages, « Quarters » baigne dans une forme d’électro minimaliste. Atmosphérique et paisible, également. Tout a long des 40 minutes que dure ce long playing, Jamie Welch alias Seams, privilégie le mid-tempo n’accélérant que (trop) rarement la cadence. Vous avez peut-être eu le loisir d’assister à un de ses sets, en première partie de Gold Panda ou de Dam Mantle. Et manifestement, vous avez pu constater que son électro n’est pas très dynamique. Hormis « Sitcom Apartment » et « Iceberg », deux pistes qui parviennent à nous faire taper du pied, le reste de la plaque pourrait servir de musique de fond pour supermarché. Franchement, dans le style, le dernier essai de Boards of Canada est nettement plus excitant…
Sur son premier opus baptisé « The Good Feeling Music of Dent May & Magnificient Ukulele », le natif d’Oxford, dans le Mississippi, avait expérimenté la technique de l’ukulélé. Sur le deuxième, « Do Things », il s’était frotté au funk. Pour son troisième essai, Dent May a pris un nouveau virage à 180°. Une nouvelle fois publié sur le label d’Animal Collective, Paw Tracks, « Warm Blanket » a pris une coloration nettement sixties.
Particulièrement sophistiquées, les 11 pistes de ce long playing évoquent, à première écoute, les Byrds et les Beach Boys. On y retrouve les arrangements luxuriants et guindés si chers à Brian Wilson ; et même si parfois il peuvent parfois paraître ‘ringards’, ils ne sont jamais dérangeants. Un exemple ? Les claviers très caractéristiques qui baignent « Let Them Talk ». Ou encore « Born too late », un titre à la fois nerveux et kitsch. Mais il est difficile d’imaginer que ce multi-instrumentiste était seul maître à bord, de l’écriture à l’enregistrement, pour concocter un tel opus, tant les compos proposées semblent être le fruit d’élucubrations approfondies. A l’instar de son maître californien, May possède un don particulier pour torcher des mélodies entêtantes et ensoleillées. Et « Do I Cross Your Mind ? » en est certainement la plus belle illustration.
On a, en outre, l’impression que lors des sessions d’enregistrement, Dent May a pris son pied. Tout simplement, en développant les idées qui foisonnaient dans son imagination. Un album lumineux et illuminé en ce début de printemps.
Au sein d’un univers musical contemporain propice au revivalisme 80’s et à la pop édulcorée, le nouvel elpee de Cheap Time constitue une véritable bénédiction.
Trempant dans un garage rock décomplexé, « Exit Smiles » est alimenté par une énergie punk. Bruts de décoffrage, les huit morceaux d’« Exit Smiles » sont pourtant particulièrement addictifs. Les refrains sont ainsi terriblement contagieux et hantent vos méninges, plusieurs heures encore après leur écoute (« 8:05 »). La section rythmique est implacable. Les riffs de gratte hypnotiques (« Country & City »). Le trio texan (NDR : il est issu de Nashville) libère une intensité qui suinte de sueur et de sauvagerie. Et si le chanteur, Jeffrey Novak, n’a pas d’organe cristallin susceptible de faire de la surenchère vocale, ses inflexions chargées de hargne communiquent davantage d’urgence à l’ensemble. L’excellent « Slow Variety » en est une parfaite illustration.
« Exit Smiles » est album rock’n’roll sans fioritures comme je les aime. Que du bonheur !
« Blood lines » constitue déjà le quatrième opus de cette Californienne (NDR : elle est née à San Francisco, en 1982). Si sur ses trois premiers opus, les influences rencontrées, oscillaient de PJ Harvey à Alela Diane en passant par Cat Power, « Blood / Lines » semble davantage évoquer Kristin Hersh voire même les Throwing Muses. A cause de sa voix, bien sûr, mais également des contre-voix assurées tantôt par le biais du re-recording ou par Marissa Nadler (sur « Faster than the devil » et « Dandelion Daze »). Encore que lorsque ces harmonies vocales adoptent un format élégiaque, c’est plutôt à Siouxsie Sioux qu’on se met à penser. Guère étonnant quand on sait que la musique d’Emily est fondamentalement gothique. Sur ce dernier elpee, les arrangements de cordes sont moins présents. A contrario, la guitare électrique l’est davantage, souvent réverbérée, mais sans jamais devenir envahissante. A l’instar de ce dialogue élégant entre gratte et ivoires sur « The Roses ». Des ivoires qui ont quand même conservé leurs prérogatives. Sans oublier la présence judicieuse des claviers. Ténébreux, le disque recèle également des plages plus denses, comme le solennel « Wake », l’incantatoire « Keeley » hanté à la fois par Hope Sandoval et Sinead O’ Connor, le tumultueux « The wolves » ainsi que « Thoroughbred », une compo digne d’une B.O. de western spaghetti signée Ennio Morricone. Un très bel album…
Hugh Holmes, alias Professor Harp, s’est donc autoproclamé The Undaunted Professor Harp, c’est-à-dire l’intrépide Professeur Harmonica. Il n’est plus de première jeunesse, puisqu’il est né en 1951, à Boston. A ses débuts, il joue de la batterie ; ce n’est qu’après avoir rencontré l'harmoniciste prestigieux Georges Smith, alors membre du Muddy Waters Band, qu’il opte pour la musique à bouche. C’était en 1969. Une passion nouvelle qui va lui permettre de monter sur les planches auprès de Muddy Waters, au milieu des 70’s. C’est même ce dernier qui va lui coller son pseudonyme. Il côtoie alors épisodiquement Solomon Burke et Luther Guitar Johnson. Fidèle à son Boston natal, où il se produit le plus souvent, il lui a fallu plus de 35 ans avant de graver son premier opus solo. Lors des sessions d’enregistrement, il a reçu le concours de musicos expérimentés. Et notamment Doug James (Roomful of Blues), Bob Margolin (ex-Muddy Waters Band) et des proches du célèbre gratteur Duke Robillard, comme le bassiste Marty Ballou, le batteur Mark Teixeira ou encore le regretté bassiste/guitariste John Packer.
L'ouverture "Professor Harp" est royale. Hugh chante d'une voix grave empreinte de swing. Il ponctue ses couplets de brefs chorus à l'harmonica. Instrumental, "Texago at Doyle's" est un parfait témoignage de la puissance de son souffle. Sa cover de "Sugaree", un classique signé Marty Robbins popularisé par les Jordanaires en 1957, ne manque ni de puissance ni de classe, une reprise au cours de laquelle il pose bien sa voix. Soutenu par l’orgue et le piano, "Fightin' the battle" est un long blues lent. Le professeur y est dans son élément. "What you do to me" pénètre dans le jump, une compo chargé de swing, un blues champagne sabré par les ivoires de Glenn Hardy et surtout le sax baryton de Doug James. "Wild weekend" est un hit décroché par les Rockin' Rebels en 1960. Un instrumental qui rocke. Tout au long de sa version, le professeur souffle comme un gamin qui manifeste sa joie, alors que la guitare de Tom Ferraro est éclatante en mode surf. "Sly black fox" est un swamp blues paresseux attaqué par Holems, dans l'esprit des grands du style, comme Slim Harpo! Chicago blues, "My life : An exercice in blue" adresse un clin d'œil au mentor de Hugh, Muddy Waters ; et sans surprise, Bob Steady Rollin' Margolin se réserve la guitare slide. Excellent jump blues, "Just come natural" est dirigé par le professeur devenu shouter devant les cordes de Ferraro et les ivoires de Keith Munslow. La plage finale "Eine für Herr Schmidt" est un instrumental. Un hommage poignant à l'inoubliable George 'Harmonica' Smith au cours duquel Holme souffle avec émotion et passion dans son harmonica chromatique. Un excellent album !
C’était le 10 novembre 1993, et le continuum espace temps s’est cristallisé sous mes yeux, autour de la voix de Mark Kozelek.
Une expérience unique, précieuse et empreinte de magie, qu’un peu moins de vingt années n’a jamais réussi à altérer.
Un de ces moments rares dans l’existence, figé dans un recoin de la mémoire, à l’abri de l’oubli.
Mêlant, en proportions égales, attentes et craintes, le voyage vers Gand, ce lundi vingt-trois mars, était la promesse de grandes retrouvailles entre l’ancien Red House Painters et votre dévoué serviteur.
Si le concert du VK, deux décades auparavant était l’un des moments forts de ma ‘gigography’ personnelle, il m’avait jusqu’alors empêché de revenir voir l’ami Mark sous l’une ou l’autre de ses différentes moutures artistiques.
Sous son propre nom ou sous celui de Sun Kil moon.
À présent que je ne craignais plus la désillusion, je pouvais à nouveau goûter au spectacle, sans attendre en retour le même état de confusion sensorielle qui s’était emparé de moi à l’époque.
Mes aspirations canalisées, mon esprit libre des entraves de la nostalgie, je pouvais redécouvrir ce type à la voix d’ange et aux cheveux longs.
Sauf qu’évidemment, je savais qu’entre-temps, son physique avait quelque peu changé.
Les cheveux courts et le ventre dodu, mais la voix intacte, Mark Kozelek arrive donc sur l’estrade, accompagné de ses musiciens, dont un Steve Shelley complètement relooké.
Et d’office, il apparaît qu’il se passe toujours quelque chose de spécial lors d’un concert de monsieur Kozelek.
Bien que moins perceptible qu’il y a vingt ans, la magie opère néanmoins toujours, aussi intensément.
Toujours aussi déconcertante, elle émane d’un répertoire à premier abord grave et laisse croire –à tort– que sa prestation sera plombée par des lyrics fortement hantés par le spectre de la mort.
Mais il n’en sera rien.
Si l’émotion est bien entendu au rendez-vous et le recueillement respectueux de l’auditoire de circonstance, à aucun moment l’ennui ne trouvera le moindre recoin où se loger au coeur de cette soirée.
Un subtil mélange de tendresse abrité sous des airs faussement bougon, un amour de son public pourtant étrangement illustré (il ne fait pas bon se tenir au premier rang sous peine d’essuyer quelques moqueries, plutôt bon enfant), et un sens intact du songwriting mis en lumière dans son plus simple appareil. Tels sont les ingrédients imparables d’un sort auquel il est difficile d’échapper (on n’en voit d’ailleurs pas la nécessité, n’est-ce pas?)
Tout au long des deux heures trente (!) de spectacle, flanqué de sa guitare classique, le natif de l’Ohio va retisser les liens d’un passé en devenir.
Majestueux, au centre de l’univers, son propre univers, balisé de rêves brisés et de revers amoureux, de pertes d’êtres chers ou d’histoires insolites de quidams malheureux.
Comme s’il se tenait au milieu d’une rotonde cernée de grandes baies vitrées, balayées par une légère brise, qui soulèverait de légers voiles de mémoire, sans les brusquer, mais raviverait les chagrins, les joies et les peines qui peuplent nos vies.
Splendide dans sa retenue, élégant dans son interprétation, l’artiste puise exclusivement dans le répertoire de Sun Kil Moon (et notamment de “Benji”, le petit dernier), à l’exception d’une unique reprise d’AC/DC, à l’entame des ‘Encore’.
L’exécution des deux derniers morceaux est laissée au soin des musicos (dont un solo de guitare déconcertant de naïveté proclamée) pendant que le chanteur se lève pour laisser monter sa voix, jusqu’alors tamisée dans un écho lointain.
Suspendu et bercé dans cet instant de grâce, le tout mis en exergue par la splendeur du lieu, j’ai oublié ce soir de 1993.
Et me suis promis à moi-même de ne plus fuir ce magicien extraordinaire qui semble avoir encore tant de tours dans son sac.
Si beaucoup d’eau a coulé sous les ponts depuis la première fois, c’est dans un torrent de pur bonheur que Sun Kill Moon m’a ramené aujourd’hui sur les rives de mes souvenirs.
(Organisation Handelsbeurs)
Retour en terre connue d’un vagabond céleste.
Robin Proper Sheppard se carapate maintenant depuis deux décades, fuyant son passé mais le rappelant à cor et à cri au travers de chansons parfois terriblement poignantes et souvent déconcertantes de vérité.
Il est parfois irritant dans son impudique effeuillement du mal adolescent, mais pourtant si vrai, authentique et fichtrement sympathique, qu’on finit toujours pas lui pardonner ses excès de pathos.
Un retour marqué par les souvenirs ancrés entre les murs de Bruxelles, où Robin a vécu quelques années avant de reprendre la route, cherchant ailleurs ce qui ne se trouve nulle part.
Un concert de retrouvailles, annoncé par un single (téléchargeable gratuitement sur Bandcamp) au titre en forme de balle dans le pied (“It’s Easy To Be Lonely”) mais qui va prendre corps ce soir dans un final majestueux où le groupe, soutenu par un chorale, va définitivement dévoiler la magie de Sophia.
New Found Land n’a pas laissé de traces indélébiles dans les esprits à l’heure où le collectif Sophia monte sur l’estrade. Au plus le sentiment diffus d’un sympathique interlude.
Accompagné de son nouveau line-up, Robin, le sourire suspendu aux lèvres est heureux de retrouver son public.
Car entre l’ancien God Machine et la Belgique, c’est une histoire d’amour.
Et l’amour, c’est le fond de commerce de Sophia.
Surtout dans sa veine la plus tourmentée.
De nombreux souvenirs viennent donc émailler le concert, dont le cours, tantôt calme, tantôt tumultueux, va se jeter au final dans la rivière.
Les premières notes se déposent timidement comme autant de vagues sur une plage paisible et triste. Puis le sourire de Jimmy Fernandez, l’ami parti précocement il y a presque vingt ans déjà, vient auréoler l’espace de sa présence.
Ainsi s’ouvre la valse du chagrin, qui tangue dans la voix et s’invite dans chaque arpège, sur chaque accord plaqué.
Les anecdotes dévoilées avec ce grain particulier, celui de la vérité, rappelant la genèse des deux premiers albums, majoritairement représentés ce soir.
Adam Franklin et Jeff Townsin, les fidèles acolytes de l’ombre, assurant l’équilibre et relevant le nez de la barque quand celle-ci menace de sombrer.
Parfois, les mots s’échappent de la caboche de Robin, se jouant de lui, se dérobant à sa mémoire sous le feu de turpitudes émotionnelles.
Mais le navire fait front, l’équipage est soudé, et personne dans l’assistance ne semble rester à quai.
Comme à l’accoutumée, “The River Song” vient achever la première partie, dans un final puissant, secouant, bouleversant comme une tempête existentielle.
Après un court laps de temps, Robin revient seul interpréter un morceau acoustique, laissé au choix du public (“The Death Of A Salesman”, autre chanson dédiée au bassiste de God Machine qui figure sur “Fixed Water).
Ensuite, le reste du groupe le rejoint sur les planches de l’Orangerie pour deux autres titres avant l’apothéose “It’s Easy To Be Lonely”, porté par un choeur et une instrumentation grandioses.
Le public est comblé, le groupe ravi. Le contraire aussi.
Dès sa sortie de scène, Robin viendra tailler la bavette en compagnie des fans, tout à la joie de partager quelques instants avec lui.
Sans chichis, en toute simplicité.
À l’image de sa carrière.
(Organisation Botanique)
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