Le label Rainbow Quartz (The High Dials, Mellowmen, The Capstan Shafts,…) a investi dans une machine à remonter le temps. Leurs cobayes préférés sont Norvégiens, et répondent au doux patronyme de Deleted Waveform Gatherings. Perdu dans la cambrouse de la ville de Trondheim, le combo n’en est pas à son coup d’essai. En 2007, ils commettaient « Complicated View », un disque qui exhalait déjà un esprit ‘60’s revival’, à plein nez. Ils reviennent pour un voyage sidéral à travers les limbes du temps, en déposant dans les bacs des disquaires le nouveau produit de leur pérégrination intemporelle. Dans une ambiance psychédélique, Deleted Waveform Gatherings, fils cachés des Kinks, nous projettent dans le flower power ; mais en agrémentant le tout de quelques succulentes sonorités de synthés 80’s. Léger et flânant, « Baby Warfare » décline donc, toute une période bénie par nos ainés et tant enviée par les plus jeunes, inoculant par la même occasion un esprit de liberté sur des arrangements à la Ray Manzarek. Il est de bon ton de se coucher dans une prairie aux cotés d’une douce et ingénue comparse, afin de s’enfiler la galette dans les meilleures dispositions. Une association de pop et de psychédélisme pour notre plus grand plaisir. L’association des trois lettres ‘p’ me semble judicieuse. Et pour cause, cette musique n’a de cesse d’adoucir au fil des plages notre morosité éventuelle ou la moindre parcelle de douleur qui nous ronge. « Baby Warfare » fait du bien par où il passe. On en viendrait même à fumer le booklet pour voir s’il il ne contient pas des vertus psychotropes.
Le guitariste de Blur s’était déjà illustré en assurant la plupart des parties de guitare du superbe dernier album de Pete Doherty, “Grace/Wasteland”, mais on était loin d’imaginer que son septième opus solo serait d’une telle trempe. Graham y joue de la guitare acoustique. Parfois électrique (NDR : sa Télécaster !). La plupart du temps en fingerpicking. Et plutôt bien. Dans un style rappelant Bert Jansch, Davy Graham voire John Martyn. Faut dire que Coxon s’intéresse de plus en plus au folk britannique. Un virus qu’il a chopé il y a quelques années. Ce qui explique sans doute pourquoi, il a invité le bassiste du légendaire groupe Pentangle, Danny Thompson, à se joindre aux sessions d’enregistrement. Folk, mais le plus souvent teinté de psychédélisme, dans l’esprit de Syd Barrett voire de Nick Drake. Encore que parfois c’est même aux Beatles que l’on pense (NDR : l’intro d’« In the morning », une compo de plus de huit minutes, est même carrément calquée sur « Blackbird », alors qu’électrifiée, la six cordes lorgne parfois carrément vers le « Magical Mystery Tour » quand ce n’est pas « Abbey Road »).
Pour concocter cet opus, Coxon a également bénéficié du concours de Fox (NDR : il se prénomme également Graham, pas Peter !) aux drums, du pianiste Louis Vause et puis surtout du guitariste Robyn Hithcock. D’ailleurs, lorsque la solution sonore s’électrifie, c’est à ce dernier qu’on pense, même si le timbre nasillard et vulnérable de Graham évoque davantage Dean Wareham (NDR : Galaxie 500). Concept album, « The spinning top » raconte l’histoire d’un homme depuis sa naissance jusqu’à la mort, le dernier titre, « November » étant suffisamment évocateur à ce sujet. Un zeste d’exotisme, de blues (NDR : puisé dans les racines du Delta sur « Sorrows army »), des chœurs vaporeux, et une instrumentation fort variée mais parcimonieusement dispensée, impliquant une double basse, un piano, du glockenspiel, un harmonium, de l’accordéon et des cuivres (NDR : notamment sur l’euphorique, presque bossa nova « Perfect love ») enrichissent l’univers sonore de cet opus de toute beauté. Un disque produit par l’inévitable Stephen Street.
Après presque 10 ans d’absence, « Ox » célèbre le come-back de Coalesce. Originaire de Kansas City, dans le Missouri, ce combo s’était formé en 1994 autour du hurleur Sean Ingram. Pratiquant le hardcore, il nous avait servi 3 albums studios et quelques EPs (NDR : dont l’excellent « There is nothing new under the sun » composé uniquement de reprises déjantées de Led Zeppelin) avant de splitter en 1999.
Il serait réducteur de considérer Coalesce comme un groupe hardcore pure souche. Sur le fond, tout colle à cette étiquette. Des vocaux barrés et revendicatifs, une musique violente, un album de 35 minutes pour 14 titres. Tout concorde avec l’idée générale que l’on se fait de ce genre musical. Cependant, sur la forme, Coalesce, va bien au-delà de ces considérations. Tout d’abord, les quatre Américains ont un sérieux penchant pour les structures musicales dissonantes ainsi que les rythmiques bizarroïdes et alambiquées. Cette complexité musicale les différencie largement des autres combos pratiquant le même style. Ensuite, parce qu’ils n’hésitent pas à aérer leurs compos les plus violentes en y insérant des passages plus légers comme l’intro country/rock de « Wild Ox Moan », du chant clair sur « The Comedian in Question », un passage ‘sabbathien’ dans « The purveyor of novelty and nonsense » ou des guitares acoustiques sur « Dead is dead ».
« Ox » est donc un album qui devrait plaire, non seulement aux amateurs de hardcore, mais aussi à ceux qui apprécient les musiques extrêmes et discordantes comme la pratiquent des groupes tels que The Dillinger Escape Plan, voire même Meshuggah ou encore Gojira.
Que ce soit sous le patronyme de Smog, (Smog) ou son propre nom, la musique proposée par le chanteur/compositeur Bill Callahan est mélancolique. Portée par sa voix caverneuse et empreinte d’émotion, elle est reconnaissable entre mille. Certains n’ont d’ailleurs pas hésité à tracer un parallèle entre son style et celui de Leonard Cohen. A cause du baryton profond des deux artistes, bien sûr. Mais l’univers sonore de Bill Callahan est bien personnel et en constante évolution. Une mue qu’il a entamée en 2000 sur « Dongs of Sevotion » et continue à opérer lentement, album après album.
Plus classique et classieux que son étonnamment enjoué et instrumenté prédécesseur « Woke On A Whaleheart », « Sometimes I Wish We Were An Eagle » est probablement l’aboutissement de ce que cet artiste a pu concocter à ce jour. Sa musique est de moins en moins expérimentale et donc fatalement de plus en plus accessible. En outre, la production de ce disque est particulièrement raffinée. Résultat des courses : Bill devrait encore élargir son audience. Les structures sont toujours aussi simples ; mais le Texan d’adoption délaisse quelque peu la répétition systématique caractéristique de ses œuvres précédentes. A la croisée des chemins balisés par Lou Reed, Johnny Cash, Bonnie ‘Prince’ Billy et Lambchop, Bill Callahan place la barre relativement haut ! En crooner folk par excellence… Deux grandes chansons se détachent cependant de l’ensemble. Tout d’abord la belle et mélodieuse « The Wind And The Doves ». Ensuite « Too Many Birds », caractérisée par son (trop) plein d’émotion. L’instrumentation dépouillée se concentre surtout sur la caisse claire, la guitare acoustique, les violons et le piano ; même si la voix reste maîtresse de l’ensemble. Bill Callahan n’a d’ailleurs jamais aussi bien chanté ! Sa lente mais marquante mutation est-elle due à sa rencontre avec Joanna Newsom ?
Parvenant à conjuguer la sensibilité dispensée sur ses œuvres précédentes et la limpidité mélodique de ses toutes dernières, il atteint ici une maturité susceptible de le propulser dans la galaxie des grands songwriters américains. A plus de 40 ans, Bill Callahan a probablement atteint un équilibre idéal dans son écriture ; une situation qui devrait augurer de nouvelles petites merveilles…
Décidément, le printemps 2009 est la saison des retours pour les groupes cultes tous styles confondus. Après le come-back des ‘Hardcoreux’ de Coalesce et celui de Skyclad, le premier groupe Folk Métal, après 16 ans d’absence, l’un des tous premiers groupes de black métal revient sur le devant de la scène ; et pas n’importe lequel : Bulldozer !
Bulldozer s’est formé en Italie. En 1980. Dès 1985, il crache à la face du monde le vicieux « The Day Of Wrath », un 33 tours largement inspiré par la musique de Venom, produit par Algy Ward, le chanteur de Tank. A l’époque, seuls les Suisses de Hellhammer peuvent se targuer de jouer une musique aussi extrême. Accaparé par le service militaire italien (qui durait deux ans à l’époque), le combo n’a pas vraiment l’occasion de tourner en Europe pour soutenir son album ; ce qui nuit grandement à sa popularité. Avant de splitter en 1992, le groupe enregistre encore 3 albums studio restés plus ou moins confidentiels : « The Final Separation », « IX » ainsi que « Neurodeliri » et publie un album live intitulé « Live In Poland ».
En 2009, Alberto Contini, alias AC Wild, se sent soudain pousser une envie d’en découdre. Il reprend la basse et le micro. Andy Panigada, le gratteur original est aussi de la partie. Le line-up est complété par un nouveau batteur : Manu. Musicalement, Bulldozer reprend les choses là où il les avait laissées en 1992. « Unexpected Fate » ouvre le bal. Il fait toujours penser au travail de Venom. Par contre, le reste de l’album évoque souvent le Slayer de « Hell Awaits » ou de « Reign in Blood ». La voix d’AC Wild ne ressemble pas du tout à celle de Tom Araya ; mais, par contre sa façon de chanter est presque identique. Nous avons donc plus affaire ici à du trash old school qu’à du black metal.
Une palette d’invités aussi prestigieux qu’inattendus vient assurer les soli de guitare. Jugez plutôt : Jennifer Batten (la guitariste soliste live de feu Michael Jackson), Kiko Loureiro (Angra), Anders Rain (Labyrinth) et Olaf Thorsen (Vision Divine). Si certains de ces soli collent parfaitement à la musique de Bulldozer, d’autres par contre sonnent un peu ‘too much’ pour le style pratiqué. Sur « The counter crusade » c’est Billy Sheehan (Whitesnake, ex- David Lee Roth) qui vient placer un incroyable solo de basse. Une intervention qui colle d’ailleurs étrangement bien à la musique des Italiens.
Avouons-le, bien qu’il soit bourré de qualités et d’invités surprise, il n’y a rien de bien neuf sur ce Cd. Mais, après tout, c’est bien ce que l’on attendait d’un nouvel album de Bulldozer : qu’il nous fasse revivre cette glorieuse période des débuts du métal extrême. Si vous aimez les vieux Slayer, Kreator et Destruction, « Unexpected Fate » est un disque fait pour vous.
2009 est l’année du grand retour de Skyclad. Le groupe anglais est considéré comme l’un des premiers, si pas le premier groupe de Folk Metal. En 1990, Martin Walkyier le chanteur de l’excellent groupe trash Sabbat s’associe à Steve Ramsey et Graeme English (NDR : tous deux anciens membre de Satan, le légendaire groupe de la NWOBHM) et décident d’ajouter des sonorités folk à leur musique en engageant une violoniste. Si ce genre de pratique est devenu courante aujourd’hui, elle suscite à l’époque une petite révolution dans le monde du heavy metal. Les textes de Walkyier se voulaient engagés et humoristiques et forgeaient, au même titre que le recours au violon, l’originalité de la formation.
Suite aux sempiternelles divergences musicales (et autres), Walkyier décide d’abandonner le navire en 2001. Après son départ, le combo engage Kevin Ridley pour assurer les vocaux et publie un album intitulé « A semblance of normality », en 2004. Cette galette connaît un certain succès, malgré l’absence de son chanteur/parolier original. Cinq longues années plus tard, Skyclad nous revient pour un tout nouvel elpee intitulé « In The … All Together ».
Le combo s’est exilé en Italie pour enregistrer son nouvel opus sous la houlette du guitariste/producteur Dario Mollo (The Cage, Voodoo Hill). Et le résultat est tout à fait probant. Bien sûr, la voix et le style de Walkyier font cruellement défaut à cette galette ; Ridley se contentant d’assurer honnêtement ses parties là où l’ancien Sabbat excellait. Hormis cette réserve, la musique des Britanniques est toujours aussi jouissive. Un parfait mélange de heavy metal classique et de folk. Moins extrême que les nouvelles pointures du genre comme Eluveitie, Finntroll ou Korpiklaani, mais tout aussi festif.
Après une intro étrangement ‘moderne’ pour un tel groupe (NDR : des sonorités empruntées à des téléphones et des claviers d’ordinateurs), on entre dans le vif du sujet. Ainsi, Ridley emprunte des vocaux légèrement plus âpres qu’habituellement, sur « Words upon the street ». Les ‘lead’ guitares de Steve Ramsey sont lumineuses. Le violon de Georgina Biddle apporte cet aspect folk à la solution sonore ; des interventions qui en fait toute sa spécificité. Les Anglais alternent les morceaux folk métal festifs « Still Small Beer », « The Well-Travelled Man » et des titres métal plus classiques tels que « Black Summer Rain » ou « Modern Minds ».
Le combo s’aventure même sur des rivages folk un peu éloignés des côtes celtiques fréquentées traditionnellement. Il a ainsi recours à une guitare hispanisante et un violon tzigane sur le dépaysant « Babakoto ».
Un retour attendu et apprécié !
Matt Schofield est un jeune chanteur/guitariste. De nationalité anglaise. Un Mancunien ! Une véritable star ; mais dont le statut n’a été acquis que très progressivement. Musicien brillant, il parvient à conjuguer habilement le blues, le jazz et le rock, en y injectant une fameuse dose de soul. Il est souvent comparé à l'Américain Robben Ford. Ses débuts remontent à 1997. Il tournait alors avec le Lee Sankey Band. Il a même enregistré en sa compagnie. Il a longtemps milité au sein du backing band de la chanteuse Dana Gillespie. Il a ensuite fondé le Matt Schofield Trio, flanqué de l'excellent organiste Jonny Henderson et du batteur Evan Jenkins. Son premier opus, "The Trio, Live", est édité en 2004. C'est également le premier long playing paru sur le label Nugene Records. Dans la foulée, il concocte "Siftin' thru ashes" et "Live at the Jazz Cafe" en 2005 ainsi que "Ear to the ground", deux ans plus tard.
Depuis le trio s’est élargi à un quartet. Mais si Jeff Walker se charge de la basse, Alain Baudry a repris le rôle de drummer. Matt écrit la majeure partie de son répertoire. Il assume également la production.
"What I wanna hear" est imprimé sur un tempo rapide. Manifestement son style est inspiré par Albert Collins. Son maître ! Si son timbre vocal est plutôt frêle, il est très harmonieux. L'orgue Hammond de Henderson enrichit la solution sonore. Schofield libère tantôt un petit filet, tantôt un flot de notes, mais sans jamais sombrer dans la démonstration. Sa technique est constamment fluide, digne même de Robben Ford. Du New Orleans funk agite l’intro de "Live wire". La voix sert de cinquième instrument. Jonny est passé au piano électrique. Ballade savoureuse, "War we wage" libère un maximum de sensibilité. "Betting man" constitue un des sommets de l’elpee. Un blues largement imprégné de rock. Le riff est solide. La rythmique bénéficie d’un traitement de re-recording. La guitare de Matt est intenable. Il atteint ici le sommet de son art, tout en prenant soin de ne pas se départir d’un évident bon goût. Blues lent remarquable, "Lay it down" libère une dose phénoménale de feeling pur. A cause de cette conjugaison entre la voix et les cordes. Qui perdure pendant près de 9 minutes. Magique ! Matt écrase ses pédales pour créer des effets de distorsion –toujours parfaitement maîtrisés, il faut le souligner– sur "Can't put you down", une brève tranche de blues rock. Imprimé sur un mid tempo, "Woman across the river" est un autre blues au cours duquel Mr Schofield se réserve un nouveau solo de cordes. Un exercice de style brillant, mais aussi saturé de feeling. Ballade séduisante, "Nothing left" trahit manifestement des reflets jazzyfiants. La guitare enchante. Les interventions d’Henderson à l’orgue sont bien mises en évidence sur "I told ya". Mais il met son talent au service de son leader. Matt injecte une ponte d’agressivité dans sa voix pour attaquer le "Stranger blues" d'Elmore James. Et ma foi, il n’a pas à rougir de son adaptation. De toute bonne facture, cet opus s’achève par le tendre "Not raining now'.
Tandis que la plupart des organisateurs de concerts ont d’ores et déjà clôturé leur saison pour laisser place à l’été des festivals, le VK* persiste et signe. Avant de fermer ses portes jusqu’en septembre, la salle molenbeekoise a lancé un dernier appel au vacarme ce lundi 29 juin, en accueillant les impétueux Fucked Up.
La formation Punk Hardcore originaire de Toronto, bien connue pour ses prestations ‘live’ déjantées, s’est produite devant un VK* n’ayant rallié qu’une petite soixantaine de fans et de curieux. Mais ce n’est pas la fréquentation relativement faible du public qui allait rebuter l’énorme leader au surnom volontairement ridicule. Dès son entrée en scène, ‘Pink Eyes’ dévoile sans pudeur un bide de bon vivant, soigné à la bière et aux cheeseburgers. A côté, le reste de son équipe paraît bien frêle. Fucked Up est bien décidé à faire trembler l’auditoire et le fait savoir dès les premières notes. Il fait chaud sur Bruxelles et, à l’intérieur de la salle, la température ne cesse de grimper tandis que les Canadiens enchaînent les morceaux de leurs Eps et de leur premier scud paru l’an dernier chez Matador, « The Chemistry Of Common Life ».
Très vite, ‘Pink Eyes’ tombe également le short et décide de se mêler au courageux public, uniquement vêtu de son caleçon gris, imbibé de sueur. Il dégouline du crâne aux pieds mais n’en a rien à foutre. Entre deux hurlements bien placés, il met le grappin sur quelques spectateurs et les enlace brièvement ; assez longtemps cependant pour les contraindre à prendre une bonne petite douche après le concert ! Les hymnes fulminants du combo, de « Son The Father » à « Crusades » en passant par « Vivian Girls », se suivent et arrachent les tympans. Le son surpuissant des baffles du VK* communique une profondeur encore plus agressive aux tirades de la troupe tandis que son leader continue sa petite promenade dans l’assistance. Il n’hésitera pas à aller faire un petit tour rapide du côté du merchandising à l’entrée de l’auditoire. Après une bonne heure de bruit, de fureur et, surtout, de sueur, Fucked Up se retire tranquillement. Veni, Vidi, Vici.
Organisation : VK*
Troisième jour. La prise de risque a été payante. Pas une goutte de pluie. De quoi pleinement profiter du festival, de son marché, de sa scène ‘open air’ ou encore de son inévitable ‘Rue du Bien Manger’ et de ses délices multiculturels. Petit bémol, la visibilité du village ONG est, cette année, insuffisante…
Zap Mama a ouvert les festivités du dernier jour sur le ‘Titan’. Marie Daulne y a présenté « ReCreation ». Lors de la confection de ce dernier opus, elle a reçu le concours de pointures comme G. Love, Bilal ou encore Vincent Cassel (!). Sur les planches, c’est le frangin Jean-Louis Daulne et les quatre chanteuses originelles de la formation qui accompagnent la Belgo-congolaise. Après son étape à Couleur Café, celle-ci s’envolera en juillet vers la Nouvelle Orléans. Elle se produira également dans le cadre du prestigieux festival Lollapalloza, à Chicago. Ca marche plutôt bien pour la belle.
Plus loin, sous le chapiteau ‘Univers’, le grand Solomon Burke prend place sur un trône s’élevant au milieu de la scène. Réduit à la station assisse pour des raisons médicales, l’homme n’en reste pas moins un véritable showman. Après un départ un peu quelconque, le chanteur de blues invite le fantôme d’Otis Redding et change la donne. La foule se rassemble devant lui à une vitesse exponentielle. Il invite sa fille pour un increvable « I Will Survive », avant d’être rejoint sur le podium par quelques veinards des premiers rangs. Des filles en majorité, of course ! Elles se déchaînent devant le roi qui, de son trône, semble se régaler. Sa voix est puissante, mais Burke calme les ardeurs de certaines en entonnant un sympathique « Stand By Me » avant de leur balancer un petit « Proud Mary » qui les mettra sur les genoux. Les invités inopinés risquent bien de se rappeler longtemps de leur visite au festival !
La grâce de l’âge. Cesaria Evora, qui avait fait faux bond au festival l’an dernier, par ordre de la faculté, est de retour dans la capitale. Elle est en forme. Son vécu se lit sur le visage de la grande dame tandis qu’elle enchaîne les rythmes chaloupés de sa discographie dont le meilleur est rassemblé sur le best of « Radio Mindelo », sorti l’an dernier.
Bénabar lui succède sur les planches de la même scène. Une chose est sûre, que l’on soit fan ou pas, on ne peut pas prétendre que Bruno Nicolini ne sait pas chauffer une salle. Le Français sautille de gauche à droite. Il se plaint tour à tour de la ‘fille qui habite chez lui’, de Muriel qui veut par dire ‘oui’ à son pote désespéré, du mec qui se la pète alors que ‘pas du tout’, des ‘dîners’ imposés ou encore de ‘l’effet papillon’ qui fout la merde du Cambodge au Val-De-Marne. Loin d’être ‘infréquentable’, le jeune homme s’approprie les lieux comme s’il y vivait. Le tout, avec humour et dérision.
Au final, ce sont près de 78.000 personnes qui se sont rassemblées l’espace de trois jours sur le site de Tour & Taxis. Un bien bel anniversaire, si l’on fait fi de la disparition de l’Electro-World et des régies son et vidéo de la scène ‘Titan’, bien sûr. Qu’on se le dise, le festival et son tout nouveau camping urbain réservé aux non-Bruxellois prendront à nouveau leurs quartiers l’an prochain à Tour & Taxis. Après une telle édition, on y sera plutôt trois fois qu’une !
Organisation : Zig Zag.
Deuxième jour. Le soleil est toujours aussi présent, accompagné de temps à autre d’une agréable petite brise. Le festival Couleur Café bat son plein à Tours & Taxis et accueille pour son deuxième jour des pointures comme Arno, The Skatalites, Alpha Blondy et Emir Kusturica. A l’instar du premier soir, le festival Couleur Café affichait la pancarte ‘sold-out’ à son entrée. Les festivaliers étaient donc nombreux à venir applaudir les artistes ainsi que le traditionnel feu d’artifice.
Tandis que les increvables The Skatalites ouvrent le bal sur le podium de l’‘Univers’ (anciennement ‘Titan’), devant un public déjà nombreux, la curiosité du jour nous vient de la scène ‘Fiesta’ qui accueille Gori Ka Dance Orchestra. Le collectif déballe un melting-pot de nombreuses influences musicales puisées aussi bien dans les sonorités balkaniques que mariachis. Sur les planches, on n’est jamais loin du burlesque. Un chanteur affublé d’un costume de cheval à fanfreluches s’égosille péniblement. Des danseuses et un danseur vêtus de costumes indiens traditionnels lui succèdent. Leur prestation est amusante et pathétique à la fois. Imaginez des recalés du casting de Bharati s’essayant à des pas de danse ‘Bolywoodiens’ sur un morceau semblant tout droit sorti d’un western… Un mélange osé ; mais qui, bizarrement, fonctionne assez bien.
Le ‘Titan’ (ou l’ancien ‘Univers’, pour les habitués) s’est ouvert sur le très attendu ‘Stoemp!’ d’Arno, un projet qu’il présentera à Ostende, cet été, à l’occasion du festival « Theater Aan Zee ». Le show est précédé de la prestation d’une chorale gospel pas particulièrement douée, qui tente d’attirer la foule durant une interminable demi-heure. Soutenu par dix-huit musiciens originaires de Belgique, d’Afrique du Nord et du Sud ou encore d’Europe de l’Est, Arno parvient facilement à faire oublier son erreur de casting. Mais pas les problèmes de son et d’images rencontrés par la régie depuis la veille, sur le ‘Titan’. L’Ostendais prend clairement son pied sur scène en y présentant son nouveau répertoire ainsi que certains classiques, réunis aujourd’hui sur un triple ‘best of’. Le public reprend en chœur les refrains des ultimes « Putain Putain » et « Les Filles Du Bord De Mer », clôturant un spectacle faisant honneur aux valeurs du festival.
Après un set haut en couleur d’Alpha Blondy, la grande scène accueille le cinéaste et musicien Emir Kusturica. Après 20 minutes de retard, le Serbe débarque sur le podium, coiffé comme au réveil. Il est accompagné de son fidèle No Smoking Band dirigé par Kelle Karajilic, un chanteur semblant tout droit sorti de l’une de ses productions cinématographiques. Sa combinaison bleu pastel, parée d’ailes de chauve-souris, lui confère un air de super-héros maladroit à la fois ridicule et comique. Ici, on ne se prend pas au sérieux. Le groupe parvient à remuer un très large pan de la foule ; ce qu’aucun autre artiste présent à Couleur Café n’était parvenu à faire jusqu’ici.
Au terme de la petite heure de déflagrations balkaniques, les explosions ont pris le chemin du ciel dans le cadre du feu d’artifice traditionnel. Mais 20 ans, ça se fête et les organisateurs ont marqué le coup en mettant les petits plats dans les grands. Sur le ‘Titan’, les Los Van Van prennent place pour un spectacle de percussions retentissant. Pourtant, pendant un petit quart d’heure, il ne se passe pas grand-chose au dessus de Tour & Taxis. Quelques crépitations par-ci par-là, mais rien de spectaculaire. Les visages se croisent, interrogateurs : ‘c’est tout ?’. Mais non, imbécile ! Couleur Café ne se fout pas la gueule de ses visiteurs et balance, après une petite vingtaine de minutes, un long et spectaculaire feu d’artifice, comme il se doit. Peut-être bien le jeu de lumières aériennes le plus coûteux de l’histoire du festival.
Après en avoir pris plein les yeux, ce sont les jambes qui se paient une tranche de plaisir sur les beats electro de Shameboy. Les petits belges se sont dégotés un emplacement de choix sur la scène ‘Univers’. Un « Rechoque » dans la tronche et c’est parti jusqu’au bout de la nuit. Le chapiteau s’emplit lentement mais sûrement par un public jeune qui, au bout de près d’une heure et demie en redemandait encore. Pas d’inquiétude les gars, Couleur Café nous réserve encore un jour de fête…
Organisation : Zig Zag
A l’occasion de son vingtième anniversaire, Couleur Café a frappé un grand coup. Tout d’abord à cause de son affiche, très certainement la plus prestigieuse depuis quelques années. Ensuite, en repensant le site. Le festival bruxellois inaugurait cette année une grande scène en plein air et une zone de camping qui a fait le bonheur des festivaliers résidant loin de la capitale. De plus, la chance à souri à la manifestation musicale la plus métissée du pays. Malgré des prévisions météo pessimistes, le ciel n’a pas bronché un seul instant au-dessus de Tours & Taxis. Des conditions idéales pour fêter un anniversaire inoubliable !
Les organisateurs de Couleur Café ont bien caché leur jeu. Pour fêter dignement les 20 ans de leur bébé, ils ont réservé une surprise de taille aux fidèles spectateurs. Exit la scène ‘Univers’. A l’emplacement réservé jusqu’ici à la tente de capacité moyenne, se dresse aujourd’hui un grand podium en plein air. Le ‘Titan’ donne désormais au site de Tours & Taxis des airs d’événement rock. La capacité du festival en est certainement quelque peu décuplée. Mais, à en entendre les commentaires du public, certains habitués regrettent déjà la proximité qu’offrait le chapiteau installé autrefois à cet endroit.
L’affiche du vendredi a réuni des artistes tels que Ben Harper, Ayo, Keziah Jones et Babylon Circus. Autant dire que la soirée était placée sous le signe de la guitare. Des guitares, il y en avait quelques unes sur les planches de la scène plein air ‘Titan’. Laquelle a eu l’honneur d’être dépucelée par les attachants Amadou & Mariam. Ce qui frappe dans la prestation du couple, c’est sa complicité. Les Maliens respirent l’amour et le partage avec le public, de « Welcome To Mali » aux irrésistibles pièces de résistance, « Sambali » et « Un Dimanche à Bamako ». Amadou gratte sa guitare avec une aisance prodigieuse tandis que le bassiste signe le premier hommage à feu Michael Jackson, en introduisant subtilement quelques notes de « Billie Jean », en plein cœur de l’un des morceaux du duo.
La scène ‘Fiesta’ accueille, de manière générale, un public assez disparate. Cette année, Nneka y a remédié, provoquant très certainement le premier véritable succès de foule sous ce chapiteau. Au terme du concert d’Amadou & Mariam, la belle a déjà envoûté le public présent depuis un petit quart d’heure. Quasi impossible de se faufiler dans la cohue, mais la voix de la Nigérienne porte loin. Les hymnes de son « No Longer At Ease » parviennent à capter l’attention des badauds stationnés autour de la ‘Fiesta’, laissant imaginer que la demoiselle aurait largement mérité de se produire sur un podium plus conséquent.
Aussi belle soit-elle, la nouvelle scène principale souffre d’un son médiocre et d’une régie vidéo à la masse. Deux défauts qui la poursuivront durant toute la durée du festival. Pas l’idéal pour profiter pleinement de la prestation d’une Ayo communicative. A fleur de peau, Joy Ogunmakin évoque, entre deux larmes, son hospitalisation ; et offre un vibrant hommage au roi de la pop en délivrant une excellente reprise du « I Want You Back » des Jackson 5. Son répertoire n’est pas en reste puisqu’elle fera mouche grâce à ses petites capsules euphoriques, de « Get Out Of My Way » à « Down On My Knees ».
Le troisième hommage à ‘Wacko Jacko’ viendra de Keziah Jones qui, entre deux morceaux de blues funky, dédicace son concert à la légende. Jones plaît aux filles et le sait. La chaleur bruxelloise lui fait tomber la chemise ; un geste que ses admiratrices ne manquent pas d’acclamer.
Ben Harper lui aussi plaît aux filles mais préfère garder sa chemise. Bien qu’il soit accompagné des vibrants Relentless7, ses nouveaux partenaires, Harper reste fidèle à lui-même. L’homme, assis sur sa chaise, ne lance que de très rares regards à un public qui en attendait plus. Même la reprise du « Under Pressure » de Queen & Bowie n’arrive pas à provoquer un sursaut de vie de la part de l’interprète. Bien pâle par rapport aux prestations de ses prédécesseurs…
Organisation : Zig Zag
L'année 2008 a été l'année de toutes les émotions pour Candye Kane. Et pour cause, au même moment où elle était nominée comme ‘Best Blues Contemporary Female’, autrement dit comme ‘meilleure chanteuse de blues contemporaine’, elle menait un combat contre la maladie ; et pas n’importe quelle affection, puisqu’elle était atteinte d’un cancer du pancréas. Originaire d’East Los Angeles, elle est devenue mère de famille très jeune. Au cours des années 80. Elle s’est tout d’abord immergée dans l’univers du punk rock, avant de s’intéresser au hillbilly et au blues. Ce qui lui a permis de côtoyer un éventail d’artistes particulièrement ample. Depuis X à Dave Alvin, en passant par les Blasters, Dwight Yoakum et Los Lobos. Elle a fréquenté, indifféremment, l’univers de la pornographie, les hippies ou les mouvements féministes… Face à cette nouvelle épreuve, Candye a dû se battre. Tout d’abord, à l’instar de nombreux citoyens outre-Atlantique, elle ne disposait pas d'assurance médicale. Elle a cependant reçu une aide financière providentielle de son entourage. Opérée en avril 2008, la faculté l’a déclarée guérie de son cancer! Elle a écrit la chanson "Superhero" alors qu’elle avait le moral au plus bas. C’est devenu le titre de son dixième album…
Candye a toujours apprécié la compagnie de musiciennes. Très longtemps, elle a ainsi été soutenue par sa concitoyenne de San Diego, la pianiste Sue Palmer. Aujourd’hui, elle est épaulée par Laura Chavez (NDR : elle a milité chez le Lara Price Band), une jeune guitariste de 28 ans. Après avoir édité ses trois derniers albums chez le label allemand Ruf, elle vient de signer pour l’écurie blues la plus branchée : Delta Groove!
Miss Candye est donc devenue héroïne de ‘cartoon’ ; mais pas de panique, elle possède toujours cette voix de shouter. Heureuse d'être encore parmi nous, elle nous fait partager sa joie sans réserve. Ce "Superhero" ouvre l’opus. Un bon résumé de la suite des événements. L’équipe est très soudée pour entourer la diva : la frêle Lara ainsi que son grand ami, Dave Gonzales (NDR : remember les Paladins!) aux cordes, Paul Loranger et Evan Caleb à la section rythmique et le bon vieux Jonny Viau au saxophone. Le quartet de base libère énormément de swing. "Hey! Toughmen" en est une belle illustration. Cette solide interpellation est destinée aux hommes de l'assistance. Imprimé sur un mid tempo, "I put a hex on you" est bercé d’accents exotiques. Une compo qui me fait furieusement penser à Otis Rush. A cause des tonalités réverbérées de la guitare et des changements de rythme. Miss Chavez est une nouvelle fois brillante aux cordes face à l'orgue Hammond de Greg Rutledge. Candye nous confesse ses travers sur "I'm a bad bad girl", un autre blues mid tempo. Et concède une déclaration inattendue, dans un climat jazz quasi manouche : "Ik hou van je". Heureux Flamands!! Elle reprend deux compositions de Jack Tempchin, dont l’excellent "Who's been sleeping in my bed?", une version au cours de laquelle Laura est intenable. Et puis du swinguant "I like 'em stacked like that". Invité, Mitch Kashmar partage le chant, tandis que Kid Ramos et Laura rivalisent de virtuosité. Mitch se réserve l’harmonica et Kid les cordes tout au long de "Till you go toofar". Candye avait déjà interprété "Whole lotta love" sur l'album du même nom. Ici elle nous restitue une adaptation séduisante d’une compo quasi-identique, le "You need love" de Willie Dixon. Miss Kane est aussi capable de rocker comme une diablesse. A l’instar de "You can't stop me from loving you" et du cinglant "Throw it in the trash can love". Apaisée, elle termine cet opus par "I'm gonna be just fine". A cappella ! Un excellent album!
Le label e.a.r music nous sort une nouvelle fois le grand jeu. Pas facile d’être un fan de Deep Purple en ces temps de crise. Et pourtant, cette fois encore, il va falloir casser la tirelire.
Tony Ashton n’a jamais été membre de Deep Purple. Pourtant, il fait sans conteste partie de cette famille. En 1976, après le ‘premier’ split du Pourpre Profond, Ashton s’associe à Jon Lord et Ian Paice pour former Paice-Ashton-Lord, un groupe pratiquant un mélange de hard rock, blues et jazz. Le claviériste/chanteur anglais participe ensuite à une pléthore de projets musicaux dont le succès relativement minime ne l’empêche pas d’être grandement respecté par ses pairs.
En 1999, atteint d’un cancer, Ashton frôle la mort de près. Jon Lord et Pete York (ex Spencer Davis Group) décident de saluer le courage dont leur ami fait preuve face à la maladie. Ils louent, en juin 2000, les célèbres studios Abbey Road où ils invitent de nombreux musiciens amis d’Ashton, à lui rendre hommage lors d’une immense jam party. En 2001, Ashton décède à l’âge de cinquante cinq ans.
« Endangered Species, Live at Abbey Road » immortalise en deux Cds et un Dvd cet hommage à l’un des meilleurs claviéristes anglais des seventies. Le concert est divisé en 6 prestations. Tout d’abord, celle très rock’n’roll de Pete York et Eddie Hardin, deux ex-membres du Spencer Davis Group. Vient ensuite une très courte intervention du pianiste de blues américain Johnnie Johnson. De rock’n’roll, il en sera encore question, avec l’arrivée sur les planches du John Entwistle Band. Le bassiste des Who propose une relecture endiablée de classiques du rock tels que « Shake rattle and roll » ou « That’s all right mama », sans oublier une version décapante du « My generation » de son ancien groupe.
Après une introduction délirante de l’acteur écossais Ewan Mc Gregor (qui nous raconte comment Tony Ashton, décédé, a décidé de quitter le paradis pour revenir sur terre lorsqu’il a appris que les pubs n’y servaient de la bière qu’après 19h30) arrive enfin la star de la soirée. Ashton est rongé par le cancer. Agé de cinquante-quatre ans, il semble en avoir plus de septante. Ce qui ne l’empêche pas de garder son sens de l’humour et de lancer : ‘ce sosie d’Ewan Mc Gregor m’a coûté une fortune’ avant de s’asseoir au piano pour interpréter 3 magnifiques blues devant une assistance déchainée et conquise ! Un grand bonhomme ! Respect.
La cinquième prestation de la soirée est accordée par The Company Of Snakes. Le groupe, composé d’anciens membres de Whitesnake (Ian Paice, Jon Lord, Bernie Marsden, Neil Murray et Micky Moody) interprète des titres du Serpent Blanc tels qu’ils avaient été composés dans les seventies, bien avant que David Coverdale n’en fasse un groupe à hits américain. Quel bonheur d’entendre « Walking in the shadow of the blues», « Fool for your lovin’ » ou encore « Ready and willing» dans leur version ‘vintage’. Seul bémol à cette excellente prestation, la voix de Robert Hart est bien loin d’égaler celle de Coverdale. Dommage !
Pour terminer la soirée en beauté, Tony Ashton vient rejoindre Ian Paice et Jon Lord pour entamer 4 titres de Paice-Ashton-Lord. Magique !
Plus qu’un concert, « Endangered Species » est un document unique. Un hommage vibrant et inoubliable rendu à un musicien disparu trop tôt ! A regarder religieusement.
La valeur n’attend pas le nombre des années. Jack Peñate est à peine âgé de 25 ans ; mais à ce jour, il compte déjà deux albums à son actif. Pourtant, avant de sortir de la zone crépusculaire de l’underground, Jack a dû passer par la filière des bars et des petits clubs. Un parcours qui a quand même duré quelques années. On est donc loin du conte de fées musical… Paru en 2006, le premier opus de ce jeune Londonien, « Matinée », lui avait permis de signer sur le label électro XL Recordings. Et le succès est immédiat. Sa chanson « Torn On The Platform » atteint la 7ème place des charts britanniques. Mais cette soudaine notoriété ne le satisfait pas complètement. Pas plus que sa musique. Peñate est un perfectionniste et il décide de tout reprendre à zéro.
Il l’annonce d’ailleurs d’emblée. Il s’agit d’un nouveau départ pour lui. « Everything Is New » comme l’indique le titre de l’album ! Un vaste et ambitieux programme pour le musicien de Blackheath. Bénéficiant du concours de Norman Cook (aka-Fatboy Slim), Paul Epworth (le fameux et très hype producteur de Bloc Party et des Friendly Fires) et Richard Russell (le boss de XL Recordings), il bosse pendant 9 mois sur les nouvelles compos. Pour finalement accoucher ( ?!?!?) de ce nouvel elpee. Entre Epsworth, le producteur le plus sollicité en Angleterre, et le petit joyau du songwriting anglais, l’entente est parfaite. Les idées bouillonnent ; et lorsqu’on l’interroge sur les influences puisées pour élaborer « Everything Is New », il cite d’improbables références comme la musique brésilienne, Fela Kuti ou le Krautrock de Can.
“Everything Is New” ne recèle que 9 chansons. Concises elles vont directement à l’essentiel. « Matinée » réunissait quelques plages contagieuses, dont le classique « Spit At Stars » ; mais également des titres relativement anecdotiques. Ce nouvel opus se révèle moins folk, mais plus pop. Toujours aussi rock et soul, cependant. On pourrait même le qualifier de ‘white soul’. Curieusement, la voix de Jack me fait parfois penser à celle de Robert Smith. En moins torturé, c’est vrai. Encore que les lyrics de « Let’s All Die » ne donnent pas envie de rigoler. Et pour cause, ils reviennent sur la catastrophe de la Nouvelle-Orléans. Et inévitablement de la mort ! Cette chanson hypnotique et hantée est, en outre, enrobée de chœurs irrésistibles. Peu d’artistes seraient capables de traiter un sujet aussi grave d’une manière aussi personnelle et élégante. Le reste est quand même beaucoup plus réjouissant. A l’instar des singles « Tonight’s Today », caractérisé par ses inflexions caribéennes (NDR : il passe déjà en boucle sur Studio Brussel), et « Be The One ».
Les artistes féminines britanniques spécialisées dans la soul revivaliste sont aujourd’hui légion. Mais si vous cherchez à épingler l’une d’entre elles pour son originalité, je vous souhaite bon courage. Rien qu’écouter leurs disques me donne la nausée. Ambitieux, inventif, original et dansant, « Everything Is New » est d’un tout autre calibre. Je vous invite donc à vous le procurer de toute urgence Et pourtant il évolue également dans un même registre soul. Simplement, Jack Peñate a du talent. Et c’est une fameuse différence.
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