« Sans tsu tsou » est l’incarnation parfaite d’un joyeux bordel populaire dans lequel sont conviées toutes les classes sociales à condition de disposer d’un sonotone réglable ou de boules-Quiès à portée de main.
Zaz, toujours aussi pétillante et attachante, dont le brin de voix lui donne un côté à la fois rebelle et sensible, semble prendre un grand plaisir à se déchaîner sur scène pour son public.
Un bout de femme qui en veut, mais qui en fait parfois un peu trop…
Son timbre de voix, Zaz le maîtrise parfaitement, c’est sûr, mais il y a une différence entre mettre de l’ambiance et chauffer la salle. Surnommée par une certaine presse comme ‘la nouvelle Edith Piaf”, l’interprète de “Eblouie par la nuit” a cependant encore beaucoup de pain sur la planche.
Polyvalente, elle a également suffisamment de talent pour souffler dans l’un ou l’autre instrument. A l’instar de “Je veux”, au cours duquel elle se réserve la trompette.
Lorsque la jeune française au look ‘négligé-chic’ fredonne ses mélodies, elle nous ouvre les portes d’un monde de bohème aux couleurs chaudes et festives. Certains de ses titres sont même susceptibles de nous transporter jusqu’en Orient.
Si Zaz se distingue des autres artistes, grâce à une voix qui semble avoir été touchée par la vie, sa manière d’inviter son public à participer à l’ambiance est contestable. Ainsi, lorsqu’elle sollicite la foule pour chanter avec elle, mais qu’elle n’obtient pas ce qu’elle souhaite, l’artiste se mue en ogre prêt à tout casser.
« San tsu tsou » a été immortalisé 'live'. Il recèle de très belles chansons. Mais certaines sont ainsi gâchées par ses vociférations. A l’instar du dynamique “Je saute partout”, dont le texte pourtant frais est très vite gribouillé par ses interventions intempestives.
Le style populaire de Zaz apporte une dimension nouvelle au répertoire généralement chanté par les chanteurs francophones. Les lyrics sont recherchés et semblent illustrer un certain vécu. Mais Zaz, s’il te plaît, cesse de nous casser les oreilles entre chaque chanson !
Anstam est un duo allemand réunissant les frères Jan et Lars Stöwe. Cet opus, ils l’ont concocté ensemble, car depuis Lars a décidé de poursuivre l'aventure en solo.
La formation aime cultiver le mystère. Dans ces conditions, difficile de connaître ce qu’elle aime, ce qui l’inspire ou même ses éventuels et futurs projets.
Anstam base la structure de sa musique sur la répétitivité, un concept aride qui accroche difficilement l’oreille. Pourtant, au fil de l’écoute, certains morceaux plus atmosphériques parviennent à exercer un certain magnétisme. Mais sans jamais confirmer sur la durée. Et « Handsome talks the talk » en est certainement un des plus beaux exemples. L’entrée en matière est remarquable, mais la compo finit par s’essouffler, la paire germanique la laissant ‘filer’ sans parvenir à en libérer toute la puissance.
Mais le plus dérangeant procède de cet équilibre bancal entre sens mélodique et lignes de basse. Des lignes qui à force de se chevaucher, finissent par faire des nœuds.
Découpé en 10 fragments, « Dispel Dances » entretient une tension constante, lancinante, un peu comme si on était plongé dans un univers inquiétant, propice à la brutalité (ces sonorités en cascade). Et de ce périple, on en ressort complètement exténué.
Si vous cherchez un peu de fraicheur et d'originalité en écoutant cet elpee, il est préférable de passer votre chemin…
David Bartholomé, le Tintin du rock belge, s’émancipe de son band Sharko pour une envolée guidée par la liberté de mouvement, de pensée et d’action…
Le blondinet bruxellois a tenu les rennes du trio de la capitale durant une douzaine d’années, mettant un point final (pour le moment) à cette aventure lors d’un best of paru en 2010. Intitulé « BeAst Of Sharko », c’est une véritable carte postale pleine de souvenirs d’une carrière particulièrement riche.
Mais l’envie d’explorer un autre univers titille notre homme depuis un bout de temps déjà. David a envie d’emprunter d’autres voies. Il va même jusqu’à tenter de relancer notre Sandra Kim nationale en compagnie d’autres pointures belges, telles Adamo, Dani Klein (Vaya con Dios), Piet Goddaer (Ozark Henry), Anthony Sinatra (Piano Club) et Jacques Duvall.
Passé cette expérience, il se jette à corps perdu dans un nouveau projet, délaissant le rock/pop pour une plongée vers un son plus dépouillé, dévoilant une intimité toute personnelle. Son dernier-né, intitulé « Cosmic Woo Woo », est en fait un assemblage d’une dizaine de titres où David se fait réellement plaisir. Peut-être un peu las du son ‘Sharko’, il se libère complètement et laisse libre cours à une fantaisie totale, complètement débridée.
Album solo ne signifie pas pour autant album où on se retrouve seul. Au contraire même, car David a pris le soin de s’entourer de ceux qu’il voyait parfaitement s’imbriquer dans cette nouvelle expérience. Il a donc fait appel à une (formidable) chanteuse lyrique, Anne-Fleur Nizan qui collabore sur plusieurs titres, une fanfare, une chorale et des vocalistes guests (Fanny Bériaux, Hawksley Workman, Pascal Deweze).
Outre le très radiophonique « In The Middle Of », l’album recèle quelques perles dont le morceau d’ouverture, « Mars », caractérisé par ses envolées, l’excellent « Never », le sublime « Speak Out », compo soutenue par une géniale partition de cuivres au cours de laquelle David manifeste une grand maîtrise vocale, la ballade sensuelle « Jamaica », le joyeux voire dansant « Moon » et le magnifique « We Spent », morceau lancinant qui clôture le Cd tout en émotion et en sensibilité.
Il est assez drôle de constater que l’on a l’impression d’enfin connaître ce personnage à la sensibilité à fleur de peau après toutes ces années. Pour la première fois, David a ôté cette espèce de masque de chanteur rock complètement imbibé qui lui collait à la peau depuis le début de sa première vie, Sharko.
Le costume de folk singer lui sied à la perfection…
Une deuxième carrière s’offre à notre homme et elle commence sous les meilleurs auspices. Puisse-t-elle être aussi riche que la première !
Bashung chante Gainsbourg. Dans cet album-concept sorti à l’automne dernier, Bashung revisite « L’homme à tête de chou » de Gainsbourg et plonge une énième fois Marilou au pays des malices.
Pour faire taire les mauvaises langues, écartons d’emblée l’idée de faire tourner la planche à billets sur la tête des pointures qui nous ont quittés, car ce projet est né bien avant le décès de Bashung (forcément). Il n’aura juste pas eu l’occasion de défendre sa version de son vivant.
Enregistré en 2006, cet album de reprises était destiné à un spectacle de danse contemporaine mis en scène et chorégraphié par Jean-Claude Gallotta, dans lequel Bashung devait faire une apparition… La première du spectacle s’est déroulée en 2009, à Grenoble, quelques mois après son décès. Ce sera finalement une bande-son qui officiera à la place de l’artiste.
Pendant 1 h 10 (contre 35 minutes pour l’original) Gainsbourg confie à Bashung les 12 titres lascivement mélangés de ses amours délurées et impudiques de quadragénaire tombé dans les filets de l’irrésistible Marilou.
Et même si Bashung ne chuchote pas comme Gainsbourg, ne séquence pas ses phrases comme Gainsbourg, ne claque pas ses ‘k’ comme Gainsbourg, il parvient lui aussi à bénéficier du regard absent et de l’iris absinthe de sa fougueuse héroïne.
Il faut dire que les deux hommes se connaissaient bien et avaient déjà eu l’occasion de travailler ensemble sur l’album « Play Blessures » de Bashung. Comme quoi timidité et impudeur peuvent parfois faire bon ménage. Bien plus que d’un hommage posthume, il est presque question ici de mémoires post-hommes…
Les musiques additionnelles, les orchestrations et les arrangements sont signés Denis Clavaizolle, qui nous fait succomber dès les premiers symptômes, nous livre un homme à la tête de chou bouleversant, une Marilou sous la neige glissante à souhait, une version savamment débridée de « Lunatic Asylum » et un « Transit à Marilou » jazzy à la Don Cherry. Les univers sonores du spectacle sont empruntés à Satie, Ravel, Mahler, les Doors, etc.
Alors, de reprises il s’agit, certes. De Gainsbourg de surcroît, re-certes. Mais en cette saison ou les sous-pulls pullulent sous les pulls, Marilou se laisse tendrement déshabiller par un Bashung qui se défend fort bien tout seul !
Diane ?
Je me trouve dans les (hauts) bois qui entourent Twin Peaks.
La nuit est d’encre, comme un café sans lait.
Un murmure s’élève au dessus des Douglas Firs, ces majestueux arbres qui bordent les rêves étranges de cette région magnifique.
Un murmure que n’aurait pas renié Julie Cruise, du reste.
Puis la musique s’envole comme un souffle et fait danser les tentures rouges.
Il y a toujours cette musique dans l’air.
Un saxo, des clarinettes, un peu de guitare distordue grésille, quelques incursions electro du meilleur effet, et surtout, oui, surtout une ambiance.
Feutrée comme le velours, profonde comme le chagrin inhérent aux êtres qui rôdent par ici.
Le Dale Cooper quartet est composé de trois membres. Paroxysme ? Peut-être. Mais Laura Palmer m’a confié elle-même que parfois les bras lui en tombent.
Alliés au Dictaphones, ils tanguent entre Jazz et ténèbres, entre Trip Hop et spleen bleuté, tout en brassant large dans moult genres. En ressort une musique atypique, belle et enivrante.
Là-bas, à Brest (dont est originaire cet ensemble), comme ici à la frontière du bien et du mal, dans les brumes du matin naissant, le mal se camouffle sous l’apparence du quotidien, du banal, du commun.
Ici, sur cette plaque, reste gravée la mémoire des esprits.
Ici, cette plaque grave ses sillons dans nos esprits.
Un autre monde ou bien le même, vu à l’envers.
La silhouette d’Audrey Horne se balance au long de ces neuf titres et je m’agrippe pour ne pas sombrer.
Mais il est déjà trop tard.
‘Run away’ me dicte une voix (« Eux Exquis Acrostole »).
En vain. Derrière les tentures, le même décor revient sans cesse.
Une Vénus de marbre, un carrelage qui zigzague, des personnages inquiétants, des bruits, des flashes de lumière, du maïs…
Un univers étrange et cotonneux, parfois faussement apaisant, souvent troublant et inquiétant, en symbiose parfaite avec celui de David Lynch.
Des titres qui résonnent comme autant d’énigmatiques rêves (de « Une Petit Cellier » à « Il Mélodieux Manoir »).
Ce disque est un mystère, un rébus, et surtout un somptueux manifeste de l’étrange.
Le retour des héros de la première vague émo, issue des années 90 (NDR : pour les plus jeunes, sachez que l’émo est une sorte de punk, lointain dérivé du hardcore, qui aime étaler ses sentiments) est passé quelque peu inaperçu en 2011. Pourtant The Get Up Kids a failli devenir énorme à l’époque, notamment après avoir publié les albums « Four Minute Mile » et « Something to Write Home About ». Avant de rentrer dans le rang, de splitter en 2005 et de revenir par la petite porte en 2010. Le groupe a été fondé à Kansas City, dans le Missouri. En 1995. A la même époque que d’autres formations émo comme Jimmy Eat World, Sunny Day Real Estate et The Promise Ring. Depuis, il faut reconnaître que ce style musical n’a plus guère bonne presse. Et en particulier sa descendance, pas toujours glorieuse, au sein de laquelle figurent The Fall Out Boy, The Used, Thrice et même Good Charlotte, sans parler de cet horrible sous-genre baptisé Screamo….
The Get Up Kids est-il parvenu à se remettre en question, au bout d’une demi-décennie ? Sur « There Are Rules », on ne constate pas de réelle évolution, mais des changements tout en douceur. Chez ces Kids plus trop jeunes, les morceaux fleurent ici bon leur punk des débuts (« Tithe », « Birmingham ») ou la pop (« Regent Court »). La voix de Matthew Pryor est toujours aussi claire et caractéristique du punk-émo. Rien de renversant mais quelques bons moments, et en particulier lorsque leur expression sonore frôle l’univers de Someone Still Loves You Boris Eltsine (le sautillant « Shatter Your Lungs ») ou adopte un profil purement pop (« Automatic »). Un elpee à conseiller aux fans nostalgiques d’une musique irrémédiablement datée mais qui demeure néanmoins toujours de bonne facture…
David Guetta est un DJ connu, reconnu et plus que connu. On l’aime ou on le déteste, mais chaque fois qu’il sort un disque, il déclenche un ‘buzz’. Et c’est une nouvelle fois le cas pour « Nothing but the beat ».
Il s’agit du cinquième du DJ. Guetta nous permet, pour l’occasion, de savourer doublement ses titres, puisque l’opus est double.
La première plaque est la plus commerciale. Peu de surprises, puisque la plupart des titres sont régulièrement diffusés sur les ondes radiophoniques. Et sont issus de collaborations opérées auprès de personnalités telles que Flo Rida, Jessie J, Sia ou encore Will.I.am. Une sacrée brochette d’artistes qui communique aux sets de David Guetta une touche encore plus people ; mais, que peut-on leur reprocher, sinon de faire un carton. Car c’est inévitable, à un moment ou à un autre, vous finirez par fredonner l’un de ses titres. Pourtant, ils ne recèlent rien d’extraordinaire ; mais les rythmes sont plaisants et donnent envie de se trémousser sur la piste de danse, toute la nuit.
Quant à la seconde partie de l’elpee, elle se concentre sur une électro davantage minimaliste. Si l’empreinte du Dj français est toujours bien présente, les morceaux sont plus adaptés aux soirées électro hautes en couleurs.
« Nothing but the beats » devrait vous réchauffer sur le dancefloor du Nord, faute de ne pouvoir vous éclater à Ibiza, Saint Tropez ou encore Monaco...
‘Michael Jackson The Immortal World Tour’ est un spectacle qui sera exécuté aux States et au Canada au cours de l’année 2012 avant de traverser l’Atlantique pour débarquer sur le Vieux Continent, l’année suivante. Au programme : acrobates, danseurs et effets spéciaux dans une chorégraphie interprétée par la troupe du Cirque du Soleil.
« Immortal » est donc une compile de deux cds consacrée à ce grand spectacle réalisé sous la direction musicale de Kevin Antunes (Justin Timberlake, Rihanna, Madonna). Il a bossé pendant une année complète pour réaliser ce projet revisitant 40 des enregistrements originaux les plus notoires de Michael Jackson. Et ces titres revitalisés pour la circonstance, figurent sur ce double elpee…
Les rois de la pop, définitivement couronnés en 2011, s’offrent un petit plaisir bien mérité en publiant un nouvel Ep consacré à des remixes du titre « Everything Goes My Way », le 3ème single extrait du magnifique « The English Riviera », récemment nommé aux prestigieux ‘Mercury Prize’ décernés dans leur Angleterre natale. Les lads du Devon invitent d’autres artistes à profiter de leur ballade mélancolique rehaussée de cor et interprétée en compagnie de Roxane Clifford. Entre la version dub assez noire d’Ewan Pearson et la dansante de Psychemagik, c’est clairement la seconde qui l’emporte. Celle de Jesse Ross rappelle, elle, l’univers de Mr. Oizo tandis qu’Enchante lorgne vers l’électro enfumée du Mad Professor. Malheureusement, si l’exercice est intéressant, pas une des versions remixées n’arrive aux chevilles de l’originale et son caractère irrésistiblement laidback…
Mazette, pas mal d’eau a coulé sous les ponts depuis la sortie de cette pépite.
Alors, pourquoi y revenir ?
Parce qu’il est essentiel. Et que je ne me pardonnerais pas de ne pas en parler.
Paramount Styles brille à l’in(star) d’étoiles suspendues précieusement au firmament de mes rêves inachevés.
Un scintillement infaillible dans une nuit épaisse. Une douce aura qui ne faiblit pas.
Un scintillement certes discret dans la galaxie, mais un scintillement qui me rassure.
Qui me confirme constamment ce que je sais pertinemment.
Qu’importe le succès, qu’importe la reconnaissance. Au diable les richesses, au feu les ambitions démesurées. La vérité réside dans l’authenticité.
Paramount Styles, c’est Scott McCloud, ex-Girls VS Boys.
C’est une histoire banale du Rock And Roll circus.
C’est la fable du génie méconnu qui œuvre pour son art et se fout des conventions.
Avec honnêteté et fierté.
« Heaven’s Alright » ne va pas révolutionner le monde de la musique.
Scott s’en fout.
Cet album ne va pas se vendre à des mille milliards d’exemplaires et être multi disque d’or à travers le monde.
Scott McCloud s’en fout.
Paramount Styles ne remplira jamais un stade.
Paramount Styles s’en contrefout.
Ce CD n’est pas le meilleur de tous les temps.
Et moi, je m’en fous.
Parce que cet album est tout simplement vrai.
La voix de son interprète a des inflexions qui ne trompent pas.
Ça sent le vécu.
Les textes ne laissent pas place au doute.
« Les cicatrices du passé » titrais-je lors de leur passage l’an passé dans la Rotonde du Botanique.
Voilà. Scott McCloud saigne mais ne se lamente jamais.
Et ce deuxième opus est un pansement, un onguent sur les brûlures de la vie.
Jamais il ne déborde dans le pathos, toujours droit et digne. Magnifiquement digne.
Les larmes ne se font jamais intrusives. Tout en retenue, elles se glissent et s’immiscent.
« Take Care Of Me » en ouverture. Chanson sur le manque. Le pardon. L’Amour.
Simple et efficace. Les cordes (sensibles) vibrent dans la tourmente.
Sur le Vieux Continent, entre Amsterdam (« Amsterdam Again ») et Prague (« The Girls Of Prague »), Scott roule sa bosse.
« Heaven’s Alright » est âpre. Jamais mièvre.
Même quand les chœurs féminins font ‘Ouh-Ou’h.
Même quand le décor se fait plus masculin.
Confessions intimes (« Desire Is Not Enough », « The Greatest » ou les aléas d’un grand groupe passé à la trappe de l’oubli), les paroles sont couchées, crachées, digérées, assumées.
Le tout se termine dans la meilleure version à ce jour de « Come to Where You Are », soit celle captée au Stuk de Louvain en 2009. Pas parfaite. Juste sincère. Et vraie. Profondément vraie.
Toute en crescendo et en puissance, tourbillonnante, elle secoue les tripes et laisse pantelant. Comme un « Creep » de Radiohead qui n’aurait jamais eu l’occasion de lasser.
Pour l’anecdote, Scott est entouré dans son projet par deux de nos compatriotes, dont Simon Lenski (DAAU) et Alexis Fleisig à la batterie (ex… Girls VS Boys)
Pour l’anecdote, Paramount Styles est l’une des meilleures formations en activité.
Pour l’anecdote, je suis un grand fan.
Mais peut-être l’aviez-vous deviné ?
Issu d’une petite ville, sise non loin de New-York, à Saratoga très exactement, Phantogram est duo dont on dit le plus grand bien. Il a publié quelques Eps, avant de graver un premier album, il y a deux ans. C’est à nouveau un Ep que Josh Carter et Sarah Barthel nous proposent. Intitulé « NightLife », il réunit 6 titres sculpté dans un électro-pop psychédélique qui évoque autant Cults, Crystal Castles qu’I Break Horses.
http://phantogrammusic.virb.com/
Tracklisting
1 - 16 Years
2 - Don't Move
3 - Turning Into Stone
4 - Make A Fist
5 - Nightlife
6 - A Dark Tunnel
Everytime I die est une formation américaine de punk métal, dont la sortie du nouvel album, intitulé « Ex Lives », est prévue pour le 5 mars prochain. La nouvelle livraison des musiciens de Buffalo a été produite par Joe Baresi (The Melvins, Queens of the Stone Age, Parkway Drive).
Un premier extrait, « Underwater Bimbos From Outer Space », est à découvrir sur YouTube.
http://www.youtube.com/watch?v=Y1gi_aOe334
Track Listing:
1 Underwater Bimbos From Outer Space 02:43
2 Holy Book Of Dilemma 01:49
3 A Wild, Shameless Plain 01:49
4 Typical Miracle 02:25
5 I Suck (Blood) 02:55
6 Partying Is Such Sweet Sorrow 03:12
7 The Low Road Has No Exits 02:51
8 Revival Mode 03:46
9 Drag King 04:11
10 Touch Yourself 02:17
11 Indian Giver 04:09
12 Grudge Music (bonus) 02:24
13 Business Casualty (bonus) 02:45
14 Starve An Artist, Cover Your Trash (bonus) 02:53
Le premier album solo de Judah Warsky, « Painkillers and Alcohol », sortira chez Pan European Recording, début mars. Vous pouvez découvrir la double vidéo réalisée par Jamie Harley pour les deux premiers titres de l'album "Painkillers and Alcohol" et "Asleep in a Train" ici
Il vous est également possible d’écouter ces deux titres en mp3 sur bandcamp ici
Jason Derulo a été forcé d’annuler toute sa tournée, et en particulier le concert qu’il devait accorder ce 10 mars à l’AB. En cause, une grave blessure au cou !
C’est en périphérie de Copenhague, et dès 2009, que les trois Danoises - Louie Foo (chant, percussions), Sofie Johanne (basse, synthés) et Lisbet Fritze (guitare) - posent les fondations de l’univers noir-pop de Giana Factory.
Au fil de leur courte histoire, elles sont vite invitées à se révéler auprès de leurs ‘parrains’ : Glasvegas, Trentemoller, The Raveonettes et Autolux.
L’œuvre du trio mène son auditoire à la croisée de l’organique et d’une électro-pop futuriste où voix lancinantes et mélodies sont mêlées.
Leur premier opus « Save The Youth » connaîtra une sortie mondiale au printemps 2012, et sera suivi d’une tournée européenne.
http://musique.fluctuat.net/blog/51196-transmusicales-de-rennes-la-prog-de-la-33eme-edition.html
http://www.jampalace.fr/2011/12/transmusicales-de-rennes-jour-3-lost-control/
http://www.musicme.com/Giana-Factory/videos/?res=vidweb&v=2
Tracklisting :
1. Mexican
2. Rainbow Girl
3. Pixelated Truth
4. Dirty Snow
5. Mountain
6. Joy and Deception
7. Darkness
8. Sylphid Dies
9. Dive
10. Change of Heart
Bonus :
1 Melody Melody
2 Bloody Game
3 Trippin
4 Heart Thief
5 Mexican (original demo)
6 Pixelated Truth (Autolux Remake)
7 Rainbow Girl (Glasvegas Remake)
8 Change of Heart (VETO Remake)
9 Dirty Snow (Trentemøller Remake)
10 Rainbow Girl (original demo)
Electric Guest est un duo pop californien réunissant Asa Taccone et Matthew Compton. Son premier album, « Radical Miracle » paraîtra ce 23.04.2012. En attendant, le premier extrait de cet opus est disponible en téléchargement gratuit ici . Il s’agit d’"American Day Dream", un titre coproduit par Asa et Danger Mouse, duo par ailleurs responsable de la mise en forrme de cet elpee.
Electric Guest se produira ce 1er mars à la Boule Noire de Paris.
Une histoire tragique a inspiré ce « The High Country », le 10ème album de Richmond Fontaine. L’écrivain et leader du groupe, Willy Vlautin, narre en effet la romance qui était née entre Claude et Mélanie, un mécanicien et une vendeuse de pièces d’automobile. Bouleversante, cette véritable histoire d’amour se déroule au fin fond de l’Oregon rural, et nous entraîne dans une spirale infernale où se mêlent drogues, violence, folie aveugle et solitude. Un scénario bien réjouissant !
Suivant un rituel bien balisé, chez ces Yankees, l’expression sonore est alimentée par la rencontre entre americana pur jus et rock garage et met en scène des saynètes cinématographiques hantée par un spoken-word. Les 17 plages sont, en outre, parfaitement produites par John Askew (The Dodos, Karl Blau).
Mais impossible de pénétrer dans l’univers de Richmond Fontaine, sans prendre en compte les lyrics de Vlautin (NDR : pour vous faire une petite idée, sachez qu’un de ses romans, ‘The Motel Life’, est actuellement transposé au cinéma ; un tournage au cours duquel participent des acteurs comme Emile Hirsch, Dakota Fanning, Stephen Dorff et Kris Kristofferson). D’ailleurs, « The High Country » est un album à écouter d’une seule traite et en se concentrant sur les textes. Pas de single à se mettre dans le tuyau de l’oreille. Bien entendu, la musique de Richmond Fontaine peut parfois sembler un brin austère, malgré les belles voix spectrales de Willy Vlautin et Deborah Kelly. Mais si l’Amérique profonde des laissés-pour-compte, si bien racontée par Bukowski ou Raymond Carver vous botte, cet album est résolument fait pour vous !
32 titres sur cette compile consacrée à Paul Simon. 32 chansons sélectionnées tant au cours de sa carrière solo qu’en duo avec Art Garfunkel. Un recueil dont le choix des compos a été opéré par l’artiste en personne. Peu de hits. Et ils figurent en début de parcours. En fait, l’intérêt de ce double cd procède de la présence d’une majorité de titres peu ou pas connus, composés depuis 1955. Excusez du peu !
Pour rappel, Paul Simon est plus que probablement responsable de l’ouverture de la pop vers la world. C’est d’ailleurs un des premiers artistes pop/rock qui se soit intéressé aux musiques traditionnelles issues de l’Amérique latine et d’Afrique du Sud. Et à intégrer ces courants dans sa musique.
L’opus est accompagné d’un superbe booklet illustré, au sein duquel figurent les lyrics de toutes les chansons de cette anthologie et un article signé Tom Moon consacré au New-Yorkais.
Le dernier ‘best of’ de la marraine du punk réunit ses 16 hits les plus fondamentalement rock (« Because the night », « Rock N Roll Nigger », « So you want to be a rock n roll star », « People have the power », « Summer cannibals », etc.) et deux covers, dont la plus célèbre reste évidemment le « Gloria » du Them, qui ouvre la plaque. L’autre est consacrée au « Smells like teen spirit » de Nirvana. De quoi rendre une nouvelle fois un hommage à Kurt Cobain, que Patti a toujours beaucoup apprécié. Les compos sont proposées dans l’ordre chronologique. Deux par album. Et s’étalent de 1975 à 2007. Ah oui, j’allais oublier, le tout a été remasterisé.
Louis Jones, alias Spectrals, nous vient de Leeds, en Angleterre. Il est à peine âgé de 21 ans et, reconnaissons-le, connaît ses classiques pop et rock sur le bout des ongles. « Bad Penny », son premier opus, en est une belle illustration. Il réunit onze morceaux bien ficelés, intemporels, et nous préserve de tout risque d’indigestion.
Tout au long de ce long playing, il revisite paisiblement, en toute décontraction, mais en manifestant une sensibilité à fleur de peau, les 60’s. Il nous conte des histoires sentimentales sur des compos aux mélodies bien construites, en s’accompagnant à la gratte électrique. Mais ce qui rend l’elpee encore plus authentique, c’est la production. Pas question d’arrondir les angles, il faut que les compos sonnent comme à l’époque. Une technique adoptée, il y a quelques années déjà, par The Coral. Et puis, qui me rappelle une formation américaine répondant au patronyme de Beach House. De jeunes groupes qui parviennent à remettre au goût du jour le lourd héritage pop-rock anglo-saxon. Et à le sublimer.
De cet opus, on regrettera néanmoins l’absence de single ou d’un titre sortant véritablement du lot. Ce qui explique sans doute pourquoi, si l’ensemble se révèle sympathique et agréable à écouter, il risque fort de plonger rapidement dans les profondeurs de l’oubli…
A l’origine, il y avait Cédric et Geoffrey. Et l’origine ne remonte pas très loin. Elle date de 2009. Durant deux ans, ce duo écrit, compose mais, au bout du compte, c’est le calme plat…
Le déclic, c’est au début 2011 qu’il se produit, lors des arrivées de Sergio qui s’approprie le micro et de Vincent qui prend en charge la section rythmique. Le travail des deux fondateurs se concrétise à l’issue de la répétition d’une bonne dizaine de titres, travail qui va s’étaler sur deux mois.
Le line-up de la formation se complète rapidement : Mélodie à la trompette, Frédéric, son élève (NDR : multi-instrumentiste, il joue aussi bien des cuivres que des percus ou de l’harmonica) et enfin Stéphane qui soutient, également à la trompette, le jeu de Mélodie.
Quelques semaines seulement après avoir pris définitivement ses marques et seulement accompli quelques répètes, Superclub entre en studio pour enregistrer cet Ep cinq titres.
Découverte géniale serait un peu exagéré pour qualifier ce premier résultat, prometteur serait plus approprié. Si Sergio chante dans notre belle langue, la musique quant à elle oscille entre pop/rock et funky, laissant apparaître quelques influences soul ou reggae où s’exprime audacieusement la section de cuivres.
Cinq titres se partagent l’intégralité de cette première (auto)production. Un peu d’humour sur « Pamela » et son physique siliconé de rêve (je demande à voir), l’expression d’une mauvaise passe, un mal de tête obsédant, « Headache », qui dure trois bonnes minutes, l’expression d’un regret, « J’aimerais te ressembler », et pour terminer deux descriptions un peu étonnantes de notre société, « Urban Savane » et « Caméléon ».
Des textes loin d’exprimer des sentiments ‘fleur bleue’ mais qui sont plus axés sur des thèmes tantôt graves, tantôt plus légers, voire ironiques à tendance stupide de nos modes de vie.
Bref, ce petit Ep devrait permettre à ce tout jeune groupe de se ‘vendre’ sur les ondes régionales et de s’affirmer sur les planches de quelques scènes locales avant de retourner en studio pour, qui sait peut-être, une confirmation et même plus si affinités !
Suzanne’ Silver est un mystérieux quatuor insulaire débarqué de Syracuse, en Sicile. Et, soyons honnêtes, la ville italienne est plus réputée pour ses célèbres ruines que pour ses faits d’armes rock n’roll ! Le groupe a pourtant été formé en 1998. Pas étonnant qu’il soit marqué par le grunge, courant né à Seattle, faut-il vous le rappeler, à cette époque. On retrouve d’ailleurs encore cette influence dans la voix de Barbagallo, évoquant celle de Layne Staley d’Alice in Chains (NDR : c’est manifeste tout au long de « Green Ocean Breezer ») ; et puis à travers les sonorités sales et distordues des guitares
Enregistré en 2010, « Deadband » constitue le second essai de la formation italienne. Il fait suite à « The Crying Mary », gravé en 2006. Par bonheur, le combo a le bon goût de s’ouvrir à d’autres horizons sonores. Il n’hésite ainsi pas à incorporer des éléments de blues ou de jazz (NDR : ces superbes cuivres qui enrichissent « Wave a Surfer Waits ») dans son expression noise-rock binaire, mais à l’énergie lo-fi. Dommage que le cd soit si court ; car, honnêtement, on aurait voulu qu’il aille au-delà des 8 titres expédiés en 20 grosses minutes…
Je ne peux en vouloir qu’à moi-même. Je savais pertinemment que Faheem Rasheed Najm –plus connu sous le nom de T-Pain– était le roi de cette hérésie qu’est l’auto-tune, un correcteur de tonalité à la sonorité métallique. Rappelez-vous du « Believe » de Cher ! Et quoique cette mode soit aujourd’hui dépassée (pour le bien de tout le monde…), mon sens de la curiosité m’a poussé à réclamer « Revolver », son nouvel album !
Or, rien ne peut être sauvé au sein de cette immonde collection réunissant 17 titres à la limite de l’audible. On a souvent l’impression d’écouter une sorte de mauvaise parodie. A cause de cette utilisation permanente de l’auto-tune sur des beats R’n’B sirupeux ou pire… inspirés de l’électro bling-bling chère à David Guetta. Les morceaux oscillent entre le très mauvais (« Center of the Stage », « Show Time (Pleasur Thing) », « When I Come Home ») et le vraiment pas terrible (tout le reste…) Et ce n’est pas la participation de nombreux invités (Wiz Khalifa, Detail, Chris Brown ou même Lilly Allen) qui parvient à rehausser le niveau, ni cette immonde cover –tout de même élue parmi les 20 plus laides de l’année par Pitchfork– représentant T-Pain et son crew dans des tenues inspirées du ‘20 000 Lieues Sous les Mers’ de Jules Verne. Oui, c’est vrai, il s’agit juste d’un nouvel album de T-Pain qui se contente de jouer le jeu de ses précédents albums. Les fans du genre (et de Cher) ne pourront d’ailleurs qu’apprécier ; et les réfractaires pourront même peut-être tolérer « Bang Bang Pow Pow », interprété en compagnie de Lil Wayne…
Réédition de la compile de Teenage FanClub, parue en 1995, un recueil qui réunissait des versions alternatives, des raretés, des flip sides de singles et des covers. Parmi les reprises, figurent ainsi celles du « The ballad of John & Yoko » des Beatles, le « Don’t cry no tears » de Neil Young, « Free again » de Big Star et le « Bad Seed » de Beat Happening.
Fondée en 1989, la formation écossaise a été assimilée, à ses débuts, à la vague noisy. Et pourtant, ses références majeures, elle les puisait déjà chez les Byrds et Big Star. A cause de la conjugaison des deux guitares aux sonorités cristallines, distordues, bruitistes, du sens mélodique contagieux et puis du soin apporté aux harmonies vocales. Les références puisées chez les formations insulaires comme My Bloddy Valentine et Orange Juice, sont cependant encore bien présentes sur ce « Deep Fried Fanclub ». Elles disparaîtront cependant progressivement, pour laisser la place à une pop et plus léchée, même si les cordes de guitares et les vocaux limpides constituent toujours la base de leur écriture.
Et le quatuor, qui compte toujours 3 membres originels au sein du line up est toujours en activité. Son dernier elpee, « Shadow » est d’ailleurs paru en 2010.
« Taste » est le tout premier album de The Telescopes, une formation insulaire, qui est considérée, à l’instar de The Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine, Loop et Spacemen 3, comme un des fondements du mouvement noisy. Fondée en 1987 par Stephen Lawrie, elle s’est séparée en 1994, avant de se renaître de ses cendres, en 2002. Et d’enregistrer, dans la foulée « The Telescopes #4 », en 2005 et « Hungry Audio Tapes en 2006. Un ‘live’ a même été publié l’an dernier.
Paru en 1989, « Taste » est manifestement l’elpee le plus difficile, le plus sauvage et le plus aventureux du combo. En puisant leurs influences chez les Stooges et Syd Barrett, le groupe y propose une musique qui privilégie une solution sonore torturée, frénétique, saturée de fuzz et de feedback. Peu de moments plus planants ou atmosphériques, ici préfigurant le shoegazing, à l’instar de la suite de sa discographie. Pourtant, si le combo se nourrit essentiellement d’électricité malsaine, filandreuse et bruitiste, elle n’hésite pas à y incorporer des cuivres, même s’ils ont le plus souvent noyés dans la masse tumultueuse. Un peu comme les vocaux, d’ailleurs. Dommage, car sous un aspect purement expérimental, cet elpee est absolument remarquable et a dû, plus que probablement, lorsque la mélodie devient enfin palpable, influencer un groupe comme The Warlocks, par exemple…
Réédité, « Taste » est enrichi de trois bonus tracks.
Dix ans que Bécaud nous a quittés. Et cinquante ans qu’est paru son plus grand succès : « Et maintenant ». Bécaud méritait donc que l’on commémore ces deux événements à travers une compilation. Et ce véritable hommage est ici rendu par toute la profession issue de l’Hexagone. Quatorze artistes, des plus jeunes, Anggun ou Olivia Ruiz, jusqu’aux aînés, Julien Clerc, Eddy Mitchell ou Johnny, chacun a apporté sa pierre à l’édifice. Gilbert Bécaud, un des trois B (Brel et Brassens complètent le trio), majuscules du paysage musical francophone, revit tout au long de ces quatorze titres, emblèmes d’une carrière pleine et généreusement fournie.
Gilbert Bécaud était surnommé ‘Monsieur 100 000 volts’ car il avait ‘réussi’, dès 1954, à déclencher une émeute dans le saint des saints, l’Olympia de son très cher ami Bruno Cocatrix. Les jeunes ‘délinquants’ avaient cassé les fauteuils du célèbre music-hall devant tant de dynamisme, de vitalité et de talent. Le projet, bien ambitieux, de faire revivre ces chansons par un autre que cette légende aboutit à un résultat plus qu’honorable. Chacun, dans son style, s’en sort vraiment bien, remarquablement même, car aucun arrangement n’a été apporté, les mélodies et l’orchestration originale, chères à Gilbert Bécaud, sont quasiment intactes. Seule la voix et donc forcément l’interprétation changent. La mention ‘très bien’ sera accordée à Olivia Ruiz et « Les tantes Jeanne », Alex Beaupain sur « L’absent », Eddy Mitchell pour « Je t’appartiens » et Johnny lors de son interprétation de « Et maintenant ». Anggun, quant à elle se verra octroyer un prix d’excellence pour sa version de « Je t’appartiens » qui en anglais devient « Let it be me ».
Les autres, Luiz Cazal, le duo Renan Luce/Gérard Darmon, Souchon, Lama, Ayo, Lynda Lemay et l’inévitable Bruel se partagent le reste des prix…
Dans l’ensemble, bien qu’on apprécie à sa juste valeur un tel travail, on regrettera l’absence de quelques titres qui ont également participé au succès de ce géant. Sont ainsi oubliés, « Quand Jules est au violon », « La vente aux enchères », « L’important c’est la rose », « L’orange » ou autre « Marchés de Provence ». N’y avait-il donc pas moyen de dénicher cinq représentants de la chanson française de plus pour ainsi rendre ‘complet’ l’hommage dû à un tel artiste ? Dommage !
Le nouvel album des Walkabouts est donc paru ce 21 octobre 2011, chez Glitterhouse (NDR : distribution Munich). Carla Torgerson et Chris Eckman nous en parlent abondamment, lors d’une interview qu’ils ont accordée à Musiczine (lire ici ). Découpée en 11 titres, cette œuvre s’étale quand même sur plus d’une heure. Et le résultat est tout bonnement excellent. Une musique très ‘West coast’, même si l’un ou l’autre titre bénéficie d’arrangements de cordes luxuriants, réalisés par l’Appolon Chamber Orchestra. Quant aux lyrics, ils décrivent l’Amérique profonde (‘les Dustlands’) et surtout le comportement de la population rurale qui y vit. Sa manière dont elle pense et réagit face à l’évolution du monde contemporain. Des mœurs, des principes et de la morale qui régissent leur mode de vie ainsi que de sa manière de se protéger face à tout envahisseur potentiel… le tout dans un climat dominé par des sentiments de déception et de culpabilité…
En concert le 21 janvier 2012, au Handelsbeurs de Gand.
Il y a près de trente ans que les Wampas résistent à toutes les tempêtes. Mêmes celles qui ont balayé la quasi-totalité des groupes dits ‘alternatifs’. Et notamment ceux qui ont connu leur temps de gloire durant la période 1985-95. De cette mouvance, il ne reste que quelques dinosaures comme François Hadji-Lazaro et ses Garçons Bouchers. Didier Wampas aussi. Et pour son premier opus solo, le Français s’est quand même bien entouré, puisqu’il a reçu le concours du guitariste Ryan Ross (ex-Panic At The Disco) et du réalisateur et multi-instrumentiste Kevin Harp.
Les sessions d’enregistrement de l’opus se sont déroulées entre Los Angeles et Bruxelles. Les thèmes explorés dans les lyrics sont larges, mais privilégient le second degré. Ils oscillent du terre-à-terre (« La propriété c’est du vol ») au surréalisme (« Le Mans ») en passant par les relations humaines, qui lorsqu’elles deviennent tumultueuses peuvent ressembler à des combats de catch (« Par-dessus la troisième corde »).
Les refrains sont contagieux. Il y a cette petite guitare sèche. Mais la rythmique lorgne davantage vers les 60’s (rockabilly, surf californien) délaissant ainsi le punk traditionnel des Wampas. Néanmoins, non, non, rien n’a changé : Didier Wampas chante toujours faux ! Le titre maître est à peine exagéré : « Taisez-moi » ! Sa voix finit même par carrément nous casser les oreilles. M’enfin, c’est surtout en live qu’on apprécie l’ami Didier. Et en particulier son attitude fanfaronne…
Six années déjà que Sixteen Horsepower a mis la clef sous le paillasson. De 1996 à 2005, David Eugene Edwards, Pascal Humbert et Jean-Yves Tola ont quand même publié quelques albums remarquables, sculptés dans une forme de folk sudiste, gothique même, hanté par le blues et le rock. Surtout lors des premiers opus. « Yours, truly » constitue donc une compile qui leur est consacrée. Un double elpee. Le premier disque réunit les incontournables de la formation (NDR : ils ont été sélectionnés par les internautes) ; et le second les raretés, flip sides, démos, sessions radio et l’une ou l’autre version enregistrée en ‘live’ ainsi que des reprises, dont « The Partisan » (NDR : hymne patriotique adapté par Léonard Cohen en 1969), auquel avait alors participé Bertand Cantat, une cover du « Bad Moon rising » de Creedence Clearwater Revival et une autre (« Fire Spirit ») signée feu Jeffrey Lee Pierce. Ne pas oublier que le Gun Club était une influence majeure pour 16 Horsepower. Nick Cave aussi. Mais davantage l’attitude. Si vous ne connaissez pas 16 Horsepower, je vous invite à vous procurer cette anthologie. Y figure la quintessence de l’œuvre du combo. Pour les fans, ce sera presque obligatoire. A cause de la seconde plaque. M’enfin, comme le tout a été remasterisé et que le booklet est superbe…
Tiens une compile consacrée aux Beatles. Vous allez me dire, une de plus. En fait, intitulée « 1 », elle est parue à l’origine, le 13 novembre 2000 au Royaume-Uni et le lendemain aux States. Elle réunit tous singles les plus vendus des Fab Four, de 1960 à 1970. Et le tout a été remasterisé. Jusque là rien d’extraordinaire à vous raconter. Sauf que le booklet a la bonne idée de nous proposer les images des pochettes originales de ces singles. En miniature, mais parfaitement distinctes. De quoi se faire une idée des différentes illustrations, proposées selon les pays de distribution…
Z’avez déjà mangé un pain saucisse à la kermesse aux boudins de Fosses-la-Vile dans le Namurois ? Ben y’a la saucisse qui baigne dans sa graisse cuite, recuite et re-re-cuite avant d’être insérée, tout comme les oignons cramés, dans un pain qui n’a pas l’air trop catholique… Le tout avant, pendant ou après avoir ingurgité une caisse de pintes, en compagnie de vos meilleurs potes de guindaille.
Ah oui, j’allais oublier ! Faut un peu de musique. Enfin musique… mwouais, plutôt quelques chansons qui parlent de ripailles, de rigolade, de caca-pipi-prout, de sexe et de tous ces concepts plus ‘comiques’ les uns que les autres !
Ben j’ai trouvé ce qu’il vous faut messieurs, dames. Beverly Pils ! De la bonne, que dis-je de l’excellente (?) chanson paillarde (si peu !) qui va vous donner l’envie furieuse de déguster ces délicieux mets bien de chez nous, sans oublier, avant d’aller vous coucher, mais après avoir dégobillé le tout, un bon paquet de frites nappées d’une non moins bonne mayonnaise pour accélérer le processus…
Désolé les gars mais je ne partage pas du tout votre philosophie de vie. Je veux bien vous témoigner du respect ainsi qu’à tous ceux qui en sont adeptes. Chacun jette sa thune comme il l’entend ; mais perso, ce n’est pas, vous n’êtes pas du tout ce qui me permet de saliver. Ou alors j’ai pas d’humour, qui sait ?
Et en plus j’aime pas la bière ! Vraiment pas de chance que votre album me soit tombé entre les mains.
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