C’est officiel, l’Italie a désormais bien plus que des artistes de varietoche à proposer au reste de l’Europe. Et Aucan, trio originaire de Brescia, peut fièrement brandir le drapeau de sa patrie. Aux premiers abords déconcertant (l’intro « Reset »), l’éponyme glisse rapidement vers un math-rock épileptique. « Aucan » évoque la rencontre entre des Shellac, Tortoise et Battles enfermés contre leur gré dan un bunker, contraints et forcés de collaborer ensemble. De leurs assauts soniques conjugués résulterait alors une série de petites perles à l’effet dévastateur. Il est clair que le trio n’a rien à envier à ses grands frères spirituels. Les salves noisy inattendues de morceaux tels que « Urano », « Fauna » ou « Imho » placent Aucan en tête de la liste des formations à surveiller de très près. Que ce premier ouvrage tranchant demeure dans l’ombre serait une véritable injustice.
Confession : je n’ai jamais été un grand fan de musique punk. Et pourtant, j’ai toujours ressenti un petit faible pour NOFX. Surtout après la sortie de leur remarquable « Heavy Petting Zoo », un disque truffé de hits imparables. Depuis, j’ai essayé de suivre la carrière de Fat Mike et de ses acolytes, le plus attentivement possible. Nonobstant leurs messages engagés, leurs lyrics évitent la prise de tête. Ce qui ne les empêche pas d’aborder des sujets aussi brûlants que la politique (NDR : l’administration Bush, par exemple), la religion, ou encore la liberté sexuelle. Le groupe reconnaît d’ailleurs, pour influence majeure, des groupes issus de la scène punk mélodique californienne, comme Bad Religion et The Descendents. Mais le plus important chez NOFX, c’est leur art à préserver un sens mélodique rare.
Pour immortaliser leur tournée mondiale accomplie en 2007, le gang de San Francisco a décidé de publier un Dvd baptisé « Backstage Passport ». Un périple qui a duré plus de 14 mois et au cours duquel ils ont visité des destinations les plus insolites les unes que les autres. Depuis l’Israël à la Malaisie (NDR : où le groupe n’avait jamais vendu le moindre album), en passant par la Colombie, la Russie, l’Afrique du Sud et j’en passe. Une belle manière de découvrir la personnalité des différents membres du groupe, ainsi que leur motivation, malgré plus de 20 ans de carrière. Et puis de sortir de la routine. Découpées en huit épisodes, les aventures d’El Hefe, Fat Mike, Eric Melvin et Eric ‘Smelly’ Sandin sont truculentes, même pour Monsieur ou Madame tout le Monde. Notamment les soirées mémorables de Kent, leur manager. Arrosées, pour ne rien vous cacher. Et pourtant, il materne le groupe de manière remarquable. On épinglera encore les problèmes rencontrés auprès des promoteurs au Chili, la visite d’un salon sado-maso au Japon, les concerts accordés devant dix personnes à Taïwan ou encore les trajets escortés par la police en Indonésie. Le ton est complètement déjanté. Pour vous faire une petite idée, imaginez Michaël Moore filmant une bande de vieux punk dans des endroits par forcément rock… On regrettera cependant un montage qui donne parfois l’impression d’une mise en scène. Faut dire que les épisodes ont été produit pour la chaîne américaine Fuse ; dans un style qui s’apparente aux productions MTV. Le rythme est rapide et ne permet pas de se focaliser sur l’un ou l’autre épisode. Un peu comme dans des clips. Enfin, il faut regretter qu’aucun titre ne soit interprété en live dans son intégralité.
Un journaliste spécialisé avait un jour avancé que NOFX était le groupe de rock le plus drôle du monde. Ce Dvd démontre qu’il na pas tout à fait tort. Attention, les aventures de Fat Mike & Co ne sont sous-titrées que dans la langue de Shakespeare…
You Me At Six est une jeune formation punk/pop britannique née en 2005. « Take Off Your Colours » leur premier album est entré directement à la 25ème place dans les charts anglais à sa sortie. Le groupe a été nommé ‘Best British Band’ au Kerrang Awards de 2008.
Passons sur le fait que l’association des mots punk et pop soit une aberration. Il faudra m’expliquer comment on peut être punk, (c'est-à-dire, anarchiste, anticonformiste, anti presque tout) et pop, (c'est-à-dire populaire et adoré par les foules) en même temps ?
« Take Off Your Colors » est un bon disque. Il est difficile de lui trouver des défauts. La musique est bien jouée, les vocaux sont biens chantés et agrémentés de chœurs bien travaillés. Le son bien produit. Mais voilà, des groupes de ce genre, il y en a une légion : Green Day, Sum 41, Good Charlotte, Blink 182 ou encore The Offspring pour ne citer que les plus connus. You Me At Six, n’apporte pas grand chose de neuf par rapport à ses collègues. On est très très loin de l’urgence et de la spontanéité des groupes punks de la fin des années 70.
En conclusion, si vous avez entre 12 et 15 ans, que vous aimez les groupes cités ci-dessus, « Take Off Your Colours » est probablement l’achat de l’été. Sinon, passez votre chemin.
Une des raisons pour lesquelles j'apprécie tout particulièrement le Botanique, procède de la présence de sa terrasse en plein centre ville. Surplombant les jardins verdoyants, on y croise une grande variété d’individus : du bobo au gonzague, du discret à l'excentrique, du parfait inconnu à la star du soir, en personne. Ce jeudi 28 mai les quidams gravitant autour des tables en bois, nous poussent à une petite analyse sociologique savoureuse. Suivant le look affiché, on distingue clairement les penchants musicaux. A ma droite, à la Rotonde, se produit Deerhunter, un groupe pop/rock un brin intello. La tendance de ses fans est au NERD : slim, Halfcab et fluo à profusion. A ma gauche, l'Orangerie. Les mythiques Wampas y sont programmés. Leur apparence extérieure est moins léchée : bermuda, tatouages à gogo et t-shirt destroy. Ok, on va prendre à gauche et suivre le troupeau d'allumés.
Le show commence à 20h30. Que dis-je ? Le règne du Roi Didier. A l'avant, ça pogote déjà ferme sur les premiers accords du "Télégramme de Brest". Ca promet. Il fait vite moite, et les saturations des comparses ne viennent en rien alléger l'ambiance. S'étalant sur plusieurs albums, leur répertoire enchaîne les vieux classiques tout en balançant les dernières perles de leur elpee paru début de l'année : "Les Wampas sont la Preuve que Dieu Existe". Suivant son habitude, Didier Wampas se chauffe un peu avant de bondir vers son public. Il ne lui faudra que quelques chansons seulement. Coiffé d'un chapeau de cow-boy doré, il est en parfait accord avec son futal de la même couleur. Complètement moulant, ce vêtement nous dévoile avec une fausse pudeur, les attributs du chanteur. Vous avez dit bon goût ? Oubliez ce mot si vous décidez un jour d'assister à un concert des Français. Tout le spectacle est démesuré, exacerbé jusqu'à son paroxysme. Les guitares perforent nos tympans ; et il est d'ailleurs amusant de constater que derrière les quatre éternels accords du groupe, se cachent quand même trois guitaristes.
Pour soutenir les 18 cordes (+ les 4 de la basse), s’agite un préposé aux fûts. Il les maltraite comme c’est pas possible. Et puis, il y a Didier Wampas au chant, très fier de ne pas aligner deux accords justes. Les oreilles souffrent, mais l'énergie libérée au fur et à mesure du show, entretient dans la salle entière, une ambiance de malade dégénéré. Les valeureux guerriers de l'avant ne cessent de s'entrechoquer et de s’aventurer dans le stage dive. Quel que soit le morceau balancé, le public l'accueille dans la liesse. De "Les Bottes Rouges" à "I Hate Switzerland", en passant par "Touche Pipi", "Ce Soir, C'est Noël", "Kiss" ou "Elle est Ou ma Loge ?", Didou harangue sans cesse son audience. Il la fait vibrer et ne fait pas dans le détail. Il carbure au contact physique et à l'acrobatie, le vieux saligaud. Empilant les enceintes retour les unes sur les autres, il se construit une tour d'où il toise son peuple. Plus tard, il fait descendre un rack de transport en plein milieu du public pour y grimper. Il vient au contact. Il veut le voir de près, le toucher. Il se délecte rituellement de faire le tour salle en embrassant tout le parterre. C'est l'hilarité générale. Sa Sainteté Didier n’est plus aimé ce soir, il est adulé. Et c'est sur un trône improvisé en chaise plastique, qu’il recommence le circuit afin de saluer ses ouailles.
Les Wampas sont généreux. Autant dans l'énergie que la bonne humeur. Tout est pris à la dérision et l'irrévérence constante; ce qui est résolument la marque de fabrique du groupe. Les Wampas n'ont donc pas failli à la seule règle qu'il respecte : no rules ! A 22 h les lumières se rallument, après deux rappels quand même. On quitte la cour de récréation. Il y plane un parfum écœurant de fauve. C'est que si la bière à coulé à flots, la sueur n'avait rien à lui envier.
Organisation : Botanique
Starfish Bowl nous vient des Pays-Bas. Un quartet drivé par le chanteur Marcel Tinnemans, au sein duquel militent le guitariste Peter Thommassen, le bassiste Martijn Linsen et le drummer Rick Bours. Leur premier opus, "Transpotting", est paru en 2000. Un disque bourré de groove qui évoluait dans un style psyché funk. Edité en 2003, "Open up" réalise plutôt une fusion entre le transe blues et la musique de film. Celle de Tarentino, pour être plus précis. A l’issue des sessions d’enregistrement, l'harmoniciste Maikel Van Bogget quitte ses compagnons. En 2005, le combo concocte "All people", un disque qui émarge au psyché funk blues. "Dopamine" constitue donc leur tout nouvel elpee. Et sur la pochette, on peut y lire : ‘A classer Non Blues’!
"City of lights" ouvre le long playing. Un rock blues bien carré et très accessible. Les vocaux sont bien mis en évidence. La guitare colle bien à l'ensemble. "Mr Madness" est tout aussi accessible, même si les cordes sont davantage mises en exergue. Elles se dédoublent constamment afin d’enrichir l'univers sonore sculpté dans un hard rock très bluesy. "Like dopamine" n'est pas tout à fait une invitation au voyage ; mais cette plage est susceptible de rappeler les 'nuggets', de brèves chansons psyché pop qui ont marqué les sixties. En outre, ce titre est tout à fait contagieux. Certains morceaux affichent une recherche instrumentale certaine. Manifestement, l’excellente production n’y est pas étrangère. Et je pense tout particulièrement à "Sunshine 777" et "Don't you wonder", deux fragments au cours duquel la guitare se révèle incisive et de plus en plus aventureuse. Les sonorités acoustiques qui amorcent "Hats off to Jim" me rappellent celles que prodiguait Steve Howe, chez Yes, au cours des seventies. Le résultat est même excellent. Et dans un style prog, "Odessa shotre" est nappé de claviers ; un peu comme si Rick Wakeman du même Yes s'était joint à l'ensemble. Instrumental, "Conflicts" nous entraîne dans un univers plus futuriste, voire ‘space rock’, quelque part entre Hawkwind et les Tornadoes. Au fil du sillon, les compos prennent davantage d’épaisseur. Pour atteindre même leur quintessence sur "Cold blooded murder", une longue épopée ténébreuse…
N’ayons pas honte de le dire. Phoenix est probablement un des meilleurs groupes pop du monde. Carrément ! En 2006, le quatuor balançait un « It’s Never Been Like That » parfait en tous points. Si bien que les petits Versaillais étaient attendus au tournant. Manifestement peu effrayés par les analogies risquées, ils reviennent en 2009 pour nous balancer un « Wolfgang Amadeus Phoenix » qui tient toutes ses promesses. Ouvert par le single attachant « Lisztomania », hommage au compositeur Frank Liszt, et bourré de références historiques (Liszt, Mozart, expo universelle de 1901), ce nouvel opus semble traduire un retour aux sources.
Plus proche de « United » que de « It’s Never Been Like That », « Wolfgang Amadeus Phoenix » met les guitares en sourdine et fait la part belles aux variations pop et electro. « Fences », « Love Like A Sunset (Part I & Part II) », « Lasso » ou « 1901 » sont autant de morceaux qui justifient pleinement l’année et demie consacrée à la confection de ce nouvel elpee. Produite par Phillipe Zdar (Cassius), « Wolfgang Amadeus Phoenix » est une œuvre conviviale et une bande son estivale mobilisatrice qui vous colle la banane des premières aux dernières notes. Phoenix se paie un nouveau grand classique.
Les papys font de la résistance. Que l’on soit fan de la formation ou pas, les 23 ans de carrière des Pet Shop Boys imposent le respect. Parcourue de perles (« Actually », « Behavior », « Introspective »), mais aussi encombrée de travaux un peu plus dispensables (« Bilingual », « Release », « Fundamental »), la discographie de Neil Tennant et Chris Lowe s’enrichit d’un nouvel opus surprenant. Trois ans après le moyen « Fundamental », on n’attendait en effet plus grand-chose du duo. Mais les papes de la synth-pop n’ont apparemment pas dit leur dernier mot.
Pour faire taire les mauvaises langues, ils se sont entourés de l’équipe de production Xenomania (Saint Etienne, Kylie Minogue, Gabriella Cilmi…), de la star montante de l’electro Fred Falke, de Johnny Marr (The Smiths) et d’Owen Pallett (Final Fantasy). De ces collaborations ont résulté onze morceaux pop implacables et hautement radiophoniques. Les Pet Shop Boys bluffent par le pouvoir addictif de leurs « Love Etc. », « More Than A Dream », « Did You See Me Coming? » ou « The Way It Used To Be ». Pas une seule fausse note pour ceux qui ont fait du kitsch un art. « Yes » est une véritable surprise, susceptible de conquérir même les plus réfractaires à la musique du duo !
Deux années après avoir concocté le magnifique « Ash Wednesday », le fils Perkins nous revient pour un second opus. Souvenez-vous, le précédent elpee avait marqué au fer rouge nos âmes égarées. Sur notre route, Elvis avait opéré un détour pour les guider. Et c’était beau. Souvent le deuxième long playing est un disque maudit. Parce que l’artiste ou le groupe cherche absolument à changer d’orientation. C’est d’ailleurs à quoi on s’attendait. Voire même à un revirement serré des compositions et de l’ambiance. Elvis Perkins n’en a cure et remet le couvert. Il n’a toujours pas pansé ses blessures et continue de survoler le champ de nos cruelles désillusions.
Certains seront déçus. Ils auraient sans doute souhaité plus de lumière. D’autres snoberont cette galette pour la bonne forme, juste pour souligner son manque d’originalité. Personnellement, j’adhère. A cause de ces mélodies magnifiques, de cette douceur et cette délicatesse qui vient lécher nos sens. Car en cette période nourrie à l’éclectisme et l’électro, Perkins décide de composer comme bon lui semble. Et rit sous cape. Contestataire des tendances musicales actuelles, il crée un bastion, où les garnisons de rebelles volontaires ont tous leur place. Sobre, discret et pourtant incisif « Elvis Perkins in Dearland » est un album complet. De « Shampoo » à « How’s Forever Been Baby » les mélodies s’enchaînent, se ressemblent, certes ; mais arrivent toujours à décoller la pulpe qui se dépose au fond de nos âmes. Plutôt que de nous agiter dans tous les sens, c’est dans la qualité et l’élégance que l’on se retrouve la tête en bas. Que vous aimiez ou pas ce disque, c’est votre problème. Mais une chose est sûre, rester sans réaction face à ce disque serait totalement absurde.
Attention ! Cette formation basée à Moscou pourrait bien devenir la nouvelle sensation du metal progressif européen. Formé en 2000, Nova Art est le premier groupe soviétique du genre à faire son trou à l’Ouest de l’Europe. « Follow Yoursellf », son second album, possède toutes les qualités pour rivaliser avec les pointures du genre. Les compositions à tiroirs, à la fois alambiquées, atmosphériques et musclées sont transcendées par une production surpuissante et limpide.
Andrey Nova, chanteur et compositeur de toute la musique de cet elpee possède un registre vocal étendu, allant de la voix claire mélodique (rappelant par moment Michael Sadler, l’ex vocaliste de Saga) à un chant agressif, plus typiquement néo/trash metal.
La palette musicale des Moscovites est étonnamment large. On pense tour à tour à Dream Theater (bien sûr), aux Anglais de Threshold, à Saga (pour les vocaux et les claviers), mais aussi à Pantera ou dans une moindre mesure à Meshuggah et Korn. Nova Art réussit l’exploit de combiner le metal progressif le plus technique au groove trash metal le plus violent. « Follow Yourself » est un album intense et diversifié qui ne laisse aucune place à l’ennui.
Preuve s’il en est que l’on joue dans la cour des grands, le prestigieux vocaliste américain Devon Graves (NDR : alias Buddy Lackey, c’est également le guitariste, le chanteur et le flûtiste de Deadsoul Tribe ainsi que de Psychotic Walz), vient pousser la chansonnette sur plusieurs titres et donner un coup de main pour la production.
« Follow Yourself » est, à coup sûr, le maître achat du mois pour tout fan de metal progressif amateur de sensations fortes qui se respecte. Un must !
Lors de sa tournée accomplie en Angleterre (NDR : la plus conséquente à ce jour), en octobre et novembre 2008, Dramatico a sagement décidé de sortir la compilation « The Katie Melua Collection ». Partagé en deux disques, cette œuvre retrace la carrière musicale de la chanteuse (NDR : âgée seulement de 23 ans !) Elle propose sur le cd audio 17 morceaux (dont 3 inédits) et sur le Dvd un show accordé à Rotterdam. Il s’agit donc d’un best of de ses trois premiers albums, “Call Off The Search”, “Piece By Piece” et “Pictures”, enrichi de la chanson « When You Thaught Me How To Dance », tirée du film ‘Miss Potter’.
La très jolie Katie Melua est irlandaise d’origine géorgienne. Elle a grandi à Tbilissi ; mais sa famille a émigré vers l’Irlande alors qu’elle n’avait que neuf ans. En 1998, elle rejoint Londres et gagne un concours sur ITV en interprétant la chanson « Without You » de Badfinger. Elle entre ensuite à la B.R.I.T. School for the Performing Arts & Technology. Et y décroche un diplôme en musique. Un producteur à la recherche d’une artiste capable de chanter à la fois du jazz et du blues la remarque. Son premier essai, « Call Off The Search », paraît en 2003. Il se vend à plus de trois millions d’exemplaires. Son deuxième album est une consécration. « Piece By Piece » atteint la première place des hit-parades dès sa première semaine de vente. Entre 2004 et 2005, Katie Melua est devenue l’artiste féminine ayant vendu le plus d’albums en Grande-Bretagne et la Britannique qui en a écoulé le plus dans le monde.
Sa musique est belle, propre et très bien exécutée. Mais je fais ici un appel solennel à mon rédacteur en chef : ne m’envoyez plus d’album de ce style. Cette musique est bien trop lisse pour pouvoir la critiquer en bien ou en mal. Parce que si son expression sonore ne manque pas de qualité, elle est totalement dépourvue d’émotion. J’essaierai donc d’être le plus objectif possible (NDR : encore que si les dispositions y sont, difficile de s’y conformer complètement). Les influences vont du jazz au blues, en passant par la pop. Dans un style satiné, sensuel, très proche de Norah Jones. La production est excellente. Une écoute plus attentive (NDR : tout en ayant l’impression de perdre son temps, il faut le préciser) permet de saluer l’instrumentation très variée. Et très joliment exécutée. Flûte sur « Nine Million Bicycles » aux accents asiatiques, harmonica et mandoline enrichissent un décor sonore investi par des accords de piano omniprésents. Le très beau « Spider's Web » et la reprise du « On The Road Again » de Canned Heat sont quand même parvenus à me sortir de ma léthargie. D’autres leur préféreront peut-être « Thank You, Stars » ou le tube « The Closest Thing To Crazy ». Chacun ses goûts, pas trop ma tasse de thé…
Les mauvaises langues n’ont pas hésité à qualifier Katie Melua de ‘sous-Norah Jones’. Pas tout à fait tort. Responsable d’une musique destinée à sonoriser les supermarchés, même. Ce n’est pas une mauvaise idée. M’enfin, ne soyons pas trop virulent. Katie a une belle voix. C’est déjà ça ; mais ne m’en voulez pas si je laisse la découverte du Dvd aux fans…
Scott Matthew, le plus déprimant des artistes folk, revient hanter les platines. Intitulé « There Is An Ocean That Divides And With My Longing I Can Charge It With a Voltage That Its So Violent To Cross it Would Mean Death », son nouvel ouvrage a été rebaptisé –pour faire court, mais également afin de faciliter la tâche de la presse et permettre au public de mieux décrypter la plaque dans les bacs– « There is an Ocean That Divides… » Un disque qui suit les traces de son opus éponyme, publié à peine un an plus tôt. L’Australien, qui s’est fait connaître en apparaissant au casting et sur la b.o. de « Shortbus », le voluptueux long-métrage de John Cameron Mitchell (Velvet Goldmine, Hedwig & The Angry Inch), parvient une nouvelle fois à vous arracher toutes les larmes du corps.
Aussi à fleur de peau qu’un Antony Hegarty, Scott Matthew s’est appliqué à composer onze nouvelles compositions aussi sombres et mélancoliques que celles qui parcouraient son éponyme. Sa voix magnétique, aux intonations rappelant parfois David Bowie, transperce l’âme tel un poignard bien aiguisé. Seul un être dénué d’émotion pourrait rester insensible à la splendeur de « For Dick », « White Horse », « Friends and Foes » ou « Every Traveled Road ». « There Is An Ocean That Divides » dévoile également un pan inattendu de la personnalité du Brooklynien d’adoption qui agrémente sa seconde œuvre d’un positivisme enivrant (« German », « Community », « Ornament »). Scott Matthew est plus que jamais un artiste à suivre de près.
Surnommé le Johnny Cash britannique, Jackie Leven n’est pas né de la dernière pluie. Agé bientôt de 60 balais, cet Ecossais a débuté sa carrière musicale fin des sixties, sous le patronyme de John St Field. Son tout premier elpee date d’ailleurs de 1971. En 1978, il fonde Doll By Doll, formation punk/psyché/blues devenue aujourd’hui mythique. Le combo va d’ailleurs enregistrer quatre albums avant de splitter en 1983. Leven embrasse alors une carrière en solitaire. Mais victime d’une agression, pendant l’enregistrement de son album solo, il devient presque aphone. Démoralisé, l’artiste s’abandonne à l’héroïne. Il lui faudra dix ans pour sortir de cette addiction (NDR : on ne lui connaît que de brèves apparitions sur l’un ou l’autre single de ses amis) ; et en 1994 sa carrière individuelle commence alors vraiment.
« Lovers at the Gun Club » constitue son 14ème elpee sous son patronyme. Un disque pour lequel il a notamment reçu la collaboration de Johnny Dowd (un pote !), sur deux plages. Tout d’abord sur le titre maître et morceau d’ouverture, caractérisé par ce mélange d’accordéon, de synthé et de sitar électrique, ces coups de révolver samplés et ce clin d’œil au « Gloria du Them (NDR : beaucoup de choses en même temps !) et « The dent in the fender and the wheel of fate », une compo languissante et ténébreuse, fruit d’un mélange de soul, de jazz (NDR : cette trompette obturée !) et de folk. Jackie possède une superbe voix. Si ses inflexions rappellent Cash, son baryton de crooner est susceptible de camper un hybride entre Stuart Staples (Tindersticks) et Michael J. Sheehy. Et il le démontre sur les ballades mélancoliques, mais aussi mid tempo. Jackie est également un excellent guitariste. Sa technique en fingerpicking est stupéfiante sur « Olivier blues », un morceau de jazz/blues auquel il ne manque que les chœurs pour glisser vers le gospel. On a même envie de claquer des doigts. Et puis lors du délicat et fragile « Woman in a car », probablement le meilleur fragment du long playing. On retiendra également, au sein du tracklisting, « To whom it may concern », un poème du dernier poète beat américain, Kenneth Patches », qu’il récite sur un arrangement musical, issu de sa plume. Et si vous connaissez parfaitement la langue anglaise, je vous invite à découvrir ses lyrics. Dépeignant la société contemporaine qui l’entoure (NDR : même les fans du club de foot de Sunderland y passent), ils ne manquent pas d’humour… noir. Très britannique cette prose, même si la musique lorgne, paradoxalement, davantage vers les States…
Get Physical aurait-il l’intention de revoir son image de label house ? En mars 2009, l’écurie berlinoise avait déjà permis à DJ Koze de concocter le superbe « Reincarnations – The Remix Chapter 2001-2009 », un artiste pourtant signé chez Kompakt. Visiblement, la tentative de diversification est à l’ordre du jour, puisque la boîte teutonne a décidé de débaucher Damian Lazarus, artiste incontournable de la scène house et fondateur du label Crosstown Rebels. Etabli aujourd’hui à Los Angeles, le Londonien est considéré comme une référence en matière de house et techno. Il est, en outre, surtout devenu notoire pour son travail accompli pour son label, ainsi que ses DJ sets.
Bénéficiant du concours d’Arthur Jeffes, « Smoke The Monster Out » constitue donc son véritable tout premier opus. Un disque qui nous dévoile la face cachée de cet artiste. Loin des clichés technos, il manifeste tout au long de cet elpee une sensibilité, une profondeur et un intimisme qu’on ne lui connaissait pas. Il dévoile même des influences qui oscillent de Photek à Bjork en passant par Jeff Buckley.
« Smoke The Monster Out » ouvre l’opus. Une plage davantage ‘deep house’, très racée, typique du label. Mais la suite ouvre rapidement de nouvelles perspectives. Les accords délicats du piano investissent « Moment », une compo sur laquelle Lazarus pose sa voix. Fragile, mais pas incontournable, il faut le reconnaître. Cependant, les beats cérébraux minimalistes et la basse dubstep font absolument merveille. Ce qui transforme ce morceau en véritable perle. Damian embrasse davantage la pop et le folk sur des plages comme « King Of Fools » ou encore l’impeccable « Bloop Bleep », caractérisée par cette voix reverb et ses envolées électro-jazz cycliques, presque magiques. Le disque s’achève par « After Rave Delightune », une superbe ballade qui démontre l’amplitude de registre de cet artiste. Non seulement Damian est sur le velours pour remettre le couvert ; mais le label, Get Physical vient de rafler une belle carte susceptible de le rapprocher du firmament de la galaxie électro house.
Ce qui frappe indéniablement en écoutant « Mexican Teenagers », c’est l’incroyable talent de cette jeune femme de 30 ans. Virtuose de la guitare, Katherine King a été la première femme nommée ‘Guitar Gold’ par le célèbre magazine Rolling Stone. Les doigts constamment en cueillette, Kaki King combine efficacement le fret-tapping et le slap bass sur sa guitare électrique baryton.
Son style musical emprunté à Preston Reed –fondateur du tapping à deux mains de style percussion– et de Michael Hedges –guitariste acoustique New Age– dynamite les digues des influences. Sa guitare acrobatique se promène sur tous les territoires de l’indie-rock, de la post-rock-folk et du shoegazing. Ses mélodies accrocheuses, ses atmosphères singulières lui auront valu de nombreuses collaborations. Notons ses diverses contributions musicales auprès de groupes tels que Foo Fighters, Echoes, Silence… Elle sera également nominée pour un Golden Globe Award de la meilleure musique originale pour le remarquable « Into the Wild » de Sean Penn.
Destiné exclusivement à la diffusion lors de la tournée australienne et européenne, cet Ep cinq titres permettra aux auditeurs du Vieux Continent d’apprécier davantage la dextérité impressionnante de cette surdouée de la guitare.
Enregistré à New-York, « Mexican Teenagers » se présente comme un disque au grand cœur où l’on découvre 16 minutes de guitares acrobatiques et de voltiges musicales. Sans cesse à la recherche de nouvelles expériences, Kaki King s’ouvre à de nouvelles sonorités. Entourée de Matt Hankle (batterie) et de Dan Brantigan (synthé électronique EVI), elle nous livre des sons plus lourds et plus denses que ceux proposés sur les albums précédents.
Première plage, « Mexican Teenagers » pose ses lignes de basse en avant ; mais nous surprend par ses sonorités métal. Ensuite, invite des morceaux à la guitare ouverts à une delay aux loops obsédants et aux échos psychédéliques.
Comme le titre judicieusement le New-York Times : ‘Kaki King sonne comme de l’abstrait, la fin rêveuse et hypnotique du rock alternatif.’
Kaki King : un talent à l’état brut qui ne laisse pas les amoureux de guitare indifférents.
A écouter de toute urgence !
Nederlands 
Français 
