Jeremy Jay est un sacré veinard. Son nouvel essai, « Slow Dance », fait l’unanimité au sein des rédactions de la presse spécialisée. Le ‘pourquoi’ est un grand mystère. Cette seconde œuvre aux faux-airs de pop ‘sixties’ et sa nappe de New Wave s’avère, même au bout de plusieurs écoutes, peu enthousiasmante. La manière détachée dont le Californien interprète ses écrits efface toute trace de sincérité dans le propos. N’est pas Bowie ou Joy Division qui veut.
Le larmoyant « Winter Wonder », « Where Could We Go Tonight ? », plaidoyer de l’éternelle victime, », les banals « Canter Canter » et « In This Lonely Town » forment le trio le plus exaspérant de ce « Slow Dance ». Le grand gauche sous anxiolytique traverse son œuvre à une allure nonchalante et parvient à transmuer la petite demi-heure de « Slow Dance » en une éternité. Jeremy Jay aura néanmoins réussi à convaincre les critiques. Reste à voir si le public suivra. Et pour combien de temps…
Bien souvent, lorsqu’un groupe s’efforce d’entamer une démarche artistique un peu différente et que, grâce à son travail, il parvient à créer son propre style ou son propre son, il voit ses idées pompées par une armée de suiveurs sans scrupules, désireux de surfer sur la vague du succès, sans avoir à se creuser les méninges.
Neurosis en est un bel exemple. Après de nombreuses années d’expérimentations, il a créé les bases de ce qui allait devenir le Post Hardcore/Postcore ; et il n’a pas fallu très longtemps pour voir surgir une légion de combos pratiquant un style similaire. Il y a cependant des suiveurs, qui, un peu plus créatifs que les autres, ne se contentent pas de copier la musique inventée par leurs pairs, mais essaient plutôt de s’en servir comme base pour définir leur propre création. C’est assurément le cas chez les Américains d’Isis qui au cours de leurs 12 années de carrière on su s’extirper du moule créé par Neurosis pour façonner leur identité.
« Wavering Radiant » le nouvel album du combo de Los Angeles a été produit par Joe Barresi (Queens of the Stone Age, Melvins, Enslaved), ce qui est déjà un gage de qualité. La musique d’Isis est bien sûr lente, sombre, atmosphérique et épique car le style le veut. Les claviers, discrets mais efficaces et l’alternance de vocaux clairs et hurlés apportent un relief agréablement inattendu. « Wavering Radiant » pourrait très bien convenir aux fans de Neurosis, c’est une évidence ; mais aussi aux amateurs de Tool. Et en poussant un peu plus loin, il se pourrait même que les fans les plus ouverts d’Opeth y trouvent leur compte…
Je crois sincèrement qu’il n’existe pas, en France, à l’heure actuelle, de groupe jouant une musique plus belle que celle d’Iris Corporation. Originaire d’Albi dans le Tarn, ce trio vient de sortir un des chefs d’œuvres du Rock et du Hard Rock Français. Son titre : « A new saint session ».
La voix haut-perchée de John Iris et le subtil mélange de guitare électrique acoustique sont transcendés par un hard rock dont le métissage culturel embrasse des rythmes lancinants et atmosphériques teintés d’un doux parfum oriental. Isis Corporation campe un Led Zeppelin modernisé complètement ancré dans son époque. La production est limpide et claire, bien plus soignée que celle de certaines pointures internationales.
Des textes (en anglais) aux accents poétiques et ésotériques reflètent les positions écologiques et humanistes des 3 Albigeois, tandis que l’artwork du cd, en format digipak, est un petit bijou qui redonne envie d’acheter de la musique sur un support physique et non au ‘bête’ format informatique.
Iris Corporation mérite de devenir un groupe international. Il en a l’envergure. Le laisser végéter à un niveau underground français serait une erreur monumentale pour le music business et une grande perte pour tous les amateurs de (très) bonne musique.
Selon la biographie jointe au Cd promotionnel, Icon In Me est le dernier espoir du metal russe. Si c’est le cas, j’ai bien peur que nos amis soviétiques soient mal barrés. Dernier espoir de quoi d’abord ? De sonner comme un groupe américain ? De ce côté-là, pas de problème, le pari est tenu.
Icon In Me balance donc son premier méfait de ce côté-ci de l’Europe, en espérant la conquérir à grands coups de noms relativement célèbres dans le milieu, jugez plutôt : aux côtés des 3 Russes inconnus que sont D. Frans (guitare), Artyom (guitare) et Konstantin (basse), on retrouve Tony JJ (vocaliste de Mnemic, MAN et Transport League) et le batteur Morten Løwe Sørensen (Soilwork, Hatesphare, Scarve). C’est Jacob Hansen (Destruction, Mercinary,…) qui se charge de la production. De nombreux invités viennent donner un petit coup de main : Steve Smyth (Nevermore, Testament), Flemming C. Lund (The Arcane Order, Invocator) et Andy Solvestrom (Within Y, Cypher System). Pour couronner le tout, on nous signale que Icon In Me a assuré la première partie de Machine Head à Moscou. Ce qui fait beaucoup de monde pour un album dont l’originalité n’est pas le point fort.
Icon In Me joue un Trash Metal dit ‘moderne’. Soit un mélange de tous les genres de metal pour jeunes amateurs de sensations fortes : Trash, Harcore, Death Melodique, Metalcore. On pense à Mnemic, Hatesphare, In Flames, Killswich Engage et même à Fear Factory. Les vocaux sont typiques du style : hurlés à la manière hardcore, ils exhalent des relents death et parfois concèdent des voix claires pour donner un petit côté metalcore à l’ensemble.
Pas de doute, « Human Museum » est un album qui déménage du début à la fin. Il devrait plaire aux plus jeunes des metalheads. Pas ma came donc.
Graves of Valor est un quintet originaire de Florence (en Caroline du Sud) responsable de deux albums à ce jour ; mais sous le patronyme de Through The Eyes Of The Dead. Le combo pratique un death metal assez brutal mais un peu trop linéaire pour vraiment se démarquer d’un genre déjà un peu trop saturé. « Salarian Gate » est un bon album de death metal, comme il en existe un tas d’autres. Ni meilleur, ni pire.
Alors de deux choses l’une. Soit, vous êtes fondus de death metal, votre cédéthèque contient tous les albums de Cannibal Corpse, Behemoth, Dying Fetus, Deicide ainsi que de Vital Remains, et vous estimez qu’il vous reste encore un peu de place pour un brulot extrême du même style. Dans ce cas, pas de doute « Salarian Gate », le premier album de Graves Of Valor, caractérisé par ses grunts vindicatifs, ses guitares ultra speedées et ses blast beats furieux, est fait pour vous.
Ou bien, vous considérez que des galettes brutales dans ce genre, il y en existe suffisamment ; et vous voulez essayer de vous farcir quelque chose d’un peu différent. Alors, il vous suffit de faire comme votre serviteur et d’écouter l’excellent split Cd des Belges de Sludge Phenomenon et Helldozer.
A vous de voir.
The Thermals est un groupe majeur. C’est une certitude ! Pourquoi ? Car après avoir inséré leur dernier opus dans le lecteur, on reconnaît instantanément leur style. Une qualité bien rare. Aucune autre formation ne ressemble aux Themals. Leur son est unique. C’est ce qui fait d’ailleurs leur identité.
Né en 2002 à Portland (Oregon), ce trio est paradoxalement avant tout un duo ( ?!?!?) : le guitariste/vocaliste Hutch Harris et la bassiste Kathy Foster. En fait les drummers se succèdent constamment. Grand consommateur, le combo en est déjà à son sixième ! Leur premier album avait été produit par Chris Walla de Death Cab For Cutie, suite à l’envoi d’un ‘Ep maison’ à Ben Gibbard. En 2006, The Thermals avait impressionné toute la galerie en commettant un des meilleurs albums de punk mélodique de ces dernières années : « The Body, The Blood, The Machine ». Et en 2007, lors de son passage à Dour, le band avait fait des ravages…
Apparemment, le trio possède un goût certain pour les labels mythiques. Après avoir séjourné chez Sub Pop, il vient de signer pour Kill Rock Stars. « Now We Can See » constitue donc son nouvel opus. Un disque qui reprend les recettes gagnantes de son précédent long playing. Et avec un même bonheur. Les tubes ne sont peut-être plus aussi immédiats, mais les onze morceaux sont d’une rare cohérence. Pourriez-vous me citer d’autres formations réussissant à mêler avec autant de classe, la force mélodique de Green Day (« Liquid In, Liquid out »), la véhémence des Clash (« When I Was Alive ») et les riffs acérés de Fugazi ? Les années 90 ne sont jamais loin et la production de John Cogleton (Explosion In The Sky et Polyphonic Spree) parvient à tirer la quintessence du trio. Alors que « The Body, The Blood, The Machine » dissertait sur Dieu, ses dévots ainsi que l’administration Bush, « Now We Can See » traite de la mort. Les titres de chansons sont d’ailleurs explicites, « When I Died », « You Dissolve » et « When We Were Alive », par exemple. La mort, c’est vrai, mais sans jamais s’apitoyer sur le sujet ou en remettre une couche. Rien à jeter sur cet elpee. Même pas la très belle power ballade, « At The Bottom Of The Sea », plantée au beau milieu du tracklisting. On soulignera également l’excellente voix du chanteur, dont le timbre et parfois les inflexions rappellent Brian Molko…
The Thermals garde donc aisément le cap tout en confortant sa place au panthéon des groupes de punk rock qui comptent. Un nouveau coup dans le mille. Et puis le combo a une éthique. Il a carrément refusé l’utilisation pourtant lucrative d’une de ses chansons (« It’s Trivia »), destinée à sonoriser une publicité pour les horribles Hummer ? Respect !
« The Hell Preacher » est le troisième album d'un combo impliquant Dave Witte (Burnt By The Sun, Municipal Waste), Erik Larson (Alabama Thunder Pussy), Bo Leslie (The Last Vanzant), Ben Hogg (Beaten Back to Pure) et Summer Welsh (Baroness). Une nouvelle fois, nous sommes en présence d’un de ces ‘super groupes’ réunissant d’illustres inconnus.
Pourtant, c’est pour notre plus grand plaisir que Birds Of Prey nous refait le coup du Death Metal Old School élevé à la sauce Rock’n’Roll et au Sludge sudiste. Comme si Entombed rencontrait Motörhead et Corrosion Of Conformity. Un mélange pas vraiment nouveau mais diablement efficace lorsqu’il s’agit de passer un bon moment de headbanging. Car ces cinq musiciens, au look de bucherons rednecks, s’y entendent vraiment pour délivrer ces riffs bien gras qui donnent envie de secouer la tête de haut en bas. La voix de Ben Hogg évoque celle de L-G Petrov (Entombed) et même parfois de Jan-Chris De Koeijer (Gorefest). Le tempo est souvent lent, sans être doom et quand il accélère, ce n’est jamais pour dépasser la vitesse raisonnable d’un titre de Motörhead. Les compostions recèlent quelques bonnes parties de lead guitare et la section rythmique est totalement dépourvue de ces ignobles blast-beats qui le plus souvent rendent les albums de death metal inaudibles (NDR : ça n’engage que moi sur ce coup-là).
En conclusion : « The Hell Preacher » est un disque qui, s’il n’est pas l’album le plus révolutionnaire de l’année, mérite bien que l’on jette un œil et surtout tende une oreille dessus.
Les différences entre le Pagan, le Viking ou le Folk Metal sont parfois un peu trop subtiles pour votre serviteur. Surtout quand on n’a pas décroché un master en mythologie nordique. D’après sa bio, Wolfchant joue du Pagan Metal. Croyons-le sur parole !
« Determined Damnation » est donc la troisième offrande aux dieux païens de ces cousins germains des Vikings. Musicalement, il n’y a pas grand-chose de nouveau ni d’original. Wolfchant dispense un metal épique aux mélodies influencées par le folklore nordique tel que le pratiquait déjà les Suédois de Mithotyn et de Thyrfing, il y a plus de dix ans. Les vocaux en allemand et en anglais sont typés Black Metal et rappellent un peu Abbath d’Immortal ou Gunther Thijs d’Ancient Rites.
L’ensemble n’est pas désagréable à écouter, mais sonne un peu daté. On aurait aimé que quelques instruments folkloriques traditionnels viennent insuffler un peu de vie dans le jeu de quilles ; comme c’est le cas chez leurs compatriotes de Menhir, les Finlandais de Finntroll et Korpiklaani ou encore les Suisses d’Eluveitie.
Il y a un an, le sympathique label Lo Recordings éditait « Milky Disco », une compilation audacieuse et respectable de nu-disco qui épinglait toute une série d’artistes bien dans l’air du temps comme les notoires Lindstrom & Prins Thomas ou encore Black Devil Disco Club. Le succès de ce recueil a, bien sûr, donné l’envie à John Tye, le boss de l’écurie, de lui donner une suite.
« Milky Disco 2… Let’s Go Freak Out ! » est double. Bande son de l’été, cet opus accorde une place importante aux nouvelles textures synthétiques et aux beats purs, où néo-disco, electronica et ambient s’agitent sur fond de psychédélisme et d’avant-gardisme électronique. On retrouve sur cette galette, des pépites concoctées par des grosses pointures du style, comme l’Américain Hatchback, Black Devil Disco Club remixé par Richard Sen, Black Mustang (le projet de John Tye) ainsi que le side project de Luke Vibert, Kerrier District ; mais également des artistes moins connus mais dont les performances sont tout aussi convaincantes. C’est le cas de Pollyester, Soft Circle (ex drummer de Black Dice) ainsi que Canyons, nouvelle signature chez DFA. Et même si le second cd est un peu plus pompeux, il a l’audace de nous proposer un éventail d’artistes qui s’intéressent tour à tour à la techno de Détroit, aux envolées Krautrock, à l’Italodsico et même de replonger dans les 80’s, mais sur la côte Ouest. « Milky Disco 2… Let’s Go Freak Out ! » ou comment traverser la frontière du son pour entrer dans un nouvel espace de création…
L'occasion était trop belle et les instants à immortaliser trop abondants. Aussi, Randy Chortkoff n'a pas hésité à sortir 2 volumes de cette « All Star Blues Revue ». Curieusement (NDLR : lucrativement ?), ces deux œuvres sont vendues séparément, alors qu’on y retrouve les même participants.
Les jeunes Insomniacs ouvrent le feu par du west coast jump explosif. Dodson est très offensif tout au long de ce "Stick around", pendant que Shakeri se réserve des interventions très incisives et swinguantes au piano! Flanqué de son Steve Edmonson Band, Jackie Payne propose le meilleur de son R&B, un style largement cuivré et bien funky dispensé sur la plage éponyme de son denier album, "Overnight sensation". Démonstratif, Edmonson évolue dans un registre proche d'Albert King. Jason Ricci & New Blood affrontent "I'm a new man", un titre tout aussi funky, mais dans un style privilégié par les jam bands. Les deux solistes se distinguent par des interventions brillantes aux cordes ; et en particulier Ricci, un musicien aussi original que passionné. Les Mannish Boys montent sur les planches pour soutenir Kid Ramos, lors de son interprétation de l'instrumental "Johnny Cochino". Bobby Jones chante "Mary Jane" en empruntant un rythme cher à Jimmy Reed. C'est le boss, Randy Chortkoff, qui souffle dans l'harmonica. Il introduit des échanges sans fin, entre les cordes de Ramos, Fletcher et Goldwasser ! Les Insomniacs nous proposent une nouvelle vision de leur large potentiel sur le "Broke and lonely" de Johnny Guitar Watson. Los Fabulocos sont réputés pour leurs rythmes latino. Ils entretiennent un véritable climat de fête. Jesus Cuevas se partage chant et accordéon sur "If you know". La baritone guitare de Kid Ramos concède des accents hispaniques sur "Burnin' the chicken" ; mais ses riffs peuvent aussi s’y révéler meurtriers. Mike Zito sort également le grand jeu. Le tempo est lent, volontairement dramatique. Il dialogue constamment avec ses cordes tout au long de "Slow it down", dans un style me rappelant Tinsley Ellis au sommet de son art. Excellent ! A l’instar du premier chapitre, Philip Walker nous restitue manifestement les instants les plus intimement blues. Et en particulier sur le nerveux "Lay you down", une compo au cours de laquelle il allie classe, brio, sensibilité et chaleur. Un grand bonhomme ! Lors de l’édition 2009 des Blues Music Awards, Delta Groove a encore enregistré une volée de nominés. Parmi lesquels le ‘meilleur premier album’ a été décerné au "2 man wrecking crew de "Cedric Burnside & Lightnin' Malcolm. Figurait également sur la liste des prétendants, les Mannish Boys, Dick Innes, Kid Ramos, Jason Ricci et Jackie Payne. Impressionnant, même si la récompense suprême ne leur pas été attribuée.
Randy Chortkoff, le boss du label Delta Groove (NDR : une boîte établie à Los Angeles), est un personnage particulièrement dynamique. En outre, son audace lui permet de relever les défis qui se bousculent tout au long de son parcours. Son écurie a décroché diverses nominations aux Blues Awards de l'année 2008. La cérémonie de remise de ces Awards se déroulait à Tunica, dans le Mississippi. Aussi, il était opportun de se produire au cœur du Delta, à Clarksdale. Très exactement, au Ground Zero Blues Club, dont le patron est l'acteur Morgan Freeman. Cette situation a provoqué la mise sur pied d’un festival improvisé, réunissant les étoiles du label. Douze heures de musique qui oscillent du Mississippi blues de Johnny Dyer au West Coast style des Insomniacs, en passant par le Texas blues de Philip Walker, le funky soul blues du Jackie Payne – Steve Edmonson Band et le tex mex américana de Los Fabulucos. Et le tout a été par David Z.
Los Fabulocos ouvre les hostilités par "I'm gonna be a wheel someday". Jesus Cuevas joue de l'accordéon, Kid Ramos de la guitare. Les Insomniacs sont une véritable révélation du nord de la côté ouest. Un jeune groupe qui nous propose ici deux facettes de son répertoire. Tout d’abord, à travers "At least I'm not with you". Ensuite tout au long du blues lent "Description blues", une longue compo minimaliste et atmosphérique balisée par le chant et les cordes du talentueux Vyasa Dodson et l'orgue Hammond d'Alex Shakeri. Le groupe phare du label est incontestablement The Mannish Boys. Formé à L.A. autour d'authentiques étoiles du blues, en passant par Chicago, le Mississippi et la Californie, Johnny Dyer est originaire de Rolling Fork, tout comme Muddy Waters. Le vieux chanteur/harmoniciste noir interprète une cover du "Everything's gonna be alright" de Little Walter, soutenu par un trio de gratteurs ; en l’occurrence Kid Ramos, Franck ‘Paris Slim’ Goldwasser et Kirk Fletcher. Finis Tasby enrichit de son timbre extraordinaire la superbe reprise du "Lonesome bedroom blues" de Curtis Jones, une adaptation très saignante au cours de laquelle les 3 guitaristes sont absolument impitoyables. Texan émigré sur la West Coast, Philip Walker nous réserve un formidable "Street walking woman". Bien rythmée, cette compo célèbre un nouveau duel de cordes entre Walker, Fletcher et Goldwasser, pendant que Richard 'Big Foot' Innes assure son rôle de métronome derrière les fûts. Du blues 5 étoiles ! La guitare continue à être reine ; et pour cause, Junior Watson monte sur les planches. Il s’empare du micro et se met à chanter (NDR : pas trop bien, il faut le reconnaître) "Wolf pack", épaulé par une section rythmique constituée d’Eli Fletcher, de Ronnie James Webber et de Dick Innes. Mais lorsque le barbu chauve attaque les cordes, on est scotché par ses interventions. La marque du génie ! Le même Fletcher se mue en soliste pour restituer une version instrumentale du "Lucille" de Little Richard. Un exercice de style qu’il réalise suivant un arrangement d'Albert Collins. De sa voix purement soul, Jackie Payne chante le classique de Muddy Waters, "She's nineteen years old". Son acolyte Steve Edmonson le seconde à la guitare et les Sweet Meet Horns lui apportent leur concours. Le jeune Mike Zito est manifestement le musicien qui évolue le plus dans un style rockin' blues. Soutenu par la pianiste Teresa James, il nous balance "Dirty blonde". Sa guitare est offensive et sa superbe voix très personnelle. Jason Ricci est un chanteur/harmoniciste gay. Entouré de son New Blood, il reprend le "Shake your hips" de Slim Harpo. Plus de 9' de boogie caractérisé par une orgie de notes à l'harmo et découpé par la guitare de Shawn Starski! La toute grande classe !
La grosse déception de la semaine. Pas que l’album de Tracy Gang Pussy soit médiocre. Au contraire. Il est même plutôt bien foutu. Le problème, c’est qu’on espérait vraiment autre chose d’un groupe répondant à un tel patronyme et affichant un tel look de rockers tatoués. On s’attendait même à un disque de rock’n’roll bien crade, style Backyard Babies ou Hellacopters. Ou alors à du sleaze rock burné comme en faisait Guns’n’Roses à ses débuts.
Oui mais voilà, on nous a un peu trompés sur la marchandise. Pourtant, « Number4 » démarre plutôt bien par un titre décapant. Pas aussi crade qu’on l’aurait espéré, mais bien rentre-dedans quand même. Quel choc donc lorsqu’on se rend compte que le second morceau du Cd des Parisiens est hit pop rock potentiel. Bien joué, bien chanté, mais pop rock. Pas du tout la décharge de testostérone à laquelle on était en droit d’escompter en lisant la mention ‘Chaos Rock’n’roll’, inscrite sur la pochette. La suite de l’album est un melting pot de sleaze rock, de pop et de punk rock commercial à l’Américaine. C’est plutôt sympa comme mélange. Ca bouge et ça donne envie de chanter et de danser, mais en gros, c’est quand même de la musique pour les filles.
En conclusion : « Numéro 4 » est un beau disque à écouter peinard, en sirotant un lait fraise ou en laissant sécher son vernis à ongles, entre deux épisodes de « Totally Spies ».
La pêche au saumon de Tomàn, initiée en 2006, a propulsé le quintet gantois dans le haut de la liste des petits groupes belges sans prétention à surveiller de très près. Leur second recueil, « Perhaps We Should Have Smoked The Salmon First », était en effet une pépite alternative plutôt inattendue. Trois ans plus tard, la formation continue à grimper les échelons. Tomàn montre les crocs sur un « Where Wolves Wear Wolf Wear » d’autant plus surprenant que son précédent elpee. Ici, la voix de Wouter Vlaeminck est poussée à l’avant-plan et les arrangements sont davantage audacieux et inventifs qu’auparavant. Tomàn a grandi et le fait savoir.
Sur « Where Wolves Wear Wolf Wear », le combo s’amuse à brouiller les pistes en se dégageant de la sphère post-rock à laquelle on l’associait jusqu’ici. Tomàn promène sans ménagement l’auditeur entre de longs morceaux aux limites du prog-rock (« Bear », « Fisherman », l’énorme « Locksmith ») et de petites capsules alt-pop joyeusement malmenées (« Salmon », « Tailor », « Horses »). Les Gantois maîtrisent leur sujet et se risquent même à introduire des éléments électroniques plutôt discrets et habilement conduits (« Owl »). Une œuvre à ne pas manquer. D’autant qu’elle s’accompagne d’un livret plutôt sympathique, sous forme de bande dessinée traçant le fil conducteur du recueil. ‘The whole package’, comme ils disent chez l’oncle Sam…
Sur son dernier ouvrage, « Give Me That Slow Knowing Smile », Lisa Ekdhal opère un virage folk sans grande surprise. Le traitement ‘live’ allait-il bonifier cet essai anecdotique ? La Suédoise plaidait son cas ce 14 juin dans une AB semi-assise.
Un mélomane avisé sait qu’il ne faut pas trop se fier aux horaires annoncés sur le site des organisations de concerts. Le timing du concert de Lisa Ekdhal en est un parfait exemple. Initialement annoncé pour 20h30, le signal de départ de la soirée est finalement lancé un bon quart d’heure plus tôt. Mon arrivée tardive me pousse donc à taper un petit sprint vers la salle. La chanteuse et ses musiciens achèvent ce qui s’avère être le premier morceau de la setlist. Ouf, rien raté. Le groupe enchaîne alors sur le titre-maître du dernier opus de la dame après que celle-ci, de sa voix enfantine, ait conté fleurette à son public. Sur scène, Ekdhal est plutôt statique et ses manières détournent un peu l’attention de sa performance. Ses reprises du « Cry Me A River » de Julie London et de « Nature Boy », le grand classique de jazz réinterprété un millier de fois, manquent de relief et tendent vers le soporifique.
Après à peine quarante minutes, Lisa Ekdhal et ses trois musiciens quittent la scène, le temps d’un entracte (!). Le public, très apprêté, se dirige alors vers le bar, le temps que la petite blonde repose ses cordes vocales et choisisse une nouvelle tenue. Une vingtaine de minute plus tard, le second acte débute sur « Don’t Stop ». L'un des musiciens d'Ekdhal joue d’une cithare plutôt kitsch mais dont la chanteuse semble fière. La deuxième partie du concert se déroule à peu près de la même manière que la première, sans rebondissement. Ses interprétations de « Beautiful Boy », « Night And Day » ou encore du « It’s Oh So Quiet » de Björk se révèlent être monotones à mourir. Le reste du set finira de me pousser dans les bras de morphée. Lisa Ekhal a dispensé ce soir un set plutôt morne et sans intérêt. Heureusement, l’AB avait prévu des fauteuils assez confortables pour y piquer un petit somme…
Organisation : Ancienne Belgique
(Voir également notre section photos)
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