Déjà le huitième album (en à peine douze ans de carrière) pour les death métalleux de Disbelief. Deux ans seulement après l’excellent « Navigator », le gang germain nous propose ce « Protected Hell » d’excellente facture. Après une courte intro acoustique, l’album démarre à fond de caisse par un « A place to hide » dont le riff principal fait étrangement penser à Nevermore. Le riff seulement, car, côté vocaux, on est bien loin de l’organe mélodique de Warrel Dane. Le timbre écorché de Karsten ‘Jagger’ Jäger est là pour nous rappeler que nous sommes bien en présence de death metal. Cependant, contrairement à beaucoup de ses confrères, Disbelief délaisse les rythmiques ultra speedées et les blast-beats au profit de riffs plus mid-tempos où le groove occupe une place importante. Le travail vocal de Jäger sur les morceaux les plus lents contribue à renforcer le côté malsain des compositions, tandis que les guitares, lourdes sans être doom mais parfois ‘trashisantes’, opèrent un bon compromis entre Paradise Lost (période « Shade of god ») et des goupes plus groovy comme Sepultura. Un petit bémol cependant, aucun solo de guitare à l’horizon. Pourtant le style musical de Disbelief s’y prêterait bien. En résumé, « Protected Hell » est un album intéressant, aux compositions violentes –sans être extrêmes– et intenses ; mais surtout agréable à écouter du début à la fin. Une réussite!
Le créneau de la soul ‘rétro’ commence tout doucement à devenir surpeuplé. Après Sharon Jones, Amy Winehouse, Nicole Willis, Jamie Lidell, James Hunter, Raphael Saadiq et quelques autres personnages de moindre intérêt, c’est au tour de Jesse Dee de tenter sa chance. Le jeune blanc-bec de Boston nous balance donc une douzaine de titres dans une veine très proche de la soul sudiste popularisée par des légendes comme Otis Redding. Les allergiques au passéisme musical peuvent d’ores et déjà passer leur chemin, mais les amateurs de ‘feel good music’ pourraient apprécier ce « Bittersweet Batch ». La voix de Jesse rappelle un peu celle de Jamie Lidell ; et la comparaison ne s’arrête pas en si bon chemin, vu que les univers sonores de ces deux bonhommes sont très proches.
Sans se poser trop de questions, des titres agréables et bien balancés comme « Slow Down », « Yet to come », « Over & Over Again » ou encore le plus sentimental « Remember Me » passent bine la rampe. Par contre, l’exagération vocale de Jesse finit par agacer. Notamment lorsqu’il abuse des tics et gimmicks vocaux typiques de la musique soul. Passons aussi sur ces quelques titres pas toujours très inspirés, comme l’intro qui repique un peu la mélodie du générique de la série « Happy Days ». Hormis ces remarques, « Bittersweet Batch » devrait égayer, sans problème, vos barbecues de saison, si toutefois la météo belge le permet. C’est parti Fonzie !
Régulièrement, on nous casse les oreilles avec des soi-disant super groupes. En fait, il s’agit souvent d’associations de musiciens de studio souhaitant se faire du blé ou des ‘side-projects’ réunissant des musiciens de seconde zone, voulant tuer le temps, entre deux tournées. Cependant, cette fois ça y est, on ne s’est pas foutus de nous ; car Chickenfoot est vraiment le super groupe ultime.
Pour celles et ceux qui ont réussi, à passer à côté de l’info, malgré le tapage médiatique, Chickenfoot, c’est l’association de 4 géants du rock et du hard rock en particulier. Joe Satriani tout d’abord. Le super héro de la guitare instrumentale. Jadis professeur de guitare pour des gamins qui sont devenus des pointures (Steve Vai, Kirk Hammet, …) le bonhomme a un jour compris que ses élèves se faisaient un maximum de pognon en lui piquant tous ses plans et a donc décidé de sortir de l’anonymat pour accomplir la carrière que l’on connaît. Sammy Hagar ensuite. Le légendaire chanteur de Montrose et remplaçant de David Lee Roth au sein de Van Halen. Michael Anthony le bassiste tout aussi légendaire de Van Halen et Chad Smith, le ‘jeunot’ du groupe, accessoirement batteur des Red Hot Chili Peppers, complètent ce line-up d’enfer.
Ce 5 juin est donc paru ce « Chickenfoot », annoncé à grand renfort de vidéos promotionnelles aussi humoristiques que tapageuses. Et, autant vous dire que pour cet album, le fantastique quatuor ne s’est pas contenté du minimum syndical. Le son est survitaminé. Produit par Andy Johns (le producteur légendaire de Led Zeppelin, des Rolling Stones et de Van Halen) et mixé par Mike Fraser (AC/DC et Metallica) ça le fait sur un pédigrée. Quant à la musique ? Que dire de la musique ? Vous connaissez donc bien le line-up de Chickenfoot ? Et bien, cette musique ne marche pas du tout sur les traces des œuvres en solo de Satriani. La guitare occupe une place importante mais n’est pas démonstrative. Il s’agit bien ici d’un véritable effort de groupe où chacun a son mot à dire. Bien sûr, la présence de Sammy Hagar au micro et de Michael Anthony aux backing vocaux si caractéristiques ne peuvent que pousser Chickenfoot vers l’univers sonore de Van Halen. Mais, curieusement, plutôt comme le Van Halen pré-Hagar, où la guitare avait bien plus d’importance que le clavier. Car il n’y a pas une once de clavier ici. Cet elpee célèbre presque 58 minutes de pur hard rock, bourré de ce fun sexy et rock’n’roll typiquement californien. Le tout est mis en rythme par la frappe puissante de Chad Smith et la basse groovy à souhait de Michael Anthony. Hagar est au sommet de son art. Aussi en voix sur les morceaux les plus rock comme « Avenida revolution », « Soap on a rope », « Get it up » ou « Down the drain », que sur la magnifique ballade « Learning to fall ».
« Chickenfoot » est un disque à écouter au soleil, au volant de sa voiture ou à la maison en sirotant un truc entre amis. L’anti-cafard ultime à consommer sans modération. La bande son parfaite de vos vacances.
Chatham County Line ! Franchement, ce groupe américain de bluegrass a eu le nez creux en choisissant un aussi joli patronyme. Une formation fondée à Raleigh (NDR : c’est en Caroline du Nord), par des anciens membres de Stillhouse, en 1999. Dave Wilson en est le leader. Et surtout un compositeur talentueux. La troupe de cowboys nous reviennent donc après avoir commis l’acclamé « Speed Of The Whippoorwill », un disque paru en 2006. Et leur nouvel elpee s’intitule sobrement ‘IV’. Pas davantage de révolution dans leur expression sonore, puisque le combo continue de pratiquer une musique essentiellement hantée par l’esprit americana old-school. Un bluegrass impliquant bien évidemment l’inévitable steel guitar, un banjo et circonstanciellement de la mandoline. Ce qui ne les empêche pas d’y apporter une petite touche de modernité. Une nuance apportée également par leur producteur Chris Stamey, un personnage réputé pour la mise en forme d’albums de power-pop (Yo La Tengo et Alex Chilton, par exemple). Ce qui explique sans doute aussi pourquoi les mélodies sont aussi soignées.
« IV » a été enregistré dans les montagnes de Caroline du Nord. Un état taillé pour la musique roots selon les spécialistes. Le combo revisite évidemment quelques standards de la country. Les harmonies vocales sont impeccables. Le timbre vocal de Dave Wilson colle à merveille à leur style. Une voix de vieux chanteur du Midwest dans un corps de jeune rocker… Au sein du tracklisting, j’épinglerai cependant « Country Boy.City Boy ». Une plage dont les lyrics correspondent parfaitement à l’ambivalence de leur ‘alternative country’, ‘If I was a country boy, I'd wish for the city lights/ If I was a city boy, I'd wish for a quiet night’. Et puis “Birmingham Jail”, un morceau plus mélancolique et ténébreux s’intéressant au problème de la ségrégation dans les écoles. Cette compo dépasse, en outre, allégrement les clichés pour s’ériger en classique instantané et poignant de la musique américaine.
Une envie d’évasion musicale aux cotés d’un virtuel Jesse James déguisé en rockeur alternatif ? Et dans les montagnes sorties des plus authentiques Western, pour ne rien gâcher ? « IV » est ce qu’il vous faut ! Un album pour les cowboys modernes. Des références ? Les figures tutélaires d’Uncle Tupelo ou de Gillian Welch veillent sur l’œuvre des Chatham County Line ! Un bel exercice d’americana en somme. Une petite odeur poussiéreuse virant plus d’une fois à l’exercice de style maîtrisé mais tellement jouissif. Chatham County Line nous propose une country alternative intemporelle pour les amateurs du genre. Le groupe n’a pas encore l’aura d’un Wilco, mais si les natifs de Caroline du Nord ont la capacité de se renouveler, on pourrait hériter, dans le futur, de toutes grandes compositions. Car Dave Wilson est un songwriter de tout premier ordre ! Ce disque paraît chez Yep Rock, le label de Paul Weller, Bob Mould, The Go-Betweens et Nick Lowe ; mais surtout une maison de disques établie dans leur état d’origine.
Chatham County Line se produira ce 25 août dans le cadre des Feeërieën organisées par l’AB. A ne manquer sous aucun prétexte, si vous aimez les formations typiquement américaines jouant de la musique typiquement américaine…
Brutal Truth avait officiellement splitté en 2000. Il a fallu l’intervention de l’ouragan Katrina en 2005 pour que Danny Lilker et ses 3 copains se décident à remettre le couvert. En effet, si Katrina n’avait pas dévasté la Nouvelle-Orléans et par la même occasion détruit tout le matériel du groupe Eyehategod, ces siphonnés du bocal à la bouille de sérial killers sympathiques ne se seraient pas réunis pour participer à l’enregistrement d’un album hommage, opus dont les bénéfices ont permis à Eyehategod de remettre leur carrière sur les rails.
Lilker est un vétéran des scènes trash et extrêmes américaines. On ne compte plus les groupes dans lesquels il a joué : Anthrax (de 1981 à 1984), Nuclear Assault (de 1984 à maintenant), S.O.D. (en 1985), The Ravenous (de 1997 à maintenant), Venomous Concept (en 2003), … pour ne citer que les plus connus. Mais, de tous les combos au sein desquels le bassiste à sévi, Brutal Truth est probablement l’un des plus extrêmes. Je dois avouer, qu’à premier abord, je suis assez réfractaire au grindcore. Le son pourri, les blast-beats et les vocaux style dinosaure qui vomit son quatre heures, très peu pour moi ! Brutal Truth dispose cependant d’une aura un peu particulière. Un statut de groupe culte suscitant une envie de s’intéresser à son cas, au risque d’y perdre une bonne partie de son acuité auditive.
Selon Lilker, « Evolution Through Revolution » combine les meilleurs éléments de toutes leurs réalisations précédentes. Par conséquent, si vous êtes familier de leurs autres albums et que vous aimez leur style, cette nouvelle rondelle devrait vous plaire. Pour les autres, il faut savoir que leur expression sonore est très bruyante. Pour faire simple (et si j’ai bien compris), le grindcore combine les idéologies punk et hardcore au death metal. J’ose espérer que cette explication convient aux experts. En tout cas, pour Brutal Truth, elle correspond parfaitement. 42 minutes de violence pure pour 20 morceaux, faites un calcul rapide : le résultat ne dépasse pas beaucoup plus de 2 minutes par titre. « Evolution Through Revolution » dépote sévèrement. Pas vraiment le temps de respirer. Toutes les plages sont plus violentes les unes que les autres. Cependant, contrairement à d’autres groupes du style, la qualité du son chez Brutal Truth est indéniable. Ce qui rend l’écoute plus aisée pour celles et ceux qui ne sont pas fondus de grindcore. Pour accentuer ce côté ‘accessible’ la formation introduit quelques variations de tempo, notamment sur le très lourd « Detached » ou « Get a Therapist… Spare the world » qui offrent un répit relatif au sein de cet ouragan de riffs. En fin d’album, les New-yorkais nous balancent une reprise furieuse de « Bob Dylan Wrote Propaganda Song », un titre du groupe punk américain Minutemen.
Allez, je l’avoue, malgré tous mes aprioris, j’ai quand même passé un bon moment à écouter cet album. Alors, pourquoi pas vous ?
En observant de plus près la dernière galette de Zach Gordon, on peut apercevoir une ligne. Une médiane qui sépare parfaitement le rond de polycarbonate en deux. Cette ligne aurait pu être dessinée en pointillés afin de séparer les deux volets qui composent « March of Zapotec ». D’un coté, un Ep dans la plus pure lignée de « The Flying Club Cup » et de l’autre, un éventail de chutes de bandes au son nettement plus electronica. Un double Ep donc, rassemblé sous le même support.
La mixité des genres profite-t-elle à Beirut ? On en doute. Si des superbes morceaux comme « El Zocalo », « My Wife » ou « On a Bayonet », qui figurent en première partie, ont ce cachet inimitable d’ambiance balkanique, "My Night With The Prostitute From Marseille", "Venice" ou "The Concubine" souffrent quant à eux, de cet apport plus synthétique. Alors que l’Américain excelle dans le recours aux instruments à vent (NDR : notamment les cuivres), il semble moins en phase quand il cherche à remplacer les émotions propulsées à travers les tubes des instruments par des sonorités issues de claviers électroniques. Alors pourquoi avoir rassemblé ces deux univers ? Rompu aux sorties d’Eps, Zach Gordon, aurait pu continuer à nous proposer parcimonieusement des morceaux baignant dans son univers chatoyant, exempt de toute tristesse –des compos qui ont fait sa marque de fabrique– plutôt que nous imposer des exercices… de remplissage. Ne lui en tenons cependant point rigueur. Il faut peut-être comprendre, derrière cette démarche, une volonté commerciale de la part du label. Vous me direz que toutes les excuses sont bonnes pour ne pas jeter la pierre à Beirut ; mais vu le boulot incroyable qu’il accomplit lors de chaque sortie, on lui doit bien cette indulgence…
Enregistré entre Bamako et Paris, “Léman” n’est pas l’œuvre d’un néophyte. Avant de venir tenter sa chance à Paris, Blick Bassy s’était déjà illustré au sein de son Cameroun natal. Pendant dix ans, il a conduit son groupe Macase aux portes du succès, sans jamais parvenir à les ouvrir. Après avoir tourné énormément dans la région de Paris, Blick est remarqué par le label World Connection qui lui permet d’enregistrer ce disque ambitieux sous la houlette de Jean Lamoot. La réussite est totale. La mise en son de Jean Lamoot est de toute grande classe et met en valeur le sens mélodique de Blick Bassy. « Léman » est un disque de fusion acoustique, où des pointes de bossa viennent se mêler à la kora, aux flûtes, et aux beaux arpèges de guitare acoustique, le tout sur un tapis de percussions bassa, ethnie dont est originaire Blick Bassy. « Léman » est un disque bondissant et mélancolique, sincère et sans concession à découvrir de toute urgence. Au rayon ‘World Music’ (pour peu que ce terme veuille dire quelque chose), on tient ici un des ‘must’ de cette année.
Malgré la présence de cinq musiciens en studio et sur scène, Zender reste avant tout un projet solo articulé autour de son leader Thijs de Clus. Autre personnage principal, son père Luc de Clus se charge de la presque totalité des guitares.
Enregistré à Ninove dans un pavillon transformé en home studio, Acid Avenue est un premier elpee profondément teinté de nostalgie. Une kyrielle d’artistes des années 60 à nos jours sont passés en revue. Le monde de Zender se construit d’un héritage puisé quelque part entre les Beatles, le rock classique et le psychédélisme des années 60. Thijs et Luc de Clus font fi des écoles et passent le tout au mixeur. Le voyage prend sa source à Ninove, passe par Abbey Road et se promène sur les routes de Tulca ou Nashville : Beatles, Byrds, Eagles, Big Star, Pink Floyd, Jeff Tweedy, Ryan Adams, Black Motorcycle Club… Personne n’est épargné ! Il est inutile de préciser que les couleurs pastel et le van Volkswagen ornent soigneusement l’intérieur de la pochette.
Largement diffusé sur les ondes de Radio 1, « Lux » est le premier single du groupe aux guitares qui remonte le temps. La patte de Jeff Tweedy (leader de Wilco) ne traine pas loin.
« Glow » est vraisemblablement le morceau le plus représentatif de l’album et pourrait constituer deux morceaux à lui seul. Une ouverture qui sonne la fin de l’ère Beatles et un final aux guitares ‘byrdsiennes’. Faut dire que Luc de Clus aime user et abuser de sa Rickenbacker à 12 cordes. On retrouve ici les années 60 et les influences principales du groupe unies sur une même plage. Ou lorsqu’Abbey Road (pop anglaise) et Los Angeles (country-rock et psychédélique) se rencontrent. Les puristes apprécieront sans aucun doute.
D’autres morceaux plus psychédéliques viennent colorer l’album de pastels (« Wayne », « Ghost »…) Quant à « Magnum », il flirte incestueusement avec « The Wall » de Pink Floyd. « Forth city » et « Dender Theme » aux solos balourds et prévisibles nous mèneront sur les chemins de la country-rock lançant ainsi un clin d’œil aux patrons de la country roots (Ryan Adam et Wilco). « Nothern Exposure », à mon sens le meilleur des quatorze titres, rappelle le « Howl » de « Black Rebel Motorcycle Club ». Soulignons enfin les très Big Star « Visa Nation » et « S.A.S. / Fullerton Bridge ».
Les amoureux du rock classique revisité devraient certainement éprouver un certain intérêt à l’écoute de ce premier opus.
Wavves publie un second recueil subtilement intitulé « Wavvves », seulement trois mois (six pour l’Europe) après la sortie de son œuvre éponyme et quelques jours après la désastreuse performance de la formation accordée au festival Primavera. Lorsqu’il n’est pas dans un état d’ébriété avancé, Nathan Daniel Williams pond une série de petites capsules soniques ne dépassant que très rarement les trois minutes.
Destiné aux ‘djeuns’ ayant fait l’impasse sur Sonic Youth ou My Bloody Valentine, Wavves tente tant bien que mal d’éveiller les pulsions animales de l’auditeur sans y parvenir aussi brillamment qu’un No Age ou Fuck Buttons. « Wavvves » se cherche, entre noise et mélodie, sans jamais réellement se trouver. La formation parvient autant à passionner (« So Bored », « Weed Demon ») qu’à irriter (« To The Dredgs », « Gun In The Sun »). Il en résulte un ouvrage en dents de scie qui, conjugué à ses frasques scéniques, ne laisse pas présager à la bande un avenir chargé de promesses…
Joanne est née en Angleterre. En 1985. Elle est donc encore très jeune et plutôt mignonne. Visage bien dessiné, corps svelte, sa longue crinière blonde retombe sur ses épaules… Elle a été découverte par Dave Stewart (Eurythmics) alors qu’elle n’avait que 16 ans. Il en était tombé tellement sous le charme qu’il l’avait engagée pour son band, D.U.P. Quelques temps plus tard, c’est au tour de Thomas Ruf de subir le même enchantement. Il signe Miss Taylor sur son label Ruf. Faut dire qu’il n’en était pas à son coup d’essai, puisqu’il avait déjà recruté d’autres chanteuses comme Dani Wilde, Erja Lyytinen ou Roxanne Potvin. Il croit tellement à sa nouvelle protégée qu’il l’envoie dans le Tennessee, au sein des studios de Jim Gaines, pour enregistrer. Ce dernier lui a réservé une section rythmique de luxe ; en l’occurrence David Smith et Steve Potts (ex-Luther Allison et Joni Lang). La gamine de Birmingham chante, compose et joue de sa Fender Telecaster. Elle adore se produire en trio ; une formule qui lui permet de tirer son épingle du jeu. Et puis d’étaler toutes les références de ses idoles, qui oscillent de Stevie Ray Vaughan à Jimi Hendrix, en passant par les Paladins et Albert Collins!
Elle ouvre l’elpee par "Going home". Un Delta blues amplifié dont les bonnes vibrations produites par sa Fender nous mettent déjà l’eau à la bouche. Sa version du "Bones" des Hoax est limpide ; un texas shuffle au cours duquel elle puise son inspiration chez le regretté guitariste d'Austin, Stevie Ray. Elle n’invente rien, mais joue plutôt bien, Joanne. Long blues lent, "Time has come" évolue dans un registre semblable. Plus rockin’ blues, "Who do you want me to be?" permet à la guitare de s’élever dans des sphères rock typiquement britanniques. Miss Taylor a composé l’essentiel du tracklisting. Et notamment le titre maître. Un instrumental. Elle y étale toute ses aptitudes aux six cordes, en gardant l’esprit les références à ses mythes de la guitare. "Kiss the ground goodbye" campe une ballade atmosphérique ‘jimihendrixienne’. Cependant, elle apporte une touche bien personnelle à la compo en conjuguant délicatesse et élégance. Blues rocker dynamique, "Watch 'em burn" adopte un profil proche de Hoax (NDR : des compatriotes !). Néanmoins, sous une forme moins hard, même si elle laisse vagabonder ses cordes avec un certain bonheur. "Blackest day" achève l’elpee. C’est aussi le morceau le plus long de l’elpee. Tendresse, quiétude, présence et sensibilité guident cette plage exécutée une dernière fois dans l’esprit du "Tin Pan alley" de Stevie Ray et Double Trouble...
Parmi les bluesmen blancs, Rod Piazza est sans doute celui qui possède la plus solide expérience. Et pour cause, il compte déjà la bagatelle de 44 années de carrière. Ses débuts, il les a accomplis au sein du Dirty Blues Band, avant de passer chez le Bacon Fat, en compagnie de son mentor, l'harmoniciste noir Georges Smith, un ancien du Muddy Waters Band! Il y a également trois décennies que Rod est aux commandes des ses Mighty Flyers, aux côtés de sa charmante compagne, Honey Alexander. Au cours des dernières années, son nom a davantage été mis en vitrine ; et notamment depuis la sortie de son précédent opus, "Thrillville". La formation répond donc aujourd’hui au patronyme de Rod Piazza & The Mighty Flyers Blues Quartet. Honey double maintenant les claviers et les parties de basse, alors que le reste du line up est identique ; c’est-à-dire le guitariste Henry Carjaval et le batteur Dave Kida. Invités lors de la sortie de la confection de l’opus précédent, les saxophonistes Jonny Viau et Allen Ortiz sont apparemment de plus en plus intégrés à l’ensemble.
Instrumental, "Soul monster" ouvre la plaque. Rod empoigne son harmonica chromatique. Le tempo est funky. Dommage que la basse soit assurée par les pédales du clavier de Miss Honey ; le résultat manque manifestement de chaleur. Si le couple Piazza est capable de composer ses propres chansons, c’est un domaine que Rod a rarement privilégié, préférant reprendre des canons du blues. Le quartet attaque le "Can't stand to see you go" de Jimmy Reed ; un compo imprimée sur un mid tempo. Les interventions de Honey au piano sont judicieuses. Voire même brillantes. A l’instar de la superbe cover du "Key to the highway" qu’on attribuera à Big Bill Broonzy. Le notoire "Queen Bee" de Slim Harpo évolue sur un rythme soutenu que renforce les sax de Viau et Ortiz. Un véritable rouleau compresseur ! L’adaptation du "You better watch yourself" de Little Walter est particulièrement dynamique. Ce grand souffleur de Chicago est bien entendu l'un des grands maîtres de notre Californien ; et cela s'entend! Dave Kida excelle aux percus sur "Cheap wine", un excellent r&b qui baigne dans l'ambiance festive de la Nouvelle Orléans ; une plage au cours de laquelle les deux sax ténor épaulent remarquablement leur leader. Instrumental tonique voire agressif, "Sunbird" est issu de la plume de George ‘Harmonica’ Smith, une autre inspiration majeure de Piazza. Et l’exercice de style est parfait ! Le Blues Quartet aborde enfin le west coast blues, lors de la reprise du "That's what's knockin' me out" de Jimmy Liggins. Dommage encore qu'une basse acoustique ne soit pas venue amplifier le groove. "Tell me about it Sam" est la plage qui m’a fait le plus flasher. Un blues lent, bien imprégné de l’esprit texan. Issue de la plume de Rod, elle avait été écrite en souvenir d'un concert accordé à Syracuse (New York), en 1992, lorsque Sam Myers avait rejoint l’équipe sur les planches. Piazza met toute son âme pour rendre ce brillant hommage au souffleur noir disparu, devant un Carjaval rageur et brillant. Autre instrumental, "Expression session" est une autre compo signée Piazza. Faut dire que dans ce domaine, il est excellent. Notamment, quand ce thème est destiné à mettre en exergue ses interventions à l’harmonica. La bonne surprise nous vient de Carjaval au chant. Il se réserve donc les vocaux pour deux plages. Tout d’abord un "Ko ko Mo (I love you so)" très saignant, pimenté d’accents latinos, et une version du "Talk to me" de Joe Seneca, une ballade imparable, très fifties dans sa conception. De bonne facture, cet opus s’achève dans une ambiance festive par "Hey Mrs Jones", un morceau au cours duquel Mr Viau se réserve une brillante démonstration au saxophone…
Sonic Youth a donc quitté Geffen pour rejoindre le label indé Matador, une écurie au sein de laquelle militent notamment Yo La Tengo, Mogwai, Belle and Sebastian, The New Poronographers ou encore Cat Power. Une décision fort logique, quand on sait que l’objectif principal de la formation new-yorkaise, malgré un certain succès commercial, n’a jamais été à caractère lucratif. Et à contrario, une major vise d’abord la rentabilité. Exit Jim O’Rourke (il avait participé aux enregistrements des trois derniers elpees et même aux tournées correspondant à cette époque), et bienvenue à l’ex-bassiste de Pavement, Mark Ibold. Le line up du groupe se maintient donc à la formule du quintet.
« The eternal », constitue le 16ème album studio du combo, en 28 années d’existence. Un disque habillé d’une superbe pochette illustrée par une toile du guitariste légendaire John Fahey. Impliqué dans le mouvement no wave à ses débuts, Sonic Youth s’est progressivement orienté vers le noisy rock avant de glisser progressivement vers la noisy pop. En fait, si l’aspect expérimental a toujours été présent dans leur création (NDR : suffit d’écouter leurs projets solo pour en être convaincu), le sens mélodique est devenu de plus en plus palpable. Paru en 1990, « Goo » reflète le sommet de leur concession à l’accessibilité. Puis, progressivement, le band va privilégier les compos construites sur un fragile équilibre entre pop et rock bruitiste. En apportant de subtiles nuances à chaque nouvel opus. Et c’est à nouveau le cas sur « The eternal ». Des contrastes qui peuvent osciller de la rage (NDR : les vocaux possédés de Kim Gordon sur les sauvages « Sacred trickster » et « Calming the snake ») au confessionnel (NDR : ses chuchotements et une guitare rythmique acoustique sur les 9’ du languissant « Massage the history), en passant par la frénésie (NDR : le nerveux et fulgurant « What we know », chanté par Lee Ranaldo) et la douceur (NDR : la fluidité mélodique de « No way » ainsi que les harmonies vocales ‘byrdsiennes’ sur l’alangui « Walkin blue »). L’intensité électrique n’est évidement pas négligée (NDR : ces échanges de cordes effilés, tranchants, sur « Leaky lifeboat ») et les inévitables envolées atmosphériques, cosmiques voire psychédéliques sont toujours aussi susceptibles de se déstructurer et de s’achever dans un chaos imprévisible ; les drums tribaux de Steve Shelley communiquent cette forme de pulsion primitive et puis Kim et Thurston chantent plus régulièrement les vocaux, enfin le plus souvent sous forme de question/réponse. Pourtant, et je ne sais pas trop pourquoi, j’ai parfois l’impression que le spectre de The Fall plane sur plusieurs compos de cet elpee. A cause de ce climat à la fois redoutable et incantatoire qui filtre parfois insidieusement à travers la mélodie. Amusant car il m’est déjà arrivé de dénicher des références à Sonic Youth dans la musique de la bande à Mark E. Smith…
Un bouquin consacré à Sonic Youth vient également de paraître. Ecrit par Colin Barbier, il est paru aux éditions Thélès. Son titre : « Sonic Youth ou les Singularités musicales ». Etudiant le rapport entretenu entre l’improvisation et le matériau musical, il est partagé en deux parties. La première traite des influences et la seconde de la pratique. L’auteur s’appuie sur trois groupes pour justifier ses propos : Sonic Youth (rock indépendant), Aphex Twin (musique électronique) et Mogwai (post-rock) dont il détaille le fonctionnement entre 1997 et 2002. Il aborde ensuite le thème de l’écriture, compare les sonorités et montre les spécificités de chacune. Il propose enfin une réflexion sur ce qu’est la pratique de la musique et d’un instrument. Au départ, ces textes sont deux mémoires de philosophie de l'art soutenus à la Sorbonne. Destinés aux initiés mais aussi à tous ceux qui s'intéressent à l'univers musical et à la création, ils proposent des définitions claires et précises, ainsi que de nombreux exemples. Ils s'adressent donc à un public de professionnels, mais aussi d'étudiants ou d'amateurs. Colin Barbier vit à Paris. Ancien saxophoniste du groupe Gypsophile, il a organisé d'importantes sessions d'improvisations. ‘Sonic Youth ou les Singularités musicales’ est son premier essai. (Prix : 18,90 €)(d’après communiqué de presse)
Pour plus d’infos : http://www.theles.fr/editions-Theles/auteurs/colin-barbier_948
En cette journée d’élection et après une bonne après-midi de dépouillement, c’est à la dernière minute que je débarque au Bota afin de découvrir la dernière sensation électro foutraque du moment, j’ai nommé Dan Deacon ! La présence de l’Américain à Bruxelles est la suite logique de l’accueil élogieux provoqué par son dernier album.
En compagnie des ses amis, qu’il a baptisé son ‘Ensemble’, il nous propose un étonnant show interactif ! Le public se voit tour à tour invité à participer à un concours improvisé de danse ou à agiter les bras en rythme. Plus tard, c’est un membre de l’Ensemble, déguisé en fraise (!!!), qui descend dans le public pour y exécuter quelques pas de danse. A douze sur scène et ce malgré un très bon son, le foutoir semble total ; mais le leader de la scène de Baltimore semble maîtriser ce joli bordel en organisant la troupe d’une main de maître. Dan Deacon est au centre de la scène. Casqués d’une tête de mort de couleur verte, trois batteurs se tiennent derrière lui. Les autre musiciens se partagent une multitude d’instruments dont trois claviers, des xylophones, une basse, une guitare et la liste est loin d’être exhaustive.
Dès son arrivée sur le podium, Dan nous invite à se placer face à un voisin en répétant ses paroles. L’effet est garanti. Et permet de rentrer directement dans le bain ! Ensuite le spectateur (NDR : qui a intérêt à être en forme et apprécier l’ambiance quasi Club Med) doit toucher la tête du spectateur devant lui ou participer à une farandole (deux farandoles en une année au Botanique après celle de La Chanson du Dimanche ; les temps changent ! A quand les danse des canards ?) jusqu’à l’entrée du Botanique. Dan Deacon joue avec son public, le manipule et semble prendre beaucoup de plaisir. Tout comme les spectateurs d’ailleurs, complètement acquis à sa cause. La musique n'est pas en reste et les morceaux hallucinants et déjantés de « Bromst » passent allègrement le cap de la scène.
Une soirée réussie et surprenante ! Ce soir, pour cette fois, mon vote ne sera pas secret ! Il y ira directement pour le parti de Dan Deacon. Dan Deacon président !!!
Organisation Botanique
De son véritable nom Lissy McChesney, Lissy Turlly est une jolie rouquine de 25 ans qui nous vient de Washington. Une ville qui a le vent en poupe depuis l’élection d’un certain Barak Obama, à la présidence. Grâce à l’éclosion de cette jeune artiste, il risque bientôt d’y avoir une nouvelle raison de s’enthousiasmer pour la capitale des Etats-Unis ! Sa biographie la décrit comme une enfant timide. Mais à l’écoute de son premier Ep, c’est une certitude, Lissy a gagné une certaine assurance et surtout s’est forgé une expérience certaine. La découverte des albums de la Motown, de surf rock, de folk ou de soul de ses parents l’aurait marquée à vie. Mais c’est celle du « Tommy » des Who qui va transfigurer la petite Lissy ! La mue prend totalement forme lors de son déménagement à New-York, en compagnie de sa maman. Elle est alors âgée de 16 ans. Elle entame alors, dans un premier temps, une carrière solo en acoustique ; mais au fil des rencontres réussit à se doter d’un véritable groupe. Et non des moindres ! Car le line up réunit le guitariste Eben D’Amico (NDR : un ancien membre de Saves The Day), le drummer Josh Elrod (NDR : ex-Tan As Fuck) et le bassiste Ian Fenger d’Ambulance Ltd. Du très beau monde, il faut le reconnaître. Le ‘Lissy Trullie band’ est né ! Détail non négligeable, Lissy est un ancien top-modèle. Et cette expérience a probablement favorisé les rencontres… Bien plus que les préliminaires du groupe accomplis au sein des bars new-yorkais.
« Self-Taught Learner » constitue donc le premier elpee de Trully. Elle s’y révèle le versant des Strokes sur le titre éponyme « Self-Taught Learner » ou encore « Boy Boy ». Et le refrain enrichi de chœurs falsetto irrésistibles n’y est pas étranger. De petites tueries pop-rock sises quelque part entre Television et The Pretenders. Faut dire que la fin des 70’s et le début des 80’s sont ici souvent remis au goût du jour. Pour un résultat qui tient la route. Et puis, il y a la voix de Lissy. Une belle voix, très caractéristique et taillée fondamentalement pour le rock ! La production est irréprochable. Suffit d’écouter la sonorité des drums pour s’en rendre compte. On a parfois l’impression que leurs compos évoluent dans un univers pop bubble-gum, pas tellement éloigné de celui au sein duquel baigne The Virgins, en compagnie desquels ils ont d’ailleurs partagé la scène.
Une ex-top modèle basée à New-York composant des chansons rock proches de celles des Strokes. Trop beau et hype pour être honnête ? Probablement ! Mais pourquoi gâcher son plaisir en cherchant midi à quatorze heures. L’important n’est-il pas de savourer l’instant présent. Tout particulièrement en écoutant ce disque. Un Ep qui prélude la sortie d’un premier album dont les sessions d’enregistrement se dérouleront au cours de cet été. Lissy et ses acolytes seront-ils capables de conserver leur (haut) niveau ? Une première réponse sera donnée lors du concert que Lissy et sa troupe accorderont ce 7 juin au Witloof Bar du Botanique.
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