Le public était particulièrement impatient d’assister à cette double affiche prometteuse ; au point que la Zone affichait sold-out, ce soir, au grand dam des distraits et des retardataires qui s'en mordent encore les doigts. Excepté ces derniers et les gens souffrant d'agoraphobie, on ne s'en plaindra pas vu le manque certain d'affluence en ces lieux, au cours de ces derniers mois. Une défection peut-être justifiée par une programmation assez inégale pour cette salle, considérée jadis comme un rendez-vous incontournable pour les aficionados de la scène alternative...
Mais bref, la foule des grands soirs était bien réunie pour assister tout d'abord au concert de Komplikations. Formation en rangs serrés, elle implique Ben (Cheap Killers, Pirato Ketchup, Two Star Hotel, Hiatus, ...) à la batterie, Lio (Le Prince Harry, Luik, Tache) au synthé et Allen au chant (dont le CV m'est inconnu). Issue le la scène germanopho-liégeoise, cette mini ‘dream team’ consomme un minimum de moyens mais atteint un impact maximal dans un genre baptisé synth-punk. Plus agressif et décharné que l'habituel et parfois convenu electro-punk, on rencontre un exemple typique du style chez Screamers, un groupe dont le morceau culte (?), "122 hours of fears", est d'ailleurs repris en concert par Komplikations. Sur les planches ces derniers sont parfaitement soudés et on imagine d'ailleurs mal le contraire vu le minimalisme de l'instrumentation. En effet, sous cette configuration, il vaut mieux jouer carré et en symbiose sinon on peut vite passer du minimaliste au minable... Une barrière qu'ils ne franchissent pas et on les en remercie! Que du bon au contraire dans leur set. Des décharges d'énergie en flux continu comme autant d'électrochocs qui agitent les corps frénétiques venus chercher leur dose d'adrénaline délivrée par un groupe pas avare en la matière. C'est le moins qu'on puisse dire puisqu'on a eu droit a +/- 1h de prestation de leur part, peut-être un peu longuet pour une première partie, même si elle a été excellente. Il faut dire qu'ils s’étaient aussi déplacés pour fêter la release party du nouveau mini-lp "Poverty' qui justifie bien un tel enthousiasme.
Longue pause ensuite avant de passer à Frustration, quintet parisien fort attendu et qui promet de faire monter davantage la pression. A leur entrée sur l’estrade, des voix scandent ‘Allez y, foutez le feu!’, alors que certains réclament déjà des morceaux comme s’ils sollicitaient un putain de juke-box... Impassibles, les musicos laissent encore la tension monter d'un cran jusqu'à ce qu'elle devienne palpable dans les premiers rangs avant de démarrer pied au plancher. Et en route pour une belle salve de brûlots post punk comme ils savent les délivrer et comme on en trouve 13 à la douzaine sur leur déjà culte "Relax", sorti en 2006. Mais seront-ils à la hauteur de cet incontournable? Pour ce qui est du début de concert on répondra oui sans hésiter. Ils enchaînent les titres sans temps mort et sans faiblesse, déclenchant des pogos effrénés qui démarrent à proximité du podium mais s'étendent rapidement au delà et finissent au bout d'un moment par avoir raison de mon goût assez limité pour la foule et ses mouvements (...), me poussant à battre en retraite vers la moitié de la salle. A partir de cet instant, mes impressions seront très différentes notamment à cause d'un manque de présence sonore à cet endroit, le groupe jouant bizarrement très bas sur scène. Mais il semble aussi qu'ils commencent à se planter par ci par là quand ils ne foirent pas carrément un break sur un morceau qui du coup tombe totalement à plat.
La fatigue peut-être? Toujours est-il qu'après seulement +/- 45 min et un rappel, ils tirent leur révérence. Ce qui me semble, ma foi, un peu court ; surtout que le support act a finalement joué plus longtemps.
Un set en demi-teinte donc malgré un démarrage en force ainsi qu'une première partie des plus convaincantes et à l'énergie communicative suivie par davantage de tâtonnements et autres problèmes techniques qui me laissent dubitatif. Bravo par contre à Komplikations qui ne cesse de s'améliorer tout en gagnant en efficacité et en impact.
(Organisation Plastic Team Liège/PGL Aachen)
L'éclectique label londonien Monotreme élargit encore un peu plus ses horizons en accueillant une des étoiles montantes de la bass music anglaise, Sorrow. Ce jeune producteur originaire de Birmingham et résidant à Bristol a, au cours de ces deux dernières années, accumulé les maxis et les collaborations (Stumbleine, Asa, Submerse) dans une veine UK garage/dubstep. Pour son premier album, J.Healing ralentit le tempo et nous propose un univers mélancolique entre post trip-hop et ambient dubstep. Des voix féminines spectrales croisent des cordes synthétiques sur une basse ronflante plutôt downtempo ("Elixir", "Embrace").
Confortablement installé dans ces atmosphères synthétiques délicates plutôt bien troussées mais un peu redondantes, on a l'heureuse surprise d'être tiré de notre engourdissement par des morceaux plus vivifiants. La trilogie "Maelys", "Supernova", "Flowerchild" mêlant UK Garage et Deep-House parle autant à la tête qu'au corps et constitue, à mon sens, le meilleur moment de "Dreamstone". C'est intelligent, c'est raffiné. On comprend mieux le buzz autour du monsieur.
La fin de l'album replonge dans des contrées plus down-tempo, lounge contemporain (Gallow Hill et son côté Kruder & Dorfmeister 2014). Un ultime soubresaut survient sur "Intruder" au cours duquel les beats et des samples de violon s'entrechoquent en clôturant un album finalement plutôt varié et réussi. Le premier elpee de Sorrow amène un peu de classe, de fraîcheur et de profondeur à un style qui tourne un peu sur lui même et collectionne les productions vulgaires. "Dreamstone" n'est pas un chef-d'oeuvre mais certainement un premier essai prometteur.
Produit par Ridley Scott, ce documentaire aligne toute une série de témoignages recueillis auprès des fans du Boss qui expliquent la raison pour laquelle il mérite leur admiration. Des anecdotes, des souvenirs, des moments d’émotion entrecoupés de quelques archives qui s’adressent surtout à ces inconditionnels.
Le plus intéressant procède des 6 titres immortalisés sur la scène d’Hyde Park, dont deux en compagnie de McCartney (« When I saw her standing there » des Beatles ainsi que le standard de r&b popularisé par les Isley Brothers et les Fab Four, « Twist and shout »). Et franchement ce (trop) court bonus vous donne vraiment envie d’aller assister à un concert de Srpingsteen. Soutenu par son E-Street Band (cuivres et chœurs y compris), il s’y révèle impressionnant de maîtrise et de charisme…
Il y a plus de quatre mois que cet Ep prend la poussière sur ma pile de cds à chroniquer. Depuis que je l’ai reçu, je retarde constamment l’échéance. Je ne parviens pas à l’écouter. Pourquoi ? La pochette ! D’un point de vue esthétique, on devrait interdire de publier des disques aussi mal fagotés…
Dans leur biographie, on apprend que les trois musiciens ont déjà participé à différents projets, gagné quelques concours, et qu’ils ont eu l’occasion de tourner au sein de plusieurs pays francophones.
Fondé en 2010, Airco ambitionne de faire du rock en s’exprimant dans la langue de Molière ! Belle initiative, certes ! Malheureusement, cet Ep risque plutôt de décourager les audacieux qui auraient envie d’opter pour un choix semblable. Après le quart d’heure consacré à cet Ep éponyme, on en conclut qu’à défaut d’avoir une âme de poète autant chanter en anglais, la forme passe mieux et on ne s’attarde pas sur les paroles. Et comme le niveau musical n’est pas plus élevé… Il est même d’ailleurs en parfaite adéquation avec le chant. Le rock d’Airco est daté. Aucune puissance. Des mélodies entendues et réentendues… Il n’y a malheureusement rien à sauver sur cet Ep. Quoiqu’en l’abordant au second degré, on pourrait esquisser un sourire.
La voilà, la nouvelle potion maléfique des 'psychédéwitches' bruxelloises Toxic Witch aka Sandra Hagenaar (Fifty Foot Combo, Kris Dane…) et Sonic Witch aka Laurence Castelain (Flesh and Fell, The Chicks…). Oh, c'est un picture disc: sympa! Publié par Lynch Law Records, ce nouvel opus recèle des philtres dont les demoiselles ont le secret, entre cabaret électro et postpunk doublé d'un 'French touch'. Pour vous donner une idée, c'est un subtil parfum à la fragrance Vive La Fête, enrichi d'une lampée Miss Kittin' et de quelques gouttes de Simi Nah, Noblesse Oblige ou encore Geneviève Pasquier... Envoûtant!
La première plage, "Alkaline", est comme le cri de ralliement du duo, l'affirmation de leur identité. 'A' comme 'Ace of Spades'!! "Dark Energy" est un brûlot pour boîte de nuit un peu 'dark'. L'énergie est là, ce qui est logique pour Alk-a-line (arf). Ce dancefloor killer un peu psyché a d'ailleurs déjà figuré dans la playlist d'une des soirées ‘DARKOTHEQUE’...
"Ich weiss", chanté dans la langue de Goethe, démontre que nos deux sauvageonnes sont polyglottes... en plusieurs langues (le pléonasme est voulu)! Après une intro hantée par l'ombre de Marlène Dietrich, un coup de baguette magique et un rythme super rapide, genre 160 bpm, déboule pour sacrifier les accents berlinois des claviers sur l’autel du mariage. Dans "Everything is not what it seems", une compo electro-clash sur les faux semblants, les cosmic chicks sont clairement 'on speed'!
Une intro de theremine qui parvient à imiter le cri d'une sorcière: joli! "This Is Not A Fairy Tale" brille aussi, entre autres, pour son ambiance très ‘Halloweenesque’ et pour les paroles, écrites par Jean-Luc De Meyer, célèbre chanteur de Front 242 mais aussi, et c'est moins connu, féru de langue française. Au milieu du morceau, on identifie une incantation dans la langue de Molière (d'ailleurs écrite sur la plaque), qui est un palindrome syllabique.
La face B du vinyle s'ouvre par "C’est les Rats scélérats", une chanson consacrée aux maudits rongeurs, caractérisée par des accents de piano bastringue. Relevons au passage la remarquable production de l'Ostendais Pierre Goudesone (production artistique; aussi dans Flesh and Fell, Goudi…) et de Jean-Pascal Vandestien (production Lynch Law). Dans "Train-Train", les paroles sont de Jacques Perry-Salkow, un écrivain français spécialisé dans les oeuvres 'oulipiennes', ces écrits qui suivent une contrainte précise. Ici, c'est un tautogramme : tous les mots commencent par ‘t’. Les voix de Laurence et de Sandra chuchotent ces belles allitérations un peu à la façon de la 'Vilaine Farmière', très (al)câlines...
"Good Boyz" se distingue par son refrain très accrocheur, aux relents de comédie musicale américaine. L'histoire posthume d'une chienne qui a tué la compagne de son maître constitue la trame de la plage "Le Dobermann"... Enfin, "Le Coeur à l'Ecrou" est un nouvel exercice de style opéré par Jacques Perry-Salkow, une symphonie d'anagrammes, chantée de maîtresse manière!
Petite coquetterie : tous les minutages des plages de l'album sont des palindromes, c'est-à-dire qu'ils peuvent se lire de droite à gauche également (2:52, 3:33, 3:03, etc.)... On l'a compris : les girls ont beaucoup d'esprit et, en plus, elles ont du sexe à pile! Good job, Alk-a-line!
Photo cover: Natacha Giraldo
Fondé en 1999, Amplifier nous vient de Manchester. Avant d’enregistrer ce quatrième opus, le line up du groupe avait subi quelques changements. Tout d’abord, Neil Mahoney a cédé sa basse à Alexander Redhead. Ensuite, après le split d’Oceansize, Steve Durose a rejoint le line up, comme second guitariste.
La presse spécialisée était tombée sous le charme de « The octopus », le précédent elpee du band mancunien. Un œuvre conceptuelle ténébreuse, ambitieuse, découpée en 16 plages, s’étalant sur plus de 2 heures et enrichie d’un livret de 70 pages. Et qui avait exigé une bonne année de travail. « Echo steet » n’a nécessité que 2 mois de sessions. Une œuvre moins prog (NDR : quoique !), mais publiée sur le label Kscope, c’est-à-dire qui héberge notamment Anathema, Steven Wilson et Porcupine Tree.
Un Porcupine Tree qui semble paradoxalement avoir contaminé le psychotique « The wheel ». Une constante ? Le soin apporté aux harmonies vocales. L’épuré « Between today and yesterday » rappelle même la conjugaison des voix opérée entre Crosby, Stills & Nash, à une époque bien West Coast. Sans quoi, il faut reconnaître que les références aux nineties sont omniprésentes. Les douze minutes de ballade mélancolique consacrées à « Extra vehicular » lorgnent manifestement vers le « Black hole » de Soundgarden. Sommet du long playing, le titre maître baigne au sein d’un climat éthéré digne de The Verve circa « A storm in heaven », même si les vocaux nous transportent du côté sombre de la lune… Steve Durose (NDR : ou plutôt le défunt Oceansize) marque de son empreinte « Where the river goes » ; encore que le véritable mur de son érigé à mi-parcours éveille en notre fors intérieur le shoegazing de Ride. Hormis le titre final, « Mary Rose », un rock parcouru par une ligne de basse mélodieuse, dynamisé par des drums souples et éclaboussé de cordes de guitares cinglantes, ce disque privilégie les ballades. Y compris le morceau d’entrée, une compo qui baigne dans un climat insouciant, concédant des accents de gratte réminiscents de Prince, avant de se lancer dans un irrésistible crescendo. Un bien bel album, même s’il n’atteint pas l’intensité tentaculaire d’« Octopus »…
Il y a déjà quelques années que j’ai perdu la trace de DAAU (Die Anarchistische Abendunterhaltung). Cette formation anversoise avait émergé à la même époque que dEUS et Zita Swoon. Depuis « We Need New Animals », sorti en 1998, pour être plus précis. Quelle musique propose-t-elle donc aujourd’hui, et en particulier ce « Eight Definitions », son 8ème album ? Ma foi, rien de bien neuf ; DAAU est toujours influencé par la musique traditionnelle de l’Est et bénéficie du savoir-faire d’excellents musiciens à la formation classique (NDR : ce sont d’anciens élèves du Conservatoire d’Anvers). Portée par des rythmes électro et soutenue par la batterie de Steven Cassiers (Dez Mona), leurs compos opèrent un mix entre l’intégrité de A Hawk and a Hacksaw (« 1992 ») et la liberté du jazz (« Berlin-Deventer-Antwerp »). Et le résultat est toujours aussi déroutant. Non seulement le groupe est toujours aussi inspiré, mais il est encore capable, comme à ses débuts de se transcender à l’aide de ses instruments (accordéon, double basse, violon ou clarinette). Bref un « Eight Definitions » haute définition !
Sans même avoir pris connaissance de la bio, il ne faut que quelques secondes pour reconnaître l’identité de cet obscur Danny. En fait il s’agit de Daniel Johnston, dont les idées sont toujours aussi déglinguées ! Oui, oui, flanqué de ses Nightmares, notre dingo préféré est responsable d’un elpee aux compos fragiles et mélodiques (« Mentally Ill »), mais aussi définitivement lo-fi (« Satanic Church »). L’Américain affiche, sur cet opus, une face plus électrique et bien plus ténébreuse… Le titre du long playing est certainement la plus belle illustration. Mais également ceux du tracklisting. Et tout particulièrement « Daniel Johnston is Dead », « Do Die », « Songs of Pain » ainsi que « Suicide ». Manifestement, à travers ce projet, l’artiste explore la face la plus sombre de son âme. Un projet qu’il creuse depuis la fin des années 90 et qui lui permet, en quelque sorte, de se défouler. Baignant dans un rock garage plutôt particulier, « Death of Satan » souffle le chaud et le froid, mais surtout recèle quelques pépites. A l’instar du déchirant « Satanic Church » ou du titre maître, hanté de divagations bruitistes (« Death of Satan »). Quoiqu’il en soit, les cauchemars musicaux de Danny sont diablement savoureux…
Deux ans après avoir publié le formidable « Kaputt », Dan Bejart, alias Destroyer, dévoile une nouvelle facette de son art. Avouant une aversion pour la langue anglaise, le Canadien a décidé d’adopter l’espagnol, seule idiome qu’il maîtrise suffisamment pour le chanter. Et lors des sessions d’enregistrement de cet Ep, Bejart a reçu le concours d’Antonio Luque.
Sculpté dans le folk rock, ce disque s’inscrit dans la lignée de son dernier opus, même si sporadiquement des effluves hispaniques pointent le bout du nez. Et le songwriter s’en sort une nouvelle fois sans la moindre égratignure. Les mélodies sont superbes, et certaines d’entre elles sont terriblement contagieuses, à l’instar de « Del Monton » ou « El Rito ». Mais le sommet de l’Ep est incontestablement atteint sur « Babieca ».
La langue de Cervantes lui va au final plutôt bien et ce « Five Spanish Songs » constitue un excellent Ep qui devrait nous permettre de patienter jusqu’à la sortie de son prochain long playing…
« My World » est loin d’être révolutionnaire, mais cet album est totalement jouissif. La musique des Detonators aurait pu naître d’une rencontre hypothétique entre Rancid, Social Distortion et Dropkick Murphys. D’ailleurs la voix d’Aleksandar Smuk pourrait incarner le chaînon manquant entre Tim Armstrong et Mike Ness. Le tout est arrosé de folklore balkanique. Pas étonnant, puisque la formation nous vient de Serbie. L’accordéon est d’ailleurs omniprésent tout a long des 11 plages de cet elpee. Mais le tout est enrobé de chœurs et traversé de petits solos au sein de ce punk énergique et entraînant caractérisé par sa structure couplet/refrain à l’ancienne. Les Detonators ne se prennent jamais la tête, ils se contentent de vous communiquer leur énergie. Et franchement, elle vous fouette l’esprit ! Ce qui n’est déjà pas si mal…
En 2002, la bande aux frères White pondait « Holes in the wall », un album unanimement salué par la critique. Une œuvre qui aurait dû leur ouvrir les portes du succès planétaire. Ce qui ne s’est finalement pas produit, malgré la publication de deux autres albums (« The American Adventure » en 2003 et « No need to be downhearted en 2007) ainsi que d’un mini elpee (« The Human Body » en 2005) de bonne facture, mais pas aussi remarquable que le premier opus.
« Idiots » constitue donc leur quatrième long playing. Les compos ont conservé ce sens mélodique aussi raffiné, ces harmonies vocales ensoleillées et ces arrangements soignés. On pense bien sûr aux Beatles et tout particulièrement à McCartney (le ludique « Mr Mitchell » ainsi que « Never again », une ballade veloutée, uniquement soulignée d’accords de piano), donc au new Mersey sound (Lightning Seeds, Pale Fountains, Boo Radleys), mais aussi et surtout au mouvement postcard (Aztec Camera, Go Betweens) et puis aux formations qui ont été marquées par cette scène, comme Belle & Sebastian, à l’instar du swinguant « One of those days » ; une forme légèrement jazz voire bossa nova qui contamine le lyrique « Brother you must walk you path alone », malgré sa ligne de guitare country. Tout en réalisant une synthèse parfaite de la pop insulaire (NDR : vous pouvez ajouter dans leur solution sonore un zeste de Squeeze et un chouia de Lilac Time), TESP lorgne épisodiquement de l’autre côté de l’Atlantique. Manifestement sur le titre qui ouvre l’LP, « The sun never sets around here », réminiscent de Fountains of Wayne et tout au long de « Lily », abordé dans l’esprit de Weezer. Quant à « Welcome to the weirdness », il nous replonge au cœur des seventies, en adressant un clin d’œil à Electric Light Orchestra. Un album de pure pop, qui risque malheureusement de passer une nouvelle fois inaperçu.
« Flesh & Fell » nous invite à un délicieux voyage dans le temps. Un livre rouvert à la page 1988. Date à laquelle le groupe avait été forcé de jeter l’éponge, frappé par la maladie de l’un de ses membres. Pourtant, l’histoire avait bien commencé. Fondé par Pierre ‘Goudi’ Goudesone, le groupe bruxellois, figure incontournable de la new wave belge, avait signé un premier single sous les labels PiaS et EMI et assurait les premières parties de groupes tels que The Sisters Of Mercy.
Une histoire que la ténacité du leader charismatique ostendais s’emploie à nous faire revivre, après 25 ans d’absence, grâce à l’aide précieuse de la chanteuse Laurence Castelain à travers ce premier album éponyme.
Profitant de la résurgence de la vague new wave, « Flesh & Fell » revisite le genre et nous plonge au cœur des ténèbres. Celles de la new wave industrielle des années 80. Un 10 titres (+ 3 bonus) pointu qui ne s’adresse pourtant pas exclusivement aux gothiques nostalgiques. Et s’ouvre également vers des horizons dark pop, mêlant des guitares sombres et mordantes (« Tipsy ») à des beats psychotiques (« Hunger ») de minimal electro qui tissent des atmosphères dangereusement hypnotiques inspirées de Siouxsie and the Banshees. Une union guitare et électronique singulièrement féroce. D’autres pistes comme « Tongue-Tied » ou « E-Rotica », morceau chanté en français, font grincer les synthés et les boîtes à rythmes pour nous offrir une electropop savamment orchestrée qui ferait rougir de honte les meilleurs tubes de Vive la Fête.
Un excellent opus essentiellement fabriqué de guitares, d’une basse, d’une batterie et de voix glaciales. Un tout organique qui offre un son plus brut, plus direct sur « Something In Between ». Outre l’omniprésence de la basse, les points forts de cet album résident dans le chevauchement délicieux des voix. Un chant mixte, sombre et sensuel, qui fonctionne à merveille et ne laisse pas de marbre sur « Suspicious ».
Terminons par le meilleur : le maladif et aliénant single « The Devil In Me ». Une perle dans sa catégorie qui ne devrait pas être faite pour déplaire aux fans de Collide, Kirlian Camera et In Strict Confidence ! Extrait : http://youtu.be/BkLo1Cqumf0.
Le réveil de l’artiste, Pierre Goudesone, n’aura pas été vain. En publiant « Flesh & Fell », il nous régale de l’un des meilleurs albums belges de ces derniers mois. L’album, sorti sous le célèbre label berlinois Out Of Line Music, s’est un peu effacé du paysage musical 2013. Vous le trouverez cependant sans trop de mal… dans les meilleures boucheries.
Petit détail important, et astucieux, du très créatif artiste ostendais : trois bonus viennent compléter l’opus et nous offrent une comparaison avec les versions originales de 1985 et de 1986. Celle de « Hunger », enregistrée en 1986 à l’ICP, vaut franchement le détour.
Bonne découverte!
C’est par un murmure que Julia Holter ouvre son 3ème opus. Et manifestement elle développe, tout au long de « World » son propre monde musical, guidé par son timbre vocal si particulier… Elle marche ainsi sur les traces –mais en plus accessible tout de même– de Julianna Barwick voire de Joanna Newsom. Son univers sonore est à la fois empreint de langueur et de délicatesse, mais surtout brille par sa créativité. Le saxo et les violons boostent « This is a True Heart », un morceau au groove imparable, alors que la contrebasse jazzifie le mystérieux « City Appearing », une plage chargée de nuances oscillant entre dissonance et mélodicité. Sagace, l’opus est librement inspiré de ‘Gigi’, un roman écrit en 1944 par Colette, et atteint son apogée sur les très beaux « Maxim I & II ». Du cabaret qui hésite entre pop et shoegaze tout en révélant une profondeur sidérale… La jeune Californienne confirme tout le bien que ses premiers albums avaient laissé deviner ! J’ai la nette impression qu’on va reparler de Kate Bush…
Clean mais triste. Tout est propre. Rien n’émerge de cette société qui apprécie les nuages. « The Cloud Appreciation Society » constitue le 4ème elpee de Melanie Hornsell, une Australienne terriblement efficace pour torcher des mélodies sans âme qu’elle sculpte dans l’instrumentation acoustique, et sur lesquelles elle pose son timbre de voix délicat, mais totalement lisse. L’album reste plaisant mais surtout n’est pas dérangeant pour un arpège. Le folk de cette Aussie est tellement aseptisé qu’il me semble l’avoir déjà entendu un nombre incalculable de fois !
Comme cadeau pour la nouvelle année, je demanderai donc à mon rédacteur en chef de ne plus me refourguer les disques de chanteuses folk aussi impersonnelles. Merci à lui… il serait tout de même dommage de débuter 2014, déjà fatigué par l’écoute de ces voix d’anges interchangeables.
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