En puisant allègrement dans le punk rock des années 80, et notamment dans les boîtes à rythmes, ce duo de Brasilia nous propose une furieuse cavalcade électro punk en portugais dans le texte. « A Fabula (ou a farsa ?) De dois Eletropandas » constitue donc le premier disque de Pil et Fernanda, couple sur scène et à la ville, puisqu’ils sont mari et femme. Les beats martelés tapissent la solution sonore. Pil y plaque des accords punky de sa gratte, tandis que Fernanda se démène à la basse et balance des phrases sous forme de ‘slogans’ d’un air mi-fatigué, mi-provocant. La recette de « A Fabula (ou a farsa ?) De dois Eletropandas » est simple et dûment répétée tout au long du disque. On démarre sur les chapeaux de roue par d’excellents titres taillés pour le dancefloor ou le pogotage régressif : « Garota Rock Inglês », « Estetoscopio » ou encore « Coraçao Empacotado ». Malheureusement la formule s’essouffle rapidement et se révèle un peu limitée pour totalement convaincre. Les fans de Bonde Do Role et les nostalgiques de Bérurier Noir devraient néanmoins apprécier.
De retour sur le label Domino après avoir passé trois années loin du circuit mainstream, King Creosote publie déjà son 40ème album depuis 1998. Malgré cette nouvelle livraison réussie, le prolifique Kenny Anderson ne rencontrera probablement jamais le succès qu’il mérite. Quel dommage de voir semblable compositeur confiné dans l’étroite de son Ecosse natale. Mais peut-être le succès n’est-il pas vraiment son objectif. Car comment comprendre qu’un aussi bon album puisse être emballé dans une pochette médiévale aussi immonde ?
Une nouvelle fois, en commettant ce « Flick the Vs », King Creosote parvient facilement à faire rimer quantité avec (grande) qualité. Ce nouvel opus recèle une pléiade de morceaux magnifiques. A l’instar de « Bombshell », son effort précédent. Si le chanteur possède une voix d’ange mélancolique et bouleversante, la musique de King Créosote est totalement indéfinissable. Faut dire que Kenny Anderson prend un malin plaisir à brouiller les pistes. Son folk est très alternatif. Et le qualificatif est faible. En fait, en injectant de la pop, et de l’électro minimaliste, mais surtout une sensibilité mélodique unique en son genre, il compose du King Creosote, tout simplement.
L’album s’ouvre en fanfare par deux titres de plus de 5 minutes : « No One Had It Better », caractérisé par son crescendo électro rock et le recours au vocodeur ; et surtout « Two Frocks At A Wedding », une chanson pop empreinte d’une grande délicatesse. Des morceaux qui permettent d’entrer directement dans l’univers hanté du songwriter écossais. Aucun titre ne ressemble à un autre. Un parfait modèle pour le folk moderne ! Le format classique de « Camel Swapped For Wives » convient tout autant que le plus enjoué « Rims ». Kenny Anderson est accordéoniste de formation mais jongle avec un tas d’instruments. Néanmoins l’accordéon lui permet d’accentuer l’aspect mélancolique et langoureux de ses chansons.
La créativité de Kenny Anderson est intarissable. Et ce « Flick the Vs’ » en est une nouvelle démonstration. Une chose est sûre, il nous entraîne très haut dans la galaxie pop.
Inclinez-vous donc devant le Roi Creosote ! D’ailleurs si sa majesté me le permet, je passerai encore quelques temps en sa compagnie. La famille royale Anderson surpasse en tout cas de loin celle des Windsor. En effet le frère de Kenny n’est autre que Lone Pigeon, le cerveau allumé du Beta Band, qui a également embrassé une carrière en solitaire.
Fight Like Apes nous vient tout droit d’Irlande. De Dublin, très exactement. Une formation fondée en 2006. Il faudra cependant attendre la sortie de son premier elpee, « Fight Like Apes and the mystery of the golden medallion », pour que l’Europe s’intéresse à son existence. Ce disque est paru en 2008, mais n’a bénéficié d’une sortie officielle sur le Vieux Continent, que début 2009. Un opus dont la mise en forme a été réalisée par le producteur John Goodmanson (Blonde Redhead, Death Cab For Cutie). Et dont le succès s’est propagé comme une traînée de poudre, en Eire. Il faudra cependant attendre que le groupe se mette à tourner, assurant notamment le supporting act de combos bien dans l’air du temps, tels que Ting Tings, Black Lips ou encore Von Bondies, pour se forger une certaine notoriété hors-frontières
La musique de Fight Like Apes trempe dans une sorte d’électro-punk-pop efficace et énergique. Les compos de son premier opus sont brèves. A premier abord, la voix de Maykay est insupportable, campant un timbre d’adolescente pré-pubère, limite Avril Lavigne. Mais au fil de l’opus, elle se bonifie. Les synthés trament toute la solution sonore. Les compos se ressemblent. Une homogénéité qui devient progressivement lassante ; ce qui explique pourquoi on décroche assez rapidement, à la condition que l’on ait accroché bien entendu. Ce qui n’empêche pas la plupart de chansons de cette plaque d’être susceptibles de devenir des tubes potentiels. Notamment « Tie me up with jacket » et « Something global ». Un peut trop sur pilotage automatique à mon goût, leur pop devrait cependant faire le bonheur de la bande FM.
Omar Rodriguez Lopez est prolifique. Le dernier album de Mars Volta remonte à plus ou moins un an et ses deux opus solos sont sortis il ya trois bons mois. Et il nous revient pour un nouveau concept baptisé El Grupo Nuevo De Omar Rodriguez Lopez. Faut croire que le personnage a tellement d’inspiration qu’il doit les répercuter à travers différents projets.
A l’origine, EGNORL était le fruit de la collaboration entre le natif d’El Paso et le batteur Zach Hill (NDR : considéré comme un des meilleurs drummers contemporains, il milite actuellement chez la formation de math-rock Hella). Mais après mûre réflexion, le duo a décidé d’appeler à la rescousse quelques collaborateurs proches. Ce qui explique la présence du binôme Cedric Bixler Zavala et du claviériste Jonathan Hischke (NDR : ce dernier partage sa fonction entre Hella et Mars Volta) ; ainsi que du bassiste d’Hella, Juan Alderete De La Pena (bassiste d’Hella). Au vu du line up, on est envahi par un sentiment d’excitation et d’appréhension. Et pour cause, les musiciens en présence sont capables du meilleur mais aussi du pire ; notamment quand ils cherchent à en nous en mettre plein la vue : soli dégoulinants, compos interminables, etc. Quand ils n’oublient pas carrément l’aspect mélodique de leurs compos.
« Cryptomnesia » ne surprend donc pas. On y retrouve tous les ingrédients qui font la notoriété des deux formations. Basse et batterie sont constamment en duel. Le doigté inimitable d’Omar est bien présent. Le psychédélisme des claviers est particulièrement ample. Le tout est irradié par la superbe voix de Cédric Bixler. Il y a même ici davantage de concision que chez Mars Volta. Une exception qui confirme la règle : « They’re coming to get you, Barbara ». Mais dans l’ensemble, le sens mélodique est bien plus palpable. On a même droit à quelques perles. Parmi lesquelles j’épinglerai « Shake is for 8th graders » et « Half Kleptos ». Bref, une rencontre entre deux groupes et deux styles parfaitement réussie. On n’en demandait pas plus !
Quatrième album pour ces Londoniens susceptibles de nous réserver le pire comme le meilleur. « Rum and Coke » confirme la capacité du collectif à géométrie variable de dispenser un mélange accompli entre reggae, électro et funk, mais également de sombrer dans la médiocrité en se servant à peu près des mêmes ingrédients. Comme d’habitude, chez les Dub Pistols, les invités sont légion : le fidèle Rodney P, le légendaire chanteur reggae Gregory Isaacs, le vétéran de l’acid house Justin Robertson, Ashley Slater (ancien Freakpower) et Lindy Layton, notoire pour avoir concocté le tube « Dub Be Good To Me ». Passons sur les inévitables et habituels ratés du groupe et concentrons-nous sur ce qui tient la route tout au long de ce « Rum and Coke ». Et en particulier l’archi-efficace « I’m In Love », une reprise du tube électro funk d’Evelyn Champagne King, transformé pour l’occasion en disco reggae de haute tenue. Puis le dansant « Ganja », emporté par le flow de Rodney P. Ce dernier s’acoquine ensuite au reggaeman des Barbades Red Star Lion pour un excellent reggae roots intitulé « Peace of Mind ». « Six Months » est une des meilleures prestations vocales dispensées par Greg Isaacs depuis bien longtemps, sur une production rendant hommage aux sons du reggae digital des années 90. De véritables tueries, qui sont au nombre de quatre sur dix. Ce qui n’est déjà pas si mal. Les autres compos de ce « Rum and Coke » ne sont malheureusement pas de la même trempe…
Super-groupe dans tous les sens du terme, Chickenfoot passe au shaker les influences du virtuose de la six cordes Joe Satriani, des ex-Van Halen Sammy Hagar et Michael Anthony ainsi que de Chad Smith, batteur groovy des Red Hot Chili Peppers. Des musiciens qui n’ont plus rien à prouver. Et pourtant Chickenfoot révèle d’autres facettes de ces quatre jeunes papys. On aurait pu imaginer un groupe sonnant comme un cocktail artificiel, un mix du funk rock des Red Hot, de la grosse basse et des chœurs à la Van Halen, le tout saupoudré des prouesses instrumentales de Satriani. Il n’en est rien. Chickenfoot célèbre ses héros : Cream, Muddy Waters, Led Zeppelin, Deep Purple, Hendrix et Montrose (premier groupe officiel de Sammy Hagar).
On découvre dès l’excellent « Avenida Revolution » le visage d’une formation qui ne donne pas dans la surenchère, des musiciens soudés qui regardent dans la même direction, au service d’un rock hard ‘classic’. Le son est puissant et survitaminé. Il faut dire que ce sont deux véritables légendes de studio qui ont œuvré derrière les manettes. Andy Johns (Led Zeppelin, Van Halen) s’est associé à Mike Fraser (Guns n’Roses, AC/DC) pour donner à ces onze pépites une chaleur enivrante. Cependant, Chickenfoot n’a rien d’un poulet aux hormones ; mais plutôt d’un chapon élevé aux grains. Tout est fluide et naturel. La prestation de Sammy Hagar est absolument irréprochable ; et Chad Smith démontre qu’il est capable de jouer autre chose que des rythmiques pour chansons pop rock ennuyeuses. Petite anecdote, Chickenfoot est en réalité le nom du tout premier groupe de Hagar, à l’époque où ce dernier se produisait dans des garages. Il était encore loin de s’imaginer qu’il deviendrait quelques années plus tard le chanteur du mythique Montrose.
Particulièrement attendu au Graspop Metal Meeting de Dessel, le combo y interprètera, outre de larges extraits se son premier album, des reprises de Deep Purple, de Led Zep et de Montrose. Mais aucun hit de Van Halen, de Satriani ou des Red Hot ! Et si Chickenfoot n’a pas inventé le fil à couper le beurre, il a au moins le mérite de nous offrir une bonne dose de fun à travers un rock n’ roll ancré dans les sixties et les seventies. Ca va chauffer sur scène !
Eric Chenaux n’est pas français, mais canadien. Et pas davantage issu du Québec, mais de l’Ontario. De Toronto, très exactement. Pas un néophyte, puisqu’au cours des 80’s, il a milité au sein de la formation post-punk Phleg Camp. Aujourd’hui il est partagé entre une carrière individuelle et de multiples projets davantage orientés sweet jazz comme The Reveries ou Ryan Driver Quartet, lorsqu’il ne se consacre pas à The Tristanos, pour lequel il compose des ballades lyriques. Enfin, en compagnie de son pote Martin Arnold, il est cofondateur de Rat-drifting. Pour enregistrer ce « Sloppy ground », il a bénéficié du concours d’une volée de musiciens. Dont la plupart émanent de ses collaborations diverses. Un juste retour d’ascenseur.
Eric Chenaux a de la bouteille ; et cela s’entend tout au long de cet elpee. Il adore évoluer en dehors de sentiers battus. Et n’hésite à composer des chansons dont la durée oscille autour des 6 minutes. Il aime sculpter les ballades dans le folk. Pas un folk yankee traditionnel, mais plutôt contaminé par l’esprit des Highlands. Un climat écossais entretenu par le banjo et les bagpipes. Cependant, funk et jazz s’immiscent également dans sa solution sonore. Et puis également de l’intensité électrique. Dans l’esprit de Neil Young. Encore que parfois, il a tendance à en remettre deux couches ; et cet étalage de virtuosité peut finir par agacer. Dommage, car sa musique est surprenante et si elle nécessite plusieurs écoutes avant d’être appréciée à sa juste valeur, elle devrait plaire aux aficionados de A Silver Mt. Zion voire même de Vic Chesnutt…
Coup de cœur pour ce groupe belge. Bien que fondé en 2008, The Black Tartan Clan n’est pas composé de néophytes. En fait tous les musiciens sont issus de la scène folk ou du hardcore ; et ils se sont réunis pour défendre un thème commun : la bonne humeur. Loin des clichés pop/rock bassinés par nos radios FM ou entretenus par le dernier groupe anversois à la mode, cet ensemble pratique donc un punk/rock/folk sans concession, mais surtout particulièrement entraînant.
Dès le morceau d’entrée, « Anthem », on est plongé en plein cœur des Highlands. La présence d’une cornemuse (NDR : elle est même omniprésente tout au long de l’elpee) n’y est pas étrangère. Une compo soutenue par des accords de guitare percutants, mais simples, et puis par des drums basiques et efficaces. Plus punk, « Here we go » nous rentre dedans. Radicalement. Parmi les titres-phares, on épinglera « No rules, great scotch » et le morceau maître, des chansons aux refrains hymniques qui donnent tout simplement envie de taper du pied. On se croirait même parfois plongé dans l’ambiance d’un pub animé.
Les fans des Pogues, Real Mc Kenzies et autres Dropkick Murphys devraient apprécier. Les autres se ressourcer de cette solution sonore rafraîchissante, ‘redynamisante’ même, qui devrait même être remboursée par la mutuelle.
Pour tout projet évoluant dans la sphère électro, être signé par le label Warp est un signe de reconnaissance. Faut dire que depuis 1989, cette écurie a le nez creux pour dénicher des talents au sein de cet univers. Les quatre premiers albums de Bibio sont cependant parus chez Mush (NDR : le premier, « fi », remonte à 2004) ; souvent en édition limitée. « Ambivalence avenue » constitue donc tout naturellement le cinquième.
Sous le patronyme Bibio, se cache un certain Stephen Wilkinson. Un Anglais. Un nom qu’il a choisi en souvenir d’une mouche, que son paternel utilisait lors des parties de pêche en mer. C’était au cours de sa tendre enfance. Ado, il est surtout attiré par la musique rock. Tout comme la plupart des jeunes issus de sa génération. Ce n’est qu’à partir de 16 ans qu’il prend goût à la musique électronique. Et s’y consacre. En 1999, il part à Londres pour étudier les ‘Sonics Arts’, à l’Université. Il tombe alors sous le charme de groupes comme Aphex Twin ou encore Boards of Canada, combos qu’il finira par côtoyer… Et commence à concocter son propre répertoire.
En cinq années, Steve est donc parvenu à maturité pour prétendre arriver au faîte de la scène électronica. Et pas seulement parce qu’il a signé pour la boîte de Steve Beckett ; mais parce que sa musique est tout à fait remarquable et cohérente. Bien sûr, son influence majeure demeure Boards of Canada ; mais Bibio possède un don inné pour fusionner les genres, tout en prenant le soin de se forger un univers sonore bien personnel. Les compos de l’album puisent tantôt dans l’ambient, l’électro et le folk sans jamais susciter l’ennui. Faut dire que l’expérimentation n’est ici pas un vain mot. La voix de Stephen est pure et envoûtante. J’épinglerai cependant les compos au cours desquelles la rythmique électro décroche quelque peu pour mettre en exergue les sonorités acoustiques. A l’instar de « Cry Baby » ou encore de « Lovers’ Carvings ». Partagé en douze fragments, « Ambivalence avenue » devrait permettre à cet artiste de sortir de l’anonymat au sein duquel il est encore confiné. Mais à mon humble avis, sa notoriété n’est plus qu’une question de temps…
S’il fallait attribuer une palme à la formation responsable des sonorités vintage les plus douces, c’est certainement au trio féminin Au Revoir Simone qu’il serait attribué. Le choix du patronyme des trois superbes donzelles est tiré des dialogues du premier long métrage de Tim Burton, ‘Pee Wee’s Big Adventure’. Mais originaires de Brooklyn, elles semblent sortir tout droit d’un film de Michel Gondry. Faut dire qu’en observant leurs visages angéliques, plus d’un fan serait tombé à leurs pieds. Après avoir concocté « Verses of Comfort, Assurance & Salvation » en 2005 (NDR : un Ep huit titres), elles embrayent donc par « The Bird of Music » en 2007. Entre rêve et réalité, leur mélancolie naïve y est empreinte de beauté et de fascination. On était donc en droit d’attendre, pour ce troisième opus, la consécration.
Pratiquer du folk sans guitare, c’est dans l’air du temps. Et la remplacer par des claviers l’est tout autant ; mais l’essentiel, c’est le résultat. Or, on s’ennuie ferme tout au long de cette galette. Pompeuses, les compos manquent de relief. Les séquenceurs sont plats. Les voix mielleuses finissent par agacer. Bref, rien de vraiment couillu sur ce disque. La production ultraraffinée de Thom Monahan (Vetiver, Little Joy) y est sans doute pour quelque chose. Faute de merles on mange des grives. Il reste donc plus qu’à se rincer l’œil en admirant la photo d’Heather, Erika et Annie ! On a même l’impression que les trois petites filles se complaisent dans leur univers ‘cartoonesque’, et ont même décidé de rester comme Peter Pan, auprès des enfants. Encore une fois, on se rend compte que le second album est souvent un exercice de style particulièrement périlleux. Pour Au Revoir Simone, il est même synonyme d’échec. Examen de passage lors de la prochaine session…
Si mes calculs sont exacts, Dominique A en serait à son neuvième album solo. En tenant compte de son elpee « Le disque sourd », paru confidentiellement en 1991 ; et bien sûr, sans ses compiles et son ‘live’. Bref, première constatation, le Nantais a voulu en revenir à une forme plus épurée. Celle de ses débuts. Pas pour rien que cet opus a été enregistré chez lui. Au menu : boîtes à rythmes, machines, synthés, piano et un zeste de guitare. Sans oublier les arrangements simples, mais percutants. Et puis cette très belle voix, dont le timbre me fait souvent penser à Léo Ferré. Quant aux mélodies, elles sont superbes, souvent bouleversantes, mises en valeur par des textes incisifs. Le décor est planté.
Venons-en au contenu. Partagé en 12 plages, « La musique » regorge de chansons magnifiques, empreintes d’esthétisme, au cours desquelles Dominique joue sur les contrastes. Depuis le langoureux « Le sens » qu’il chuchote à la première personne du singulier au tango « La fin d’un monde », en passant par le déchirant « Immortels », un morceau qui à l’origine était destiné à l’elpee « Bleu pétrole » de Bashung, « Nanortalik » et ses synthés accrocheurs, dispensés à la manière d’O.M.D., le ténébreux « Qui es tu ? », caractérisé par son refrain glacial, le superbe « Hasta (Que el cuerpo aguante) », qui aurait pu figurer au répertoire de Noir Désir (NDR : pensez à « Le vent l’emportera »), le titre maître dont la sophistication orientale et sinueuse évoque David Sylvian, malgré les accès de claviers ‘vintage’, le menaçant « Je suis parti avec toi », traversé de martèlements rythmiques, l’imparable « Le bruit blanc de l’été », souligné par un Bontempi à la Grandaddy, le visionnaire et contemplatif « Des étendues » (NDR : un clin d’œil à Gainsbourg ?), le synthétiquement latino « Les garçons perdus », éclaboussé de parcimonieuses traces d’électricité ‘crépitantes’ et enfin l’énigmatique et lyrique « Hôtel congress », sorte de synthèse de l’univers sonore de l’Artiste, avec un grand A.
Vu le patronyme, on aurait pu imaginer que les Finnois de Winterborn évoluaient dans les mêmes sphères que Nightwish. Absolument pas ! Le groupe se complait dans un style qui navigue quelque part entre power metal à l’allemande et heavy traditionnel. Le combo débarque de ses froides contrées, un deuxième album sous le bouclier. La sortie de « Cold Reality », leur premier opus, leur avait permis d’assurer la première partie de Doro, lors de sa tournée européenne, en 2006. On ne retiendra pas grand-chose de ces prestations à la limite de l’insipide.
A l’instar du précédent elpee, « Farewell to Saints » est loin d’être un monument d’innovation. Faut dire que les structures des morceaux ne diffèrent guère. Mais si les six protagonistes ne manifestent pas une originalité débordante, l’efficacité de certains riffs et les jolies nappes de claviers relativement discrètes, rendent l’ensemble finalement très accessible et facilement assimilable. Rien à voir avec Opeth, Riverside ou Porcupine Tree, bien entendu. On navigue plutôt dans des eaux sonores semblables à Rage, Iron Savior voire même Edguy. Les quelques apaisantes ballades ont été particulièrement soignées, et constituent paradoxalement un des points forts de cette rondelle qui bénéficie d’un mixage compact et carré.
Si certains amateurs de Power metal symphonique devraient trouver leur bonheur à l’écoute de ce « Farewell to Saints », les fans de rock burné risquent fort de rester complètement insensibles à ce type de musique…
On est ici en plein univers expérimental. Électronique ? Les beats primaires certainement, et puis ces sonorités étranges qui jalonnent l’ensemble de l’elpee. Mais leur style n’est pas vraiment électro. Rock alors ? Peut-être ! Rien de moins sûr. Hip hop ? Oui, d’une certaine manière. A cause des vocaux et des gémissements tour à tour inquiétants ou sensuels posés par Anno Barie, à la manière des artistes du genre. Mais la jeune femme délaisse ce phrasé caractéristique sur certains morceaux. Alors ? Bref, pas facile de coller une étiquette à These Are Powers.
Tournons-nous dès lors vers leur bio. Cet étrange groupe new-yorkais (NDR : issu de Brooklyn plus précisément) a été fondé par Pat Noecker, c’est-à-dire l’ancien bassiste de Liars, probablement un des groupes les plus hallucinés de début de XXIème siècle. « All Aboard Future » constitue déjà le troisième opus de These Are Powers. Il fait suite à « Terrific Seasons » paru en 2007 sur le label indie, Deadoceans (Akron/Family, Bowerbirds, Phosphorescent) et « Tarot Tarot », publié l’année suivante.
Après avoir pris connaissance de ces infos, on comprend mieux le parallélisme qui existe entre les deux formations. Sombre et torturé, « All Aboard Future » baigne au sein d’une ambiance délirante. Dès le premier titre, « Easy Answer », le ton est donné. Les beats saturent. Les samples étranges rampent. La basse couine. La voix vibre. Pat Noecker vient de temps à autre interférer de ses vocaux. Notamment sur « Adam’s turtle » et « Sand Tassels ». Il faut tout de même avouer que ces chansons peuvent facilement énerver. Et avant de vous farcir cet elpee, je vous conseille vivement d’être aussi bien préparé physiquement que mentalement. Les rythmiques sont lentes et lourdes. Après trois ou quatre morceaux, les soupirs féminins peuvent agacer. Ce qui n’empêche pas These are powers de dispenser une solution sonore aussi bien intrigante qu’originale ; on ne va donc pas s’en plaindre. Notez encore que l’artwork a été confié à 11 artistes différents, dont un écrivain. Ils illustrent chacun à leur manière cet objet d’art qui se distingue également par sa singularité.
Trois ans après avoir délivré un rétrospectif éponyme mettant en évidence l’aspect plutôt moyen de ses travaux, Rinôçérôse tente un retour en force. « Futurino » se veut prestigieux et réunit donc du beau monde ; de Ninja, jolie figure de proue de The Go! Team à Bnann, leader de Infadels. Aux manettes, le duo se paie également les services d’Alex Gopher, de Jagz Kooner (Primal Scream, Infadels, Manic Street Preachers…) ou de The
La réunion, qui aurait pu être potentiellement providentielle, débouche sur carnage total. Le contenu de « Futurino » est tristement banal et renvoie aux pires productions de la ‘french touch’. Les relativement réussis « Tomorrow » et « Touch Me » sont les seules exceptions qui confirment la règle. Au cours de « The Heroic Sculpture of ‘rinôçérôse’ », Luke Paterson de Deaf Stereo chantonne ‘You keep singing the same old song’. Les Français devraient peut-être retenir les enseignements de leurs propres lyrics…
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