Alors là, pour une surprise, c’est une surprise…
Un album tout à fait hors du commun, indéfinissable. Rien à voir avec la chanson française proprement dite, ce projet réunit le pianiste Pirly Zurstrassen, le guitariste Jacques Pirotton et la chanteuse Barbara Wiernik.
Un concept mi-classique, mi-jazz, traversé épisodiquement de paroles ou de ‘chabadabada’ et incluant quelques morceaux totalement instrumentaux.
On reste sans voix (comme Barbara dans quelques titres) face à une telle production. Propice à la méditation, ce ‘voyage musical’ est une invitation au calme, à la relaxation. Un opus destiné aux amateurs du genre… et aux curieux…
Chez Obits on retrouve plusieurs vétérans de la scène rock indépendante américaine ; et en particulier le chanteur/guitariste Rick Froberg (NDR: ex-Pitchfork, Drive Like Jehu et Hot Snakes) le guitariste Sohrab Habibion (NDR: ex-Edsel) et le drummer Scott Gursky (NDR: également impliqué au sein de Shortstack). Greg Simpson, le bassiste, complétant le line up.
Fondé en 2006 à Brooklyn, la formation vient donc d’enregistrer son premier elpee. Un disque découpé en 12 morceaux qui font la part belle aux guitares. Encore que régulièrement, la ligne de basse ondulatoire, pulsante (NDR : sur le morceau d’entrée, « Widow of my dreams », on a parfois l’impression d’entendre le doigté de Waters sculptant « Lucifer Sam ») confère une coloration plus souple aux compos. Duales, les six cordes réverbèrent des sonorités tour à tour caustiques, furieuses, vibrantes, effilées, urgentes sur un tempo solide, implacable, parfois tribal. Punk, rockabilly, surf, garage, power pop et blues alimentent cette solution sonore abrasée par les vocaux décapants de Froberg, dont les lyrics cyniques, malveillants accentuent cette sensation de sauvagerie et de menace. Deux exceptions confirment la règle. Tout d’abord « Run », une plage dont la frénésie est largement atténuée par le timbre diaphane quoique sinistre d’Habibion, alors préposé aux vocaux. Et puis en final « Back and Forth », une ballade mid tempo dont le refrain hymnique évoque les Stones de la mi-sixties. L’opus recèle, en outre, une cover de Kokomo Arnold. Intitulé « Milk cow blues », ce standard des années 30, avait été déjà été repris en son temps par Elvis Presley et Aerosmith. Mais cette version déchiquetée, reptilienne, est digne de Radio Birdman. Et puis si vous aimez les références, chez Obits, on retrouve l’une ou l’autre trace des Pixies, de Dick Dale, de Gun Club, de Sonic Youth, de Mission of Burma, des Sonics, et la liste est loin d’être exhaustive. Bref, cet opus devrait plaire à celles et ceux qui se branchent exclusivement sur l’intensité électrique alternative… mais mélodique…
Le retour des New York Dolls, initié par Morrissey en 2006, constituait un affront pour de nombreux fans des premières heures. Quelle idée pour un groupe de glam-punk de se reformer ! Les concerts accordés par la suite avaient néanmoins prouvé que la bande à David Johansen et Sylvain Sylvain méritait cet inattendu come-back. L’album qui avait suivi la tournée (« One Day It Will Please Us Remeber Even This ») était cependant à la hauteur des attentes sans être inoubliable. Mais difficile de passer outre des ‘défections’ successives de trois membre du groupe : Johnny Thunders (NDR : mort en 2001 dans de troubles circonstances), Athur ‘Killer’ Kane (NDR : décédé en 2004 suite à une leucémie foudroyante) et Jerry Nolan (NDR : disparu en 1992).
Malgré la longévité du groupe, « Cause I Sez So » constitue seulement le 4ème elpee des New-York Dolls, depuis 1973. Il vrai que le combo s’est séparé pendant plus de 28 ans (NDR : de 1976 à 2004 !) Produit par Todd Rundgren qui avait également mis en forme leur premier long playing, « Cause I Sez So » contient d’ailleurs une nouvelle version de « Trash » (NDR : en reggae), titre qui figurait déjà sur ce disque. Et il s’agit d’un des meilleurs morceaux de l’album. Pas forcément un bon signe ! La première écoute ne laisse pas de souvenir impérissable, mais passe honnêtement la rampe ; même si parmi les 12 morceaux du tracklisting, certains ne semblent pas toujours très inspirés. A l’instar du titre maître qui ouvre l’opus. Du rock d’un autre âge maladroitement remis au goût du jour. Et si les influences sont respectables, oscillant souvent entre les Who et les Stones, les mélodies sont trop souvent cadavériques. Tout n’est cependant pas à jeter. Et je pense tout particulièrement à « Temptation To Exist », véritable (petit) sommet de l’album. Une chanson que n’auraient pas reniée Nick Cave et ses Bad Seeds. Et puis « Better Than You », une bal(l)ade qui mérite également le détour. Un maigre bilan pour des compositeurs de la trempe de Sylvain et Johansen. Une question me traverse d’ailleurs l’esprit : Johnny Thunders était-il le véritable génie du groupe ?
Les fans seront probablement déçus. Le reste du public difficilement convaincu. Un retour en demi-teinte pour un groupe qui aurait gagné à se limiter à ses deux mythiques premiers albums ! D’ailleurs soyons réalistes, le groupe n’atteindra plus jamais la dimension de ses débuts. Notamment sur disque. Mais restons positifs ! C’est une bonne nouvelle en soit que des cinquantenaires comme les musiciens des New York Dolls puissent encore injecter une bonne dose d’esprit rock n’roll malsain dans un univers musical contemporain un peu trop formaté…
My Latest Novel avait surpris en 2006, en concoctant un bel album indie, lyrique et déconstruit à souhait, que l’incroyable morceau « When we were wolves » élevait vers les cimes. La suite est moins heureuse pour « Death and Entrances ». Rien ne manque pourtant à l’appel ; le timbre profond qui rappelle Matt Berninger (The National), les nappes embrumées, un violon langoureux et ces chœurs en crescendo qui font les merveilles d’Arcade Fire. Malheureusement, ici la grandiloquence ne prend pas son envol. Beaucoup de bruit pour rien. C’est toujours quelque part trop ou trop peu. La voix trop émo, le son trop saturé, la ballade trop lente, les chœurs trop poussés. Ca sonne faussement romantique. On se délaye dans l’attente de quelque chose qui n’aboutit jamais. L’ennui prend le pas et c’est irrécupérable.
Pour célébrer son 70ème anniversaire, le trompettiste sud-africain s’est efforcé de composer de la musique pour ‘guérir et se sentir bien’. Un 35ème album concocté sous la houlette du producteur Erik Paliani et dont le titre est judicieux, puisque « Phola » signifie guérir. L’ambiance est au calme et à la simplicité alors que le swing oscille entre funk et jazz de salon. Hugh délaisse souvent son bugle pour pousser la chansonnette sur des titres doux-amers qui ne manquent pas de charme, comme « Ghana », « Sonnyboy » ou encore « Bring It Back Home ». Les fans de jazz sans concession risquent sûrement de faire la fine bouche devant ces titres qui lorgnent beaucoup vers la variété et les musiques africaines. Les autres apprécieront les quelques mélodies satinées qui ponctuent le disque (« Mwanayu Wakula », « Malungelo »). « Phola » n’est sûrement pas un chef d’œuvre mais ces neuf titres se révèlent être d’agréables moments musicaux, des petites oasis de calme. Une partie de la mission de départ (‘guérir et se sentir bien’) semble donc atteinte. Ce n’est déjà pas si mal !
C’est sous le pseudonyme de Magic Arm que le troubadour électro-folk, Mark Rigelsford nous propose son premier elpee. Mark serait-il un débutant ? Difficile à croire, tant sa maîtrise est manifeste dès les premières notes de la plaque. Il est quasiment impossible qu’une musique aussi aboutie et indépendante d’évidentes influences soit l’œuvre d’un novice ! Notre alchimiste, à l’image de Beck ou du Beta Band, se balade aisément entre le rock, le folk ou l’électro foutraque tout au long des 12 morceaux de ce « Make Lists Do Something »
Magic Arm est né à Rustington dans le Sussex mais habite aujourd’hui à Manchester. Certains ports d’attache ne trompent pas ! L’artiste déclare avoir commencé à composer afin d’aider un ami à la recherche d’une bande son pour son film. Il cite Gwen Stefani, Dizzie Rascal, Peaches et Gnarls Barkley comme influences majeures ; mais sa musique évolue habilement entre celles de Richard Swift, Beck et Iron & Wine ! Un bémol ? Son timbre vocal un peu limite. Mais Mark compense cette lacune par une créativité constante.
Parmi les plages les plus créatives, j’épinglerai le très paisible « Outdoor Games » et l’instrumental « The Coach House ». Les pieds dans la bonne humeur… et la tête l’obscurité. Car si chaque compo nous transporte dans un petit univers personnel, elles reflètent également l’esprit un peu torturé de l’artiste. Surtout à cause des lyrics qui révèlent leur part d’ombre : ‘Inside everyone, I hear the end, and that’s ominous’ sur « Bootsy Bootsy », encore une excellente composition, très proche du Beck d’« Odelay », paradoxalement à la fois dansante et amusante. La comparaison avec Gnarls Barkley est peut-être à chercher de ce côté, d’ailleurs. Si la reprise du « Daft Punk Is Playing At My House » des LCD Soundsystem est un peu mollassonne, celle du « Six Cold Feet Of Ground » de Leroy Carr (NDR : un bluesman !) baigne dans un climat mélancolique, désespéré, mais surtout est très réussie.
Peu de déchets sur cet elpee. Publié sur Switchflicker, le label des Ting Tings, ce disque concocté par un artiste en devenir est à découvrir absolument. Un nouveau songwriter de talent vient probablement de naître ; mais rencontrera-t-il le même succès que ses compagnons d’écurie ? C’est tout le mal qu’on lui souhaite…
Ils sont cinq : Lunabee (NDR : ben oui, ce n’est pas que le nom du groupe), Pacale Vervloet, Pierre Vervloesem, Pierre Louis, Brigitte Thiriart et Thierry Mondelaers. Italiens, Anglais, Australiens ??? Non !!!… Des patronymes pareils, ça ne vous dit rien ? Et oui, évidemment, ils sont belges.
Seule au départ avec ses claviers et ses envies électroniques, Lunabee s’amuse en samplant et en produisant des sons bizarres comme elle les qualifie. Elle compose quelques chansons, s’essaie à les chanter mais très insatisfaite du résultat, décide de ne plus la jouer perso et s’entoure de quelques comparses.
Sur ses musiques, Pierre et Brigitte ajoutent leurs textes. Rarement belles, de temps en temps drôles mais très (trop) souvent glauques, les paroles sont tristes, noires, désespérantes. Un assemblage original… si l’on aime le genre ; mais un peu lugubre, caustique et parfois avec un goût ‘chargé’ !
La voix n’est plus celle de Lunabee, mais de Pascale. Une voix fluette, enfantine, pure, cristalline qui tente de porter à bout de bras les compositions de la formation. Découpé en quinze titres, l’album est assez inégal. Le meilleur (« Les rats », « Poupée de chair », « Un petit peu ») côtoie le pire (« Quand maman n’est pas là » et… les onze autres).
Les lyrics sont souvent à prendre au second degré, voire même davantage. Poelvoorde fait rire ou sourire dans « C’est arrivé près de chez vous ». Lunabee s’essaie dans un style très proche ; mais hélas, le glauque reste glauque et les musiques répétitives et ‘dépressives’ finissent par lasser. Et là, on ne rit plus du tout. On déprime, on se retrouve dans les pages de faits divers des journaux à sensation. Bref, en un mot, on s’ennuie. Alors je dis ‘Stop’ !!!
Trois morceaux sur quinze, c’est un peu maigre pour se satisfaire d’un premier essai. A revoir… sachant que ce premier Cd date déjà de 2005 et qu’il contient malgré tout trois titres de bonne facture.
Cependant, une lueur d’espoir pointe à l’horizon. ‘Coupable’ d’une reprise heureuse du « Nationale 7 » de Charles Trenet, le combo belge a eu sa minute de gloire dans la revue des Inrockuptibles de juillet 2008. Amplement méritée, cette récompense devrait donner des envies plus ‘dansantes’ à Lunabee. On attend la suite, et surtout des flots bleus...
C’est en 2007 que Jan Vandecasteele décide de réaliser son rêve et se lance dans l’écriture de son premier album. Année également où le chanteur, pianiste, compositeur rencontre Frederik Segers (guitare), Simon Segers (batterie) et Mathias Debusschere (basse et contrebasse) pour former Kartasan.
Suite à une série de concerts rehaussée par le concours d’une impressionnante équipe de cuivres et de cordes, et marquée par la présence exceptionnelle de Jereon Baert (dEUS, Zita Swoon…), le quatuor gantois décide de rentrer en studio en 2008 pour concocter son premier elpee « Another Profile ». Enregistré à Gand dans le studio ‘On the Moon’, l’album sera ultérieurement mixé par Werner Pensaert (Hooverphonic, Rammstein, K’s Choice…) chez Audioworkx au Pays-Bas et prendra la direction des bacs le 21 septembre 2009.
Le single « Faces in the Dark » présente un titre aux arrangements soignés mais un peu lisses. Malgré la jolie voix du leader, Kartasan nous offre un morceau pop rock classique. Une pop imprégnée d’influences jazz qui manque cruellement de caractère.
Grâce à un imposant casting de musiciens, l’enregistrement du premier elpee de la formation gantoise s’étoffe d’une section de cuivres (The Killer Horns, Marc De Maeseneer…) et de cordes (Paul Klinck, Jeroen Baert…) Ajoutons-y un nombre important d’instruments (contrebasses, orgue Hammond, banjo, percussions) et « Another Profile » devrait se revêtir de couleurs chatoyantes et faire oublier le bien trop pâle « Faces in The Dark ».
Parfois, l’entraide au sein d’un magazine est nécessaire, surtout lorsque l’on doute sur l’identité sexuelle d’un artiste. C’est le cas chez Fractional qui se décline sous le patronyme d’Eugénie sur son site internet, alors qu’en réalité, il s’agit d’un Liégeois répondant au nom de Pierre Rémy. S’il s’agit d’une technique médiatique afin de susciter l’intérêt, il faut reconnaître que ça marche !
Penchons-nous maintenant sur le style musical que l’homme issu de la Cité Ardente qualifie de ‘gothic erotica’. Ne nous attardons cependant pas trop sur le graphisme de la pochette de son nouvel Ep, « Still Life ? ». Une image rebutante qui nous donnerait envie de passer son chemin. Or, après avoir écouté les quatre titres de ce disque, on se rend compte que Pierrot le Fou est un artiste fort créatif. Les sonorités synthétiques libérées sur ce disque sont très aventureuses, mais s’écoutent assez facilement. Et les beats à la fois ténébreux, énervés et astucieux évoluent au sein d’un univers sis quelque part entre drum’n bass et indus. Un univers bien personnel au sein duquel, il faut le reconnaître, Fractional excelle…
« Organique » est le titre du premier album d’un trio strasbourgeois pour l’instant inconnu au bataillon… Mais cette situation ne saurait durer.
Figure principale d’Eve-r, Céline Clerget, la voix du groupe est également auteur, compositeur et pianiste dans le quatuor. Ses acolytes, Nicolas Klinghammer à la basse et Bastiaan Sluis aux percussions sont issus de la scène rock (NDR : très active) qui sévit à l’est de la France. Pour enregistrer cet elpee, le combo a reçu la collaboration de Marie Longenfeld et Laurent Signolet qui soulignent élégamment le rock d’Eve-r d’une présence discrète mais néanmoins remarquée au violon et violoncelle.
Rock ? Oui, résolument. Mais un rock élégant et tout en finesse. Ce qui n’empêche pas une approche dynamique et bien ‘carrée’. S’appuyant sur une percussion puissante mais jamais envahissante, le tempo est soutenu. Les guitares, toutes les cordes –violon et violoncelle compris– sont bien présentes et apportent une touche très personnelle à l’album.
Le disque s’ouvre par « Ça te passera », une excellente mise en bouche au refrain accrocheur et facilement mémorisable.
Le titre maître est de la même veine. Un texte qui de façon très posée, très accessible nous renvoie aux problèmes des grandes cités.
« Belle de nuit » et ses carillons calment un peu les ardeurs tout en restant dans la lignée des morceaux qui le précèdent.
La suite de l’album qui en comporte dix au total est du même acabit. Une alternance de titres bien balancés (NDR : outre les précités, « Boucle d’or », « Dans mes gènes », « A l’envers »), et quelques ballades plus raffinées dont « Belle de nuit », « Descendre », « Instant Love » (NDR : vraiment excellent) et « Je me manque ».
Cependant, un titre s’impose : « Les remparts ». Texte ‘puissant’, qui nous parle sans concession de la violence dans le couple mais de jamais de façon vulgaire. Le tout sur un rythme qui nous rappelle un peu les chansons engagées des Cranberries.
En conclusion, un album frais aux musiques soignées pour une formation à découvrir ou si vous préférez, une révélation. A écouter d’urgence !
Lorsqu’on évoque The Church, on pense immédiatement au hit single, paru en 1988, « Under the milky way ». Et pourtant, cette formation issue de Canberra, en Australie, possède une toute autre carte de visite. Elle fêtera d’ailleurs son trentième anniversaire l’an prochain et compte à ce jour… 23 elpees studio à son actif. Ce qui explique le titre de leur nouvel opus. En outre, trois des membres fondateurs sont toujours au poste, c’est-à-dire Steve Kilbey, Marty Willson-Piper et Peter Koppes. New wave à l’origine, leur style a glissé peu à peu vers le psychédélisme avant de se fixer dans une forme de prog atmosphérique. Un écart de conduite : « Parallel Universes », une double compilation consacrée à des remixes et destinée à la piste de danse…
Mais venons-en au dernier long playing. Très riche, luxuriant même. Pour vous faire une petite idée, mettez dans un shaker des doses identiques de Barclay James Harvest (NDR : des débuts), de Beatles circa « Magical Mystery Tour », de Luna, de Mercury Rev, de Sophia, de Coldplay, de Bowie originel (NDR : pensez à « Space Oddity ») et de Pink Floyd post « Dark side of the Moon ». Secouez bien fort, puis vérifiez le résultat. Il reste encore des grumeaux. Passez le tout à la moulinette jusqu’au moment où la solution sonore deviendra parfaitement onctueuse. Parfumez le tout de mélancolie douce et vous obtiendrez une solution sonore proche de cet « Untitled #23 ». Un disque partagé en 10 morceaux dont la durée oscille entre 4 et 5 minutes.
Les chansons sont mélodieuses, mais aussi majestueuses. Une texture tramée par une foultitude d’instruments dont le mellotron, les pianos, les harpes, les violoncelles et tutti quanti. Les échanges opérés entre Marty et Peter aux six cordes (aussi bien électriques qu’acoustiques) sont toujours aussi magiques. Chatoyantes, scintillantes et bringuebalantes, ces sonorités de guitares sont cependant fluidifiées de claviers éthérés (NDR : plus présents sur cet album). Steve continue de chanter d’un timbre velouté, envoûtant, ses lyrics empreints de poésie, presque spirituels, souvent obscurs. Enfin, lorsque les vocaux se conjuguent en harmonie, ils sont absolument superbes. Un titre s’écarte cependant de cette règle, « Space saviour » ; pour ma part le sommet de l’elpee. Imprimé sur un mid tempo vivace, il est construit sur un crescendo épique, à la manière de « Heroin » du Velvet Underground, et baigne dans des claviers vintage. Bref, un superbe album, mais pas du tout dans l’air du temps…
Chez les métalleux, on connaît très bien Leo Smee, puisqu’il est le bassiste de Cathedral, le groupe Doom Métal anglais le plus célèbre après Black Sabbath. Par contre, son frère Milo jouit d’une moins grande notoriété. Drummer, il est davantage porté sur le Hip Hop, l’Acid House et le Disco que sur la lourdeur pachydermique de la musique de son frangin. C’est en 2000, probablement lors d’une fête de famille un peu trop arrosée, que les deux rejetons du père Smee décident d’associer leurs styles de prédilection (le doom et le disco) pour essayer de créer un mix sortant des sentiers battus. Oui, je sais, moi aussi, le résultat m’a un peu retourné l’estomac au départ. L’idée d’associer Black Sabbath et Boney M. peut donner la nausée aux plus endurcis. Pourtant, force est d’admettre, à l’écoute de « Pre-emptive False Capture », que la mixture n’est pas aussi nauséabonde qu’il y paraît. Le duo de départ s’est un peu étoffé durant les 7 premières années d’existence de Chrome Hoof et ce n’est pas moins de huit musiciens qui sont venus ajouter leur talent à l’incroyable aventure musicale des frères Smee. Brassez basse, batterie, trompette, saxophone, claviers, basson, violon, violoncelle, percussions, guitares, vocaux féminins et masculins variés, samples et une bonne dose de folie et vous obtiendrez cet album hautement indescriptible mais tout à fait recommandable.
Dès « Nordic Curse », le titre d’introduction, on sait que l’on ne va pas s’ennuyer. Des guitares lourdes et des chœurs barbares se fondent ensuite dans une ligne de basse disco et des claviers spatiaux. On ne sait plus s’il faut danser, headbanger ou rigoler. Le chant est principalement féminin, mais ne fait pas pour autant dans la dentelle. Sur « Circus 9000 » les vocaux déjantés et les cuivres barrés ‘ambiance musique de cirque’ font immanquablement penser au premier album de Mr Bungle. Le style outrageant de Mike Patton plane d’ailleurs beaucoup sur « Pre-emptive False Capture ». « Moss Covered Obelisk » s’ouvre par de la musique de chambre (NDR : un quatuor à cordes), vire au jazz rock truffé de cuivres dissonants, passe par la violence d’une guitare presque punk avant de revenir au jazz, le tout en à peine 4 minutes. Décoiffant ! Sur « Death is Certain » nous sommes carrément en présence de doom death metal. Chrome Hoof mélange ‘à sa sauce’ tous les styles musicaux et arrive pourtant à garder une étonnante homogénéité. Pour coller une image à leur musique, les Londoniens apparaissent sur la pochette dans un accoutrement mélangeant les styles du chanteur de Boney M à celui des « Cochons dans l’espace » du Muppet Show.
Chrome Hoof est un groupe unique. Une expérience à part. La preuve que la musique est universelle et qu’avec du talent, tous les brassages sont possibles. « Pre-emptive False Capture » est un disque à écouter l’esprit ouvert et dans la bonne humeur.
Est-il vraiment utile de s’attarder sur un tel single ? Qui ne vaut pas tripette. Même s’il s’agit d’un tube qui cartonne sur les dance-floors. Ce « Leave The World Behind » mériterait bien qu’on lui colle une étiquette de ‘looser’. Une étiquette que les responsables de cette grosse daube méritent assurément, même s’il s’agit d’une équipe de producteurs. Pas étonnant quand on sait qu’elle réunit Axwell, Ingrosso, Angello et Laidback Luke, c'est-à-dire des suiveurs mal inspirés qui ne jurent que par David Guetta ou encore Bob Sinclar. Comment ne pas avoir les pieds de plomb après avoir écouté ce hit imprimé sur des beats déplorables et altéré par des claviers infects? Un morceau destiné aux soirées ringardes où minettes et pseudo playboys s’agitent prétentieusement. Et ce n’est pas le timbre de voix catastrophique de la Canadienne Deborah Cox qui risque de limiter les dégâts. Bref, on est ici en présence d’un exemple de la pire électro qui puisse exister !
Le duo Moss et Neuma a donc recruté la chanteuse japonaise Tao pour former Yarn : moor. Un curieux patronyme pour ce trio dont la solution sonore navigue dans les eaux limpides de l’electronica/ambiant. Et la métaphore n’est guère usurpée, lorsqu’on sait que les trois comparses semblent très sensibles à tout ce qui touche aux éléments naturels. C’est d’ailleurs ce qui fait la force de « So I’ll Take Your Hand And… », premier opus signé sur Noble (NDR : un label nippon !), écurie au sein de laquelle militent également Nakaban et Tenniscoats. C’est plongé dans un environnement bucolique où verdure et eau se conjuguent en harmonie que le trio dessine ses programmations fluides. Après quelques triturations sonores en guise d’introduction (« Warm, Sweet and Freeze »), quelques beats saccadés se fondent dans les arrangements délicats des claviers et autres bruitages, atmosphère propice à la méditation (« It’s Blooming »). Minimaliste, expérimental et hypnotique (NDR : ou répétitif pour les mauvaises langues), ce voyage sonore est empreint d’une grande tendresse, impression accentuée par les vocaux et bien sûr la mélodie. De quoi rester pantois face un tel travail d’esthète. Et pas de risque de lassitude, car les titres sont généralement de brève durée. Une belle réussite et une œuvre vivement conseillée à celles et ceux qui sont en recherche de musique pour apaiser l’esprit, autrement dit de l’ambient…
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