Self-Evident est issu de Minneapolis, un trio drivé par le chanteur/guitariste Conrad Mach. Première constatation, ce dernier possède une voix aussi écorchée et sinusoïdale que celle de Sting, mais en moins falsetto. Une sensation accentuée, lorsque Tom Berg, le bassiste, vient y apporter son soutien aux chœurs. Quant à la musique, elle s’inspire essentiellement des années 90. Pensez à Sebadoh, Guided By Voices, Shellac, Cursive ou à Firehose. Une expression sonore complexe, truffée de brisures de rythmes ; mais dont le sens mélodique est constamment préservé. En outre, solide, la section rythmique libère un groove phénoménal. L’expression sonore serait –en lisant les articles publiés sur la toile– le fruit de la rencontre entre emo, hardcore, punk, jazz, indie, post et math rock. Pourquoi pas ! Découpé en 10 pistes, « We built a fortress on short notice » constitue quand même le sixième elpee du combo ; une formation qui de toute évidence mérite une mention particulière pour son implication dans l’univers du rock alternatif…

En 2001, Garbage commet un album indigne des sa réputation. « BeautyfulGarbage » prélude une longue traversée du désert, émaillée de dissensions, de séparations et de reformations. Le band grave quand même « Bleed like me », en 2005, et « Not Your Kind of People », en 2012, deux long playings d’honnête facture, sans plus. Mais le charme semble rompu. Et puis plus grand monde ne croit encore à la résurrection du band de Madison. Surprise, en juin dernier, la formation publie un sixième LP studio, « Strange little birds ». Et la surprise est d’autant plus frappante, que le disque tient la route. On y retrouve ce climat si spécifique aux deux premiers essais (« Garbage », « Version 2.0 »). Et puis ce parfait équilibre entre instrumentation organique et électronique. Oh bien sûr, tout n’est pas parfait. Il y a bien l’une ou l’autre compo trempée dans le trip hop énigmatique, parfois quand même mélodramatique ; mais sans que les chansons ne dérapent dans la mièvrerie. Les aficionados diront sans doute que c’est le terrain idéal pour que la voix sensuelle, sinueuse et ébréchée de Shirley puisse épancher toute sa charge émotionnelle. Et puis surtout l’album recèle quelques excellentes pistes. A l’instar d’« Empty », caractérisé par ses accès noisy ‘mybloodyvalentinesques’, de « Blackout », aux accents cold wave (Cure ?), des épiques « Magnetized » et « Amends » ainsi que du fulgurant « So we can stay alive ». Shirley Manson, Steve Marker, Duke Erikson et Butch Vig sont peut-être revenus à temps pour rappeler qu’il est préférable de mettre l’électro au service du rock, plutôt que l’inverse…

Etabli à Philadelphie, Chris Forsyth est un guitariste/compositeur américain dont la carrière a commencé au tout début de ce millénaire. Avant de fonder le Solar Motel Band, en 2013, il a milité au sein d’une multitude de groupes. Mais il a surtout longtemps sévi dans la zone crépusculaire de l’underground, publiant quelques albums en solitaire, dont un certain « Kenzo Deluxe », en 2012. Nous y reviendrons. Tout comme sur le rôle de Richard Lloyd (Television), en compagnie duquel il a approfondi une certaine technique de guitare.

Sur ce double compact disc, le Solar Motel Band réunit Nick Millevoi à la seconde gratte, Peter Kerlin à la basse et Steven Urgo aux drums. Depuis, la sortie de cet opus, ce dernier a cédé les baguettes à Ray Kubian. Lors des sessions, il a également reçu le concours de quelques invités, dont le claviériste Shawn E. Hansen et le saxophoniste Daniel Carter.

La seconde plaque est sans doute la moins intéressante. En ouverture, « The First ten minutes of Cocksucker Blues » figurait sur l’album « Kenzo Deluxe ». Mais on ne peut pas dire que cette nouvelle version casse la baraque. Une forme de prog/rock/jazz essentiellement alimentée par des percus tribales et bien sûr la guitare de Forsyth ; le tout infiltré par un filet de clavier et traversé par saxophone plutôt free, exécuté dans l’esprit de Miles Davis. Deux autres morceaux trempent davantage dans l’ambient, même si « Old Phase » se distingue par des poussées de fièvre électriques. Enfin, on épinglera quand même la reprise du « The calvary cross » de Richard Thompson ». Chris y marmonne ses lyrics, sur une trame sonore imprimée sur un mid tempo tout en véhiculant, circonstanciellement, des accents crazyhorsiens.

Mais venons-en à la galette la plus accomplie. Les guitares sont bien sûr toujours au centre des débats. Cependant, elles évoluent dans un contexte bien plus rock, s’appuyant sur une solide section rythmique. Les deux versions de « The rarity of experience » sont épatantes. La texture de la deuxième est sculptée dans le funk blanc, même si le soliste libère des notes aussi limpides que lumineuses. Sur la première, nonobstant le riff emprunté au « Pinball wizard » du Who, c’est le spectre de Television qui se met à planer ; spectre qui rôde également tout au long de « High castle rock ». Quand au trois autres pistes (« Anthem » I et II ainsi que « Harmonium dance »), elles nous replongent dans l’univers West coast du début des 70’s, si bien incarné par Grateful Dead. Des morceaux qui dépassent le plus souvent les 10 minutes et rappellent les jams mémorables immortalisées par le groupe de feu Jerry Garcia. Et franchement, si vous aimez ce type de musique, vous ne serez pas déçus…

Si en live, les musiciens d’Animal Collective sont comparés à des astronautes à la dérive, il faut reconnaître que sur disque, ils débordent de créativité. Et c’est à nouveau le cas pour « Painting with », leur dixième elpee studio. L’originalité de cet opus procède de l’utilisation des vocaux. Bien qu’harmonieuses et abordées dans l’esprit des Beach Boys, les syllabes de mots sont découpées suivant un processus technologique ; ce qui rend le processus totalement désorientant. Pour ne pas dire hallucinogène. Le single qui ouvre l’opus, « Floridada », en est sans doute la plus belle illustration. Et ce sont ces voix –parfois utilisées sous la forme de questions/réponses– qui servent de fil conducteur à une configuration alternative de psychédélisme sonique, aventureux, entretenue aussi bien par l’instrumentation organique que les beats, loops, samples et autres bidouillages électroniques. Vraiment bluffant !

Vague est un quintet autrichien ; issu de Vienne très exactement. « In the meantime » constitue son premier opus. Un disque découpé en 10 titres qui devrait plaire aux nostalgiques des guitares à la ligne claire. Trois gratteurs alimentent l’expression sonore. Des cordes bringuebalantes, tintinnabulantes, lumineuses, gémissantes et limpides rencontrent des accords plaqués, pour former une texture savoureuse, inspirée par des groupes comme Galaxie 500, Bats ou Chills. Ben oui, la scène néo-zélandaise quoi ! Celle qui a sévi au cours des 90’s ; même si Dean Wareham s’est rapidement exilé aux States. Parfois la ligne de basse est plus ténébreuse voire caoutchouteuse ; surtout quand elle se calque sur la cold wave. La voix n’est pas inoubliable, mais l’ensemble tient parfaitement la route. Et franchement, cette Vague est vraiment rafraîchissante…

Quatuor londonien, Wild Beats a publié son cinquième opus, « Boy King », en août dernier. C’est d’ailleurs l’image de la pochette qui figure sur une toile tendue, en arrière-plan, quand on entre au sein du Grand Mix. Mais ce nouvel opus a pris une tournure résolument électro. Déjà que le précédent, « Present Tense », en consommait généreusement ; mais là, le ver est dans le fruit. Evidemment, en ‘live’, les morceaux prennent, en général, une forme plus organique, plus authentique. Enfin c’est ce qu’on espère en son for intérieur. Surtout que les prémices dream pop avaient permis au band de publier quelques singles d’excellente facture…

Avant de monter sur l’estrade, « Song to the siren » de This Mortal Coil retentit dans les haut-parleurs. Puis de très désagréables vibrations sonores ébranlent l’édifice. Pas très bon signe. Enfin, les musicos débarquent. En retrait, le batteur trône derrière un kit de fûts bien achalandé. Et pourtant son drumming est cool. Le guitariste et le bassiste (ou second guitariste, suivant les morceaux) se font face, derrière un synthé. Ce dernier partage également les vocaux avec Hayden Thorpe, qui se charge circonstanciellement de la basse et également d’un synthé. Les voix –falsetto pour Thorpe et baryton chez Flemming– sont complémentaires et se conjuguent régulièrement en harmonie. En outre, les musiciens affichent tous une excellente technique. Et le light show est superbe ; six colonnes de spots à leds rectangulaires dessinant même des formes géométriques. Mais le problème procède de cette déferlante électronique –nappes de claviers et beats programmés– qui non seulement asphyxie les compos, mais les rend bien trop lisses. Même les anciens morceaux sont ‘synthétisés’. Et le gratteur soliste a beau se servir d’un archet pour frotter ses cordes, on n’entend pas la différence. Seules quelques lignes claires émanent sporadiquement de sa gratte, comme pour rappeler que le band est bien britannique. Finalement, Wild Beasts incarne exactement cette forme d’électro que votre serviteur déteste. La musique électronique a ses lettres de noblesse ; mais abordée sous cet angle stéréotypé –pour être dans l’air du temps, sans doute– elle en devient toxique. Il ne manquait plus que les voix vocodées et la coupe était pleine. Heureusement, on a quand même vu un superbe light show ! (Pour les photos, c'est ici)

Et finalement, la bonne surprise nous est venue de Douglas Dare. Il assurait le supporting act. Ce fils de pianiste a également étudié cet instrument à l’‘Institute for Perfomance Arts’ de Liverpool. Son second album est sorti officiellement ce 14 octobre. Et il s’intitule « Aforger ». Il fait suite à « Whelm », paru en 2014. Physiquement, Douglas ressemble un peu à Howard Jones. A cause de ses cheveux blonds coupés au bol. Derrière son clavier, il est plutôt balaise. Il est soutenu par une claviériste/guitariste, également préposée aux backing vocaux. Qu’on pourrait qualifier d’atmosphériques, voire d’éthérés. Mais surtout par son fidèle batteur, Fabian Prym. Ce dernier est assis sur un tabouret bas et ses fûts sont disposés à la même hauteur. Etonnant ! Mais son drumming est impressionnant de dynamisme. Parfois, il vient ajouter quelques bidouillages électroniques ou alors agite un maracas en forme de sablier. Mais c’est la voix de Dare qui fait vraiment la différence. Certains medias la comparent à celle de Nils Frahm. Mélancolique, profonde, elle campe plutôt un hybride entre celle d’Antony Hegarty (Anohni, si vous préférez) et de Gavin Friday. Elle colle à merveille à une forme de trip hop introspective, élégante, capable de soubresauts rythmiques ; les arpèges dispensés par le Londonien d’adoption (NDR : il est originaire de Bridport, dans le sud-ouest de l’Angleterre) glissant comme des vagues tour à tour aventureuses ou chargées d’émotion. Douglas nous réserve un « Caroline » de toute beauté. En solitaire. On a alors l’impression qu’il caresse ses touches d’ivoire pour mettre en exergue sa voix exceptionnelle… Au bout de 30 minutes, le trio tire sa révérence et est chaleureusement applaudi. C’est amplement mérité. Cet artiste est manifestement à suivre de très près…

(Organisation : Le Grand Mix)