Avant la sortie de leur nouveau recueil, prévu pour septembre, Yo La Tengo s’autorise quelques pérégrinations ‘en roue libre’. La série de concerts–concept a transité, ce vendredi 12 juin, par une Orangerie bondée, configuration assise. Mais la réalité du projet était tout autre que celle relatée par la presse…
‘The Freewheeling Yo La Tengo’ avait, en effet, été présenté comme une série de concerts au cours desquels la formation n’interprèterait que des titres expressément sollicités par les fans, tout au long de la soirée. Après deux morceaux introductifs, Ira Kaplan met les choses au clair. Pas de ‘requests’ au programme. La formation, dans sa mouture ‘Freewheeling’, consent, en fait, à un jeu de questions-réponses entre chaque chanson. Le trio improvise ensuite la setlist selon ce que lui inspirent les questions soulevées par l’assistance. Et celle-ci se prend rapidement au jeu, bien que le style ‘conférence de presse’ du concept n’ait pas l’air de plaire à tout le monde.
Tandis que Georgia Hubley et James McNew brillent par leur discrétion, Ira répond aux questions du public. En montrant une belle ouverture d’esprit et en injectant à ses répliques une bonne dose d’humour. Il s’excuse cependant de ne pouvoir accomplir cet exercice de style que dans sa langue maternelle, apparemment conscient de la crispation d’une frange de la foule, peu familiarisée à la langue de Shakespeare. Tout à son honneur ! Pendant le show, certains petits malins ciblent leurs interrogations autour de l’une ou l’autre chanson qu’ils aimeraient entendre jouer ; mais le leader de la bande dévie systématiquement, mais intelligemment la conversation en formulant quelques anecdotes inspirées.
Des questions sur les Simpsons, Henry Rollins ou Daniel Johnston aboutissent sur une reprise de ce dernier, une autre de Black Flag et une version très psyché du thème des Simpsons. Le trio survole également sa discographie, de « Speeding Motorcycle » et « What Can I Say » tirés de « Fakebook » (1990) à « Mr. Tough », gravé dans le plus récent et incontournable « I’m Not Afraid Of You And I Will Beat Your Ass » (2006). Bien que la setlist soit indirectement influencée par le public, Yo La Tengo n’oublie pas son actualité en présentant tout de même quelques extraits de leur prochain ouvrage, intitulé « Popular Songs ». Ira, Georgia et James se retirent en toute humilité, après non moins de deux heures d’interaction généreuse avec un public en grande partie enthousiaste. Le ‘Freewheeling’ à la Yo La Tengo est un concept qui gagne définitivement à être adopté par d’autres artistes !
Organisation : Botanique.
Le rock psychédélique est né au cours des sixties. Sans doute sous l’influence de certaines drogues hallucinogènes, de jeunes chevelus envoûtaient leur public à l’aide de rythmiques hypnotiques et de mélodies répétitives et pénétrantes. Les groupes les plus représentatifs de l’époque n’étaient autres que Grateful Dead, Pink Floyd, Jefferson Airplane, Love et j’en passe. Puis, pendant deux décennies, le psychédélisme s’est confiné dans la zone crépusculaire de l’underground, remontant à la surface au milieu des 90’s, sous l’impulsion de formations yankees comme The Dandy Warhols ou Brian Jonestown Massacre. Et au cours des dernières années, ce style musical a refait florès. On peut même dire qu’aujourd’hui, les artistes ou formations qui s’en réclament pullulent (NLDR : sans oublier les vétérans qui font de la résistance comme les Fuzztones). Dans la mêlée, j’épinglerai All The Saints, Black Mountains, Black Angels et les Dead Meadows. Car il n’est pas toujours facile de séparer le bon grain de l’ivraie. En tenant compte que la musique de certains ensembles du style tient plus ou moins la route. Et Sleepy Sun se situerait plutôt du côté des bons sans jamais toutefois réussir à atteindre les maîtres du genre.
Une chose est sûre, le sextuor américain (NDR : de San Francisco, en Californie, pour être plus précis) a dû énormément écouter de musique psychédélique pour concocter une solution sonore pareille. Et pour cause, leur moyenne d’âge est de 22 ans. Ils sont peut-être même allés fouiller dans les vinyles de leurs parents, voire de leurs grands-parents. Bref, chez Sleepy Sun on retrouve toutes les caractéristiques du genre : guitares wah-wah, fuzz gonflés à bloc, soli dégoulinants (« New Age ») mais pas trop, les rythmiques lourdes et lentes ainsi que les vocaux réverbérés (NDR : pour la circonstance celles de Rachael Williams et Bret Constantino). Tout y passe. Sleepy Sun a quand même le bon gout d’ajouter ponctuellement l’une ou l’autre nuance. A l’instar de « Snow Goddess ». Plus americana. A cause de cette subtile ligne d’harmonica apportée par Constantino. Et puis lors de l’une ou l’autre ballade au cours desquelles le piano occupe une place plus importante (« Lord » ou « Duet with the Northern sky »). Bref, si vous aimez le revivalisme psychédélique, vous ne pouvez passer à côté de cet « Embrace » ; même s’il n’atteint pas les sommets bien gardés par les Black Mountains et consorts.
Rhino Bucket a souvent été accusé de plagier AC/DC et, « The Hardest Town », le septième album de ce groupe originaire de Los Angeles ne va probablement pas changer la donne.
Rhino Bucket sonne comme AC/DC. On ne peut pas le nier ; et la voix de Georg Dolivo est souvent proche de celle de Bon Scott. Pour ce nouveau Cd, le combo s’est assuré les services de Brian Forsythe, le six-cordiste de Kix, pour s’occuper des lead guitars et de Simon Wright, l’ancien batteur d’AC/DC, pour marteler les fûts.
Rhino Bucket plagie-t-il AC/DC ? Personnellement, je ne me pose pas la question de cette manière. Est-ce que je prends autant mon pied à écouter « The Hardest Town » qu’un vieil album d’AC/DC ? Voilà la bonne question à soulever. Et là, la réponse est oui. 100% oui.
Comment ne pas taper du pied a l’écoute de « Know my name », « Dog don’t bite », ou « Your’re gone » ? Comment ne pas mimer Angus Young en jouant de la ‘air guitar’ sur « Justified », « The hardest town » ou « To be mine » ? Comme la musique de son groupe fétiche, celle de Rhino Bucket est un irrésistible appel à la bonne humeur.
Alors, si « High Voltage », « Power Age » et « Highway to Hell » sont vos disques de chevet, jetez vous sur « The Hardest Town », vous ne serez pas déçus.
A première écoute, on a l’impression que Powersolo nous vient des States. Pas du tout ! Il faut d’ailleurs regarder plus au Nord-est sur une carte du monde, pour trouver le berceau d’origine de ces allumés : le Danemark ! Aussi étonnant que cela puisse paraître, ces faux Ricains possèdent toutes les caractéristiques pour semer le doute : patronyme, tatouages à outrance, etc. ; bref le portrait parfait d’un groupe rock-garage né sous la bannière étoilée.
Découpé en 12 plages, aucune n’excédant les 3 minutes, « Bloodskinbones » libère, dès les premiers accords, un son bien bâtard digne des Black Lips. Des morceaux bien lourds triturés par des distos sauvages qui rivalisent d’audace et d’énergie au sein d’un univers psychobilly, sis aux confins du punk rock satanique. Le tout en 30 minutes. Et elles passent vite ces minutes. Tellement rapidement, qu’une deuxième écoute s’impose aussitôt, afin de mieux comprendre ce qui vient de nous tomber sur la tête. Et vu le poids du bloc, on suppose qu’il s’agit d’une enclume. Pratiquement inconnu chez nous, Powersolo n’est pourtant pas à son coup d’essai. Ce dernier opus est le quatrième des lascars et n’a rien à envier aux précédents. Excellent de bout en bout, « Bloodskinbones » nous entraîne dans les catacombes du rock pour y dessiner, sur nos crânes, la ligne qui servira à la trépanation. Le cerveau en main, la langue pendante et les oreilles en chou-fleur, il ne reste plus qu’à attendre l’apocalypse. Un regret : les dates de concerts de Powersolo sont plutôt rares dans nos contrées…
Bella Union est un label que j’apprécie tout particulièrement. J’en suis même devenu un fan. Surtout depuis la parution du premier album de Midlake, en 2004, « Banman & Silvercock ». Un disque qui demeure à mes yeux et mes oreilles encore et toujours un sommet quasi-inaccessible des années 2000… C’est la raison pour laquelle je reste attentif à la moindre sortie enregistrée sur ce label texan. Et puis, l’écurie nous a permis de découvrir des artistes ou des groupes comme Fleet Foxes, Andrew Bird et tout récemment, les excellentissimes Wavves (dont on reparlera probablement bientôt).
Si Ohbijou s’inscrit dans la lignée indie-folk du catalogue de Bella Union, il faut reconnaître que par rapport aux artistes susvisés, la musique évolue un cran au-dessous. « Beacons » constitue leur second opus ; il fait suite à « Swift Feet for Troubling Times » publié en 2006.
Ohbijou est avant tout le projet porté par Casey Mecija, une jeune Canadienne de 27 ans. Elle est accompagnée de sa sœur Jennifer et s’est également adjoint les services de cinq musiciens se partageant le banjo, le violon, la mandoline, le piano, le glockenspiel, l’harmonica et la basse. On est donc en présence d’un sextet de pop orchestrale. Vous l’avez compris, la musique d’Ohbijou est très instrumentée ! Les Torontois pratiquent un cocktail de folk, de pop et de bluegrass. Casey est fan de Julie Doiron, elle affirme s’en inspirer et cela s’entend. L’instrumentation constitue à la fois la force et la faiblesse de « Beacons’ ». Si le tout s’avère parfaitement exécuté, la pléthore de moyens confère uniformité, confusion et monotonie à l’ensemble. Heureusement la voix quasi-enfantine de Casey Mecija apporte un plus d’âme aux morceaux et transcende d’ailleurs certains d’entre eux. « Black Ice » et sa belle intro ainsi que « Memoriam », caractérisé par son crescendo final, constituent à mon sens les points d’orgue de l’album. Les mélodies sont joliment tissées (quoique pas toujours originales ou fédératrices) sur la longueur et magnifiquement portées par la voix chaude et naïve de Casey Mecija. Les lyrics abordent les difficultés des relations romantiques dans le chaos des grandes villes occidentales. L’ambiance hésite constamment entre le joyeux et l’amer…
Le site web de la BBC décrit Ohbijou comme la version indie d’Alanis Morissette. Je ne sais pas si c’est réellement flatteur mais c’est en tout cas relativement juste. Personnellement, j’y verrai plutôt la version féminine et un peu moins habitée de ses compatriotes de Woodpigeon ou une adaptation moderne de Clare & The Reasons.
On n’avait pas donné cher de la peau à Mystic Prophecy quand, après l’enregistrement de ses deux derniers opus, la presque totalité du groupe avait pris la poudre d’escampette. Mais, c’était peut-être aller un peu vite en besogne que d’enterrer le groupe gréco-germain car Roberto Dimitri Liapakis, le vocaliste et dernier membre originel du combo, n’avait pas baissé les bras pour autant. Et bon sang, il a eu raison !
Fort de ses quatre nouveaux membres, Mystic Prophecy est parvenu à concocter un album de power metal ultra heavy au son résolument moderne. Tout simplement en mélangeant heavy metal classique et trash old school. Produit par Liapkis en personne et mixé par Frederik Nordström (In Flames, Arch Enemy,…) ce « Fireangel » est une véritable tuerie.
Dès le premier titre « Across the gates of hell », on comprend que le groupe a décidé d’en découdre. Le son des guitares est massif. Définitivement trash, tandis que les parties vocales distillent de puissantes mélodies. On est loin ici du heavy metal mollasson bourré de clichés de Hammerfall et compères. Ici, la puissance n’accorde de concessions qu’à la mélodie. Quant à voix de R.D. Liapakis, elle évolue dans un registre proche de Bruce Dickinson et parfois de Tom S. Englund, le frontman d’Evergrey.
Chaque titre de « Fireangel » est un hymne au heavy metal. Des sections rythmiques sauvages au son puissant, des refrains mémorisables chantés en chœur, des soli de guitare majestueux : tout est réuni pour démontrer, une nouvelle fois, que le metal classique n’est pas un style moribond et qu’il a encore de beaux jours devant lui.
« Fireangel » l’une des plus grosses claques du heavy metal classique européen depuis la sortie de l’excellent « Book of Heavy Metal » de Dream Evil en 2004. C’est vous dire !
Mais à qui peut bien s’adresser un tel album ? Aux amoureux de musique classique ? Aux amateurs de bandes originales de films ? Aux fans de musique New Age du style Enya ou Enigma ? Aux fondus du jeu « Age Of Conan » dont il est la bande originale ? Aux fans du groupe punk rock norvégien dont Knut Avenstroup Haugen –Alias Euroboy– est le guitariste ? Ou bien tout simplement aux gens qui prennent souvent l’ascenseur ? Et bien un peu à tous ces gens là.
« Age of Conan – Hyborian Adventures» est un projet tellement ambitieux qu’il est difficile d’imaginer que son créateur soit la même personne cosignant des titres de Turbonegro tels « We’re gonna drop the atom bomb », « Fuck the world » ou « I got erection ». Pourtant, ce double cd est bien issu de la plume d’Euroboy. Pour donner vie à la partition de cette bande originale, Knut s’est inspiré de la musique traditionnelle de différents groupes ethniques ; il a d’ailleurs étudié des musiques anciennes, médiévales et classiques. Il utilise les services de chanteurs et chanteuses aux tessitures diverses, d’une chorale, de musiciens et surtout de samples orchestraux. Le résultat est tel qu’on l’imagine. Une musique somptueuse et envoûtante. Un voyage musical étrange et merveilleux au pays du roi Conan. Il suffit de fermer les yeux pour imaginer des paysages fantastiques, peuplés de civilisations étranges et disparues depuis longtemps. Mais, n’oubliez pas de descendre. Vous êtes arrivés au 23ème étage. Il faut aller bosser maintenant.
Au fait, pour remettre un peu les pendules à l’heure, et probablement pour s’identifier, Euroboy a inclus en bonus, sur un deuxième Cd, trois morceaux de son groupe de fous furieux : Turbonegro. Notamment ce « Destroy All Monsters » enregistré exclusivement pour cette BO. Sympa, mais un peu trop décapant par rapport au reste de l’album.
Né à Hawaii, Mason Jennings a vécu toute sa jeunesse à Pittsburgh, avant de s’établir à Minneapolis, où il vit d’ailleurs toujours. « In the ever » constitue déjà son sixième album. Chanteur/compositeur/multi-instrumentiste (NDR : et surtout guitariste), Jason est réputé pour la qualité de ses lyrics. Que certains spécialistes n’hésitent pas à comparer à ceux de Dylan. Faut dire que Jennings pratique une musique essentiellement tramée dans le folk, même si ses chansons sont très susceptibles de s’ouvrir, circonstanciellement, à des tas d’instruments. Y compris électrifiés. Hormis l’une ou l’autre exception, il fait d’ailleurs pratiquement tout sur cet elpee, même la production. Il y a bien quelques collaborateurs, mais en général, ils sont confinés à la portion congrue. On retiendra quand même la présence de Robert Carranza au mixing pour quatre titres, et celle de Jack Johnson, le patron du label, sur « I love you and Buddha too », aux backing vocaux.
Mais bref, revenons aux textes. Ils traitent aussi bien des problèmes de religion (NDR : ou de spiritualité, selon), de politique, de rapports humains que de questions existentielles. Souvent abordés à la première personne du singulier. Sur « Going back to New Orleans », il revient sur le désastre engendré par l’ouragan Katrina, mais également sur l’intervention militaire des Yankees en Irak, et ses conséquences. C’est aussi la meilleur compo de l’elpee. Les drums réverbérés y sont imprimés sur le rythme du chemin de fer, et le souffle de l’harmonica évoque la vapeur d’une locomotive… Le reste de l’opus ne manque pas de charme, épingle des mélodies souvent contagieuses, met en exergue son timbre vocal sinueux, quoique bien timbré, mais souffre d’une trop grande linéarité rythmique… Bref, il est nécessaire de bien comprendre la langue de Shakespeare pour pouvoir apprécier cet opus à sa juste valeur…
Jack Beauregard est un duo allemand réunissant le chanteur/guitariste Daniel Schaub et le claviériste/électronicien Pär Lammers. Issus de Cologne, ils se sont rencontrés dans le cadre de leurs études. A Amsterdam. Au conservatoire musical. Et ont choisi pour patronyme le héros d’un western spaghetti, interprété par Henry Fonda.
Les compos évoluent, le plus souvent, sur un (mid) tempo nonchalant (NDR : trois exceptions qui confirment la règle : les hypnotiques et presque dansants « Distance in between » et « Anyone around » ainsi que le r&b électro « I admit »), laissant les mélodies douces-amères irradier tout leur magnétisme contagieux. Evoluant quelque part entre Talk Talk, Take That, José Gonzales, Postal Service, Scritti Politti et New Musik, leur solution sonore mêle folk et indietronic au sein d’un climat empreint de douceur, de tendresse mais aussi de mélancolie ; mais sans jamais glisser vers la mièvrerie. Leur approche minimaliste y est sans doute pour quelque chose. Les harmonies vocales sont limpides, impeccables, savoureuses, parfois même ‘beatlenesques’. Tout au long d’« Everybody is happy », elles sont même caractérisées par une conjugaison étrange entre voix et contre-voix. Un superbe album pour un duo dont on devrait entendre bientôt parler…
Commencée en 2002, l’aventure de ce quatuor de Portland s’arrête après la sortie d’un troisième elpee au titre révélateur : « Exit Dreams ». Adeptes d’un garage rock ultra bruyant et abrasif, les Hunches ont (avaient) pourtant quelques arguments de poids à proposer. Des titres complètement fous traversés de cassures rythmiques ‘beefheartiennes’ et de solos loufoques. Des chœurs mi-ange, mi-démon, un chanteur digne du jeune Black Francis et quelques excellentes mélodies, à découvrir au bout de quelques écoutes. Des titres comme le très beau « Not Invited » ou le démoniaque « Ate My Teeth » évoquent tout ce qui s’est fait de mieux en rock américain indépendant au cours de ces dernières années : des Stooges à Captain Beefheart en passant par les délires bruitistes de Pussy Galore et Sonic Youth. Sans oublier la fulgurance mélodique des Pixies. J’exagère ? A peine. Ecoutez cet « Exit Dreams », il a tout du futur album culte. En espérant que les membres de cette furieuse équipe continuent à faire de la musique…
Gnaw a été formé en 2006 par cinq musiciens dont les backgrounds musicaux sont totalement différents : Alan Dublin et Jaimie Sykes anciens membres des groupes de doom metal extrêmes Khanate et Burning Witch, Jun Mizumachi ex-membre du combo industriel new-yorkais Ike Yard, Brian Beatrice créateur de musique et d’illustrations sonores pour la télévision et le cinéma ainsi que Carter Thornton un musicien qui fabrique ses propres instruments.
Leur album « This face » est ‘le point culminant d’une année d’expérimentations sonores’ nous dit la bio. Clairement, Gnaw a décidé de repousser les limites de la créativité musicale en concoctant une musique sombre, torturée, à la fois électronique et bruitiste où l’on peut entendre quelques bribes d’influences doom metal. Gnaw a-t-il réussi à repousser les limites de la créativité musicale ? Il a en tout cas été jusqu’au bout de ce que personnellement je peux supporter. Que penser de ce collectif musical ? Génie total ou foutage de gueule complet ? Est-ce de l’art ou un grand n’importe quoi ? Même si elle est extrême, on doit –à mon humble avis– éprouver un certain plaisir à écouter de la musique. Et, personnellement, celle dispensée tout au long de cet opus ne me l’a pas procuré. « This face » ressemble à une descente aux enfers. Des vocaux torturés, hurlés, mélangés à divers bruitages et percussions pour une heure d’horreur pure. Par conscience professionnelle, je me suis fait violence et j’ai écouté l’album trois fois avant d’en faire la chronique. Trois heures de ma vie où j’aurais pu écouter de la musique, perdues à jamais. Bon, c’est un avis personnel. Gnaw est probablement un groupe génial au sommet de son art. Je n’ai certainement rien compris. Il faut m’excuser, je suis un peu obtus, parfois. Mais je préfère quand même vous prévenir. Écoutez « This face » avant de l’acheter !
Le label espagnol Vampisoul nous emmène dans le Nigeria de la fin des années 70 et des années 80 pour redécouvrir les travaux du tromboniste/chanteur Fred Fisher Atalobhor. Les vingt longs morceaux partagés entre deux galettes résument quatre albums parus respectivement en 1979, 1981, 1988 et 1990. Un aperçu d’une longue carrière entamée en 1972, mais toujours en cours. Fred a été l’initiateur d’un style musical baptisé ‘Asolo Rock’. En fait, un mélange ambitieux de reggae, de funk, de soul et de musique nigériane, enrichi par la voix de Fred et d’une belle section de cuivres.
Le premier cd résume à merveille le style ‘Asolo’ : des longs titres très mélodieux, traversés de phrases slogans et taillés pour les pistes de danse. Ce premier volume recèle les meilleurs morceaux : le reggae à la Heptones de « Say the truth » et « Open the door », le funk militant de « Asa-sa », les rythmes traditionnels de « Iye-ye-mu » ou les passages plus légers comme les funky « No Way » « Let Love Free » et « W.T.F.S. ». Sans oublier quelques slows rutilants (et un peu kitsch) comme « Happy Blue Night » et « The Beginning ». Bref, une belle collection de musique de variété ‘made in Nigeria’.
La première moitié du second tome propose des travaux plus tardifs. Ils ont moins bien résisté aux injures du temps ; la faute à l’utilisation plus effrénée de synthétiseurs et de boîtes à rythmes. Le résultat est nettement plus pauvre que les compos du premier disque. Les dix titres concoctés au cours des années 80 évoluent dans une tonalité plus locale, le son international n’est plus de mise. Fred ne chante quasi plus en anglais et le ton est moins insouciant, comme le prouve le commentaire de politique « Mercenary Go, Mercenary Come ». Parmi les plus belles plages de cette deuxième partie on épinglera quand même le mélancolique « Jolly Boy » et l’instrumentation décalée de « Cry For Peace ». Une compilation pas toujours facile d’accès, mais intéressante tout de même.
Lisa Ekdhal fête ses quinze ans de carrière en délivrant un onzième ouvrage tout en délicatesse, comme à son habitude. Mais ô désespoir, la Suédoise quitte le navire jazz pour les terres folks et étale sa voix sucrée sur une série de titres insipides écrits et composés par ses soins. Si sa voix particulière se prêtait idéalement à ses explorations jazz, le résultat de ses pérégrinations folk est légèrement moins convaincant. Le titre éponyme, qui ouvre le bal, présage pourtant un ensemble de toute beauté. Mais malgré la présence au micro des compatriotes Teitur et Ane Brun, « I Don’t Mind », le morceau suivant, vient réduire en poussière les promesses du titre introductif. Ekdhal a beau appliquer toute sa douceur et fragilité sur le reste de la plaque, « Give Me That Slow Knowing Smile » est à la frontière de l’opportunisme.
La nouvelle fournée de Lisa Ekdhal ne suscite d’intérêt que par à-coups. « I’ll Be Around », « Give Me That Slow Knowing Smile » et, à la limite, « Sing » sortent légèrement du lot. Un peu faiblard pour une œuvre dépassant à peine les 35 minutes. Grosse déception !
Le vieux Bob vient de fêter son 68ème anniversaire. Et en profite pour en sortir son 33ème album! Dans un style qu’il avait affiché lors de la sortie de "Love and theft", en 2001, et puis de son dernier opus studio, "Modern times", un disque paru en 2006 qui s’était particulièrement bien vendu tant aux States que dans le reste du monde.
« Together through life » baigne parfois dans un climat très 50’s. Pensez au mythique catalogue du label Chess. A l’instar du morceau d’ouverture "Beyond here lies nothin'". Otis Rush n’est pas loin, même si ce mambo évolue sur un tempo nonchalant ; une nonchalance qui enveloppe la plupart des compos de l’opus. Encore timides, les accès de trompette concédés par Donny Herron communiquent un petit parfum exotique à la plage. On distingue la présence d’un accordéon entre les mailles sonores tendues par l’orgue de Bob : c’est celui de David Hidalgo des Los Lobos. Les drums de Georges Recile sont très présents et percutants alors que Mike Campbell (NDR : en règle générale, il est préposé à la guitare, pour les Heartbreakers de Tom Petty) brille aux cordes. Ballade languissante et mélancolique, "Life is hard" est bercée par des accords de mandoline. "My wife 's hometown" marque un retour au blues pur et dur de Chicago. Une version très personnelle du "I just want to make love to you" de Willie Dixon. Sa fondation est d’ailleurs remerciée à juste titre dans les notes du booklet. Un morceau au cours duquel l'accordéon est bien à l'avant-plan. Dylan prend plaisir à puiser dans les racines. Et l’allègre "If you even go to Houston" en est une nouvelle illustration. Empruntant un thème rock'n'roll cher à Chuck Berry, cette chanson nous entraîne sur les routes américaines. Le tempo est indolent. Une superbe compo au cours de laquelle les accords de la pedal steel dispensés par Herron sont très distincts. "Forgetful heart" est incontestablement l’extrait le plus majestueux et le plus réussi de la plaque. Une ballade dylanesque dont la ligne mélodique imparable est soutenue par une orchestration raffinée. Tous les instruments s'emboîtent à la perfection. "Jolene" marque le retour au blues/rock. Bien enlevé, le rythme traduit l’enthousiasme des musicos. Les cordes de Campbell et d'Hidalgo se conjuguent et se décident à rocker et roller. Autre ballade, mais aux accents très mexicains, "This dream of you", met en exergue accordéon, violon gémissant et pedal steel. Beau à pleurer! Blues électrique puissant, "Shake shake Mama" s’écoule de Memphis à la Nouvelle-Orléans, tel le Mississippi, en suivant les méandres de son lit. "I feel a change comin' on" campe une autre ballade ‘dylanesque’. L’œuvre s’achève par "It's all good", un boogie au cours duquel les instrumentistes enchaînent joyeusement leurs interventions. Et pour que votre info soit complète, sachez que l’excellente production a été assurée par Jack Frost.
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