A l’origine de ce projet, on identifie Ajay Saggar et G.W. Sok. Le premier a sévi au sein de The Donkey et The Bent Moustache. Il est responsable de la musique. Le second, leader de The Ex, signe les textes. Le duo est cependant soutenu par une armada de collaborateurs.
Vous avez bien observé l’image reproduite sur la pochette ? Oubliez la ! Nous ne sommes pas du tout en présence d’un groupe funk issu ou inspiré des ou par les 70’s. Ni par une énième formation de ska punk, comme les premiers morceaux de l’elpee peuvent le laisser croire. Le talent des forces en présence est bien trop conséquent pour se contenter du minimum syndical. Le ton est punk. Il est même omniprésent, comme chez The Ex. Bien sûr, il y a des cuivres ; mais Saggar parvient à insuffler aux compos une coloration indienne et même psychédélique voire floydienne. Malgré leur durée (NDR : plus ou moins 5 minutes), les sept morceaux (NDR : huit, en comptant un bonus track totalement inutile) ne suscitent jamais l’ennui. Ils adoptent une structure en crescendo nourrie de riffs hypnotiques.
Alors qu’au départ, on aborde cet elpee avec un certain a priori, on se rend compte finalement qu’il est à la fois élaboré et énergique. Très intéressant !
Certains groupes ne courent pas spécialement après le succès, mais dans cette catégorie, Quasi sert certainement de modèle. Malgré 20 années d’existence, les Américains ont toujours envie d’expérimenter, de s’autoriser des délires ou de s’égarer dans des dissonances sonores, malgré d’évidentes qualités mélodiques. Découpé en 24 pistes, « Mole City », leur 8ème album, ne déroge pas à la règle…
Archétype du groupe de rock US indie intègre, la bande menée par les ex-conjoints Sam Cooms et Janet Weiss débute sa dernière livraison par « You Can Stay but You Gotta Go », une salve quasi grunge. En chemin, elle nous invite à pénétrer dans leur cabaret rock (« Headshrinker »), affronte des éléments tourmentés (« The Goat ») ou encore se fraie un chemin au cœur de la country alternative (« Bedbug Town »). Le duo parvient même à nourrir ses brèves mélodies pop de cordes de guitare fuzz. Et quand il se convertit du power rock, c’est dans l’esprit de Big Star. Cependant, les références sont tellement nombreuses, qu’on ne parvient pas toujours à bien les cerner. Todd Rundgren, Pearl Jam, Mudhoney et Dinosaur Jr. figurent sur la liste. Mais elle est loin d’être exhaustive. Si vous espériez que ces éternels sales gosses de Portland allait se racheter une ligne de conduite, vous vous êtes flanqués le doigt dans l’œil jusqu’au coude. Parce qu’ils tirent sur tout ce qui bouge… Pourtant, si vous êtes patient, vous serez alors récompensés, par deux petites pépites ; en l’occurrence « An Ice Cube in the Sun » et « The Dying Man », hantés par les Flaming Lips ! A mon avis, on ne les changera plus. C’est une Quasi certitude
Flashback : le 5 juillet 1969, les Stones se produisent à Hyde Park. Soit deux jours après le décès de Brian Jones. Pour le remplacer à la guitare, Mick Taylor. Quarante-quatre ans plus tard, la formation mythique est de retour sur la pelouse royale londonienne. Pour y célébrer ses 50 ans de carrière. A deux reprises. Accueillant chaque fois 65 000 spectateurs. Soit les 6 et 13 juillet. Avec un matos bien plus conséquent, des artifices visuels considérables et même une longue avancée au milieu de la foule pour permettre à Mick Jagger de circuler. Le Dvd a sélectionné 19 morceaux parmi ces concerts. Et le tout est entrecoupé de commentaires accordés par Mick Jagger ainsi que d’extraits du concert de 1969. Cerise sur le gâteau, Mick Taylor –qui avait quitté la formation en 1974– suite à un différent considéré à l’époque comme irréversible, est venu donner un fameux coup de gratte sur deux titres, « Midnight Rambler » et « Sastisfaction ». Deux heures de spectacle au cours duquel les presque septuagénaires, Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood et Charlie Woods, soutenus par un backing group bien rôdé, vont enflammer un public réunissant toutes les tranches d’âge, en interprétant quelques uns de leurs plus grands classiques. Depuis « Street fighting man » à « You can’t always get what you want”, magnifié par le concours d’une chorale, en passant par « Honky tonk woman », « Gimme shelter », « Jumpin’ Jack flash », « Sympathy for the devil », « Pain tit black » et Brown Sugar ». Un seul souci, le son. Pas sa qualité, mais son inconstance. Est-ce dû au mastering ? Je n’en sais rien. Mais lorsque les compos montent en puissance, il est systématiquement ‘plafonné’. Et c’est franchement désagréable. C’est dit !
Vous pouvez écouter certains disques des dizaines de fois et ils vous font autant d'effet qu'une compétition de curling. Vous avez beau lire des chroniques élogieuses de vos confrères, rien n'y fait. Vous l’estimez creux, vide, limite énervant. C'est l'effet que m'a fait le second album de Royal Canoe, sextet de Winnipeg dans le Manitoba.
Signé sur Nettwerk, le label des Born Ruffians entre autres, "Today We Are Believers" fait suite à deux maxis sortis début 2013 et à "Co-Op Mode", une première réalisation tellement confidentielle qu'elle n'est même pas signalée dans le communiqué de presse.
Royal Canoe pratique une musique assez hybride entre electro-pop à grand renfort de claviers analogiques, folktronica et influences soul, funk 70's et 80's. Prince semble d'ailleurs être une des influences majeures, ne fut-ce que par l'emploi régulier du falsetto. On retrouve aussi çà et là des rythmiques vaguement africaines à la Vampire Weekend.
Les compositions sont loin d'être simplistes, chaque morceau proposant différentes atmosphères et la production est plutôt audacieuse. Mais il y a tel magma d'effets (sur les voix notamment) et de directions que l’ensemble en devient parfois un peu écoeurant. On sent bien que le groupe a voulu multiplier les propositions, ajoutant au passage quantité de samples, mais au final, ce développement déconcerte et lasse plus qu’il ne convainc. Et si le début de l'album, qui reprend les premiers singles ("Today We're Believers", "Hold On To The Metal") peut séduire, la seconde partie est profondément ennuyeuse. Trop ambitieux, trop long, "Today We Are Believers" pouvait se passer d'un bon tiers des morceaux. Il en aurait été bien plus digeste.
Drôle de patronyme pour ce groupe fondé par un Australien exilé à New York. En fait il s’agit du nom de la série TV préférée de la mère du leader, Craig Dermody, quand il était gosse. Lorsqu’il a publié son premier opus, en 2010, « Para Vista Social Club », il vivait encore à Melbourne. « Any port in a storm » constitue donc le second opus de Scott & Charlene’s Wedding, même si en en 2012, on recense un split cd partagé en compagnie de Peak Twins.
Mais venons en à cet opus. Ce qui frappe d’abord, c’est la voix de Dermody. Laconique, désabusée, elle campe un hybride entre Bob Dylan, Shaun Ryder (Happy Mondays) et Mark E. Smith (The Fall), évoluant même parfois à la limite du faux. Le titre qui ouvre l’elpee, « Junk shop », baigne même dans un climat ‘madchester’. C’est un peu l’exception qui confirme la règle, car le reste de l’opus –enfin l’essentiel– évoque à la fois les Replacements (la structure punk) et les Skids voire Big Country (ces cordes de guitares tintinnabulantes, angulaires, épiques, épousant parfois même la sonorité d’une cornemuse). Pas toujours une bonne idée, même si l’ensemble tient bien la route. Finalement, c’est quand ces grattes se fondent mieux dans l’ensemble que les compos sont les plus convaincantes. A l’instar de « Downtown », caractérisé par sa section rythmique plus marquée, dans l’esprit de Celibate Rifles et de Radio Birdman. Encore que cette section rythmique soit généralement offensive, même sur les ballades que je qualifierai d’uptempo.
On évoquera quand même la nature des lyrics. Parfois complètement loufoques. Comme sur « 1993 », traitant d’une conférence de presse organisée dans le cadre d’une rencontre de la N.B.A. Démontrant que Craig est capable d’écrire une chanson sur tout ce qui lui passe par la tête…
Et l’Ep « 2weeks », qui enrichit l’elpee, corrobore mon point de vue. Sur les cinq titres, les guitares sont tout aussi scintillantes, mais moins envahissantes et surtout plus subtiles, parfois même semi-acoustiques (Feelies ?). A l’instar de « My world ». Et puis participent activement à un morceau irrésistible, imprimé sur un tempo tribal hypnotique, « I wanna die ». Ou alors se révèlent judicieusement filandreuses, comme sur « Hazy morning » qui nous renvoient une nouvelle fois aux Replacements…
Je m'attendais à retrouver Nadine Shah dans bien plus de tops pour l’année 2013. La presse, surtout anglaise, s'était en effet enthousiasmée sur ces deux premiers maxis et la bombardait, avec sa mesure habituelle, nouvelle PJ Harvey.
Originaire de Whitbur, petite bourgade au nord de Sunderland et née de parents norvégiens et pakistanais, la Londonienne propose en effet des atmosphères sombres et tourmentées que ne renierait pas Polly Jane.
Produit par Ben Hiller, collaborateur entre autres de Blur et Depeche Mode, "Love Your Dum and Mad" peut se décomposer en trois parties. L'album débute par les titres les plus rock, entre post-punk et rock sombre dans une veine Bad Seeds (le single qui l'a fait connaître "Aching Bones", "To Be a Young Man", l'épique "Runaway"). Puis guitares et basses s'apaisent sur le folk crépusculaire de "The Devil" et le délicieux et fort bien intitulé "Floating" aux relents jazzy.
La suite laisse la place centrale au piano, l'instrument de prédilection de Nadine. Le chant sombre et profond de la jeune Anglaise devient plus lyrique. Les arrangements de cette fan de Scott Walker sont raffinés, les ambiances poignantes ("Dreary Town", "Remember"). Les notes gothiques du clavier sont soutenues par quelques sonorités feutrées de cordes et d'instruments à vents. Le propos est de plus en plus intimiste, sorte de folk de chambre glacial et hanté. L'apothéose survient lors du morceau final, le déchirant "Winter Reigns".
Des notes agressives de la première plage jusqu'aux dernières, évanescentes, Nadine Shah maintient une tension permanente. Inspiré en partie par les suicides de deux amis proches, "Love Your Dum and Mad" ne respire la gaieté mais il interpellera certainement celles et ceux qui comptent parmi leurs compagnons de route des artistes comme Cat Power, Scout Niblett ou Emily Jane White.
Formation bavaroise (NDR : issue plus précisément d’Ingolstadt), Slut a publié huit albums depuis 1996. Outre-Rhin, il jouit d’une certaine notoriété sur la scène alternative. Pourtant, les lyrics sont chantés dans la langue de Shakespeare. Chez nous, il faut bien avouer que la bande à Christian Neuburger (voix, guitare) émarge à la zone crépusculaire de l’underground. « Alienation » devrait peut-être permettre au groupe, de sortir de cet anonymat.
À première écoute, le pop/rock de Slut est plutôt classique et agréable, sans plus. Mais au fil de l’écoute, on se rend compte que sa musique est bien plus subtile qu’on ne l’imaginait. En fait, malgré sa longue carrière, le band a décidé d’embrasser des perspectives contemporaines. A l’instar du titre d’ouverture, « Anybody have a roadmap », un morceau caractérisé par des percussions exotiques rencontrées régulièrement sur les compos de Vampire Weekend. Ou de « Sick Road Blues », une piste savoureusement orientale. Les Teutons n’ont également pas hésité à incorporer des éléments électroniques dans leur expression sonore. Et « Broke my Backbone » en est certainement la plus belle illustration. Evidemment l’opus recèle encore des plages plus classiques ; mais il y a toujours ce petit truc en plus, cette audace instrumentale, qui permet de faire la différence. Et comme la voix de Neuburger colle parfaitement à l’ensemble, le résultat est tout bonnement remarquable.
En parvenant à évoluer, Slut vient de frapper un grand coup.
Quelques mois après avoir accordé un concert fascinant de sensualité, dans le cadre des Nuits Botanique, le lutin néo-zélandais Connan Mockasin revenait à Bruxelles ; mais pour la circonstance à l’AB (en mode ‘Box’), afin de présenter les nouvelles créations enfumées de son dernier album, « Caramel ».
Un auditoire correctement garni assiste aux premières notes d’un groupe qui manifeste une coolitude absolue. Le préposé à la basse porte une étrange perruque ; et ses interventions paraissent plutôt rondes. Les drums sont puissants et les claviers vaporeux. Toute une instrumentation qui soutient à merveille les longues et intenses divagations psyché imaginées par Connan Hosford. Le groupe interprète les meilleures plages de l’incontournable « Forever Dolphin Love », à l’instar de « Megumi The Milkyway Above » et « It’s Choade My Dear ». Bouteille de vin rouge à la main, l’artiste communique beaucoup avec son public (même si tout ce qu’il raconte n’est pas toujours très compréhensible…) et nous réserve même l'une de ses nouvelles compos, en compagnie de son guitariste et sa claviériste, dans la fosse. L’ambiance est moite, presque tropicale. Connan Mockasin et ses acolytes l’entretiennent à l’aide d’une mixture sonore qui aurait pu naître d’une rencontre hypothétique entre celle de Prince et de Sébastien Tellier circa « Sexuality », qui aurait été vaporisée de psychédélisme sixties.
Après une petite heure de set, l’artiste quitte déjà le podium ; avant de revenir sous une couette d’où sort une improbable Geisha (oui, celle qui pose dans le livret de son nouvel album) qui chauffe la foule aux cris très manga de ‘C-O-N-N-A-N, Connan !’, afin de sortir cet homme allumé, d’une nuit entamée bien trop tôt pour qu’il puisse entamer les magnifiques et languissants « I Wanna Roll With You » et « Forever Dolphin Love », une compo tout en crescendo de plus d’une vingtaine de minutes. De quoi terminer ce magnifique concert de manière magistrale… Mon année musicale 2014 commence sur les chapeaux de route !
(Organisation AB)
N’est-ce pas une riche et belle idée de débuter sa semaine par un ‘feelgood concert’ ? Lundi soir, Edward Shape et ses énigmatiques Magnetic Zeros avaient en effet choisi la scène de l’AB à Bruxelles pour accomplir leur second passage en Belgique. La dernière fois que cette joyeuse troupe avait foulé le sol belge, c’était lors de la funeste édition du Pukkelpop, en 2011.
C’est une salle comble qui attend Alex Ebert et sa bande de musiciens/chanteurs avec une réelle impatience ! Un premier hymne ouvre le bal : « 40 Day Dream » ; et d’emblée, le ton général du show est immédiatement donné : les spectateurs ont payé pour un spectacle placé sous le signe de la bonne humeur et de la joie, à l’image même des compositions du groupe californien. L’auditoire est rapidement plongé dans une ambiance ‘néo-hippie’ –sans LSD toutefois– et transportée dans un monde beau et paisible bercé par les sonorités ultra mélodiques du gourou Edward Sharpe et de ses Magnetic Zeros. Décontracté, le chanteur ne cache pas qu’il ne s’est plus produit en ‘live’ depuis longtemps. Du coup, sa mémoire flanche. Vérité ou mensonge peu importe ; pourvu qu’il puisse partager sa musique avec son public. Pour y remédier, il propose que celui-ci puisse choisir lui-même les morceaux qu’il ‘performera’ au fur et à mesure du show. Lors de l’interprétation d’« I Don’t Wanna Pray », au climat très gospel, chaque membre chante à tour de rôle ; de quoi démontrer tout le potentiel de ses chômeurs aux vocaux. Le micro est également confié à un spectateur qui s’excite le temps d’un couplet ! Le concert évoque alors une grande célébration baignant dans un bonheur béat sans pourtant atteindre des sommets musicaux. Il semble cependant qu’un tel événement conviendrait mieux autour d’un feu de camp, afin de mieux partager la chaleur de ses chants généreux et conviviaux. Cette grand-messe s’achève sans surprise par un dernier hymne, celui qui symbolise l’image du collectif : l’incontournable « Home »! La chanson sert parfaitement de point final… car il n’y aura pas de rappel !
(Organisation AB)
On les attendait au tournant. Trente-trois années de carrière, treize albums, dont le petit dernier, "Delta Machine", une œuvre qui a enchanté les uns et déçu les autres. En outre, quatre ans plus tôt, la dernière tournée de ces pionniers de la synth-pop avait été bien en deçà des espérances, surtout à cause des prestations en demi-teinte de Dave Gahan, qui se battait à l'époque contre un cancer.
En ce soir du mois de janvier, le Sportpaleis est archi-comble. Comme de nombreux amis, nous avons été bloqués pendant deux heures sur l'autoroute Bruxelles-Anvers à cause de travaux (inutiles?). Heureusement, nous débarquons juste au moment où retentit "Welcome To My World", la chanson d'introduction du concert. Sur la scène, derrière les musiciens, on découvre un énorme écran vidéo, composé de plusieurs triangles, qui évoquent le logo de Delta Machine. Les musiciens sont disposés suivant un même rituel : Martin Gore est à gauche et Dave Gahan, au centre ; derrière eux Christian Eigner siège derrière la batterie, et sur deux petits podiums placés en retrait sont installés Peter Gordeno à gauche et 'Fletch', aka Andrew Fletcher, le troisième membre original de la formation, à droite, tous deux aux claviers.
Ce n'est pas un hasard si les deux premiers morceaux du set, "Welcome…" et "Angel", sont issus de "Delta Machine" : les Anglais sont très fiers de leur dernière production et il faut reconnaître que leur mélange de blues, de rock et d'électro fonctionne parfaitement en ‘live’ également. Plus tard, "You Should Be Higher", un des titres de "Delta Machine" composés par Dave Gahan, recueillera aussi un joli succès. Mais, sans surprise, ce sont les classiques qui emportent le plus l'adhésion du public. D'abord "Walking In My Shoes", caractérisé par le final très puissant de Christian Eigner, "Precious", agrémenté de jolis chiots en vidéo ou encore "Black Celebration", très dark et hypnotique, surtout quand le public reprend en choeur le refrain.
Les deux leaders principaux, Martin Gore et Dave Gahan ont l'air très en forme et heureux d'être là. Gore est, comme toujours, habillé très 'glam', ne négligeant pas la touche androgyne, tandis que Gahan a revêtu sa traditionnelle veste sans manches. Ce dernier déborde d'énergie et démontre clairement qu'il est à nouveau au top de sa forme. C'est qu'il a abandonné depuis longtemps les substances illicites au profit d'activités plus saines comme le jogging ou le fitness! Le résultat est beau à voir : il virevolte comme une ballerine de gauche à droite de la scène, engageant le public à chanter sur les refrains. Un des meilleurs showmen de histoire du rock, ce cher Dave!
Après le très efficace "Policy of Truth", on a déjà droit à la première pause du concert. Gore et Gordeno restent seuls sur l’estrade pour interpréter des versions acoustiques de "Slow", un blues pur et dur, très chaud, qui révèle à ceux qui ne le savaient pas encore que Martin Gore possède une voix exceptionnelle, et "But Not Tonight", un nouvel extrait de l'album "Black Celebration". Bien qu’en général très discret, voire timide, Martin Gore s'avance sur la rampe de la scène au milieu du public et incite ce dernier à reprendre les ‘ouh ouh’ qui clôturent la compo. La foule ne se fait pas prier et continue même à chanter quand la musique s'arrête, pendant plusieurs minutes, jusqu'à ce que Dave Gahan revienne pour la suite du set et constate, émerveillé, ce qui est en train de se passer : un moment magique.
En guise de transition, le combo, revenu au complet, nous offre un autre blues figurant sur "Delta Machine", le très beau "Heaven", rehaussé par une vidéo hallucinante d'Anton Corbijn. La 'machine DM' se met alors en marche. Tout d'abord au travers de "Behind The Wheel", suivi de la version Jacques Lu Cont remix du très Reznorien "The Pain I Used To Know", sur laquelle Gordeno quitte ses claviers pour venir taquiner la basse au devant du podium. On continue plein pot par "A Question of Time", au cours duquel Gahan est carrément déchaîné, et on atteint enfin le paroxysme tant attendu: les première notes de guitare de "Enjoy The Silence" retentissent déclenchant un vacarme assourdissant. Plus de 20 000 fans chantent à tue-tête le refrain à la place de Gahan. Le final est assuré par un "Personal Jesus" d'anthologie. Un début très lent, en 'teaser' parfait, puis c'est la déferlante. Un moment de pur orgasme sonore.
La formation se retire pour quelques minutes et ce sont à nouveau Gore et Gordeno qui reviennent pour attaquer une version acoustique de "Shake The Disease". Sublime ! La mélodie est ensorcelante et pendant le passage "Understand Me...", Gore clape dans les mains, un geste repris comme un seul homme par un public subjugué. Le rappel se poursuit ensuite par la version Goldfrapp remix de "Halo", qui bénéficie miraculeusement d'un son très clair, suivi par "I Just Can't Get Enough", le titre que Depeche Mode a joué le plus sur scène en 32 ans, et toujours un des favoris des fans. "I Feel You" est assez décevant, noyé dans une bouillie sonore mais le moment le plus fort sera, sans surprise, le final : "Never Let Me Down Again". C'est une tradition devenue célèbre des concerts de Depeche Mode : à un moment précis de la chanson, Gahan vient au devant de la scène et lève les bras en l'air. 20 000 fans tendent également les leurs, et lorsque le riff final démarre toute la salle se met à les balancer de gauche à droite. La foule ressemble alors à un champ de blé qui ondule par la force des vents. Un événement qui, chaque fois, vous communique la chair de poule...
En conclusion, un excellent concert. Depeche Mode est de retour et dégage à nouveau autant sur scène. C'est en grande partie grâce à Dave Gahan, qui est de la race des grands showmen à la Mick Jagger, Bono, etc. Il possède un charisme étonnant et cette faculté unique de s'adresser à tout le monde, du premier rang aux gradins les plus éloignés. La setlist était parfaite même si l'on regrettera l'absence de bijoux tels que "Strangelove", "People Are People" ou "Everything Counts". Seuls bémols, la 'salle' et le son, très confus, comme d'habitude au Sportpaleis. Il serait grand temps qu’il soit rénové et adapté à la technologie moderne! Mais l'approche du son de Depeche Mode est aussi critiquable : en ‘live’, il est trop brut et le choix de Christian Eigner aux drums est contestable. Son jeu est trop lourd et l'ensemble manque cruellement de finesse, de clarté et de variation dans les dynamiques. Enfin, ne boudons pas notre plaisir: les concerts de Depeche Mode sont des moments uniques, de véritables 'célébrations' de la musique et de la vie... Gahan est passé très près de la mort ; aujourd'hui, lui et son groupe sont plus vivants que jamais!
Setlist
Intro (Excerpt from 'Welcome to My World')
Welcome to My World
Angel
Walking in My Shoes
Precious
Black Celebration
Should Be Higher
Policy of Truth
Slow (Acoustic; Sung by Martin)
But Not Tonight (Acoustic; Sung by Martin)
Heaven
Behind the Wheel
A Pain That I'm Used To ('Jacques Lu Cont's Remix' version)
A Question of Time
Enjoy the Silence
Personal Jesus
Encore:
Shake the Disease (Acoustic; Sung by Martin)
Halo ('Goldfrapp Remix' version)
Just Can't Get Enough
I Feel You
Never Let Me Down Again
(Organisation : Live Nation)
Le public était particulièrement impatient d’assister à cette double affiche prometteuse ; au point que la Zone affichait sold-out, ce soir, au grand dam des distraits et des retardataires qui s'en mordent encore les doigts. Excepté ces derniers et les gens souffrant d'agoraphobie, on ne s'en plaindra pas vu le manque certain d'affluence en ces lieux, au cours de ces derniers mois. Une défection peut-être justifiée par une programmation assez inégale pour cette salle, considérée jadis comme un rendez-vous incontournable pour les aficionados de la scène alternative...
Mais bref, la foule des grands soirs était bien réunie pour assister tout d'abord au concert de Komplikations. Formation en rangs serrés, elle implique Ben (Cheap Killers, Pirato Ketchup, Two Star Hotel, Hiatus, ...) à la batterie, Lio (Le Prince Harry, Luik, Tache) au synthé et Allen au chant (dont le CV m'est inconnu). Issue le la scène germanopho-liégeoise, cette mini ‘dream team’ consomme un minimum de moyens mais atteint un impact maximal dans un genre baptisé synth-punk. Plus agressif et décharné que l'habituel et parfois convenu electro-punk, on rencontre un exemple typique du style chez Screamers, un groupe dont le morceau culte (?), "122 hours of fears", est d'ailleurs repris en concert par Komplikations. Sur les planches ces derniers sont parfaitement soudés et on imagine d'ailleurs mal le contraire vu le minimalisme de l'instrumentation. En effet, sous cette configuration, il vaut mieux jouer carré et en symbiose sinon on peut vite passer du minimaliste au minable... Une barrière qu'ils ne franchissent pas et on les en remercie! Que du bon au contraire dans leur set. Des décharges d'énergie en flux continu comme autant d'électrochocs qui agitent les corps frénétiques venus chercher leur dose d'adrénaline délivrée par un groupe pas avare en la matière. C'est le moins qu'on puisse dire puisqu'on a eu droit a +/- 1h de prestation de leur part, peut-être un peu longuet pour une première partie, même si elle a été excellente. Il faut dire qu'ils s’étaient aussi déplacés pour fêter la release party du nouveau mini-lp "Poverty' qui justifie bien un tel enthousiasme.
Longue pause ensuite avant de passer à Frustration, quintet parisien fort attendu et qui promet de faire monter davantage la pression. A leur entrée sur l’estrade, des voix scandent ‘Allez y, foutez le feu!’, alors que certains réclament déjà des morceaux comme s’ils sollicitaient un putain de juke-box... Impassibles, les musicos laissent encore la tension monter d'un cran jusqu'à ce qu'elle devienne palpable dans les premiers rangs avant de démarrer pied au plancher. Et en route pour une belle salve de brûlots post punk comme ils savent les délivrer et comme on en trouve 13 à la douzaine sur leur déjà culte "Relax", sorti en 2006. Mais seront-ils à la hauteur de cet incontournable? Pour ce qui est du début de concert on répondra oui sans hésiter. Ils enchaînent les titres sans temps mort et sans faiblesse, déclenchant des pogos effrénés qui démarrent à proximité du podium mais s'étendent rapidement au delà et finissent au bout d'un moment par avoir raison de mon goût assez limité pour la foule et ses mouvements (...), me poussant à battre en retraite vers la moitié de la salle. A partir de cet instant, mes impressions seront très différentes notamment à cause d'un manque de présence sonore à cet endroit, le groupe jouant bizarrement très bas sur scène. Mais il semble aussi qu'ils commencent à se planter par ci par là quand ils ne foirent pas carrément un break sur un morceau qui du coup tombe totalement à plat.
La fatigue peut-être? Toujours est-il qu'après seulement +/- 45 min et un rappel, ils tirent leur révérence. Ce qui me semble, ma foi, un peu court ; surtout que le support act a finalement joué plus longtemps.
Un set en demi-teinte donc malgré un démarrage en force ainsi qu'une première partie des plus convaincantes et à l'énergie communicative suivie par davantage de tâtonnements et autres problèmes techniques qui me laissent dubitatif. Bravo par contre à Komplikations qui ne cesse de s'améliorer tout en gagnant en efficacité et en impact.
(Organisation Plastic Team Liège/PGL Aachen)
Qui est Valerie Solanas? Valerie Solanas était une féministe radicale devenue célèbre par son pamphlet ‘SCUM Manifesto’ et sa tentative maladroite d’assassinat sur Andy Warhol. Solanas reprochait à Warhol d'avoir perdu un de ses scripts, intitulé "Up Your Ass" (NDR : ça ne s'invente pas !). Donc, le 3 juin 1968, Solanas se rend dans le hall de la Factory, à New-York, et tire trois coups de pistolet en direction de la victime. Les deux premiers manquent leur cible, mais la troisième balle lui transperce le poumon, la rate, l'estomac, le foie et l'œsophage. Warhol s'en tire de justesse, mais il ne récupérera jamais vraiment et devra porter un corset jusqu'à la fin de ses jours.
Ironie du sort : plus de trente ans après sa disparition, le manuscrit a été retrouvé au fond d'un coffre rempli d'équipement d'éclairage. La première de la pièce s’est déroulée en 2 000, à San Francisco, à quelques blocs seulement de l'hôtel Bristol où Solanas est décédée d'une pneumonie, en 1988.
Une histoire hallucinante, surréaliste, qui convient très bien au style de The Valerie Solanas, une formation issue d'Anvers, qui présentait son nouvel opus, "Amazon", au Beurschouwburg, à Bruxelles. Le quatuor emmené par le vocaliste et flûtiste Michaël Brijs propose une musique aventureuse qui combine des éléments de jazz et de blues au son brut du postpunk, surtout la poésie parlée (‘spoken word’) de Jello Biafra, ex-Dead Kennedys. Une saveur unique est ajoutée par le trait saillant de la flûte, qui rappelle bien sûr Jethro Tull.
Sur scène, Michaël Brijs affiche une présence imposante. Le costume de dandy et la barbe sont noirs de jais et le débit vocal, maîtrisé. La basse de Filip Vandebril est ronde et vrombissante. Ajoutez-y les harmonies étranges de Tom Tiestla à la guitare et aux synthés ainsi que les rythmiques complexes de Dmonkey Van Remoortere, et vous obtenez un objet musical très étrange.
Pendant les premiers titres du nouvel opus, par exemple "Psycho Therapy", on se surprend à penser au Doors, à Captain Beefheart, à Kurt Weil ou encore Nick Cave. Au fond de la scène, un artiste, sans doute Bert Lezy, qui dessine les pochettes du combo, improvise la création d'une oeuvre de peinture à l'eau sur la toile blanche où sont projetées des vidéos. L'ambiance fait très Beat Generation et le fantôme de Jack Kerouac flotte au-dessus des têtes. Pendant le très dansant "Valis", le public est emporté par le refrain "Everybody Dance!". Un reprise de Serge Gainsbourg et, sans avoir pris de substances, on entrevoit aussi ‘des éléphants roses, des araignées sur le plastron de son smoking et des chauves-souris au plafond’...
Brijs se fend également d'une citation de William Blake, tirée de "The Marriage of Heaven and Hell". Je ne résiste pas à l'envie de vous la livrer:
"Prisons are built with stones of Law,
Brothels with bricks of Religion.
The pride of the peacock is the glory of God.
The lust of the goat is the bounty of God.
The wrath of the lion is the wisdom of God.
The nakedness of woman is the work of God."
Brijs invite ensuite la chanteuse Lien De Greef à le rejoindre sur la scène pour le titre "Lovers In A War Zone", un joli duo de crooners post-modernistes. Le combo clôture son set par le morceau caché d'Amazon, "Strange Goings-On", aux accents bluesy très Zeppeliniens (la descente de basse de "Dazed And Confused").
Au final, un spectacle étonnant, baigné dans un weltschmertz urbain, une poésie beat. Un joli manifeste d'avant-garde...
La première partie, Kras en Bijvoet, réunissait Hadewig Kras, la chanteuse/bassiste d'origine néerlandaise mais vivant à Anvers et Jan Bijvoet, guitariste et comédien. Les deux artistes sont, semble-t-il, assez connus dans le Nord du pays. Leur musique, déroutante, est un mélange entre le post punk expérimental d'Einstürzende Neubauten (le chanteur Blixa Bargeld a d'ailleurs produit un des disques de Kras) et le 'spoken word' de Lydia Lunch.
(Organisation : Beurschouwburg)
Il y avait un bout de temps que le Botanique n’avait plus programmé de formation aussi énergique. Si mes souvenirs sont bons, il s’agissait de Metz, qui s’était produit fin 2013. Traams nous vient tout droit de Chichester (NDR : c’est dans le Nord de l’Angleterre) et vient de publier son premier album. Intitulé « Grin », il a recueilli de bonnes critiques dans la plupart des medias alternatifs. Leur style ? Un mélange de post punk et de garage. Attention, même s’il s’arrêtait ce jeudi soir à la Rotonde du Botanique, il ne s’agissait pas du 92 ou du 94, mais bien d’un Traams on ne peut plus insulaire. Et si la rame était bien remplie, elle aurait pu encore accueillir quelques passagers supplémentaires.
Dès 20h15, on entre dans le vif du sujet. Pas de première partie. Traams campe un trio. Soit Stu Hopkins au chant et à la guitare, Leigh Padley à la basse ainsi qu’Adam Stock aux drums. Et il va nous dispenser un set épuré. A l’ancienne, si vous préférez. Sans artifice ou tape-à-l’œil. Au début du trajet, on a l’impression que le band est un peu perdu sur les voies ; mais rapidement le gratteur (NDR : plus que probablement le leader du groupe), va les arpenter de long en large, en ferraillant son instrument pour en extraire des sonorités puissantes, généreuses en décibels (NDR : bonjour les tympans !) Le concert est alors parfaitement sur rails ! L’énergie est constamment palpable, même si les compos oscillent entre titres sculptés dans le punk-rock mélodique (« Flowers ») et longues plages, plus élaborées, hypnotiques (« Klaus »), à la limite expérimentales. Les Anglais n’en oublient pas de remercier le public, entre les morceaux. Enfin, c’est du moins ce qu’on imagine, car comme ils s’expriment avec un accent à couper au couteau, on ne comprend pas grand-chose de ce qu’ils racontent. Vers 21h00, ils abandonnent une première fois la scène avant de revenir pour conclure ce sympathique concert par trois autres compos.
Après avoir gravé un excellent premier elpee, le band a démontré qu’il était capable de transporter son potentiel en ‘live’. Bref, un bon concert pour entamer l’année 2014 de la meilleure des manières…
Setlist
Sleep
Low
Grin
Demons
Swimming pool
Head Roll
Fibbist
Loose
Flowers
Klaus
Mexico
Jack
Dog
Une nouvelle formation liégeoise vient donc de rejoindre la scène pop/rock locale, alors que la cité ardente concentre déjà l’essentiel de la wallonne. Pour tenter de se démarquer, YEW a décidé de frapper un grand coup en invitant Arno, monument national, à participer aux sessions d’enregistrement de leur second opus. Résultat ? Le septuor (?!) y propose un rock assez classique qui lorgne tour à tour vers les Arctic Monkeys (« Steam and Soul »), Syd Matters (« Fall Asleep ») ou The Decemberists (« Between Up and Down »). Signe caractéristique ? La voix plutôt singulière du nouveau chanteur, Jérôme Magnée. L’elpee accuse quelques petites faiblesses, à l’instar du pompier « 15/16 » pourtant boosté au violon et de l’énervant « Across ». A contrario, empreint de délicatesse, le titre maître passe parfaitement la rampe. Tout comme le plus enlevé « M-Loud ». On attribuera même une mention ‘Très Bien’ aux orchestrations impliquant mandoline, bouzouki et autres trompettes ! Les parties instrumentales de « Down By You » et « Morning Days » s’avèrent d’ailleurs particulièrement réussies. Moins world et surtout moins celtique qu’auparavant, le rock de Yew devrait ravir les fans des références susvisées… Pas facile de trouver une chute pour ‘The Fall’ mais on peut compter sur Yew pour la dénicher !
Le 29 mars prochain au Bel’Zik Festival à Herve.
Nederlands 
Français 
