« Along the Way » constitue le second album solo de Mark McGuire, guitariste du groupe Emeralds (électro/drone). Sur ce dernier opus, l’Américain originaire de Portland envisage de nous faire découvrir, à travers treize morceaux instrumentaux, les contrées lointaines et abstraites de notre esprit. Tout un programme !
En se servant d’une instrumentation tant acoustique (mandoline, guitare, piano, …), électrique (guitare, …) qu’électronique (percussions, …), McGuire nous installe en apesanteur avant de nous transporter dans son univers, pour y dessiner, selon ses déclarations, des ‘paysages psychiques’. Des nappes sonores qui évoquent quelque part l’électronica de Boards of Canada. D’abord bercé par cette musique, on finit même par se laisser hypnotiser...
« Along the Way » est à écouter d’une seule traite. Un opus homogène au cours duquel le mélomane plane, le sourire aux lèvres, sans avoir pourtant absorbé le moindre psychotrope…
Nouvel Ep pour mes punks californiens préférés ! NOFX y démontre une nouvelle fois, qu’il possède des aptitudes uniques pour torcher des mélodies. Des aptitudes bien au-dessus de la normale et nettement supérieures à celles de ses congénères ! Autre bonne nouvelle : Fat Mike n’a jamais aussi bien chanté que sur ce bref « Stoke Extinguisher » ! Malgré plus de 20 ans de carrière, les loustics de NOFX n’ont rien perdu de leur fougue : les riffs sont tranchants et les morceaux enchaînés pied au plancher, à l’instar du titre éponyme ! La version démo d’« I Believe in Goddess » figurait déjà au menu de « Self-Entitled », un elpee publié il y a quelques mois. La nouvelle mouture est plus brute et si elle balance un même vitriol politisé, elle est boostée par des interventions de basse débridées. Et le reste de l’Ep est de la même trempe. On y rencontre des guitares pop-punk acérées, des rythmes endiablés et des chœurs hyper mélodiques, comme sur la cover du « The Shortest Pier » de No Use for a Name… Une amusante récréation pour ces vétérans qui n’ont pourtant vraiment plus rien à prouver.
La découverte d’une nouvelle ‘songwriter’ ne soulève chez votre serviteur, que rarement, un grand enthousiasme. Souvent, lorsque se profile un artiste étiqueté ‘folk’, je crains devoir me farcir une copie plus ou moins conforme de ce qui existe déjà sur le marché. Une voix sympathique, une gratte acoustique et/ou un piano ne suffisent pas à me faire grimper aux rideaux. Bref, dans le style, très peu d’artistes parviennent à me faire flasher. Or, Angel Olsen est une exception qui confirme la règle. C’est même une perle rare…
« Burn your Fire for no Witness » constitue le deuxième album de l’Américaine. Il fait suite à « Half Way Home », publié en 2013. Avant d’entamer sa carrière solo, Angel Olsen est allée à bonne école puisqu’elle a collaboré à l’aventure du Cairo Gang en compagnie de Monsieur Bonnie ‘Prince’ Billy. Cette expérience lui a permis de prendre confiance en elle. Et de graver des morceaux qu’elle gardait soigneusement cachées. On remercie donc Will Oldham de l’avoir émancipée et du même coup de permettre à la scène musicale pop/rock de s’enrichir d’une belle découverte qui mérite déjà d’être épinglée comme l’une des révélations de l’année 2014.
Angel Olsen est une artiste complète. Ce deuxième LP s’écoute d’une traite. Ses onze morceaux sont superbes. Elle explose les carcans habituels et nous surprend de bout en bout. Ici, pas de folk conventionnel. L’opus s’ouvre par un titre de folk lo-fi digne des Moldy Peaches. « Forgiven/Forgotten » embraie dans un climat chargé de guitares saturées. « White Fire » nous plonge dans une atmosphère paradoxalement glaciale. Il ne faut que 4 titres pour se rendre compte du talent de la jeune artiste. Sa voix est habitée et bouleversante. L’orchestration est impeccable. Parfois luxuriante, à l’instar de « Dance Slow Decades ». Ou minimaliste, comme sur la seule piste réellement folk, « Enemy ».
Angel Olsen marche manifestement sur les traces de Cat Power. Elle réinvente le folk tout en parvenant à nous charmer. D’ailleurs, j’attends déjà impatiemment sont troisième essai !
Caribou fait des émules en ce début d’année ! Pick a Piper, c’est le projet solo de Brad Weber, le drummer des bouillants cervidés canadiens. Tout au long de ce premier opus éponyme, il navigue sur des eaux pop-psyché-électro-dance proches de celles imaginées par son génial géniteur. Soutenu par des cerveaux aussi dérangés et aventureux que le sien –Ryan McPhun des Ruby Suns et Raphaelle Standell-Preston de Braids, notamment– il dévoile 8 divagations polyrythmiques hypnotiques. L’inaugural « Lucid in Fjords » donne le ton de cet elpee hédoniste destiné à danser la tête libre lors des festivals cet été… A programmer entre Metronomy et bEEdEEgee, par exemple ! Et ce ne sont pas les 6 minutes de « South Polynesia » qui me contrediront, tant l’état de transe au sein duquel leur musique nous plonge est évident !
Actif de 1990 à 1998, Polvo est un groupe étasunien considéré comme source du mouvement math-rock. Ce qui lui a permis d’entrer dans l’histoire du rock. Lorsqu’il décide d’opérer son come-back en 2009, après plus de dix années de silence, on craint alors que cette reformation soit purement lucrative. Les pauvres gars de Chapel Hill sont certainement sans le sou et cette décision est une manière de mettre un peu de beurre dans les épinards. Seulement, Polvo n’est pas un band mercantile ; et il le démontre en publiant dans la foulée, un nouvel album, « In Prism ». La critique est unanime. Si Polvo est de retour, il a de la suite dans les idées.
Cinq ans plus tard, le quatuor version 2000 nous propose un nouvel opus. Et à nouveau, Polvo nous démontre que sa nouvelle aventure n’était pas que du vent. « Siberia » constitue une nouvelle étape dans leur évolution. Leur style s’est quelque peu apaisé (NDR : quoique !) pour embrasser un indie-rock accrocheur qui fleure toujours les 90’s, tout en alliant sens mélodique et intensité. Si leur musique semble à premier abord plus accessible, elle demeure quand même plutôt complexe et regorge de subtilités. La structure des 8 compos de l’opus est certainement le fruit d’élucubrations démentielles. Mais si le chant d’Ash est davantage posé qu’auparavant, le moment opportun, il est capable de montrer les crocs. Les riffs de guitares sont particulièrement efficaces, et certains solos méritent de rentrer dans l’histoire (« The Water Wheel »). Des claviers s’intègrent parfois dans l’ensemble et le climat peut prendre une coloration orientale, à l’instar d’« Old Maps ». Quant au batteur, on se demande comment il parvient à retrouver ses jeunes. Et comme si son drumming n’était pas assez périlleux, il y introduit des contretemps.
Mon analyse peut sans doute vous paraître succincte, mais c’est parce que ce « Siberia » est tout simplement un des meilleurs albums écoutés depuis quelques mois. Je le conseille même vivement à tout artiste qui voudrait se lancer dans l’aventure d’un groupe. Un exemple à suivre. L’album parfait de A à Z !
Attention grand album ! Voilà, c’est fait, j’avais toujours voulu débuter une chronique par cette déclaration laconique… Mais, dans le cas de « Slow Focus », c’est tout à fait justifié, car bien que leur appellation puisse probablement rebuter quelques auditeurs, l’expression sonore de Fuck Buttons est bien plus subtile que ne pourrait le laisser croire leur patronyme… Ce duo anglais issu de Bristol et fondé en 2004 par Andrew Hung et John Power atteint en effet des sommets de perversité électronique sur « Slow Focus », leur 3ème elpee. Mes oreilles, qui pourtant ne demandaient rien, n’avaient plus entendu de musique aussi noire mais excitante depuis ce cher Aphex Twin, c’est dire. Suffit d’écouter les dix minutes menaçantes de l’incroyable « Stalker » pour vous en rendre compte… Une claque malsaine et décadente qui agit sur les tempes et donnerait envie de se révolter contre la terre entière. Les deux olibrius de Fuck Buttons dézinguent les boutons de leurs claviers pour pondre 7 morceaux à écouter fort et sans modération ! De la musique électro pas pour danser, mais éructer.
Mathew Sweet est persévérant. Depuis une grosse dizaine d'années, il ne cesse de publier cassettes, cd et vinyles sous différents pseudonymes. D'abord sur Blue Baby, le label qu'il a créé en compagnie de quelques amis et dont le catalogue va du heavy rock à l'électronique abstraite. Puis, est repéré par Kranky en 2004 qui craque sur une démo de son énième projet Boduf Songs, croisement d'expérimentations électroniques, de guitare acoustique folk et de post-rock. Le résident de Southampton va alors graver quatre albums sur la structure américaine entre 2005 et 2010. Le présent "Burnt-Up On Re-Entry" constitue le premier pour le label Southern.
Cet elpee est sans doute l'oeuvre la plus aboutie de monsieur Sweet. Car s'il conserve les atmosphères dark folk crépusculaires qui ont fait sa réputation, il les enrichit de quelques passages électrifiés aux frontières du doom. Il est vrai que l'artiste définit sa musique comme du death-metal acoustique et les paroles sinistres de ses textes sont bien dans la lignée de ce style. On appréciera également le remarquable travail sur les sonorités électroniques, rythmiques et drones, plus présentes que précédemment. Cet instrumentation plus fouillée, même si toujours aussi dépouillée, ne permet en tout cas plus de classer Boduf Songs dans la catégorie des projets lo-fi.
Tout au long des pistes, la voix feutrée, chuchotée de Mathew Sweet se pose sur des boucles de guitare agrémentées de drones tournoyants et d'une rythmique électronique légères. Si on pense à des compagnons de noirceur comme Michael Gira ou Matt Elliott, les expérimentations électroniques évoquent davantage Mount Eerie alors que ses ballades nocturnes auraient pu très bien être chantées par Mark Lanegan. Finalement, on pourrait loger les compositions de Boduf Songs entre celles de deux amis proches de Sweet, Aidan Baker et Nathan Amundson (Rivulets) avec qui il forme d'ailleurs le groupe Infinite Light Ltd.
"Burnt Up On Re-Entry" est un album sombre, hivernal, parfois un peu inhumain mais riche. Et lorsqu'au milieu de ces atmosphères glaciales et désolées, pointe une réelle émotion, comme sur "A Brilliant Shaft of Light", "Maggot Ending" ou l'excellent "Long Divider", on touche presque à l'excellence. Les amateurs de dark folk n'ont en tout cas aucune raison de bouder Boduf Songs. Peu d'albums aussi intéressants dans le style sont sortis en 2013. Et tant pis pour la joie de vivre...
bEEdEEgee aka Brian DeGrauw est un multi-instrumentiste qui sévit au sein du collectif fantasque Gang Gang Dance. « SUM/ONE » constitue le premier essai solo de ce touche-à-tout talentueux qui a fait appel à quelques pointures pour l’enregistrer. A l’instar d’Alexis Taylor de Hot Chip pour le meilleur morceau des Anglais depuis pas mal de temps, « F.U.T.D. », de Lovefoxxx, la chanteuse des Brésiliens de CSS, sur « Flowers » et « F.U.T.D. », ainsi que de sa comparse Lizzi Bougatsos chez Gang Gang Dance pour mettre le feu classieusement et intelligemment au dub reggae « Like Rain Man »… Véritable savant fou militant au sein du giron la dance dite ‘indie’, le New-yorkais triture la matière sonore pour en extraire d’étranges constructions électro-baléariques (« Overlook »), house (« F.U.T.D. ») ou synth-pop (« Flowers »), … Tout y passe, en dépit d’un semblant de cohérence ! Mais peu importe tant « SUM/ONE » affiche une liberté de ton inhabituelle, une audace destinée à vous inciter à dodeliner de la tête ou de gentiment danser tel un hippie 2.0. … L’univers de bEEdEEgEE est un prolongement rêveur et shamanique de Gang Dance Dance et une belle parenthèse insérée dans le parcours de Brian, en attendant la sortie du nouvel opus des Américains.
Deux ans après avoir publié un premier essai fort remarqué dans le monde de l’indie rock américaine, le trio de Brooklyn remet le couvert en gravant « Trouble ». Toujours porté par la voix et la guitare d’Amber Papini, cet LP est à la fois varié et de très bonne facture.
L’opus s’ouvre par l’excellent « Nightingale », une compo qui démontre immédiatement que les New-yorkais maîtrisent leur sujet. Une plage minimaliste et sombre au cours de laquelle les nappes de claviers se fondent parfaitement dans les chœurs. Caractérisé par sa ligne de basse caoutchouteuse et son riff de guitare particulièrement efficace, « I Miss your Bones » emprunte un ton nettement plus allègre. Plusieurs pistes sont également traversées de claviers à coloration 80’s, à l’instar de « Rockets and Jets ». D’autres encore empruntent des chemins davantage psyché (« Last Words »). Et la formation s’autorise même un titre acoustique, « Sunship ».
« Trouble » confirme tout le bien que l’on pensait d’Hospitality. Ce nouveau disque est même plus abouti que le précédent. Et la marge de progression est encore conséquente. Ce qui n’augure que du bon pour la suite !
Le band se produira dans le cadre des Nuits Botanique, le 20 mai. Et c’est The Julie Ruin qui devrait en assurer leur première partie.
Dorian Gray, le personnage d'Oscar Wilde, restait éternellement jeune car c'est son portrait, caché dans son grenier, qui vieillissait à sa place. En observant Gary Numan, sur le podium du Depot à Louvain, on le comparerait volontiers à Dorian Gray. A 55 ans, il est fringant comme un jeune homme! Après avoir traversé une période noire, suite à une dépression, il est de retour, plus ‘électrique’ que jamais!
Rappelons à toutes fins utiles que Numan était un des pionniers de la musique new-wave électronique, entre 1979 et 1985. En s'inspirant largement de Kraftwerk ("Man Machine"), David Bowie ("Low") et surtout de l'Ultravox période John Foxx ("Systems of Romance"), il a créé un style musical nouveau basé sur l'utilisation massive de synthés. Un style libérant une énergie postpunk et reflétant une imagerie dystopique, développée autour de son personnage humanoïde. Le tube "Are Friends Electric" et l'elpee "Replicas", publiés sous le patronyme de Tubeway Army, ont rencontré un succès immédiat en 1979 et ont été suivis par deux albums solos considérés comme de purs chefs-d'œuvre : "The Pleasure Principle" et "Telekon". Sa carrière a ensuite connu des hauts et des bas ; surtout des bas, jusqu'à ce que des ‘maîtres’ tels Dave Grohl, Trent Reznor, Prince ou Jack White décident de remettre Numan au goût du jour, début des années 2000, en soulignant son influence majeure sur la musique moderne. Influencé à son tour par ses ‘disciples’, surtout par Trent Reznor, qui est aujourd'hui son ami et voisin à Los Angeles, Numan a ensuite évolué vers une ‘power pop’ aux accents industriels, voire même metal.
C'est la dualité entre ces deux périodes qui constitue la trame majeure des shows de Numan. Au Depot, pour son 9ème concert en Belgique, il va alterner les hits incontournables de sa première période, comme "Cars", "Films" ou "I Die: You Die" ainsi que des plages de son tout dernier opus, "Splinter", dont il puisera non moins de neuf chansons, et quelques pistes extraites de "Pure" et "Dead Son Rising". Sur les planches, il est accompagné par un groupe complet, constitué d'un batteur, un guitariste, un bassiste et un claviériste. Les anciennes compos bénéficient de versions plus 'punchy', comme, par exemple, "Cars" et "Metal", qui sont jouées à la façon Nine Inch Nails, légèrement plus rapides et rehaussées par des guitares cinglantes.
Justement, les références à Nine Inch Nails sont encore plus marquantes dans les titres plus récents de Numan. L'intro de "I Am Dust" rappelle clairement les sons indus du combo américain période année 90. "We're The Unforgiven" évoque quant à lui "Help Me, I'm In Hell" dans les lignes de guitare. Les morceaux plus calmes, comme "The Calling", rappellent le côté ‘ambient’ de Trent Reznor, caractérisé par des mélodies simples au piano et par des vocaux murmurés plus que chantés. Par moments, l'illusion est frappante et on constate avec amusement que Numan s'inspire de Reznor qui, lui-même, s'inspirait de Numan... La boucle est bouclée.
L'attitude de Gary Numan sur les planches est loin d’être celle d'un humanoïde froid. Il se livre à fond, et ses prestations vocales sont irréprochables. Sur certaines compositions, surtout issues du dernier elpee, la formation utilise une bande-son, sur laquelle les musiciens jouent en direct. Qu'on apprécie ou pas ce procédé, il permet de reproduire les arrangements très complexes, les bruitages, les sons triturés voire même les voix féminines (dans "Splinter"). Les anciennes compos sont, quant à elles, exécutées à 100% en 'live'. Parmi les plus récentes, on relève également certaines qui baignent un peu trop, mon humble avis, dans le metal. "Here In The Black" évoque même la lourdeur symphonique de Within Temptation et "When the Sky Bleeds, He Will Come" lorgne généreusement du côté de Rammstein. Mais c'est évidemment une question de goût.
Extraite de "Splinter", "Lost" est une ballade touchante, empreinte d’une grande sensibilité. Numan a déclaré qu’elle avait en quelque sorte sauvé son couple au moment où lui et sa femme Gemma souffraient de dépression. Après un "Love Hurt Bleed" chalereusement applaudi, Numan clôture son set par le très beau "A Prayer for the Unborn", également une chanson qui traite de sa vie de couple et la difficulté d'avoir des enfants. Pendant le rappel, la formation va exécuter une version très énergique de "I Die: You Die" ; et le public, resté dans l'ensemble assez calme, semble enfin se lâcher. Vient enfin le moment tant attendu: "Are Friends Electric", dont Numan fournit une version retravaillée, tout en contrastes et en nuances. Superbe! Regardez la vidéo de ce très beau moment ici. L'artiste prend congé en offrant un dernier titre particulièrement paisible, "My Last Day"...
On l'a compris, on a eu droit à un concert à deux vitesses. De superbes moments sur les anciens titres et un enthousiasme plus retenu sur les plus récents. Ces derniers sont en effet beaucoup plus formatés, plus prévisibles alors que les "Cars", "Down In The Park" et autres "Are Friends Electric" apparaissent comme des fulgurances de génie ; dans ces anciennes compos, Numan transcende les cadres pré-établis (il n'y a pas de structure couplets/refrain) et apporte cette caractéristique unique qui est l'hyper-mélodicité (chaque intervention instrumentale est un 'riff', une ligne mélodique reconnaissable). Dommage que Numan refuse de revenir à la musique de sa période la plus féconde, alors qu'une nouvelle scène très vivace (la 'minimal wave') s'emploie aujourd'hui à donner une nouvelle existence à celle des années '80.
Déplorons aussi le management de l'artiste, qui n'autorise que très peu d'interviews pour les journalistes avant le show, préférant organiser des ‘VIP meet & greets’ à 100 € pour les fans les plus aisés. Enfin, il n'y avait pas de première partie ; c'est dommage car ces 'supporting acts' sont des occasions uniques pour les artistes locaux de se faire connaître. Ainsi, on aurait aimé, par exemple, voir ou revoir les excellents Bruxellois d'ORGANIC sur l’estrade ! Mais ne boudons pas notre plaisir : vivre un concert de Gary Numan dans une forme 'olympique' a été du pur bonheur. La prestation était excellente. Le son était parfait, les lumières irréprochables et l'expérience, dans son ensemble, 'électrisante'!
(Organisation : Het Depot, Louvain)
Setlist :
Resurrection
I Am Dust
Metal
Everything Comes Down to This
Films
Here in the Black
The Fall
The Calling
Down in the Park
Lost
Cars
Pure
Splinter
When the Sky Bleeds, He Will Come
Love Hurt Bleed
A Prayer for the Unborn
Encore:
I Die: You Die
Are 'Friends' Electric?
My Last Day
(Voir aussi notre section photos ici)
Profitant de sa notoriété croissante, Donald Glover, l’inoubliable Troy Barnes de la série « Community », a mis sa carrière d’acteur et de scénariste en hiatus le temps d’une tournée mondiale. L’escale belge de Childish Gambino s’est déroulée ce 13 février entre les murs pleins à ras bord du VK. L’occasion de vérifier en personne si le mec est aussi bon sur les planches qu’il ne l’est devant la caméra.
Valeur montante de la scène Hip Hop US, souvent comparé à Drake, le bonhomme avait déjà réussi à faire vibrer le site de Couleur Café lors de l’édition 2012 du festival. Cette fois, armé de ses mixtapes et de ses deux LPs, dont le petit dernier, « Because The Internet », Childish Gambino, nom de scène de l’acteur Donald Glover, s’offre un VK sold-out pour son second passage sur les planches belges. Habitués aux retards de la salle, c’est non sans étonnement que l’on voit le p’tit gars et sa bande débarquer sur le podium un chouïa avant 21h. Hop, on attrape son verre de bière et on se glisse au fond la salle pour voir de quoi il est capable.
La bonne nouvelle, c’est que Childish Gambino réserve à son public un vrai live, pas l’une de ces misérables prestations avec DJ et en semi-playback. Dès son arrivée sur l’estrade, le chanteur affole les premiers rangs, chauds comme un brasier. Le son distillé par les musiciens est rond, chaleureux, plus Soul que Hip Hop. Glover retrace sa carrière musicale, de « Culdesac » à « Because The Internet », laissant de côté ses deux premières mixtapes. Si ces premiers travaux étaient moyennement convaincants, car trop axé sur un mode parodique, « Because The Internet » change la donne et démontre qu’il a fini par prendre au sérieux sa carrière musicale.
Entre rap et chants, le comédien/chanteur dévoile une énergie, un flow et un savoir-faire respectables, appuyés par une fan-base manifestement solide. Les premiers rangs s’égosillent d’ailleurs sur la majorité des morceaux dont « 3005 », « The Party », « Heartbeats », « Bonfire », « The Oldest Computer (The Last Night) » ou encore « Fire Fly », partagé en fin de parcours. Une ambiance bon enfant qui te fait sortir de là un sourire jusqu’aux oreilles ! Un talent à surveiller de près. Et pas qu’à la télé.
(Organisation : VK*)
Toujours fidèle à sa maison de disque Island Records, Bombay Bicycle Club avait décidé de présenter son cinquième et dernier opus, entre les murs de l’Orangerie du Botanique, ce dimanche. Intitulé « So Long, See You Tomorrow », il est sorti le 3 février dernier. C’est après avoir remporté le prix de la révélation britannique lors des NME Awards 2010 face à une concurrence féroce (The XX, The Big Pink, La Roux, The Olivers et Mumford and Sons), que les quatre (six sur scène) musiciens du Nord de Londres sont rapidement devenus les petits protégés de la presse britannique, succédant à des noms prestigieux (MGMT, Arctic Monkeys, Kings of Leon, The Libertines et The Strokes). Fort de son soudain succès, B.B.C. va aligner pas moins de cinq albums en un temps record (inférieur à quatre ans) et se produire en concert aux côtés de groupes tels que les Pixies.
Si « Flaws » –deuxième elpee sorti en 2010– avait plutôt plongé gentiment dans l’acoustique, son successeur, « A Different Kind Of Fix » (2011), a rebranché ses câbles sur 220 volts, inscrivant le groupe dans la lignée de formations comme les Arctic Monkeys. Maintenant, il ne restait plus au public de l’Orangerie qu’à attendre 21h pour découvrir les nouvelles modulations scéniques de ce band sans cesse à la recherche de nouvelles sonorités.
Brillamment emmenés par la voix tremblotante d’un Jack Steadman au charisme de moins en moins larvé, « Overdone » surprend d’emblée d’une intro percutante et d’une orientation electro-catchy qui ne manquent pas de remuer les foules. Et dès « It’s Alright Now », la tendance se confirme. Deux nouveaux morceaux qui donnent, à bride abattue, le ton du quatrième opus face à un public totalement réceptif. La salle se réchauffe rapidement et le sourire qui s’esquisse sur le visage des spectateurs, tout droit sortis d’un terne dimanche froid et pluvieux, en dit long.
Un fond de scène décoré par la pochette de « So Long, See You Tomorrow » sur lequel les lumières bicolores alternent. Des saccades d’orange ou de bleu selon les mélodies et les albums. C’est ainsi qu’un orange éclatant vivifie l’espace lorsque résonnent les morceaux les plus dynamiques et vire au bleu glacial et abyssal, imprimant profondeur aux plus introvertis. Un orange absolu et sans nuances s’allie avec bonheur aux sons nerveux de « Your Eyes », plage phare de l’excité troisième album « A Different Kind Of Fix ». Les guitares grondent, la batterie secoue ferme et les lights aveuglent. Excellent ! Profitons-en pour saluer l’omniprésence et la performance sans faille aux drums de Suren de Saram qui, tout au long du set, va lui donner du corps. Ils nous ont régalés de leur exquise précision. Et de l’impact de leur puissance. Chapeau l’artiste !
Périodes bleues. Steadman échange quelques mots avec l’audience avant que la tension ne retombe et qu’il ne prenne place derrière le piano. Le calme se love au fond des yeux et les lumières bleues viennent éclairer les mélodies plus sereines de « Eyes Off You » et de « Lamplight », toutes deux issues du flegmatique « Flaws » (2010). Ou encore « Whenever, Wherever » sur lequel le frontman joue décidemment la carte de la modestie en nous rappelant que le titre est actuellement numéro 1 des charts UK. Sans doute pour son joli format radio car il a été certainement le morceau le moins inspiré de la soirée.
Il faut cependant avouer que Bombay Bicycle Club ose l’originalité, la mixité des textures. Le groupe fusionne les instruments, les voix et les genres qu’il harmonise avec beaucoup de talent. Tout s’entremêle mais rien n’est laissé au hasard. Un rock british qui se laisse aussi vêtir de fragments exotiques sur quelques morceaux. Ainsi, alors que « Fell » se teinte de musique orientale, « Always Like This » se colore d’une bossa nova qui prendrait les chemins ensablés des plages de Copacabana. Culotté mais réussi.
Une fin de concert explosive qui ne laisse pas le spectateur insensible face au brillant et jouissif single « Carry Me » aux guitares nerveuses et aux synthés abrasifs. Et un seul rappel va suffire pour nous achever : « So Long, See You Tomorrow ».
Un concert intelligemment orchestré dont la variation continue des mélodies et des couleurs ne laisse guère le temps de respirer. 18 titres qui défilent à une vitesse surprenante et donnent envie d’explorer plus avant l’univers musical complexe de ce jeune groupe anglais.
(Organisation Botanique)
Pour une première, le festival a répondu aux attentes.
Celles de son organisateur pour commencer. Car la soirée a tenu toutes ses promesses recueillant de très bons échos de la part d’un public venu, si pas nombreux, du moins enthousiaste.
Pour les spectateurs ensuite, qui pour un prix dérisoire ont profité d’une excellente soirée, dans un cadre prestigieux à l’acoustique exceptionnelle.
Enfin pour les groupes qui ont rarement l’occasion de se produire dans un tel espace où toutes les conditions sont réunies pour optimiser une performance.
En résumé, cette première édition en appelle donc forcément une seconde ; et on l’espère, un succès croissant.
Obligations du week-end obligent, j’arrive un chouia trop tard et manque la performance des Anglais de The Physic House Band, que certains qualifieront par la suite d’‘honnête’.
Grand bruit ne sera donc pas fait de leur passage.
A contrario, Scarlett O’Hanna marque de son empreinte le début de soirée par une prestation enlevée et nerveuse qui contraste avec certains de ses shows plus intimistes.
En formule trio, les compositions prennent corps et résonnent différemment, s’accaparant l’espace ; ce qui n’est pas une mince affaire dans ces lieux à la voûte céleste haut perchée.
Une maîtrise parfaite de son sujet et une attitude authentique soulignant un répertoire finement ciselé. Pas à dire, cette jeune fille à la silhouette découpée dans la pellicule du film « I’m not there » a la carrure d’une belle promesse.
Les Billions Of Comrades n’ont pas eu le même impact, même si leur concert plein d’énergie a suscité l’intérêt d’un public attentif.
Contrairement à ce qu’ils m’avaient laissé entrevoir au PacRock en septembre dernier, leur set de ce soir semblait convenu et formaté.
Un Electro Rock enlevé mais peu convaincant au final.
Les Japonais de Lite, quant à eux, vont ravir les amateurs de Math Rock, grâce à leurs prouesses techniques moulinées à coups de bravoure.
Autrement dit, tout ce qui m’exaspère et surtout m’éreinte rapidement.
Ok, c’est super bien foutu, balancé avec un savoir faire épatant, et dans le registre, ils se démarquent certainement, là où bon nombre se contentent de singer les maîtres du genre.
Mais comme vous vous en doutez, ce n’est pas ma tasse de thé.
Je laisse donc refroidir mon effusion et m’en vais tranquillement siroter quelques bières dans le hall dont la décoration élégante est dédiée aux artistes de passage en ces murs (et ils sont légion, notamment par le biais de l’émission D6bels).
Pendant ce temps, les Français de Quadrupède préparent leur set face à votre serviteur.
Assurant l’interlude avant la tête d’affiche de ce soir, le duo de bipèdes va s’exécuter dans un périmètre circonscrit à quelques centimètres carrés.
Ce qui n’enlève rien à la qualité de leurs titres mélancoliques lovés dans une fourrure hirsute tachée de rythmiques imparables.
Un très bon moment malheureusement noyé dans une lumière un peu crue.
Enfin, lors de la clôture, les très attendus Irlandais de Girls Names vont nous offrir le set que la plupart d’entre nous attendaient impatiemment depuis des mois.
Pour rappel, un passeport égaré en dernière minute à la frontière, avait forcé le band à faire l’impasse sur leur dernière mini tournée, et en particulier leur participation au Pacrock festival de Pont-à-Celles.
Fiers détenteurs d’un des meilleurs albums de l’an passé (« The New Life ») aux résonances divinement New Wave sans jamais être éculées, les quatre jeunes gens ont certainement apprécié l’accueil réservé par une frange de fans réunis devant de la scène et marquant, avec entrain, leur joie de les entendre ici même.
Une joie néanmoins atténuée par l’absence totale de titres antérieurs à leur dernier opus.
Exit donc les morceaux pourtant irrésistibles de « Dead To Me », album de deux mille onze qui regorgeait d’hymnes nihilistes absolument incontournables.
‘Bury Me In A Wall Of Sound’ clamaient-ils à l'époque, sur un air détaché. Mais plus aujourd'hui manifestement, alors que nous, nous attendions fébrilement de les porter aux nues.
Ce soir, malgré l’efficacité de titres plus matures, le set semble un rien trop linéaire, là où justement des plages comme « I Lose » auraient assurément fini de mettre à terre un public largement acquis à leur cause.
Une attitude sans doute honnête mais qui laisse planer le doute sur les raisons d’un tel renom d’un passé encore si présent.
Et les explications de la bassiste après coup n’ont certainement pas convaincu les quelques fans venus l’interroger (‘nous ne savons plus les jouer’ semblant une bien mince excuse).
Mais ne boudons pas notre plaisir.
Le quartet a au final délivré un excellent concert, de loin le meilleur d’une soirée résolument ouverte aux découvertes.
Alors que les fûts de bière se vident dans un dernier râle (émis principalement par des gosiers encore secs), le rideau se referme sur la naissance d’un festival, encore petit, mais qui pourrait bien, à l’instar d’un certain micro festival liégeois, grandir et faire parler de lui.
(Organisation : Ferme du Biéreau / Centre Culturel Du Brabant Wallon)
Quelle mouche a-t-elle donc piquée les 3 membres de Sten lorsqu’ils ont décidé d’utiliser cette image affectée pour illustrer leur nouvel Ep ? Un égo surdimensionné ou une fascination pour les années 80 ? A l’écoute de leur ‘5 titres’, on découvre la raison : l’ambition des Auvelaisiens de faire carrière et –peut-être– truster les charts ! Pas que les compositions de Joffrey Ferrera-Lopez soient médiocres, mais comme il cite Bon Jovi (pour le lyrisme ?), Indochine (pour les paroles ?) et Nickelback (pour les guitares légèrement métal FM ?) comme influences majeures, j’ai du mal a avaler la pilule… Tout est dit et le mix est d’ailleurs très bien réussi sur le 1er morceau « Je Me Sens ». L’univers de Sten devrait donc plaire aux fans des groupes précités. Mais impossible pour votre serviteur de trouver un quelconque intérêt à leur musique…
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