A l’âge de 77 ans, le trompettiste et chanteur Victor Olaiya joue encore tous les mois dans le club du ‘Stadium Hotel’, un établissement qu’il gère à Lagos, au Nigéria. Légende de la musique dans son pays, Victor a entamé sa carrière au cours des années 50 et a acquis une notoriété au début des années 60, grâce au boom de la musique highlife. Paru en 1970, dans ce pays de l’Afrique Occidentale, ce disque documente le nouveau groupe d’Olaiya, les All Star International. La musique hésite entre la langueur mélodique du highlife et un funk très furieux directement inspiré par James Brown. Il faut quelques écoutes avant de pouvoir s’habituer à l’agencement de ces douze morceaux. Enchâssés les uns dans les autres, ils dévoilent une solution sonore très particulière et originale. Les morceaux funk sont traversés de cuivres fantomatiques et balayés par les cris à la ‘James Brown’ de Victor. D’autres vocalistes ont également participé aux sessions d’enregistrement. Et notamment sur l’émouvant highlife de « Soro Jeje Fum Arogbo », que chante une interprète féminine non identifiée. Au rayon funk, les réussites les plus franches sont l’excellent « Magic Feet » et le diptyque « Let Yourself Go/There was a time », soutenu par cette étrange section de cuivres…
Et si pour 2009, la bonne surprise nous venait de l’Hexagone ? En fait de surprise, Montgomery n’en est pas tout à fait une, puisque son premier Ep est paru en 2003. Et que son premier elpee date de 2007. Un opus qui n’avait cependant rencontré qu’un succès limité. Ce qui explique pourquoi, il n’était pas parvenu jusqu’à nos oreilles. Donc, Montgomery a décidé de se mettre au diapason de Phoenix, Coming Soon, Revolver et de Delano Orchestra. En enregistrant tout simplement un deuxième album : « Stromboli » !
Au diapason, mais dans un tout autre style. Pas toujours facile d’accès. Et les lyrics ne font rien pour vendre leur marchandise. Des textes abstraits, poétiques, surréalistes et vaporeux qui collent à merveille à leur musique étrange. On pense à Animal Collective, mais surtout à Midlake, Grandaddy voire aux Floyd, qui semblent s’invitent tour à tour au long des douze morceaux de l’elpee. Mais leur singularité procède de ce souci de placer instrumentation et vocaux au même niveau. Morceau introductif, « Baleine » vous harponne instantanément. Plus pop, « 6 Bonnes Raisons » est diablement efficace. Et le magnifique « Daisy » clôt ce superbe triptyque d’introduction. L’elpee recèle des morceaux totalement déjantés. Qui paradoxalement, ne vous perturbent pas à la première écoute ; mais après plusieurs auditions. A l’instar de « Trampoline » et de « Volcan ». Bien sûr, tout n’est pas parfait ; et des titres comme « Pollen » ou « Reinette » sont tout à fait dispensables. Mais ce sont des exceptions qui confirment la règle ; car le reste conjugue efficacité, ingéniosité et originalité. Il y a même une chanson cachée. Bon, bien sûr, ce n’est pas très inventif ; mais cette décision reflète quelque part leur esprit tordu.
Montgomery est un combo qui ne manque pas d’idées. On pourrait même préciser qu’elles sont constamment en éruption, comme si elles étaient crachées par un volcan (NDR : oui, je sais la comparaison est facile). Le Stromboli sicilien, probablement ! (…) Franchement, ce serait une nouvelle injustice si cet ensemble ne rencontrait pas un succès amplement mérité. Malheureusement, il est français. Et dans son style, il ne peut que parier sur l’exportation. Américain, il récolterait aisément un 9.0 de la part de Pitchfork !
Digne représentant de la scène glaswégienne, Camera Obscura voit le jour dans la capitale écossaise, en 1996. Le groupe présente nombre de points communs avec Belle and Sebastian, formation à laquelle la presse l’associe fréquemment en raison de leur identité géographique, temporelle et musicale. Tous deux formés à Glasgow en 1996, ils partagent le même référentiel musical. D’ailleurs, Stuart Murdoch soutiendra régulièrement ses compatriotes britanniques.
Camera Obscura nous livre ici son quatrième album. Il a été enregistré en Suède, sous la houlette du producteur Jari Haapalainen (Ed Harcourt, Peter, Bjorn & John, The Concretes, ...) Il s’agit de leur premier elpee signé pour 4AD. A l’instar de nombreux artistes, Tracyanne Campbell, leader du groupe, nous dépeint ce dernier opus comme le plus abouti du quintette écossais : ‘I truly believe it’s the best we’ve done so far’.
"My Maudlin Career" est pure poésie vêtue d’un souffle passionnel.
Grâce à cet album Tracyanne Campbell exorcise ses peurs et quitte les eaux troubles des amours marécageuses. Son univers tissé de sentiments ombragés, éphémères et destructeurs se dissout dans un océan plus limpide. Les replis de la nuit intérieure s’estompent. Le visage lumineux de Tracyanne quitte alors la chambre noire de son existence et se projette sur les onze microsillons en vinylite.
La jeune auteur/compositeur/interprète vainc sa fragile timidité et s’ouvre sur un monde innocent d’amour. Car vous vous en doutez, le quatrième opus de Camera Obscura est ‘purely about love’. Tracyanne Campbell est amoureuse et nous le murmure délicatement tout en manifestant beaucoup de pudeur. Ses fleurs-pop bluettes touchent au cœur sans tomber dans le piège de la mièvrerie. Seul l’amour rend la vue et elle voit sans nuages. Le romantique désabusé appréciera certainement la plume habile de la jeune Ecossaise.
Quelquefois, Camera Obscura garde cependant sa nature profonde et barbote encore dans les eaux noires de ses influences initiales : Nico et le Velvet Underground. « You Told A Lie » est d’ailleurs inspiré de Lou Reed. Simple hasard ou choix délibéré, le dernier album de la chanteuse Nico s’intitule tout naturellement « Camera Obscura ». Les stigmates demeurent et les cinq Ecossais voyagent encore entre optimisme et pessimisme, romantisme et drame.
Malgré « The Sweetest Things » et « Told you a lie » qui s’ouvrent à de nouvelles histoires d’amour aux mélodies heureuses et ensoleillées, les cicatrices du passé s’inscrivent naturellement sur des mélodies plus sombrement romantiques comme « Careless love » ou « Forest and sands ». Les deux premiers titres cités et « French Navy » rendent ouvertement hommage aux Ronettes (girl group américain des années 60) et, plus largement, au travail de Phil Spector. « Honey in The sun » résume relativement bien le ton général de l’album : des chansons radieuses sur des sujets doux-amers. Même lors de ses joies intenses, les démons de Tracyanne ne rôdent jamais très loin et chantent le reflet de son triste amour de la vie.
A travers ses histoires et confessions –exercice proche du journal intime–, la voix aux doux accents glaswégiens de Tracyanne Cambell nous invite vers son ailleurs désormais plus calme aux brillances acoustiques proche de l’univers de Kings of Convenience. Quelques élans d’optimisme qui s’effondrent soudainement. Puis, des instants de réflexion inquiète, des interstices imprégnés de doutes, de regrets, de solitude sur « Away with Murder ». Compréhension de la mélancolie proche de celle de Mazzy Star. En constante douleur existentielle du bonheur, la jeune Ecossaise souffle le chaud et le froid tout au long du « French Navy » voyage. La très belle ballade « James », morceau atypique, en est l’expression.
Maudlin Career aux mélodies sophistiquées, aux orchestrations discrètes présente une pop amoureuse aux ballades romantiques –proches de celles de Band of horses– qui déshabille subtilement la douce mélancolie de l’amour. Le poète-dramaturge Florian ne disait-il pas ‘Plaisir d’amour ne dure qu’un moment. Chagrin d’amour dure toute la vie’ ? Tracyanne Campbell illustre cette maxime avec talent.
Doug Sahm était un musicien d’exception. L'étiquette ‘Texas music’ lui collait à la peau, comme à nul autre. Il était né du côté de San Antonio. En 1941. Son cœur l'a lâché en novembre 1999, dans une chambre d'hôtel de Taos, au Nouveau Mexique. Il n'avait que 58 ans. L'homme avait effectué ses premiers pas musicaux très jeune. Il avait décroché un hit mondial en 1965 : "She's about a mover" ; une compo dont il partageait la paternité avec son groupe le Sir Douglas Quintet. Car Sir Douglas, c'était bien sûr lui! Il avait ensuite émigré à San Francisco, le temps de vivre le flower power et l'aventure psychédélique. Un second succès, "Mendocino", l'y attendait! Sa musique personnelle, c'était un savoureux cocktail de rock, de country, de blues et de tex-mex. Au début des 70’s, il revient à Austin, au Texas, pour y animer la scène locale. Il aligne alors toute une série d’elpees, dont "Groover's paradise", en 74. A la fin des 80s, il monte un supergroupe texan : les Texas Tornados. Il y entraîne dans l’aventure Freddy Fender (steel guitare), Augie Myers (son organiste du Sir Douglas Quintet) et l'accordéoniste Flaco Jimenez, le roi de la conjunto music. Ensemble, ils commettent sept albums. Il comptait de nombreux amis qui ne l'ont pas oublié. Ce qui explique ce vibrant hommage rendu à travers cet opus.
La plaque s’ouvre par une solide version de son plus grand hit "She's about a mover" par Little Willie, un chanteur soul issu de Los Angeles, passé à la cause de Jesus Christ. Les accords sont plaqués sans grande délicatesse. Ils sont même découpés au rasoir. Faut dire que le gratteur de service n’est autre que maître Ry Cooder! Los Lobos prend le relais sur " It Didn't Even Bring Me Down ". Cesar Rosas chante devant le saxophone tonique de Steve Berlin. Rocker issu d'Austin, Alejandro Escovido (ex-Rank & File/True Believers) exécute une version percutante de "Too little too late". Les guitares sont à l'unisson et le violon très rythmique (NDR : Alejandro compte neuf albums personnels à son actif et vient d'être nommé ‘Musicien de l'année’ à Austin). Greg Dulli, le leader d’Afghan Whigs, maintient la haute qualité d'ensemble en adaptant le très country "You was for real". Il partage les vocaux avec Miss Amy Farris qui double au violon. Ex-Blasters, Dave Alvin accorde une version country/rockabilly de "Dynamite". La conjunto est une musique originaire du Nord du Mexique. Elle est très populaire chez les hispaniques américains. Flanqué de ses West Side Horns, Flaco Jimenez (NDR : un maître du genre) nous en illustre un bel exemple sur "Ta bueno compadre". Flaco est à l'accordéon, Mike Guerro au bajo sexto, Shawn Sahm (le fils aîné de Doug) à la guitare et Shandon (le fils cadet) à la batterie. Cette musique est vraiment idéale pour mettre de bonne humeur. Dans le registre americana roots, les artistes se bousculent. Pedal steel et violon dominent la cover très rocker de "Texas me". Delbert McClinton en est le responsable. Les cordes de Loyd Maines, l’accordéon, le violon et la mandoline balaient "I'm not that Kat anymore", une version signée Terry Allen. Les Gourds se réservent "Nuevo Laredo". La silhouette élancée de Miss Marcia Ball se profile derrière Freda & the Firedogs, pour y chanter "Be real", une compo caractérisée par la présence d’une inévitable pedal steel. Le blues a également voix au chapitre. Le notoire Jimmie Vaughan chante divinement "Why, why, why". Il est epaulé par le regretté Derek O'Brien à la guitare rythmique ainsi que Georges Rains et Greg Piccolo. Charlie Sexton et ses Mystic Knights of the Sea adoptent un profil nettement plus hard et carré sur "You're doin' it too hard". Le riff rappelle furieusement le "You really got me" des Kinks, alors que les drums sont assurés par Mike Buck, un autre ex-drummer des T-Birds. Chers à Doug, les Texas Tornados cassent la baraque dans leur version d’"Adios Mexico". Joe ‘King’ Carrasco mène la danse alors qu’Augie Meyers siège derrière l’orgue Vox et que Shawn Sahm s’investit aux cordes. Ce dernier achève ce ‘tribute’ en interprétant l'autre hit de son père, "Mendocino" ; un morceau au cours duquel il se réserve tous les instruments.
Responsable de 9 albums en dix-sept ans d’existence, Strung Out est considéré comme un des vétérans de la scène punk rock mélodique californienne. Relativement peu connu de ce côté-ci de l’Atlantique, le combo a quand même écoulé un million d’albums chez lui. En ce début d’année 2009, le quintet de Simi Valley a décidé de satisfaire ses fans en vidant ses fonds de tiroirs pour réunir tout ce qu’il compte d’inédits et de morceaux rares sur un Cd intitulé « Prototypes and Painkillers ». Au total 25 morceaux dont 7 jamais publiés, des versions alternatives, des démos et une sympathique reprise du « Bark at the moon » d’Ozzy Osbourne. La qualité sonore varie en fonction des époques et des moyens accordés au groupe lors des différents enregistrements. Musicalement, leur excellent punk mélodique se révèle plus brut que Bad Religion et nettement moins pop que Green Day, Blink 182 et consorts. Strung Out se donne même un petit côté métal en insérant dans son punk quelques soli de guitare judicieux. « Prototypes and Painkillers » est un album plus que recommandable pour les fans en quête de raretés. Il est aussi une excellente introduction pour ceux qui veulent découvrir ce combo trop sous-estimé dans nos contrées.
“There are no goodbyes” constitue le cinquième album solo, enregistré en studio, pour Sophia. Et il s’inscrit parfaitement dans la lignée du précédent opus, « Technology Won’t Save Us ». Des compos poignantes, confessionnelles et mélancoliques qu’il chante de son timbre doux-amer si particulier. En s’accompagnant à la guitare. En picking. Le plus souvent acoustique mais électrifiée (NDR : une exception « Dreaming », une brève compo minimaliste interprétée à la sèche). Les mélodies sont contagieuses, parfois hymniques. Notamment sur le single et titre maître qui ouvre l’opus. Même que la conjugaison des accords de piano sonore, des envolées de guitare soniques entrecoupées par des impulsions de drums offensifs, me fait plutôt penser à Coldplay. Chanson plus allègre, « Obvious » est cependant contaminé par des lyrics toujours aussi sombres. Robin partage un duo en compagnie d’Astrid Willimason, sur la valse lente « Something ». Jusqu’alors pas vraiment de surprise. Mais le plus intéressant procède de la fin de l’elpee. Tout d’abord lors de « Sign ». Balayée par une steel guitare et des cordes de râpe languissantes, cette compo aurait pu émarger à l’americana, s’il n’y avait ce sens mélodique bien spécifique. Et enfin les trois derniers morceaux du disque. Enrichis de somptueux arrangements symphoniques. Encore que parmi ces trois chansons, « Leaving » est vraiment celle qui mérite une attention toute particulière. Car si arrangements symphoniques il y a, ils sont dominés par des cuivres énigmatiques. Et puis, cette ligne de basse pulsante remue les tripes. Bref, ce titre lorgne manifestement vers la quintessence de Broken Social Scene. Toutes proportions gardées, bien sûr. Mais le résultat est vraiment remarquable. Robin s’intéresserait-il à la nouvelle scène canadienne ?
Ce split Cd réunit deux des combos belges les plus inventifs du metal extrême. Sludge Phenomenon nous vient de Kessel-Lo, dans la région de Louvain. Il pratique une musique assez indéfinissable mais intensément jouissive. Imaginez un mélange improbable entre la musique de Superjoint Ritual et celle de Meshuggah, et vous aurez une vague idée du style pratiqué par ces cinq furieux. Leur heavy/death sludge teinté de math metal est incroyablement technique. En à peine quatre titres, Sludge Phenomenon redéfinit les limites de ce metal extrême. Un groupe à suivre de très très près !
Helldozer ensuite. Il débarque tout droit de Wondelgem, dans la région de Gand. Côté originalité, il n’a pas grand-chose à envier à ses collègues de Kessel-Lo. Les Gantois pratiquent, eux aussi, un sludge metal brutal assez groovy et technique (écoutez les parties de basse hallucinantes sur « Before the storm ») ; mais en y ajoutant un côté death’n’roll halluciné qui fait de lui une sorte de Motörhead de l’extrême.
Si vous en avez un peu marre d’écouter toujours les mêmes trucs et que vous voulez découvrir deux combos bien de chez nous, originaux, inventifs, techniques et brutaux à la fois, ce split Cd est fait pour vous.
The Sea est un duo anglais fondé en 1995. C’est-à-dire en pleine apogée britpop. Pourtant, le combo a toujours essayé de s’en démarquer, en apportant une légère coloration bluesy ainsi qu’une bonne dose de morve rock n’roll, à son expression sonore. Les frères Chrisholm (NDR : s’ils chantent tous les deux, Peter se réserve la guitare et Alex à la batterie) pratiquent ce même style depuis leur débuts. Et ne semblent pas vouloir changer d’attitude. Pour preuve la photo qui illustre la pochette, les titres et les lyrics de leurs compos. Une fidélité qu’ils puisent dans leurs influences, aussi bien chez Human League, Blur, Led Zeppelin, MC5, Primal Sceam que les Stooges. Bel éventail de références, il faut l’admettre. De bonne facture, leurs chansons rappellent parfois celles des Hives. Donc vous incitent à remuer la tête et les jambes. Rock’n roll endiablés, « Love Love Love » et « Don’t You Want Me » constituent les titres phares de « Get It Back ». Ils nous replongent même quelques années plus tôt, lors du revival mené par les White Stripes voire les Black Keys. J’épinglerai encore « Can You Feel », autre point fort de l’elpee, mais davantage contaminé par le Southern Rock. D’autres titres recèlent des lyrics dignes de l’Iguane. A l’instar de ‘Well she walks like a reptile/And she thrills me all night long’ sur « Love Love Love » et ‘The sun is high and the moon is dead. The earth is flat going off its head’ sur l’excellent « Sun Noir ».
Si toutes les dispositions sont réunies pour faire de ce « Get It Back » un très bon opus, il faut reconnaître que ce disque sort quelques années trop tard. On ne peut en vouloir à la formation, puisque leur musique semble imperméable à l’évolution des styles. Rien de neuf à l’horizon, donc, pour The Sea ; mais un langage universel de base reconnu par tous les rockeurs qui se respectent. Toutes guitares dehors, vous vous en doutez ! NME adore, paraît-il. Maintenant, si vous privilégiez l’originalité, il est préférable de passer votre chemin…
Minsk est un combo à l’esprit torturé dont les membres sont originaires de Peoria et Chicago, dans l’Illinois. Le groupe fondé en 2002 compte trois démos, un split CD (partagé avec Unearthly Trance) et trois albums à son actif.
La première écoute de « With Echoes In The Movement Of Stone », son dernier opus, est douloureuse. Physiquement et mentalement douloureuse. Minsk élabore une musique lourde et suffocante, sise quelque part entre le doom et le post-hardcore cher à Neurosis. Une musique partagée entre ambiances et expérimentations sonores plutôt que de construire de vraies mélodies. Il faut cependant avoir le courage de surmonter la répulsion que procure cette première écoute pour apprivoiser et finalement apprécier totalement cet elpee. Une fois passée la phase de rejet que déclenchent ces climats glauques, ces rythmes oppressants et ces vocaux torturés, la musique de Minsk se révèle dans toute sa splendeur. Les rythmes tribaux où la batterie de Tony Wyioming se mêle aux congas de Tim Mead (NDR : aussi responsable du chant et des claviers). Les étranges expérimentations guitaristiques de Chris Bennett. La basse agressive et destructrice de Sanford Parker. Les vocaux à la fois mélodieux, colériques et funèbres. Autant d’éléments qui contribuent à donner à Minsk ce son unique et à faire de « With Echoes In The Movement Of Stone » l’un des opus de rock expérimental les plus réussis du moment.
Un must pour les amateurs de sensations fortes, avides d’expérimentations sonores, mais aux nerfs solides et au moral d’acier (NDR : je ne voudrais pas avoir votre suicide sur le dos).
Les cendres de Black Eyes (NDR : groupe punk-noise de Washington) étaient encore chaudes ; et pourtant Daniel Martin-McCormick et Jacob Long décident déjà de fonder leur nouveau projet : Mi Ami. Ils recrutent pour la circonstance le drummer Damon Palermo. Si Black Eyes (Dischord) jouissait d’une réputation de formation bourrée d’énergie, Mi Ami n’a rien à lui envier. Etabli à San Francisco, le trio a rapidement trouvé ses marques sur la scène indie US. Les trois compères apparaissent d’ailleurs comme l’une des découvertes les plus attendues et excitantes de ce début d’été. Après All The Saint, Sholi, Crystal Antlers et j’en passe, Mi Ami est une des dernières révélations du label Touch and Go (NDR : depuis, il a déposé le bilan !)
A première écoute, la musique de Mi Ami a de quoi déconcerter. Les mélodies ne sont pas immédiates. Acérés, les vocaux oscillent entre susurrements et cris. Ils laissent même perplexes. Transcendante et énergique, la section rythmique peut se faire hypnotique. Les accords de guitare dispensés par Daniel Martin-McCormick sont essentiellement sculptés dans le jazz et le funk. Bref, un disque pas toujours facile d’accès. Mais il serait dommage de demeurer sur une telle impression, sans avoir préalablement remis son métier sur son ouvrage. Car au fil des écoutes, passé la phase de surprise, on découvre une solution sonore bien plus cohérente et subtile qu’elle n’y paraît, susceptible même d’intégrer et d’harmoniser de multiples influences, aussi bien africaines que punk. Là où d’autres se sont perdus en route, les Californiens d’adoption se révèlent des maîtres en la matière. En fait, on se rend compte que ces musiciens sont capables de créer du neuf avec de l’ancien. De s’inspirer du passé pour se forger sa propre identité, pour prétendre à l’originalité. On est ainsi constamment envoûté par des ambiances insolites. Que ce soit à travers des titres plus musclés comme « New Guitar » et « Echononecho » ou lors d’une invitation à la transe tribale, magnétique (Peacetalks/Downer). « Watersports », premier elpee de Mi Ami, est une révélation. Et je ne vais certainement pas m’en plaindre…
Parfois, un emballage hideux peut cacher un très beau cadeau. La pochette du Cd de Maya Mountains « Hash and Pornography » est vraiment horrible. Dans un style typé seventies. D’abord, il y a ce fond rouge orné de deux spirales psychédéliques jaune doré. Enfin, à l’avant plan, une ignoble tête, chauve et barbue, la bouche ouverte. De la fumée sort de ses narines ; et il laisse tomber un joint allumé pour téter un sein énorme. Pas vraiment joli. Mais, si cette pochette ratée donne une idée du style musical auquel on est en présence, elle ne reflète en aucun cas la qualité de son contenu. Car, vous l’aurez compris Maya Mountains joue du Stoner Rock. De l’excellent Stoner Rock !
Maya Mountains nous vient de Venise, la ville des gondoles et des amoureux. Pas vraiment le genre de paysage désertique où nait d’habitude ce genre de musique. A écouter « Hash et Pornography », on se rend bien compte que ces trois rigolos ont abusé de la cigarette à 5 feuilles pour se mettre dans l’ambiance. Attention ! Il n’est pas question ici de faire l’apologie de ce genre de pratique ; mais, force est d’avouer que, pour eux en tout cas, ça marche.
L’album débute par un « Spring », psychédélique très typé Monster Magnet (période « Spine of God ») qui s’accorde parfaitement au mauvais goût de la pochette. Pourtant, il ne faut pas se fier à ce début mollasson, car il n’est qu’un tremplin vers le stoner burné et enfumé qui va suivre. Kyuss, Black Sabbath, Hawkwind et Fu Manchu sont les influences évidentes de ces Vénitiens. Guitares saturées, pédale wa wa utilisée parcimonieusement, basse et batterie pachydermiques et voix proche du Ozzy des seventies. Les riffs lourds et burnés (« Cosmic Comic », « Wanna Know What I know », « Hope »,…) laissent parfois la place à une énergie nettement plus garage/punk (Fire Entrance, « ‘74 »).
« Hash and Pornography » sent bon le désert et la marie-jeanne. Malgré son emballage répugnant, c’est un magnifique cadeau pour tous les amateurs de musique lourde et fumante.
The Low Anthem est né en 2006 à l’initiative de Ben Miller, musicien, accessoirement poète, mais aussi peintre à ses heures perdues, et Jeff Prystowsky, bassiste jazz de formation. Ils sont rejoints l’année suivante par Jocie Adams, compositrice classique, avec laquelle ils enregistrent un premier essai éponyme qu’ils qualifieront plus tard d’un peu trop naïf. Un faux départ que le trio semble adéquatement rectifier sur son nouvel ouvrage, « Oh My God, Charlie Darwin ». Initialement autoproduit et publié à 5 000 exemplaires seulement dans le monde, le recueil a su s’attirer les faveurs du label indépendant Bella Union qui compte aujourd’hui la formation dans ses rangs.
« Oh My God, Charlie Darwin » abrite douze petites ritournelles folk évoluant entre fragilité et décomplexions. On peut reprocher à The Low Anthem de traîner ses influences derrière lui (Tom Waits, Bob Dylan, The Pogues, Neil Young…) ; mais le trio parvient à les faire oublier. Notamment sur l’agressive reprise de Tom Waits, « The Horizon Is A Beltway », les stellaires « Cage The Songbird », « Charlie Darwin », « To Ohio (Reprise) » et des « Champion Angel » et « Home I’ll Never Be » bien sentis. The Low Anthem n’a plus grand-chose à craindre quant à la théorie de la survie du plus fort…
En 2005, Boris Paillard embrassait une carrière solo sous le pseudonyme de The Keys. Quatre ans plus tard, le Toulousain en est déjà à son sixième album. Et il faut reconnaître qu’au fil du temps, il est devenu de plus en plus performant. Surtout dans le domaine de la composition. Ses rencontres, ses concerts accordés en France, aux States (NDR : à Boston !) et surtout au Canada (NDR : notamment à Montréal et Toronto), où il a séjourné durant quelques mois, ont permis à ce jeune troubadour d’acquérir une solide expérience. De retour au pays, Boris s’est donc lancé dans la confection de son sixième elpee. Et pour la toute première fois, il a pu bénéficier d’infrastructures professionnelles. Le studio, bien évidemment. Sans oublier un ‘authentique’ mastering. Ce qui a apporté, évidemment, un réel plus à cet opus.
La musique dispensée tout au long de « Years are made of seconds » évolue quelque part entre folk, rock’n’roll et country. Les mélodies sont subtiles et efficaces. Son timbre nasillard et ses inflexions imparfaites rappellent l’excellent Daniel Johnston voire André Herman Düne. Toute une série d’invités sont venus apporter leur collaboration dans une ambiance, ma foi, fort familiale. Monsieur Paillard joue ainsi de l’accordéon sur « My pulsing compass », alors que la chorale de sa chère mère s’illustre sur plusieurs titres (« The papang song », « The landlord prayer »). Tout au long de ce disque, Boris Paillard nous raconte des histoires empreintes de poésie. Dommage que le trip soit si court. Trente minutes ont manifestement de quoi nous laisser sur notre faim. N’empêche, la France a peut-être trouvé un véritable talent, issu d’un univers bien différent de celui que nous impose la téléréalité.
Jeremy Greenspan et Matt Didemus, alias Junior Boys, effectuent un retour discret, deux ans et demi après avoir concocté le sympathique « So This Is Goodbye ». Les Canadiens, véritables forces tranquilles de la pop électronique, se sont débarrassés de leur stock de Prozac et livrent un « Begone Dull Care » plus éveillé que leurs essais précédents. Sans pour autant surpasser l’excellent « Last Exit » (2004). Conçu entre l’Allemagne et les USA par une méthode d’échange online entre les deux musiciens, ce troisième essai pourrait marquer l’envol de la formation. Les influences 80’s demeurent le point fort des Junior Boys qui en usent brillamment sur les potentiels singles « Bits & Pieces », « Hazel » ou « Parralel Lines ».
Ici, la voix limpide de Greenspan, toujours aux limites du R’n’B, se marie parfaitement au néoromantisme des mélodies de Didemus. Ce qui n’était pas toujours le cas sur « So This Is Goodbye ». Seule ombre au le tableau, le duo se perd parfois dans des bidouillages grotesques et pas vraiment recherchés (l’affreux « Dull To Pause »). Les hypnotiques « Work » et « What It’s For » relèvent de justesse cette faute de goût. « Begone Dull Care » ou « Caprice en couleurs », en VF sur la pochette, ne font pas forcément d’étincelles ; mais devraient rallier davantage de mélomanes à la cause des ‘garçons de première’.
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