Le rappeur, DJ et producteur Joseph Anthony Hernandez, aka Tony Touch, nous présente le 3ème volet, débuté en 2000, de ses mixtapes dédiées au Rocksteady Crew qui dans les années 90 réunissait 50 freestylers new-yorkais sur les mythiques séries ‘Power Cypha’. Le casting est donc plus qu’impressionnant sur les 25 (!!!) morceaux… jugez-en vous-même : Busta Rhymes, XZibit, Kurupt, B-Real (Cypress Hill), Raekwon, Ghosface Killah, RZA, Eminem, KRSOne, Method Man, Redman et une ribambelle d’autres MCs aux freestyles inégalement affûtés, mis au service des beats de Tony Touch, souvent old school et qui rappellent à maintes reprises le Wu-Tang. D’une coolitude absolue (“It’s A Queen’s Thing”) à défaut d’être indispensable!
Ásgeir, de son véritable nom Ásgeir Trausti Einarsson, n’est connu chez nous que depuis quelques mois. Pourtant au sein de son pays, c’est déjà une star ; et ce, depuis un bon moment. Et plus exactement 2012, année de la parution de son premier album (imprononçable et impossible à écrire), pour être exact. En Belgique, il faut tout de même admettre qu’il s’est constitué une belle brochette de fans, vu l’affluence constatée lors de son concert, accordé au Botanique. Néanmoins, en Islande, il jouit d’une notoriété bien plus conséquente. Il faut dire que son premier album y a rencontré un énorme succès. Et puis plusieurs de ses singles sont entrés dans les charts. Plus de 30 000 personnes (ce qui représente plus ou moins 10% de la population, rien que ça !) ont acheté son disque. Enfin, et pour couronner le tout, il a décroché plusieurs ‘Awards’ sur son île. N’importe quel songwriter signerait des deux mains pour vivre une telle reconnaissance, au moins une fois, durant sa carrière. Ásgeir y est parvenu, alors qu’il n’avait que 21 ans !
Afin de conquérir le marché international et de vérifier si ce succès pouvait dépasser les frontières islandaises, un grand monsieur du folk est venu lui prêter main forte pour traduire les lyrics : John Grant. En fait, les textes de ses compos ne sont pas de sa plume, mais de son père. Des poèmes. Ainsi, après plusieurs mois d’attente, le premier album d’Ásgeir est enfin prêt à conquérir de nouveaux disciples. Il sort sous le titre prononçable d’« In the Silence ».
La voix du Viking islandais évoque tour à tour James Blake, lorsque l’électro s’invite dans sa musique (« Going Home », « Head in the Snow ») ou Justin Vernon, quand la guitare manifeste davantage de présence (« Summer Guest », « Higher »). La musique d’Ásgeir est paisible et cristalline. Mais pas seulement. A l’instar du morceau éponyme, une plage davantage énergique construite sur sublime crescendo. Elle peut prendre une forme plus enjouée. Comme sur « Torrent ». Pourtant, malgré cet éventail de styles, Ásgeir affiche une constance dans la perfection.
A découvrir, si ce n’est déjà fait !
Pourtant originaire de Brighton, Fighting Fiction pratique une musique qui puise ses influences aux States. C’est en effet du côté des Menzingers, de Jimmy Eat World et de Lagwagon que cette jeune formation emmenée par Jake Glew et Andrew Cooke lorgne. ‘Back to the 90’s’ sur « The Long and Short of It », donc ! Punk, pop et surtout hyper mélodiques, leurs compos sont particulièrement énergiques, sans pour autant se révéler agressives. Une frénésie douce, si vous préférez. Faut dire que l’opus a été mis en forme par Mark Williams, l’homme derrière Biffy Clyro ou des horribles Enter Shikari. Les guitares sont puissantes et les vocaux sont scandés en harmonie lors des refrains. Enfin, on pense inévitablement à leur compagnon de label (Xtra Mile) Frank Turner, lorsque les compos prennent une forme plus acoustique (« Rebel Without a Cause »). Bref, un album de punk-pop classique qui devrait ravir les amateurs du genre mais pas réellement convaincre les autres.
Le rétroviseur balayant le spectre des années 60/70 dans son oeil inamovible, ce quatuor londonien aux relents Psych Rock ne tient pas à se démarquer de ses glorieux aïeuls mais plutôt à leur rendre un hommage appuyé.
Si le premier titre laisse craindre le pire (“Man From The CIA” au pitch vocal inutilement accéléré), la suite du long playing rattrape fort habilement le coup.
Certes, l’ensemble est imbibé jusqu’à la mœlle de références datées et certains gimmicks semblent outrageusement pompés à gauche et à droite, mais il faut reconnaître que l’ensemble tient pas mal le cap.
Certaines sorties de route étant même fichtrement emballantes (le duo sur “Readin’ Your Will” ou l’impeccable “San Antone”, entre autres).
Remarqué pour quelques reprises en face B de leurs singles (“I Want Candy” des Strangelove principalement), The Hypnotic Eye sait y faire en matière de revival, ne craignant pas l’excès de mascara pour surligner cet unique globe oculaire.
Ainsi en va-t-il de leur patronyme, emprunté à un film fantastique datant de 1960.
Jusqu’aux moindres détails qui composent cet objet dans ses moindres recoins (typographie, imagerie, sonorités et titres empruntés à d’autres répertoires).
Bref, un disque moderne reflétant une époque loin d’être révolue et qui sans faire d’ombre aux originaux, perpétue le culte d’un certain Rock acide, mais couvert de fleurs…
Un opus assuré de s’attirer la sympathie du diable…
Rares sont les artistes qui se bonifient au fil de l’âge. Damien Jurado s’était sublimé pour écrire le magnifique « Saint Barlett », en 2010 et s’était montré plus qu’inspiré sur « Maraqopa » deux ans plus tard… Non pas que le reste d’une carrière débutée en 1997 soit couverte de honte, mais l’homme de Seattle s’était tellement transcendé à cette époque en troquant son folk lo-fi classique pour des arrangements somptueux, qu’on se demandait s’il allait encore être capable de progresser. Et pourtant !
D’abord, son nouvel essai, « Brothers and Sisters of the Eternal Son », confirme l’ancrage définitif dans la cour des grands songwriters étasuniens de cet artiste découvert à l’époque par Jeremy Enigk, le leader de Sunny Day Real Estate ! La rencontre de Richard Swift semble avoir été déterminante lors de cette mue vers plus d’ambiance et de reverb’… La production est impeccable. Les voix doublées de falsetto atmosphériques illuminent cette nouvelle collection de 10 titres conceptuels qui donnent suite à l’univers de « Maraqopa » (« Return to Maraqopa »). Les sommets sont légion entre les différents frères et sœurs de cet énigmatique fils éternel. Depuis le délicatement acoustique « Silver Joy » aux cordes ambitieuses de « Jericho Road », en passant par le plus up-tempo « Silver Timothy », Damien Jurado focalise notre attention tout le long de l’œuvre. Et pas seulement pour son timbre vocal angélique. Le duo a encore frappé en parvenant à créer une sorte de minimalisme maximaliste, si cette expression est susceptible d’avoir la moindre signification…
Après un avoir gravé un premier Ep intitulé "The Light Is Ours", diffusé en 2013 en cassette et sur Internet, Luminance, le one-man band du musicien bruxellois David-Alexandre Parquier (également impliqué dans le groupe français Soror Dolorosa), publie aujourd'hui "Icons & Dead Fears", un nouvel Ep uniquement disponible sur Soundcloud et Bandcamp. Enfin, ce serait provisoire…
Ce nouvel opus s'inscrit parfaitement dans la lignée synth-pop/minimal wave de "The Light Is Ours", mais marque également une évolution intéressante. Ainsi, la plage initiale, "Drown", installe une atmosphère très ambient, voire krautrock, articulée autour de sons de synthétiseurs modulaires et de séquences qui font immanquablement penser à Tangerine Dream.
"Walk", par contre, est une plage archétype de la synth-pop : une superbe rythmique électronique sert d'écrin à la voix de David-Alexandre, très travaillée par de multiples effets, qui alterne avec des nappes de synthés analogiques que ne renieraient ni OMD, ni Howard Jones. "R/W/M" adopte un beat plus syncopé ; le côté dépouillé et répétitif évoque Agent Side Grinder, une impression confirmée par la voix grave, rehaussée par une reverb très claustrophobe. Dommage que la partie 'refrain' ne contienne pas de vocaux : la composition aurait gagné en puissance.
On ne peut pas en dire autant de "Statics", qui apparaît comme parfaitement parachevé. Le beat est rapide et on se retrouve dans un rêve synthétique réminiscent de Led Er Est : un hit! Mais "Obsession", constitue, à mon humble avis, la plage la plus séduisante. La raison, je dois l’avouer, est due à la présence d'une de mes chanteuses/songwriters préférées du moment, Nathalia Bruno (ex-Phosphor). David-Alexandre a créé pour elle une très belle musique, aux accents très Depeche Mode, sur laquelle Nathalia vient placer sa voix ensorcelante... On nage dans le bonheur du début à la fin... Une fin où le musicien vient accompagner Nathalia pour une partie 'dream-pop' très planante, aux accents de Clan of Xymox. Un magnifique morceau, qui fait d'ores et déjà partie de mes playlists de DJ, en attendant un remix? Enfin, la dernière plage, « Siharh », est un instrumental très dark ambient, même witch, construit autour de voix qui semblent tirées d'un film américain.
En conclusion, on ne peut que féliciter Luminance pour ce nouveau petit bijou ! David-Alexandre cherche d'ailleurs un label pour le sortir en vinyle : à bon entendeur... Seul petit bémol : l'absence de guitares. Elles ajoutaient une couleur légèrement Cure sur le premier Ep, surtout dans "Facts And Emotions". Quoi qu'il en soit, la musique est élégante, subtile, aérienne et surtout très riche! Le Bruxellois affine son art au fil de ses productions et s'affranchit petit à petit de ses influences, se révélant être un des talents les plus en vue de la 'scène dark' belge. Merveilleux de voir qu'une nouvelle génération de musiciens redécouvre la synth-pop et lui insuffle un sang nouveau...
Le très prolifique Spencer Krug est de retour, mais à travers son dernier projet en date, Moonface. Contrairement à son opus précédent, davantage porté sur l’électro-rock (concocté en compagnie du groupe finlandais Sinaï), sur « Julia with Blue Jeans on », le Canadien se livre sous son profil le plus simple. Il est seul au chant et au piano à queue. Que se soit chez Wolf Parade, Sunset Rubdown ou encore Frog Eyes, jamais on ne l’a entendu dans un registre aussi épuré. Il y a longtemps qu’on attendait un album de Krug profilé exclusivement sur sa voix. Faut dire que c’est sans doute l’une des plus belles pour communiquer des émotions. Et la palette est particulièrement large. Comme on pouvait s’y attendre, elle parvient plus d’une fois à nous flanquer des frissons partout. Malgré l’instrumentation minimaliste, jamais l’ennui ne guette tout au long des 10 morceaux de ce « Julia with Blue Jeans on ». D’un bout à l’autre de l’elpee on est même tenu en haleine. Des titres-phare ? Les bouleversants « Everyone is Noah, Everyone is the Ark » et la plage titre éponyme ; mais également « November 2011 », qui laisse transparaître un fifrelin de lumière…
Spencer Krug prouve une fois de plus qu’il est un songwriter hors pair. Peu importe le registre musical au sein duquel il s’exprime, jamais il ne déçoit. Une polyvalence qui est la marque des plus grands.
Nouvel Ep chargé de 4 cartouches rock’n’roll pour le cartel franco-suisse The Rebels of Tijuana. Un an après avoir publié son second album, « La Bourgeoise », le groupe nous réserve à nouveau des morceaux old-school naviguant entre un Patrick Capdevielle soul (« Qu’est-ce Que Va Dire Ma Mère ? »), un Téléphone première époque (« Mambo ») et du blues rock typiquement 60’s, lors de la reprise du « Are you Ready for the Country » de Neil Young. La formation ose également une version en français de Syd Barett sur le plus psyché « Lady Acide » (NDR : vu le titre, c’était inévitable). Un Ep parfaitement produit, classique, mais bigrement efficace. De bon augure avant la sortie de leur prochain elpee…
Le Stuk est né en 2002, un espace culturel sis à Louvain. Pourtant, je viens de le découvrir. Et je dois avouer que ce centre artistique, partagé entre une salle de concert, une autre dédiée à la projection, des ateliers, un studio d'enregistrement, etc. est absolument superbe. Bref le genre de salle polyvalente qui laisserait rêveur plus d'un Wallon...
Et si je m’y suis rendu, c’est parce que s’y déroulait une double affiche ‘made in Belgium’ des plus alléchantes. Tout d'abord Rape Blossoms, dont les morceaux entendus sur le web m'avaient vite séduit. Sur disque, leur post-punk rageur et bien noisy a suffisamment d'intérêt et de fougue pour retenir l'attention dans un genre où les prétendants sont fort nombreux. Lorsque résonnent les premières notes, le club n'est pas encore très rempli, mais il y règne une chaleur assez intenable contrastant avec le vent froid qui souffle dehors. Le groupe semble avoir ramené ‘son’ petit public d'amis ou de fans ; et bien que ce ne soit pas la grande foule, on est loin d'un bide.
Dès le début du set, on remarque que le son est très bon, excepté cette voix un peu trop systématiquement noyée dans la reverb et assez lointaine. C'est sans doute à mettre sur le compte d'une certaine timidité du chanteur qui tout comme le reste de la bande semble très jeune (début de vingtaine). Plus à l'aise, le guitariste lâche et relâche quelques accords acérés mais souples tandis que le bassiste est partagé entre ses 4 cordes et un clavier duquel il tire des nappes mélodiques façon cold wave ou des sonorités plus cra-cra. Mais c'est surtout le batteur qui, à l’aide de ses rythmes tribaux, semble canaliser l’ensemble par sa justesse quasi métronomique de ses interventions, rappelant même, lors du dernier morceau, le mythique Wire. Le chanteur descend alors de l’estrade, pour occuper l'espace vide et amorce quelques pas de danse timides, mais sympathiques.
Des débuts prometteurs en tout cas pour ce quatuor à l'énergie juvénile qui, lorsqu'il aura pris davantage d'assurance, devrait refaire parler de lui.
Le temps d'une pause afin d'installer le matos pour la tête d'affiche et la salle s'est considérablement remplie. Madensuyu n’est pas encore la nouvelle hype underground belge, mais il commence tout de même à faire l'objet d'une certaine attention médiatique méritée, grâce à sa discographie. Un Ep et trois albums, dont l'excellent "D is done" et le dernier "Stabat Mater". Venus défendre celui-ci, le duo se partage le chant. L'un se réserve les drums alors que l'autre se charge de la guitare et se sert d'un clavier qu'il joue aux pieds à l'aide d'un pédalier midi. Et bien qu'ils restent assis tout au long du concert, on sent qu'ils dégagent une certaine présence. En intro du concert, des chœurs d'enfants installent une ambiance de recueillement avant de nous laisser rentrer dans le vif du sujet. Leur musique est à la fois nerveuse et tendue mais possède également un côté dramatique presque douloureux comme le suggère le titre de leur dernier opus, référence à un poème du XIIIe siècle évoquant la souffrance de Marie lors de la crucifixion de Jésus (poème qui servira plus tard d'inspiration à de nombreux compositeurs classiques comme Vivaldi, Schubert ou Verdi... mais aussi au duo electro-punk Sexy Sushi !) Mais rassurez-vous, il ne s'agit pas d'une célébration religieuse, même si l'écoute attentive du public pourrait le laisser penser ; ce dont s'amusera d'ailleurs le batteur dans un petit commentaire adressé en forme de clin d'œil. Heureusement, il y a aussi de la légèreté voire même un certain côté pop chez eux pour éviter de tomber dans le pathos et transmettre un côté accessible à l'ensemble. Et bien évidemment de l'électricité et une énergie presque chamanique dans ces rythmes et ces vocaux qui s'étendent d'une plainte rauque à une sorte de scansion indienne, les plumes et les peintures de guerre en moins. Une forte personnalité en tout cas se dégage de leurs compos et de la façon dont ils les interprètent, totalement pénétrés par leur art.
Ils interpréteront une bonne partie de "Stabat Mater", mais reviendront aussi sur l'elpee précédent pour le plus grand plaisir de ceux et celles qui les avaient découverts lors de la sortie de celui-ci (dont votre serviteur). Et après avoir quitté la scène une première fois, ils reviendront nous gratifier de plusieurs morceaux bien sentis et loin d'une quelconque obligation contractuelle... Un bon moment de partage et de sincérité que je vous invite à vivre tant que le groupe ne squatte pas encore les gros podiums.
(Organisation : Stuk)
Le Stuk est né en 2002, un espace culturel sis à Louvain. Pourtant, je viens de le découvrir. Et je dois avouer que ce centre artistique, partagé entre une salle de concert, une autre dédiée à la projection, des ateliers, un studio d'enregistrement, etc. est absolument superbe. Bref le genre de salle polyvalente qui laisserait rêveur plus d'un Wallon...
Et si je m’y suis rendu, c’est parce que s’y déroulait une double affiche ‘made in Belgium’ des plus alléchantes. Tout d'abord Rape Blossoms, dont les morceaux entendus sur le web m'avaient vite séduit. Sur disque, leur post-punk rageur et bien noisy a suffisamment d'intérêt et de fougue pour retenir l'attention dans un genre où les prétendants sont fort nombreux. Lorsque résonnent les premières notes, le club n'est pas encore très rempli, mais il y règne une chaleur assez intenable contrastant avec le vent froid qui souffle dehors. Le groupe semble avoir ramené ‘son’ petit public d'amis ou de fans ; et bien que ce ne soit pas la grande foule, on est loin d'un bide.
Dès le début du set, on remarque que le son est très bon, excepté cette voix un peu trop systématiquement noyée dans la reverb et assez lointaine. C'est sans doute à mettre sur le compte d'une certaine timidité du chanteur qui tout comme le reste de la bande semble très jeune (début de vingtaine). Plus à l'aise, le guitariste lâche et relâche quelques accords acérés mais souples tandis que le bassiste est partagé entre ses 4 cordes et un clavier duquel il tire des nappes mélodiques façon cold wave ou des sonorités plus cra-cra. Mais c'est surtout le batteur qui, à l’aide de ses rythmes tribaux, semble canaliser l’ensemble par sa justesse quasi métronomique de ses interventions, rappelant même, lors du dernier morceau, le mythique Wire. Le chanteur descend alors de l’estrade, pour occuper l'espace vide et amorce quelques pas de danse timides, mais sympathiques.
Des débuts prometteurs en tout cas pour ce quatuor à l'énergie juvénile qui, lorsqu'il aura pris davantage d'assurance, devrait refaire parler de lui.
Le temps d'une pause afin d'installer le matos pour la tête d'affiche et la salle s'est considérablement remplie. Madensuyu n’est pas encore la nouvelle hype underground belge, mais il commence tout de même à faire l'objet d'une certaine attention médiatique méritée, grâce à sa discographie. Un Ep et trois albums, dont l'excellent "D is done" et le dernier "Stabat Mater". Venus défendre celui-ci, le duo se partage le chant. L'un se réserve les drums alors que l'autre se charge de la guitare et se sert d'un clavier qu'il joue aux pieds à l'aide d'un pédalier midi. Et bien qu'ils restent assis tout au long du concert, on sent qu'ils dégagent une certaine présence. En intro du concert, des chœurs d'enfants installent une ambiance de recueillement avant de nous laisser rentrer dans le vif du sujet. Leur musique est à la fois nerveuse et tendue mais possède également un côté dramatique presque douloureux comme le suggère le titre de leur dernier opus, référence à un poème du XIIIe siècle évoquant la souffrance de Marie lors de la crucifixion de Jésus (poème qui servira plus tard d'inspiration à de nombreux compositeurs classiques comme Vivaldi, Schubert ou Verdi... mais aussi au duo electro-punk Sexy Sushi !) Mais rassurez-vous, il ne s'agit pas d'une célébration religieuse, même si l'écoute attentive du public pourrait le laisser penser ; ce dont s'amusera d'ailleurs le batteur dans un petit commentaire adressé en forme de clin d'œil. Heureusement, il y a aussi de la légèreté voire même un certain côté pop chez eux pour éviter de tomber dans le pathos et transmettre un côté accessible à l'ensemble. Et bien évidemment de l'électricité et une énergie presque chamanique dans ces rythmes et ces vocaux qui s'étendent d'une plainte rauque à une sorte de scansion indienne, les plumes et les peintures de guerre en moins. Une forte personnalité en tout cas se dégage de leurs compos et de la façon dont ils les interprètent, totalement pénétrés par leur art.
Ils interpréteront une bonne partie de "Stabat Mater", mais reviendront aussi sur l'elpee précédent pour le plus grand plaisir de ceux et celles qui les avaient découverts lors de la sortie de celui-ci (dont votre serviteur). Et après avoir quitté la scène une première fois, ils reviendront nous gratifier de plusieurs morceaux bien sentis et loin d'une quelconque obligation contractuelle... Un bon moment de partage et de sincérité que je vous invite à vivre tant que le groupe ne squatte pas encore les gros podiums.
(Organisation : Stuk)
Ce jeudi, l’Ancienne Belgique nous invitait à partager un moment intimiste en compagnie du très prolifique Spencer Krug, alias Moonface. Le Canadien venait défendre son dernier opus en date, « Julia with blue Jeans on », un album unanimement encensé par la critique. Pour l’occasion, l’AB avait opté pour une configuration spécifique, en disposant des sièges au sein du Club, afin qu’un maximum d’une centaine de personnes puisse assister à la performance, en toute décontraction.
C’est sous un silence monacal que Spencer Krug monte sur les planches. D’entrée de jeu, le Montréalais détend l’atmosphère en soulignant l’aspect formel de la disposition des lieux. Sur l’estrade, seul trône un piano à queue. Rappelons que pour son dernier album, Moonface ne se sert que des ivoires. L’artiste s’installe derrière cet instrument, et commence à en jouer. En solitaire, impossible de tricher... Cependant, il n’en n’a pas besoin. Sa voix si particulière, chargée d’émotion, résonne comme sur ses enregistrements. Spencer démontre que s’il est un excellent chanteur, il est également fort adroit de ses doigts. Ceux-ci parcourent les touches avec une grande agilité. Il n’hésite pas à s’arrêter quelques instants (toujours en battant la mesure) avant de reprendre de plus belle pour mettre davantage de relief à l’ensemble. Un frisson vous parcourt l’échine... Difficile de rester de marbre face à son récital. Il vit ce qu’il chante, et cela se ressent. La quasi-totalité des morceaux de son dernier album figure dans la setlist. Comme temps forts, on épinglera le plus enjoué « November 2011 », et les deux plages les plus intenses du dernier elpee, « Everyone is Noah, everyone is the Ark » et « Julia with Blue Jeans on ». Il nous réserve également une nouvelle compo, qui traite des conséquences de son déménagement depuis Montréal à Helsinki. Entre les titres, il discute avec le public. On a l’impression d’assister à un concert privé tant il existe une réelle promiscuité entre lui et nous.
Une petite heure de concert plus tard, Spencer quitte l’estrade, en s’excusant de ne pas disposer de davantage de chansons. On ne lui en voudra pas, le set solo qu’il a livré était tout simplement parfait.
(Organisation Botanique)
Après la séparation de Pavement en 1999, Stephen Malkmus n’est pas resté longtemps les bras croisés. Quelques mois plus tard, il publie son premier album solo. Depuis lors, malgré une reformation éphémère de son groupe, le Californien enchaîne les LP. « Wig out at Jagbags », le dernier en date, constitue déjà son sixième. Toujours flanqué de ses Jicks, Malkmus poursuit en solo ce qu’il était parvenu à mettre en place chez Pavement, c’est-à-dire un rock lo-fi nonchalant et déstructuré. L’Orangerie, ce soir, n’est pas pleine. Le public est en majorité peuplé de spectateurs affichant la trentaine. Beaucoup sont certainement des fans inconditionnels qui ont passé des heures à écouter les albums de Pavement ou de Silver Jews (groupe au sein duquel il a milité de 89 à 99).
La première partie est assurée par The Megaphonic Thrift. Le groupe norvégien est responsable d’un rock qu’on pourrait situer à la croisée des chemins de Sonic Youth et Built To Spill.
Vers 21h, les lumières s’éteignent. Les Jicks montent sur les planches. Mark Clark, le guitariste/pianiste, prend place à gauche du podium. Le batteur, Jake Morris, siège derrière ses fûts, en retrait, sur une petite estrade. Enfin, la bassiste, Joanna Bolme, se plante au centre de la scène. Les trois musiciens entament alors une intro afin d’accueillir la star de la soirée. Après quelques roulements de tambour que le drummer accompagne de quelques cris, Stephen Malkmus débarque au pas de course. De manière à chauffer le public qui le reçoit par ses applaudissements. L’ambiance sera bon enfant, c’est désormais une certitude. Physiquement, malgré ses 48 ans, il affiche toujours la dégaine d’un adolescent rachitique de 18 ans. Après les présentations d’usage, Malkmus entame les choses sérieuses. Son jeu de guitare est directement reconnaissable : complètement déstructuré, imprévisible, toujours à la limite de sonner faux. Sa voix également n’a pas bougé d’un pouce. Ce qui ne doit pas être de tout repos pour les musiciens de suivre le gratteur. Visiblement, il s’amuse et leur fait confiance. Il enchaîne les morceaux et nous démontre qu’il n’a rien perdu de son talent. Malkmus nous gratifie de plusieurs solos issus de son imagination fertile. Rien que cela ! Sa musique est toujours aussi proche de celle de Pavement. Une différence quand même : l’absence de ‘tubes’. Normal, puisqu’il n’y en a pas dans sa discographie solo. Il faut cependant avouer qu’on a l’impression d’écouter une suite de morceaux qui se suivent et se ressemblent ; ce qui ne semble pas gêner l’assistance. Il doit être un peu plus de 22heures, quand Malkmus et ses acolytes quittent le podium pour y revenir quelques minutes plus tard, afin d’interpréter trois derniers titres.
Ce concert a été une belle occasion de découvrir ou de redécouvrir une grosse pointure des 90’s. Musicalement et physiquement, Stephen Malkmus a de l’énergie à revendre. Et c’est le sourire aux lèvres que les spectateurs sont rentrés chez eux. Une bonne humeur clairement communiquée par l’Américain durant toute la soirée.
(Organisation Botanique)
La démarche de Main hante des climats avant-gardistes plus atmosphériques, plus classiques même, redessinant des perspectives tracées par Stockhausen, John Cage et Brian Eno. Deux mini CD illustrent ce concept. "Dry Stone feed" palpite au son des guitares blêmes, redoutables, alors que "Firmament" crépite comme une lave incandescente qui se refroidit au contact de la mer. Deux œuvres pas toujours très accessibles mais fondamentales et surtout progressives...
Moon Prototype est le projet d'un musicien français, Olivier Jung, qui, depuis ses débuts, estime que sa musique doit être accessible à tous, librement. D'ailleurs toute la discographie publiée en Creative Commons est là pour en témoigner. Le nouvel opus de Jung, « Modern Life Is A Journey By Car », sorti le 25 novembre dernier sur le label belge White Leaves Music, est une oeuvre en tous points intéressante.
Les 15 compositions éclectiques évoquent tantôt le métal/prog de Porcupine Tree et Anathema, tantôt l'électro/rock façon Nine Inch Nails voire l'univers plus trip-pop de Tricky ou d'IAMX. Pour la circonstance, Jung s'est adjoint les services de Grégoire Fray (Thot/White Leaves Music), Nicolas Chapel (Demians), David Husser (Y-Front, LTNO, Mumbai Queen) et Aurélie Jung (Yakch'e).
Etonné par l'omniprésence d'extraits (‘samples’) de films dans les arrangements, j'ai demandé à Jung d'expliquer quelle était son approche de la composition : ‘L'album a été composé autour de samples’, m'a-t-il répondu par e-mail. ‘En fait, tout a commencé par quelques nappes de synthétiseur et les samples bruts, qui ont défini les thèmes des chansons et la couleur de l'album. J'aime le cinéma, je suis même un cinéphile assidu et j'ai choisi ces samples car ils dégagent quelque chose de très puissant. Mon rêve serait d'ailleurs de travailler sur une bande originale de film.’
D'emblée, la première plage, "Introspection", met en place une ambiance étrange, cinématographique, à l’aide de samples des films "Contact" et "Mission to Mars". "Coal In My Eye" installe les ingrédients de base de Moon Prototype : un mariage entre les riffs prog-metal de guitare dispensés par David Husser, les drums échantillonnés et le chant, sensible voire suave de Jung. On y rencontre des accents empruntés à Porcupine Tree et Anathema et la voix me fait penser à celle du chanteur de Gazpacho, l'excellent combo norvégien de prog-rock.
Un extrait de Pulp Fiction ouvre "My Name Is The Lord", qui poursuit dans la même veine d'un prog-metal lent et hypnotique. Plus industriel, "Keep Everyone Afraid" recèle des touches trip-hop, évoquant le Nine Inch Nails de la première période mais là où Reznor éructait son mal de vivre, Jung chante tout en retenue, en alternance avec des samples de Bowling for Columbine.
Au moment où on commence à se lasser de la formule, "Expression Of Bliss" vient introduire un magnifique contrepoint. Construite autour d'un très simple riff de basse, un peu à la Pink Floyd, la compo s'envole littéralement grâce à des guitares gorgées de flanger et de wah-wah qui renforcent l'impression floydienne, période « The Wall ». "Celebration" est encore plus beau : reposant sur deux accords minimalistes au synthé, il propose à nouveau de superbes parties de guitares et des vocaux.
Plus loin, un extrait d'interview de Charles Manson nous glace le sang tandis que Grégoire Fray (Thot) déploie des lignes de gratte saturées très ‘Musiennes’. Cette courte plage ("This Dream Is My World") se fond très vite dans "The Sinner", une compo caractérisée par une rythmique très déstructurée et de superbes harmonies vocales. Ensuite, l'annonce de la mort de Kurt Cobain sur CNN introduit "It's Better To Burn Out Than To Fade Away", une mélodie bluesy (on pense à Amy Winehouse) chantée par Aurélie Jung (Yakch'e) sur des paroles puisées au sein d'une interview de Cobain. C'est en quelque sorte la plage ‘atypique’ de l'elpee, un peu à la façon d'un "Great Gig In The Sky".
Le single "The Challenge" constitue le point culminant de l'oeuvre. Une petite pépite. Un piano discret, une phrase de guitare blues à la Gary Moore et des voix qui planent sur une nappe de synthé évanescent ; puis soudain, le rythme se multiplie par deux et le morceau s’engage dans un magnifique délire trip-hop illuminé par la superbe voix de Jung chantant "I am an outsider". Le single se termine doucement par le piano et des voix d'Indiens d'Amérique sortis tout droit du film Blueberry. Fabuleux !
Vous croyez que c'est fini ? Mais non, place ensuite au fameux discours du personnage de Charlie Chaplin dans "The Dictator", qui se développe sur un instrumental dense et riche, "The Last Straight Line". La plage titulaire "Modern Life Is A Journey By Car" repose sur un très beau poème de Jim Morrison, extrait de son recueil "The Lords - Notes On Vision" (1969). Jung alterne ici entre déclamation et chant, comme dans une lecture automatique, sans césures, du texte original, ce qui communique un effet ‘rap’ étonnant.
L'album se referme sur "Staying In Motion", à nouveau dans la veine électro-rock du début, où l'on remarque l'excellent travail de Grégoire Fray à la guitare, et enfin, "Dead Man", un instrumental inspiré par le film éponyme de Jim Jarmush.
Finalement, cet opus recèle une richesse d'inspiration incroyable, qui le place sur une des plus hautes marches des oeuvres conceptuelles, à côté des Pink Floyd et autre Porcupine Tree. Chapeau! A découvrir d'urgence!
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