Chanteur/guitariste/compositeur, Mike Schermer écume les scènes de la côte Ouest des States depuis plus de vingt ans ; mais c’est avant tout un musicien très sollicité par ses pairs pour diriger leur backing band et y apporter son concours aux cordes. Il s’est ainsi notamment illustré en compagnie d’Elvin Bishop, de Charlie Musselwhite, d’Angela Strehli, de Maria Muldaur, de Sister Monica et de Bonnie Raitt. Il s’est converti au blues en 1984, après avoir assisté à un concert d'Albert Collins. Parmi ses héros, figure incontestablement T-Bone Walker. Mais il reconnaît également, comme influences majeures, Sam Cooke, Howlin' Wolf, Jimmy Smith, Ray Charles et Wilson Pickett. Il est le fondateur des mythiques Soul Drivers, un quatuor impliquant l'harmoniciste Andy Santana, le bassiste Steve Ehrmann et le batteur June Core. Ce combo aura l'opportunité et l'honneur d'accompagner les plus grands bluesmen : depuis Willie Dixon à Jimmy Rogers, en passant par Billy Boy Arnold, Snooky Pryor et un certain Tommy Castro, devenu aujourd'hui si populaire. Les Soul Drivers vont même commettre un superbe elpee. Intitulé "Tight white dress", il est publié en 1999. Mike fonde ensuite son Mighty Mike Schermer Band. Le combo concocte un premier opus en 2001, "1st set". Embraie en 2005 par "Next set", un disque sur lequel figure "Mr Big sister's radio", une chanson qui sera nominée. Mike a également composé pour sa corporation, dont Elvin Bishop, Angela Strehli, Howard Tate et le saxophoniste Terry Hanck. Et si vous connaissez mal cet artiste, je vous conseille de vous procurer "Right hand man : Vol 1", une compilation publiée sur Finedog qui lui est consacrée.
Ce "Live set" est donc paru cette année. Il immortalise deux concerts accordés sur autant de scènes californiennes, en novembre 2008. Soit au ‘Torch Club’ de Sacramento et au "Moe's Alley" de Santa Cruz. Le Schermer Band ouvre sa prestation par "See see baby", une cover de Freddie King. Le rythme est soutenu. Mike chante de sa voix musicale ; mais c'est avant tout sa guitare qui fait mouche. Elle sort de sa réserve dès qu'elle en a le loisir. Le phrasé est précis, limpide, bien plus proche d'Albert Collins que de Freddie King. Son répertoire se promène ensuite dans les rues de la vielle cité du Sud de la Louisiane : New Orleans. Et pour cause, il adapte le fameux "Those lonely, lonely nights" d'Earl King. Le piano y joue un rôle prépondérant. Ex-Doobie Brothers, Dale Ockerman se réserve ces ivoires. Mais les soli sont accordés ici par la saxophoniste californienne Nancy Wright (NDR : à ses débuts, elle a joué pour Lonnie Mack) et inévitablement Mighty Mike, particulièrement saignant dans son intervention. Le "Hey baby, que paso?" d'Augie Myers prend la direction du Texas. Le Sud, toujours. Une cover sculptée dans un tex mex pur et dur, soulignée par la trompette acérée de Pete Sembler. Schermer se met ensuite en évidence lors d’un long medley qui s’ouvre par le thème de "Hideaway" de Freddie King, puis entreprend un périple de visites chez d’autres artistes notoires comme Booker T, James Brown, Jimi Hendrix, les Stones, Beatles, Kinks, Roy Orbison, Chuck Berry, Ray Charles et la liste n’est pas exhaustive. Une belle performance ! Il n’a pas oublié une de ses références essentielles : T-Bone Walker. Dont il interprète deux compos. "T-Bone shuffle", tout d’abord. Un morceau balayé par le souffle insatiable de Nancy Wright. "T-Bone boogie", ensuite. Au cours duquel la section rythmique composée de son vieux complice Steve Ehrmann et de Paul Revelli, épaulée par June Core, libèrent un fameux groove. La reprise du "Groove me" de King Floyd trempe dans une soul music de toute bonne facture. Austin deLone (NDR : à ses débuts, cet Anglais militait au sein du pub rock band, Eggs Over Easy) se charge de l'orgue. Il est toujours au poste lors de l’adaptation du "Ain't no big deal" de Little Milton. La séduisante Lara Price Schermer rejoint Mike, sur les planches pour partager les vocaux sur "It's gonna work out fine", une plage au cours de laquelle Miss Nancy Wright se réserve une sortie impériale. Mighty Mike Schermer s’est forgé un statut d’artiste confirmé, et sa réputation a largement dépassé les frontières. Au cours des derniers mois, Mike s’est établi au Texas. A Austin, très exactement. Et il y est devenu le guitariste régulier de la pianiste louisianaise, Marcia Ball.
Jacques Duvall a écrit pour une quarantaine d’artistes, dont Lio (NDR : c’est lui qui avait notamment composé « Banana split » et « Les brunes ne comptent pas pour des prunes »). Une plume qu’il consacre aux autres (NDR : sous son patronyme on ne lui connaît que quelques singles et trois albums) depuis presque trente ans. Mais en rejoignant l’équipe de Freaksville, on dirait qu’il a retrouvé une nouvelle jeunesse. L’occasion était donc belle de solliciter Lio pour participer au troisième volet de l’aventure Phantom, un projet monté par le leader de Miam Monster Miam, Benjamin Schoos. D’autant plus que Vanda n’a toujours rien perdu de son esprit punk, provocant et provocateur. Qu’elle revendique toujours d’ailleurs. Que ce soit dans ses analyses au sein du jury de la Nouvelle Star ou lorsqu’elle chante et danse, sans petite culotte, dans l’émission de Fogiel. Le premier volume de la série avait été consacré à Duvall. Un elpee sous-titré « Hantises ». Et le deuxième à Marie-France Garcia (NDR : encore une artiste dont il est le parolier).
En toute logique, ce « Phantom feat. Lio » constitue donc le troisième. Un disque enregistré en 48 heures. Hormis deux titres, Jacques signe neuf plages sur les onze de l’opus. Patrick Eudeline (NDR : c’est un journaliste de Rock & Folk !) a écrit « Lipgloss », caractérisé par sa mélodie en boucle ; et Marie Laure Dagoit le funkysant et déclamatoire « Noir violette ». Plusieurs morceaux sont chargés d’intensité électrique. Garage, si vous préférez ! Et tout d’abord le morceau d’ouverture, « Je ne veux que ton bien ». Noisy punk, chargé de feedback, il entretient un climat fiévreux, qui jamais ne parvient à éclater. « Ta cervelle est en grève, mais ta grande gueule fait des heures sup’ », ensuite. Les riffs de guitare saignants peuvent rappeler les Sex Pistols, mais la mélodie sucrée et contagieuse évoque inévitablement Blondie. Et enfin le nerveux « Mon nouveau Jules marche sur l’eau ». Déchiré entre post punk et new wave, il laisse transparaître quelques accès de claviers 80’s. Parmi les titres les plus lents, on épinglera le slowcore « L’amour ne m’a jamais manqué », une composition tapissée, en toile de fond, de cordes réverbérées. Et puis l’autobiographique « La veille de ma naissance », une ballade mid tempo. Sarcastique et tellement vrai, « Tout le monde m’aime » libère un chouette groove soul/r&b. Jacques et Lio chantent en duo sur « La fidélité, un ‘talking blues’ cocasse. Mais le sommet de l’album nous vient de « Je ne suis pas encore prête ». Un tube en puissance au refrain irrésistible. Plus rien entendu de pareil chez Lio depuis presque 3 décennies. Suffirait d’un déclic et la bande FM est contaminée… Bref, un disque rafraîchissant, qui a bénéficié de la participation de Gilles Martin (Colin Newman, dEUS, Dominique A, etc.), au mixing. Une œuvre qui prélude un nouvel elpee de Lio. Mais en solo, cette fois. Il devrait sortir automne 2010.
Pignition est né en 2005. A Bruxelles. D’un duo, le line up est cependant passé, en trois ans, à un trio. Enregistrant différents changements de configuration, même si Quentin et Ben sont toujours au poste depuis les débuts. Julien se charge aujourd’hui de la guitare solo, et apparemment un quatrième larron (NDR : un bassiste) serait occupé de rejoindre le band. Au conditionnel, puisque ni leur MySpace, ni les articles qui leur sont consacrés ne sont suffisamment clairs à ce sujet. Une chose est sûre, le combo avait commis un Ep en 2006 et puis participé à l’édition 2009 du Tremplin Dour.
Autoproduit, « Pig Brother » constitue donc leur premier elpee. Un titre qui s’inspire de « 1984 », un livre mythique écrit par Georges Orwell et qui met en scène un personnage de fiction répondant au nom de « Big Brother ». Après avoir écouté ce cd, je dois avouer être resté sur ma faim. Et pour cause, leur musique cherche à remettre au goût du jour un certain courant qui a connu son heure de gloire au cours des nineties. Du punk californien façon Blink 182 voire NOFX boosté au grunge et éclaboussé de quelques touches de néo-métal. Génial ! Enfin, si leur disque était paru 15 ans plus tôt. Parce qu’en 2009, ça fait quand même daté. La scène musicale belge est suffisamment riche pour se complaire dans la caricature.
Oui, je sais, on va me taxer de caractère de cochon ; mais comme le précise le dossier de presse du groupe, dans le cochon tout est bon. Sauf s’il est atteint de grippe porcine, bien sûr !
A premier abord, on ne peut pas dire que Push Pull cherche à susciter l’intérêt. Tout d’abord à cause de l’artwork de la pochette. Pas de quoi fouetter un chat. Puis du label hébergeant le groupe : Joyful Noise. Une écurie qui végète dans le milieu alternatif de l’alternatif. Et puis de la première impression laissée par l’écoute leur musique : un fourre-tout au sein duquel on cherche vainement une quelconque cohérence
Et pourtant, au fil des écoutes, on se laisse apprivoiser par cette curieuse expression sonore. Si bien qu’elle finit par accrocher votre subconscient. En fait, le groupe de Bloomington (NDR : ville située dans le sud de l’Indiana) est responsable de mélodies paradoxalement complexes mais contagieuses. N’exerçant réellement leur effet qu’après plusieurs écoutes. Un peu comme si le trio américain (NDR : Mike Bridavsky, Mike Notaro et Mike Hoggatt) avait pris le pari un peu fou de réaliser un compromis entre la musique de Weezer, des Pixies et de Queens of The Stone Age. Et finalement, le tout tient la route. On finit même par se surprendre à apprécier ce qui au départ, semblait sans grand intérêt. Et notamment des plages comme le power pop « The Lake », l’excellent « Fire » ou encore « If the L Were a G », caractérisé par sa ligne de basse puissante et des vocaux appuyés (NDR : les premiers elpees de la bande à Black Francis et Kim Deal ne sont pas loin). Une basse quand même très présente tout au long de cet opus. Et si les drums se révèlent puissants et précis, la guitare se montre beaucoup plus aventureuse, fluctuant en fonction des morceaux. Mais la quintessence de leur musique procède de la conjugaison des voix, sorte de rencontre hypothétique entre Jonathan Richman et Frank Black, mais en plus énergique. Comme quoi les apparences peuvent être trompeuses.
Celle que certains critiques comparaient à Courtney Love s’émancipe. Il est loin, le temps des Distillers. Aujourd’hui, Brody Dalle et Tony Belivacqua, les derniers survivants de la courte aventure, reprennent leurs armes sous le nom de Spinnerette. A cette occasion Dalle a recruté Alain Johannes (Queens Of the Stone Age) et le batteur Jack Irons. Décidée à faire parler d’elle pour sa musique plutôt que sa vie privée, Madame Josh Homme publie une première épreuve bien plus rangée que celles de sa carrière antérieure. Les étincelles de folie des Distillers se sont éteintes.
Ne reste plus qu’une série de compositions très sages et formatées. « Spinnerette » suit tranquillement son cours, sans le moindre sursaut d’imagination. Et lorsque la formation tente d’esquiver les sentiers battus, ils pondent un morceau tout juste bon à inviter au ‘fast forward’ (le sous-Kills « Sex Bomb », « Baptized By the Fire » et son synthé sorti de nulle part). Rien ne parvient à sauver Spinnerette de la noyade, hormis les très bons « Ghetto Love » et « Impaler ». La pochette, peut-être…
‘Le chapitre suivant commence’. On ne le sait que trop bien. A moins d’avoir été projeté dans une autre dimension au cours de ces 12 derniers mois, impossible de passer à côté du phénomène « Twilight ». Robeeeeeeert Pattinson, Kristen Stewart, Taylor Lautner, Peter Facinelli et les autres protagonistes de la saga vampirique créée par Stephenie Meyer se partagent à nouveau l’affiche du succès annoncé. Motivé par le succès de la première bande son, Chris Weitz, le réalisateur, a décidé de frapper un grand coup et de viser plus haut. Si la soundtrack de « Fascination » était essentiellement destinée aux ados (Linkin Park, Paramore, Collective Soul, Robeeeeeert Pattinson himself, etc…), celle de « New Moon » change la donne. Weitz et Livia Tortella, productrice exécutive du projet, ont réussi à rassembler du beau monde. Et c’est peu dire.
Exit le fatigant « Leave Out All the Rest » de Linkin Park. Death Cab For Cutie donne le ton à l’aide d’un entêtant « Meet me On The Equinox », premier single extrait de la bande son. Le tube des Washingtoniens est suivi à la trace d’une belle série d’inédits signés Thom Yorke, Lykke Li, Black Rebel Motorcycle Club, Ok Go, Grizzly Bear accompagnés de Victoria Legrand (Beach House), Editors ou encore Sea Wolf, le nouvel espoir indie dont on entendra certainement parler en 2010. Mention spéciale à « Rosyln », l’énooooooooorme duo entre Bon Iver et St. Vincent. Les 4 minutes 50 de cette envoûtante ballade envoient, à elles seules, la compilation au rang d’incontournable. Seules ombres au tableau, les « Friends » de Band Of Skulls et « Monsters » de Hurricane Bells. Deux morceaux qui dénotent un peu dans l’ambiance particulière de la BO.
Une version destinée au marché francophone s’embarrasse d’un inédit sans intérêt des BB Brunes. Dispensable. L’édition internationale se suffit à elle-même. D’autant plus qu’elle se clôture joliment sur « New Moon (The Meadow) », un agréable thème instrumental du compositeur français spécialisé en musique de films, Alexandre Desplat.
“Papers covers stone” serait le huitième album studio de Willard Grand Conspiracy. Presqu’une compile, puisque l’elpee ne recèle que trois nouvelles compos. Presque, puisque les 10 autres plages ont été retravaillées sous un format lo-fi. Ou minimaliste, si vous préférez. Le plus intéressant procède, cependant, de la présence de musiciens qui ont accepté de revenir à leurs premières amours. Pas de Paul Austin, cependant, mais bien Sean O’Brien et David Michael Curry. Sans oublier le concours du pote de Robert Fisher, Steve Wynn. Robert a en quelque sorte voulu en revenir à une formule plus ‘de chambre’ (NDR : c’est ce qu’il déclare), à contrario de ses dernières œuvres qui tout en se révélant excellentes, embrassaient un concept de plus en plus épique (NDR : et « Pilgrim road » en est certainement la plus belle illustration). De cette nouvelle approche des compos, on relèvera bien sûr l’inévitable baryton profond de Fischer et puis surtout le violon alto de David. Qui se met à grincer lorsque Sean montre enfin des dents sur les morceaux les plus électriques. Et tout particulièrement en seconde partie de l’intense « Preparing for the fall » (NDR : c’est une des trois nouvelles compos). Le psychédélisme tempétueux, halluciné, distordu mais toujours feutré y prépare une rencontre apocalyptique avec le diable… Et le final « The ocean doesn’t want me » (NDR : une cover de Tom Waits) est calqué sur un moule aussi hanté et sinistre. Tirant à nouveau parti de cette rencontre tellement fiévreuse et perturbante entre les cordes du violon et de la six cordes…
Zevious est un trio instrumental composé de Mike Eber à la guitare, Johnny DeBase à la basse et Jeff Eber à la batterie. Johnny et Mike se rencontrent à l’université en 1999 et se trouvent immédiatement un tas d’affinités musicales. Ils jouent ensemble dans divers projets rock, jazz et funk. Jeff, lui, tourne intensivement aux Etats-Unis en compagnie de l’excellent groupe métal progressif instrumental Dysrhythmia. Zevious naît en 2005 de leur volonté commune de jouer une musique carrément jazz. Les influences du groupe sont ancrées dans les seventies. Les pattes du Mahavishnu Orchestra, de John McLaughlin et même d’Al Di Meola laissent une forte empreinte sur le mélange de rock et de jazz fusion qui compose l’essentiel d’« After the Air Raid », leur premier opus. Cependant, le trio ricain ne se contente pas de recuisiner les recettes que ses prestigieux pairs ont concoctées avant lui. Il y rajoute une touche moderne, bien rock. Comme toujours quand il s’agit de musiciens de jazz, la technique instrumentale est irréprochable. La section basse/batterie est souvent époustouflante et laisse une grande place aux improvisations à la six-cordes de Mike Eber.
Si les noms d’Allan Holdsworth, John McLaughlin ou Al Di Meola font partie de votre culture musicale, il y a de fortes chances que vous puissiez trouver un intérêt dans la musique de Zevious.
Vu la qualité des productions proposées par l’Hexagone, au cours de cette année, nous aurions pu avoir peur que la France soit devenue le nouvel eldorado du rock et du métal européen. Heureusement, AqME vient de nous sortir un disque moyen qui ramène la qualité du rock ‘made in France’ à un niveau nettement plus acceptable.
« En l’honneur de Jupiter » constitue le cinquième album de ce groupe parisien formé en 1999. Il débute étrangement par « Tout le monde est malheureux », l’un des titres les plus faibles de l’album. Une introduction pénible de plus de deux minutes trente pour une chanson qui ne dure que trois minutes quarante six, c’est long. Fort d’un riff de guitare plombé et de vocaux accrocheurs, le titre suivant passe mieux la rampe. Intitulé « Guillotine », il aurait pu judicieusement ouvrir l’elpee. Les titis parisiens alternent les titres violents, oscillant entre hardcore grassouillet et néo métal sombre, le tout épicé de passages un peu plus rock’n’roll. Le chant est tantôt hurlé, tantôt clair, mais jamais très inspiré. La production est signée par Daniel Bergstrand mieux connu pour son travail accompli auprès de Meshuggah et In Flames. Car il ne suffit pas de bénéficier du concours d’un excellent producteur ni de soigner la qualité de son expression sonore pour créer une bonne chanson. A une certaine époque, des tas de groupes ou d’artistes parvenaient à concocter de véritables perles musicales, en disposant de moyens modestes. Et rarement d’un producteur réputé. Il est donc triste de constater qu’AqME n’est pas parvenu à profiter de sa chance en se contentant de nous délivrer un album insipide. Peut certainement mieux faire !
David Barrett prend goût à l’harmonica dès l’âge de 14 ans. Et pourtant, il joue déjà de la trompette et du saxophone. Il accomplit ses premiers pas sur scène, à San Francisco. Auprès du souffleur Gary Smith. Il s'inscrit au Collège de musique et se forge rapidement une notoriété. A 20 ans, il écrit déjà son premier bouquin. Son titre ? "Building Harmonica Technique". Puis fonde ensuite un groupe répondant au patronyme d’Harmonica Masterclass Workshop. Il monte ensuite son propre atelier. Qui va attirer une multitude d’étudiants. Aussi bien issu des States (NDR : au moins 26 Etats !) que de huit autres pays. Depuis, il a publié une quarantaine de livres, cds et vidéos. Dans son fief, à San José, il a créé the School of the Blues, une école privée qui se consacre à l'étude du blues. Enfin, où on enseigne la guitare, l’orgue, l’harmonica, la basse, la batterie, le chant et l’improvisation. Il a côtoyé pratiquement tous les souffleurs notoires. John Garcia est prof de guitare au sein de cette School of the Blues. Faut dire qu’il est gratteur depuis plus de 35 ans. Il a notamment épaulé John Lee Hooker, Albert et BB King, Buddy Guy, Junior Wells, James Cotton, Hubert Sumlin, et des tas d’autres icônes du blues. Il a fondé son propre combo : le John Garcia Band. Garcia et David militent au sein du School of the Blues All-Star Band, un projet au sein duquel participent régulièrement d'autres bluesmen issus de la région. Et en particulier les bassistes Frank De Rose et Randy Bermudes, le pianiste Steve Lucky ainsi que le drummer Paul Revelli. La majorité de ce team a participé à la confection de cet elpee, paru en 2003.
L'opus s'ouvre par "Serious fun ", un titre instrumental rythmé. La densité sonore est conséquente. L'harmonica est au centre des débats. Tous les autres instruments se mettent au service du souffleur. Ce qui n’empêche pas les cordes de Garcia et l'orgue de Steve Czamecki (professeur instructeur à la Community Music School de Santa Cruz) de se réserver leur premier billet de sortie. Garcia se réserve les vocaux pour "I love you more everyday", un blues shuffle bien rythmé, au cours duquel Steve Lucky assure tant à l'orgue qu’au piano, alors que Barrett et Garcia démontrent, lors de leurs soli, que leur technique est très affûtée. Instrumental, "Lick train" est conduit par l'harmonica puissant de Barrett. Seul maître à bord, il s’inspire alors largement de Little Walter, empruntant une démarche fort proche d'un Rod Piazza des bons jours. Blues imprimé sur un tempo bien enlevé, le "Pretty girls everywhere" d'Eugene Church permet à Steve Lucky de tirer son épingle du jeu aux ivoires (NDR : Steve est également le leader d'un swing band californien, les Rhumba Bums, une formation au sein de laquelle milite la délicieuse Carmen Getit, au chant et à la guitare). Barrett accomplit un remarquable exercice de style en solitaire sur "Quiet world". A passage, il nous rappelle les meilleurs moments de Sonny Boy Williamson II. "Chicago style" est un autre instrumental au titre adéquat. Les sorties des principaux acteurs, David, Steve Czamecki et Garcia sont ici tout à fait remarquables. Garcia aborde un "Minor attitude" sur un mode mineur qui sied si bien au blues. Toujours dans le registre ‘instru’, "Don't fight it" permet à l’excellent drummer Paul Revelli de sortir de sa réserve ; et il est soutenu par Steve Lucky sur le mode boogie woogie. Revelli a longtemps milité chez les Boss Talkers de Joe Louis Walker. Quant au bassiste, Randy Bermudes, il sévit aujourd’hui chez les Fabulous Thunderbirds. Particulièrement divertissant et de bonne facture, cet elpee s’achève par le tendre "Feelin' good"…
« From Chaos », le dernier album des Frenchies de Black Bomb A, pourrait très bien renvoyer tous les hardcoreux new-yorkais ronger le trognon de leur grosse pomme. De toute évidence, ces petits gars du nord n’ont rien à envier à leurs alter-egos américains.
La grande force de ce disque réside sans conteste dans la performance atypique des deux vocalistes bouillonnants que sont Djag et Poun. Cependant, la propension du groupe à composer des hymnes hardcore aussi immédiats que variés n’est probablement pas étrangère non plus à l’impression de bonheur ressentie en se l’envoyant dans les oreilles.
Djag et Poun réalisent ici un travail époustouflant. Passée la surprise provoquée par cet improbable duo, on ne peut qu’admirer sa prestation vocale. La violence pure du chant hardcore de Djag et les variations de ton caméléonesques de son compère frisent presque la perfection. Poun passe aisément d’un timbre hardcore nerveux et criard à une voix claire nasillarde réminiscente de Mike Patton, lorsqu’il sévissait au sein du Faith No More originel, et même parfois d’Axl Rose de chez qui vous savez.
Côté musique, le mélange hardcore old-school ultra violent/trash métal fait des merveilles. Pas un temps mort sur ce disque : une claque musicale de quarante-sept bonnes minutes. Autant dire que ça pique. Pourtant, Black Bomb A ne donne pas dans la violence pure et gratuite. Il est capable de ménager nos petites feuilles de chou en aérant sa violence de refrains hymniques presque pop qui ont une furieuse tendance à donner envie de pousser la chansonnette. Produit par Stéphane Buriez (Loudblast) qui, mine de rien, est en train de devenir une référence du genre, le son du disque est énorme.
Cerise sur le gâteau, Wattie, le chanteur du combo punk mythique Exploited, vient pousser une gueulante sur le titre « Burning road ». Culte.
Si vous ne l’avez pas encore compris, « From Chaos » est le disque à vous procurer absolument pour passer un bon moment. C’est violent, décoiffant tout en restant sympathique (à l’image du clip vidéo « Tales from The Old School » que je vous conseille de découvrir sur leur page MySpace. (http://www.myspace.com/blackbombasong). Un must !
BMX Bandits est une formation fondée par le chanteur/compositeur Duglas T. Stewart, en 1986. A l’époque, le projet avait été monté pour se produire lors d’une seule et unique prestation ‘live’. Mais, l’éphémère est devenu durable. Si bien que le combo a commencé à jouir d’une certaine popularité sur la scène locale. Leur longue aventure venait de naître. Longue aventure, puisque si leur histoire s’est provisoirement interrompue en 1996, elle a recommencé vers 2003. Du groupe initial, il ne reste cependant plus que Duglas, une quinzaine de musiciens ayant transité au sein du line up, dont Norman Blake (Teenage Fanclub), Sean Dickson (Soup Dragons) et Eugene Kelly (Vaselines).
“The rise & fall of BMX Bandits” compile l’ensemble de la carrière de la formation. Mais réunit surtout raretés, flips sides, versions alternatives et inédits (comme cette reprise du « I don’t wanna grow up » de Tom Waits, datant de 1997 ainsi que « Disco girl », « The day before tomorrow », « Intermission » et « Love’s sweet music », composés en 2008). Sans oublier « Tugboat », une cover de Galaxie 500 qui figurait sur « Snowstorm », un tribute consacré à Galaxie 500 et pour lequel les Bandits avaient reçu le concours d’Angel Corpus Christi.
Mais venons-en à la musique, qui a été à l’origine taxée d’‘anorak’ voire de postcard. Comme celle des Pastels. Ce qui vous donne une petite idée du style pratiqué par BMX Bandits. Il ne faut pas oublier, que le band a transité par quelques labels mythiques. Depuis 53rd and 3rd Years, l’écurie de Stephen Pastel (NDR : tiens, tiens !), en passant par Creation et Vinyl Japan. Et qu’il sévit aujourd’hui chez Elefant. A l’écoute des 4 titres récents, on remarque la présence d’une chanteuse féminine, Rachel Allison. Elle partage les vocaux avec Duglas. Et puis on y décèle des références subrepticement soul (NDR : du philly sound ?). Elles sont cependant subtilement inoculées dans la mélodie. Quant à savoir si c’est la nouvelle direction que BMX Bandit prendra, on verra lors de la réception de leur futur long playing…
Bien qu’édité chez Vampisoul, « The Beat Of Our Own Drum » n’est pas une réédition, mais l’album d’un groupe bien contemporain répondant au patronyme JC Brooks & The Uptown Sound. Bien sûr, ‘Sixties are back’ et ça sent bon la soul music chez cet ensemble chicagolais. Pas la soul yankee pourrie, illustrée par ses groupes ringards ou ces nénettes fabriquées le temps d’un tube, que nous passent en boucle MTV et autres chaînes à vocation purement commerciale. Mais du r&b directement hérité d’Otis Redding voire de Ray Charles ; même si l’attitude relève davantage du punk !
« The Beat Of Our Own Drum » constitue le premier elpee de JC Brooks et ses Uptown Sound. JC Brooks est un personnage furieusement charismatique. Il possède une voix prodigieuse, déroutante. Soul, bien sûr. Il est aussi à l’aise sur disque qu’en live (NDR : je vous invite à aller jeter un coup d’œil sur YouTube !) Son band est solide. Et les compos proposées accrochent instantanément. Caractérisé par sa rythmique blues/rock, « The Beat (of Our Own Drum) » déroule. Punk juste comme il faut (« Baltimore Is the New Brooklyn »), JC Brooks & The Uptown Sound se réserve quelques envolées funk (« Alright ») et d’inévitables ballades –cool baby, cool– (« Here Comes the Fall »), au cours desquelles le piano swingue avec le son magique d’un orgue Rhodes. Franchement, ça cogne, ça sonne grave et la voix irrésistible de JC remet, c’est une certitude, les pendules à l’heure. Et il était grand temps !
Pour mémoire, Githead est le projet monté par le chanteur/ guitariste Colin Newman (Wire) et son épouse Malka Spiegel (ex-Minimal Compact), en compagnie de l’électronicien Robin Rimbaut (Scanner), reconverti pour la circonstance à la deuxième gratte et du drummer Max Franken (également ex-Minimal Compact). « Landing » constitue leur troisième long playing. La charpente constituée par la section rythmique (drums solides, mécaniques, susceptibles d’apporter de la profondeur, de la texture et des ombres aux compos et ligne de basse propulsive, sensuelle) sert à merveille les deux six-cordistes qui s’en donnent à cœur joie pour superposer, couche après couche, leurs impulsions électriques. Parfois on pense à « Doppleganger » de Curve voire au krautrock de Neu ; mais c’est surtout en direction du Wire de « 154 » auquel on se réfère. Seule différence, le timbre vocal limpide, impassionnel de Malka qui se conjugue (NDR : voire même parfois domine) au (le) falsetto de Colin (NDR : encore que circonstanciellement, ce dernier emprunte des intonations déclamatoires, voire gutturales). Une musique qui atteint un niveau de raffinement et de sophistication particulièrement élevé. Bref, il faut admettre que leur avant-pop est ici parfaitement sous contrôle. Et tout en se servant d’une instrumentation organique, leur art à maîtriser la technologie moderne n’y est pas étranger. Ce qui n’empêche pas les mélodies contagieuses, hypnotiques, de faire lentement, mais sûrement leur effet. A un tel point, que parfois on a l’impression de subir une forme d’envoûtement.
Trio originaire d’Italie, Io Monade Stanca a choisi de s’aventurer dans les obscurs méandres du jazz expérimental et absurde. « The Impossible Story of Bubu » tient, soit du pur calvaire, soit du bonheur intense, selon que l’on soit réfractaire ou non aux expérimentations musicales loufoques et déjantées.
Comme tout ce qui se veut expérimental, le travail d’IMS est dérangeant. Au niveau des vocaux principalement. Ceux-ci ressemblent plus à une suite de borborygmes dénués de sens et à d’inintéressantes onomatopées qu’à de véritables chansons. Du côté de la musique, comme chez les Américains de Primus, c’est la basse qui prédomine. Celle-ci semble être à la base des structures compliquées et bizarroïdes de cet étrange opus. La guitare elle, est plus rock que jazz, même si elle est un peu fragile et se perd dans des plans dissonants et relativement compliqués à suivre. Quant à la batterie, on est en droit de se demander par quel miracle elle arrive à trouver sa place au milieu du jeu de quilles.
Pour un disque expérimental, « The Impossible Story of Bubu » trahit tout de même un petit air de déjà entendu. Car, même pour une oreille aussi peu experte en jazz/rock que la mienne, il sonne étrangement comme un disque de Frank Zappa (NDR : auquel on aurait toutefois ôté un peu de la dextérité instrumentale).
En composant une musique aussi barrée, le trio italien a probablement fait le pari de réserver son art à une certaine élite et donc de ne pas vendre son album par palettes entières. Pari tenu !
En affichant un tel pseudonyme, on a le droit d’avoir des sueurs froides. King Cannibal n’est pourtant pas un ogre de chair, mais de sons ! Alias Dylan Richards (NDR : c’est son vrai nom), ce Londonien est issu de la scène électro. Il est d’ailleurs signé chez Ninja Tune, un label en nette perte de vitesse. Et ce n’est pas ce « Let The Night Roar » qui va lui permettre de remonter la pente. Hésitant constamment entre drum n’bass et dubstep, on se demande constamment dans quelle direction Richards cherche à nous entraîner. De quoi rendre perplexe. On ne comprend d’ailleurs pas trop les desseins de King. On identifie bien des sonorités industrielles et ténébreuses, dont le personnage semble raffoler. Mais la confusion des styles empêche le charme d’opérer. Pire encore, l’apparition de beats aussi impurs que destructeurs plombent la moindre tentative de sortir de cette impasse. Et « Colder Still » en est la plus mauvaise illustration. Richards a même eu la mauvaise idée d’inviter quelques guests, pour orchestrer quelques duos. Dont les deux emcees parisiennes Face-A-Face, qui pompent ici un peu trop clairement leurs influences chez M.I.A., TTC ou encore Dizzee Rascal, pour vraiment convaincre. Suffit alors de constater les dégâts… ou de se cogner la tête contre le mur.
Dawn Landes est née en 1980. Dans le Kentucky. Après le lycée, elle part à New York, pour se consacrer à ses études. Etudes qu’elle va très rapidement abandonner, pour embrasser une carrière musicale (NDR : bien joué!) Faut dire que non content de jouer de la guitare et de chanter, elle écrit ses propres compos.
Début des années 2000, on l’assimile à la scène anti-folk. Pas vraiment son truc. Sa musique est bien trop classique et enracinée dans la folk traditionnelle pour fréquenter une scène aussi énergique et un poil trop exubérante à son goût. Elle opte alors pour la communauté Fast Folk, qui correspond davantage à son identité artistique. Qui lui donne envie d’écrire davantage. A ce jour, elle compte trois elpees à son actif. Edité chez nous en 2005 (NDR : mais en 2001 aux States), son premier opus, « Dawn's Music », nous entraîne dans un univers folk doux, cotonneux et intimiste. Paru en 2007, « Fireproof », se tourne davantage vers le pop-rock (NDR : pour le plus grand plaisir de nos oreilles)
« Sweetheart Rodeo » constitue donc le troisième long playing de Dawn. On y retrouve de la guitare acoustique (NDR : of course !), des boîtes à rythmes, de l’orgue vintage ou déglingué, des synthés ‘cheap’. Rien de bien neuf à l’horizon, puisque dans le style, des tas d’autres artistes se réclamant de l’indie folk/rock ont recours à cette méthode depuis une vingtaine d’années. Pourtant, l’expression sonore lorgne davantage vers la country branchée que celle des bidouilleurs susvisés. Dawn estime même qu’elle pratique de la ‘country urbaine’. A force de coller des étiquettes, on ne va plus s’y retrouver… Mais cette dernière définition, semble, au bout du compte, probablement la plus adéquate.
Le disque s’ouvre par « Young Girl ». Un morceau retro et vivifiant qui témoigne de l’enthousiasme de l’artiste. Et puis une plage qui donne le ton des onze titres de l’album. Agréable, tendre, son timbre vocal peut rappeler la ‘charmantissime’ Chan Marshall (Cat Power) ou encore celui de Beth Orton. Les titres sont léchés, élégants, subtilement texturés. Parfois teintés de psychédélisme ou de blues rock typiquement yankee, certains s’impriment sur un tempo susceptible de faire taper du pied un dépressif insomniaque. Les autres font la part belle aux ballades romantiques, bouleversantes. Si à premier abord les thèmes paraissent un tantinet bateau (infidélité, prostitution, société de consommation), les lyrics sont néanmoins fort bien écrits. Et le plus souvent très poétiques.
Bref, un album de toute bonne facture, mais qui ne devrait intéresser que les amateurs du genre. Et pour cause, il ne sort pas suffisamment des sentiers battus. M’enfin, si vous avez apprécié les deux premiers essais de Dawn, impossible de passer à côté de ce « Sweetheart Rodeo »…
« A Lo Cubano », le premier album d’Orishas est sorti en 1999. Il marque, à l’époque, les esprits des aficionados. C’est l’introduction d’un genre nouveau, le mariage déroutant entre hip hop et musique latino. Dix années se sont écoulées depuis. Entretemps, quatre autres albums ont suivi (dont une compilation), et le succès est toujours au rendez-vous. La formule passe quasi partout. Pour preuve, mardi soir, l’AB affichait complet, une fois de plus !
Pour marquer le coup, les trois phénomènes du projet, Roldàn au look un peu ‘street boy’, Ruzzo le beau latino, Yotuel le gentleman charmeur, ont voulu offrir à leur public un show où tout ce premier album serait interprété dans son intégralité… Un concert crescendo et scindé en deux parties. La première reprenant fidèlement chacun des 14 morceaux de l’album. Deux bonnes heures de show, en continu ! Et ce, sans compter le warm-up de DJ Sonar, qui rappelons-le, a accompagné Orishas en tournée, pendant 4 ans.
Accompagné sur scène par un Dj et un percussionniste, Orishas attaque d’emblée par « Represent », un des morceaux les plus connus du grand-public. Les fans d’origine latine se sont pressés en masse à l’avant de la salle ainsi qu’aux balcons proches de la scène. Un drapeau cubain flotte d’ailleurs au premier rang. L’ambiance plutôt calorifère donne la mesure. Les trois voix font monter la pression et enchaînent les succès les uns après les autres. « A lo Cubano » et « 537 Cuba » NDR : leur célèbre reprise de « Chan Chan » du Buena Vista Social Club) sont chantés par les centaines de personnes présentes. Et il fait chaud ! On manque même de place pour pouvoir se dandiner…
Après avoir célébré le premier opus comme il se doit, le combo continue sur sa lancée. Déjà 1h10 de concert et c’est à peine la moitié du spectacle ! La suite du tracklisting est constituée de compos issues des albums subséquents. Dont notamment, un magistral « El Kilo », « Machete » ou encore « Hay un Son ». La fin du set est clairement plus hip hop ; néanmoins, au moment du dernier morceau, le public est invité à les rejoindre danser sur scène. Une image finale qui résume bien l’esprit enthousiaste et énergétique du groupe.
Organisation Ubu
(Voir aussi notre section photos)
Dorothée était membre du défunt Hopper. Depuis elle a fondé Rodeo, un trio dont la musique devrait combler les amateurs de folk, de blues et de country & western. Cette disciple de Regina Spektor et Joanna Newsom semble avoir tapé dans l’oreille des ‘Inrocks’, qui ne tarit pas d’éloges son expression sonore ! De quoi titiller notre curiosité en attendant les sorties annoncées d’un premier Ep le 7 décembre puis d’un elpee le 23 février.
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/iamtherodeo
The Voluntary Butler Scheme publiera son premier album, « At Breakfast, Dinner & Tea » le 24 Novembre prochain. Il s’agit du projet de Rob Jones, un artiste particulièrement doué qui est à peine âgé de 23 ans. Bidouilleur de talent, le jeune garçon compose de petits classiques foutraques (NDR : une espèce de Motown Lo-Fi) dans sa chambre de Stourbridge dans les Midlands. Seul sur scène, cette bête curieuse devrait débarquer dans nos contrées dans un avenir proche.
‘Irrésistible et charmant, le groupe dont Rob Jones est l'unique membre sonne comme un mélange de Badly Drawn Boy et de Brian Wilson avant l'acide.’ (Q).
‘Bubblegum, ping-pong vocal à la Motown, fabriqué dans les Midlands et aussi sucré qu'une friandise.’ (The Sunday Times)
http://www.myspace.com/thevoluntarybutlerscheme
Clips videos:
"Multiplayer" : http://www.youtube.com/watch?v=3rfjxjxJQy4
"Tabasco Sole" : http://www.youtube.com/watch?v=p9hn_oXyYYU
"Trading Things In" : http://www.youtube.com/watch?v=rirrnBKFT4A
Deux mois à peine après sa prestation dans une AB comble (voir http://abconcerts.be/fr/abtv/p/detail/moby), Moby investissait les planches de l’autrement plus large Forest-National. Son troisième passage en Belgique en moins de six mois. Il venait y défendre son petit dernier, « Wait For Me », ‘mais pas que’. Un concert marathon de deux heures aux allures de grande rave, un peu ternie par l’impassibilité d’un large pan du public…
L’accompagnant sur toute sa tournée, Kelli Scarr se charge à nouveau de la première partie. Un peu intimidée par la foule, l’ex-Moonraker semble se terrer derrière son micro et passe une petite vingtaine de minutes à présenter sa Dream Pop clairement influencée par Moby, son mentor. Elle avouera à la fin de son set qu’il s’agissait de la première fois qu’elle jouait devant autant de monde, avant de laisser glisser une petite auto-promo. Tant qu’à faire…
Dès 20h50, les baffles laissent échapper « Division », l’intro de « Wait For Me ». Tandis que les musiciens se mettent en place, Moby harangue déjà la foule à l’aide de sa guitare, sur le devant de la scène. Dès les vingt premières minutes du spectacle, tout en sobriété, Moby donne le ton en mêlant habilement ses compositions les plus ‘ambient’ à ses tubes de ‘dancefloor’. Ainsi, « BodyRock » et « Go » font trembler la salle tandis que « Extreme Ways », « Mistake » ou encore « Why Does My Heart Feel So Bad ? » calment les ardeurs des quelques motivés aux premiers rangs, les seuls à profiter pleinement du concert.
Sans mauvais jeu de mots, Moby sait se faire petit. Plus particulièrement lorsque l’immense Joy Malcolm interprète deux des plus gros tubes du bonhomme, « Natural Blues » et « Porcelain ». Kelli Scarr, beaucoup moins timide lorsqu’elle est entourée, revient également sur scène afin d’y interpréter de jolies versions de « Wait For Me » et de l’ultra-mélancolique « Pale Horses ». Le set est essentiellement consacré à « Play » et « Wait For Me », mais le New-Yorkais honore aussi le reste de sa discographie à travers le retentissant « Disco Lies », le faussement punk « That’s When I reach For My Revolver » ainsi que les poppy « Lift Me Up » et « Raining Again », au cours duquel lequel le chanteur s’excite sur un long solo de percussions.
En guise de rappel, Moby et Joy s’élancent dans une version d’une quinzaine de minutes de « Honey ». Epique ! Le petit chauve et ses musiciens assènent le coup de grâce sur l’essentiel et très ‘rave’ « Feeling So Real », clôturant ainsi son enchaînement de hits imparables. Petit mais costaud.
Organisation : Live Nation.
L’avantage d’un titre pareil, c’est qu’il n’y a pas de surprise quant au contenu de la plaque. Avantage ou désavantage. Tout est relatif. Exit The Athletes, James Yorkston est ici accompagné de ses Big Eyes Family Players et résume en deux mots son nouvel ouvrage. Un condensé de chansons folk de facture tout à fait classique. Publié quelques mois après « When The Haar Rolls In », sa troisième œuvre, « Folk Songs », ne rend pas vraiment justice au talent de l’Ecossais.
Les onze enregistrements sont sympathiques mais sans véritable étincelle ou émotion et sans grandes idées. Ironie du sort, « Mary Connaught & James O’Donnell » et « Pandeirada de Entrimo », les seuls morceaux à sortir du lot s’avèrent également être deux des plus courts extraits de l’ensemble. « Folk Songs » s’adresse essentiellement aux auditeurs accordant peu de crédit à l’audace des compositions et ennuiera ferme les autres, en quête d’un chouïa d’originalité. Un disque bien trop ‘safe’.
Mike Zito est un chanteur/guitariste/compositeur dont la famille est d’origine sicilienne. Il a vécu son enfance à Saint Louis, dans le Missouri. Vingt ans quand même qu’il roule sa bosse. Mais à ce jour, il ne compte que six elpees solo à son actif. "Blue room" en 1996, "America's most wanted" en 99, "Slow it down" en 2004, "Superman" en 2006, "Today » en 2008 et ce "Pearl river », cette année. Ces deux derniers opus sont parus sur le label de Randy Chortkoff, Delta Groove (NDR : sise à Los Angeles, c’est actuellement la boîte la plus active dans le domaine du blues contemporain). Et en particulier pour Electro Groove, c’est-à-dire la branche plus électrique du label. Cet artiste à la voix extraordinaire puise ses racines dans le blues, le rock et la soul ; et il vient de franchir un fameux pas en avant en ouvrant ce nouveau chapitre musical.
Mike est soutenu par ses musiciens habituels : le bassiste Lonnie Trevino Jr et le drummer Eric Bolivar ; sans oublier le claviériste notoire Reese Wynans, un Texan qui a notamment milité chez le Double Trouble de Stevie Ray Vaughan. Zito signe huit plages, en cosigne une et épingle quatre reprises. Si David Z et Randy Chortkoff se réservent la production, ils ont quand même bénéficié du précieux concours du chanteur/harmoniciste à la mise en forme.
L'album s’ouvre par "Dirty blonde", un véritable brûlot. On se croirait revenu 50 ans en arrière, lorsque BB King nous réservait des titres explosifs, empreints de classe, de caractère et de pêche. Saisissant ! Manifestement, c’est un démarrage sur les chapeaux de roue. Le titre maître constitue probablement le meilleur morceau de l’elpee. Une ballade bluesy lente, aux accents volontiers dramatiques, caractérisée par des échanges vocaux tout à fait extraordinaires entre Zito et Cyril Neville, la plus belle voix soul des Neville Brothers (NDR : là, on est du côté de la Nouvelle Orléans !) La guitare est puissante. Wynans se réserve à la fois le piano et l’orgue Hammond. Du grand art que ponctuent les éclats d'une guitare libérée. Nous ne sommes alors pas loin de l’attitude du kid d'Atlanta, Tinsley Ellis! Zito y imprime la force et l'éclat de sa voix. "Big mouth" est un funky blues. La sonorité des cordes nous rappelle le regretté Stevie Ray Vaughan. Tout au long de "Change my ways", une autre ballade lente, la voix est très expressive. Les quelques accès d’orgue Hammond en soulignent la délicatesse naturelle. Les cordes peuvent alors dessiner des arabesques pour nous séduire. Remarquable ! La cover du "Eyesight to the blind" de Sonny Boy Williamson est surprenante. Elle emprunte le style syncopé de la Nouvelle Orléans. Randy Chortkoff (NDR : c’est le patron !) souffle dans sa musique à bouche. Anders Osborne est né en Suède, mais vit aujourd’hui à la Nouvelle-Orléans. Il signe "One step at a time" ; mais partage aussi le chant en compagnie de Mike, tout en grattant ses cordes acoustiques. Du folk d’une grande pureté ! Encore une ballade blues : "39 days". Une compo qui démontre le potentiel d'écriture et d'interprétation de l'artiste. "Shoes blues" nous entraîne sur un rythme rock'n'roll. Mike chante en duo avec Susan Cowsill (NDR : toute gamine, c’est-à-dire au cours des 60’s, cette Néo-orléanaise militait au sein des Cowsills). Les notes fragiles d’un piano d’enfant introduisent "The dead of night", puis se fondent dans une roots song très louisianaise, bercée par les accents d'une valse et colorée par l’accordéon délicat de Jumpin' Johnny Sansone. Zito chante en puissance le "Sugar sweet" de Mel London, un R&B funky qui met en exergue Reese Wynans à l'orgue Hammond. "Natural born lover" est un morceau de grande classe ! Un blues mid tempo caractérisé par son intensité dramatique. Les solistes sont constamment sur le qui-vive, prêt à bondir sur la moindre opportunité afin de tirer leur épingle du jeu. Blues indolent, "All last night" est issu de la plume du légendaire Georges Harmonica Smith. La prestation vocale est époustouflante. Lynwood Slim souffle discrètement mais impeccablement dans son instrument chromatique. Mike libère un solo très inspiré sur ses cordes. D’une beauté implacable, "C'mon baby" est une ballade belle à pleurer. Et elle referme cet opus dont le label Eclecto Groove peut vraiment être fier…
Cette solide formation californienne brandit très haut la bannière du westcoast jump ! Un combo drivé par Michael ‘Pink’ Arguello. Pink est originaire de Los Angeles. Et y vit depuis sa naissance. Pas étonnant qu’il fasse partie de la scène locale, depuis plus de trente ans. Michael s’intéresse à une multitude de styles. Depuis le blues au rockabilly, en passant par le jazz, le funk et même le punk (NDR : un zeste !) Il s’est forgé une réputation de showman extravaguant. Il a commis son premier opus en 1999. Excellent, "Living large" trempait dans le barrelhouse boogie blues ; et incluait des morceaux aussi épatants que "Wolf on the river", "Pink Champagne" et "Big Stella's Peep show". En 2001, Pink embraie par "King size", un opus qui emprunte autant à Wynonie Harris, Amos Milburn que Louis Jordan. Un long playing pour lequel il bénéficie du concours de maîtres gratteurs du jump blues, comme Junior Watson et Kirk Fletcher, mais également de Sue Palmer au piano, longtemps partenaire privilégiée de Candye Kane et de la chanteuse Janiva Magness. En 2003, il revient au jump, en concoctant "Almost the greatest show on earth", une œuvre pour laquelle il bénéficie de la participation du guitariste Kid Ramos et du pianiste Kirk Fletcher. Sans oublier, un des maîtres du boogie woogie, Carl Sonny Leyland. De son véritable nom Funkelbright, Pink Arguello s’est forgé une fameuse notoriété comme auteur/compositeur. Mais il lui a fallu six longues années pour terminer son quatrième opus. Ce qui lui a permis d’évoluer, puisque sur les 13 plages, il en signe douze ! Concocté au sein des studios Ardent de Torrance, Pink a bénéficié de la participation du pianiste Rich Wenzel (NDR : l’ex-Dave Mason Band se charge également de la production), des guitaristes Kirk Fletcher (un fidèle) et Gonzalo Bergara, des harmonicistes Eric Van Herzen (Walter Trout Band) et Johnny Mastro (Mama's Boys). Au risque de perdre certains de ses fans, Pink a voulu élargir son spectre sonore...
"Who's jivin' who" ouvre l’elpee. Il nous plonge au cœur des swamps, mais s'évade bien vite vers Memphis pour un R&B de bonne facture. La voix d’Arguello est excellente. Son registre est étendu. Elle est soutenue par l'orgue de Wenzel et des cuivres volatils. Des chœurs féminins également au sein desquels on relève la présence de la notoire Teresa James. Aux six cordes, Kirk Fletcher se montre déjà à son avantage. "Big empty house" baigne naturellement dans le west coast jump pur et dur. Les cordes de Fletcher et Bergara ainsi que les cuivres sont parfaitement en place. Remarquable ! Autre ballade, Big empty house" est balisée par un riff rock et soulignée de chœurs féminins. Une seule cover : le "I need your love so bad" de Little Willie John. Pink s’adapte sans difficulté à son style vocal. Kirk en profite pour dispenser un solo à la fois parfait et empreint d’une grande sensibilité. Flanqué de sa sèche, Mike attaque "Good heart black soul". En solo. Une compo chargée de feeling au cours de laquelle il chante à la manière des pre war bluesmen, face à l'harmonica touchant de Mastro. Blues classique, très downhome, fustigé par l'harmo largement amplifié de Van Herzen, "Gravedigger" véhicule des accents dramatiques, proche de Howlin' Wolf. Très rythmé, puissant, "Black eyed Mary" épouse un profil proche du J Geils Band de la grande époque. Dans son phrasé, Van Herzen souligne bien la voix acharnée du maître. Et ce dernier n’a pas fini de nous étonner. Il s'enfonce dans du hard bluesin' rock corpulent en s’immisçant dans "Love in the dirt". L’insatiable Van Herzen continue d’épauler ce diable noir de Fletcher qui se met à flirter avec le heavy métal! "She's right" embrasse une ballade jazz très latino. "Real bad woman " campe un slow blues classique, d’une grande simplicité. Un régal ! Le vieil ami Mastro est revenu souffler comme un possédé sur le shuffle très rythmé "Bad reputation". Mais la surprise du chef nous vient de "Belly of the beast". Une longue plage épique de plus de douze minutes. Un fragment qui nous plonge dans une forme de transe hypnotique. La compo est complètement différente du reste de l’album. La voix d’Arguello est lumineuse. Jesse MacLeod (NDR : fils de Doug) embraie en ‘rapant’ au cœur de la Nouvelle Orléans. Les cordes de Kirk s’autorisent un voyage psychédélique, sous le couvert du trombone de Walter Wagner. Remarquable, cet elpee s’achève par le titre maître. Pink chante devant le roadhouse piano de Wenzel. Nous sommes précipités dans un bar nocturne. A une autre époque. Peut-être pas loin de la Cathédrale d'Anvers, là où ont été immortalisées les photos de la pochette…
Banner Pilot est un groupe yankee, originaire de Minneapolis. Son second album vient de sortir chez Fat Wreck Chords, le label punk rock américain. L’écurie n’hésite pas à présenter « Collapser » comme un album ‘Quintessentiel’ pour tout fan de punk rock. Ce n’est pas la musique qui me dérange sur ce disque. En toute honnêteté, il est plutôt bon. Par contre, je n’apprécie pas vraiment cette volonté de coller une étiquette ‘Punk’ sur un Cd dont la musique évolue à des années-lumière de ce style. Sauf bien sûr, si vous estimez que le générique de la série ‘Friends’ (« I’ll be there for you » des Rambrandts) ou celui de ‘Malcolm’ (« You’re not the boss of me » de They Might Be Giants ») sont la quintessence du punk. Parce que Banner Pilot épouse ce concept. Du rock mélodique et sucré. Un disque composé d’une douzaine de hits potentiels, taillés pour les charts américains ou pour servir de générique à une comédie télévisuelle ou cinématographique. De quoi certainement rebuter tout fan de rock burné. Autant vous dire que sur cet elpee, rien n’est vraiment sale. Tout est aseptisé et calibré pour les ados américains. Avouez qu’en matière de ‘punk attitude’, on a fait beaucoup mieux.
Pour résumer :
- tu as douze ans, tu aimes le skate, tu ne jure que par les Simpson et Jackass et tu rêves de faire croire à ta copine que tu es un rocker. Banner Pilot, Bien !
- tu as entre trente et quarante ans. Ton meilleur ami est un rat nommé Sid, tu détestes les flics ainsi que la société et tu aimes cracher sur tes potes pendant les concerts. Banner Pilot, pas bien.
Il y a chanson française et chanson française…
Quoique très ouvert, curieux et amateur de découvertes, je dois avouer que certains disques me déplaisent, dès la première écoute. S’ensuivent une deuxième et une troisième audition. Voire même plus. Mais alors, il faut se forcer. C’est comme pour les chicons (NDLR : les endives ?) !!! Or ici, je ne sais pas pourquoi mais je ne le sens pas ! Et j’en suis cependant à la quatrième ! Et à chaque fois c’est pareil. Dès le cinquième ou sixième titre, je décroche. Pourquoi ? Facile ! Rien. Absolument rien ne retient mon attention. Ni les musiques mièvres, inconsistantes, ni les textes qui n’apportent pas grand-chose de nouveau au pays des Brel, Brassens, Chédid, Renaud, Cabrel et consorts…
A force de faire dans la ‘nouvelle chanson française’ on tombe dans l’indigeste, le pseudo-culturel et j’en passe. Mais bien sûr, les ‘maisons de la culture’ vont se jeter sur un tel ‘artiste’ et leurs abonnés jugeront ce concept exceptionnel, nouveau genre, subtil et quoi d’autre encore ? Bien sûr, certains me rétorqueront que je ne saisis pas telle ou telle influence, ne comprends pas le message délivré, ne perçois pas la finesse de cette composition ou que sais-je encore. Totalement exact !
Désolé donc pour ce duo nantais qui est et restera (mais que vaut mon avis ?) bien confidentiel (il l’était déjà) et c’est très bien ainsi. Perso, je veux de la vraie chanson, des rythmes, des textes qui ‘arrachent’, une démarche qui m’interpelle ou me fait bouger. A chacun son truc !
Les Californiens de Cake fêtent leurs 15 ans de carrière en dépoussiérant leur premier ouvrage, « Motorcade Of Generosity ». Une réédition en forme de pied de nez à tous les critiques qui ne donnaient pas cher de la peau de John McCrea et sa bande. L’œuvre d’introduction du quintet retrouve le chemin des bacs comme s’il s’agissait de la première fois. Les écrits pleins d’ironie de McCrea et les mélodies subtiles et décontractées des musiciens n’ont pas pris la moindre ride. « Rock’n’Roll Lifestyle », le premier single de la formation à la force tranquille, ainsi que l’exemplaire tube pop « Jolene » (NDR : rien à voir avec le classique de Parton) le démontrent à eux seuls.
Surtout connus pour leurs hits « The Distance » et « Short Skirt / Long Jacket », extraits de respectivement « Fashion Nugget » et « Comfort Eagle », leurs deux plus gros cartons commerciaux, les membres de Cake ont fait leur bonhomme de chemin, publiant en tout cinq ouvrages aux résultats mitigés. « Pressure Chief », le dernier de la discographie et le moins couronné de succès, date déjà de 2004. Histoire de ne pas se faire oublier et fêter la fin de ses obligations envers le label Columbia, Cake gonfle son « Motorcade Of Generosity » d’une partie CD-ROM. Un live de quatre titres que le groupe a préféré insérer au cœur de la plaque plutôt qu’en Dvd bonus. Et on s’en régale. Comme au bon vieux temps.
“Crazy rhythms” constitue le tout premier album de cette formation issue d’Hoboken, dans le New Jersey. Il est paru en 1980 et fait l’objet aujourd’hui d’une réédition. Revendiquant ouvertement l’influence du Velvet Underground et des Modern Lovers, le quatuor avait puisé son patronyme dans « Le meilleur des mondes » d’Aldous Huxley. Anti-groupe absolu affichant un look de nerds, The Feelies privilégiait avant tout la musique. Son mélange de psychédélisme, de pop et de punk est unique en son genre. Balisé sur un tempo krautrock, souvent enlevé, enrichi par de multiples percussions, il met en exergue des mélodies hymniques créées par des guitares duales, hypnotiques, répétitives, obsessionnelles même, tout en privilégiant la ligne claire, alors que les vocaux ne dépassent jamais le volume de l’instrumentation. Ce qui explique pourquoi cet opus deviendra une référence pour des groupes comme Yo La Tengo ou encore Galaxie 500. L’elpee recèle, en outre, une version insolite, mais particulièrement réussie du « Everybody’s got something to hide except me and my monkey » des Beatles. Séparée en 1992, la formation a décidé de se réunir en 2008, pour accorder quelques prestations ‘live’, aux States…
La réédition propose des démos, faces B, enregistrements ‘live’ et raretés, mais via une carte de téléchargement numérique glissée à l’intérieur du boîtier.
Il a fallu six longues années avant de voir sortir le deuxième elpee des Feelies. Si bien que du line up initial, il ne reste plus que Glenn Mercer et Bill Million. C’est-à-dire les chanteurs/guitaristes. Mais le quatuor est passé à un quintet, suite à l’engagement d’un percussionniste. Produit par Peter Buck, le guitariste de REM, cet opus met davantage l’accent sur l’aspect acoustique. Et puis le son est moins brouillon et les compos moins expérimentales. Quoique toujours aussi complexes. Ce qui n’empêche pas l’ensemble de tenir la route. La frénésie semble en apparence moins présente. Mais ce n’est qu’une impression consécutive au soin des arrangements. D’ailleurs, les envolées de rythmes sont toujours aussi tribales. Et on retrouve ce style très caractéristique des échanges de cordes opérés entre Glenn et Bill. Simplement l’acoustique a pris le pas sur l’électrique. Les sèches sont, en outre, tantôt grattées, tantôt jouées en fingerpicking. Et les voix murmurées confèrent à l’ensemble un intimisme presque lo-fi. Pas difficile de comprendre pourquoi tous les artistes néo-folk se sont toujours réclamés des Feelies. Aussi bien Belle & Sebastian que The Dodos…
La réédition propose des démos, faces B, enregistrements ‘live’ et raretés, mais via une carte de téléchargement numérique glissée à l’intérieur du boîtier.
Six mois après sa sortie en Angleterre, le disque de The Leisure Society fait son apparition de l’autre côté de la Manche. La musique de ce groupe polymorphe, entre folk anglaise et pop aérienne, donne envie de se balancer sur ses deux pieds et de gambader sur des chemins fleuris. En ces temps de crise où l’on aurait plutôt envie d’hurler ou de gémir, la petite bande de The Leisure Society préfère nous embarquer pour de joyeuses ballades composées par Nick Hemmings. L’oiseau a déjà un joli bagage en main. Ancien membre du groupe She Talks To Angels, il a aussi signé quelques bandes originales pour le réalisateur Shane Meadows. Une facture ‘musique de film’ est perceptible sur cet elpee où les nombreux instruments (violon, ukulélé, violoncelle, clarinette, harmonium, flûte, piano à pouces…) s’orchestrent avec une précision d’orfèvre pour nous emmener voir tout là-haut si les anges ont des ailes. C’est dense et léger, les chœurs aériens produisent leur petit effet, que l’on peut toutefois trouver trop lyrique sur certains titres (« Save it for someone who cares » se termine sur une envolée de banjo qui la sauve d’une saveur de dragée). Commencer l’album par une vanité (‘one day we all shall cease to exist / someday our towers will fall’) nous promet de grandes révélations. Or le contenu est un peu décevant, car il est question des ‘énormes ailes de l’amour’ et autres poncifs-recettes miracles pour s’échapper de notre quotidien morose. « The Sleeper » est vraiment joli, mais un tantinet trop ‘leisure’.
Première incursion pour votre serviteur dans l’univers, pourtant prolifique, de John Darnielle, le leader de The Mountain Goats. Pour un nouvel elpee du band de ce natif de Duhram (NDR : c’est en Caroline du Nord, aux States). Et je dois avouer qu’après avoir écouté ce « The Life Of The World To Come », je ne puis que m’incliner. Si cet artiste est souvent cité comme majeur dans l’univers de la musique pop/rock, il le mérite assurément. Ce nouvel opus constitue son sixième pour le compte de l’écurie 4AD (NDR : l’honorable label anglais mise rarement sur un mauvais cheval) et sa 17ème œuvre tous labels confondus. Excusez du peu !
Pourtant, le concept ne m’inspirait guère confiance. En effet, chaque titre de l’elpee est issu d’un passage du nouvel et ancien testament ! Drôle d’idée de s’inspirer de versets bibliques. Et puis, je craignais de devoir me farcir une œuvre de Christian rock messianique. Car le prosélytisme américain me gonfle particulièrement. Heureusement, après avoir écouté le disque dans son intégralité, mes inquiétudes se sont dissipées. Loin des pensées religieuses conservatrices mais découlant plutôt d’histoires inspirées par la lecture des textes religieux, les lyrics impressionnent. Darnielle a lu la Bible comme on lit un récit ; et, en véritable storyteller, s’est limité à adapter ses pensées personnelles issues de cette lecture. Ne gâchons pas notre plaisir, l’Américain est supposé être l’un des meilleurs songwriter des années 2000 ! Le New-Yorker l’a même élu meilleur parolier américain non-hip-hop !
L’elpee s’ouvre pourtant par une plage relativement insipide, « Samuel 15:23 » ; mais destinée à entrer dans l’univers sonore en douceur. « The Life Of The World To Come » prend toute son ampleur dès le second morceau, « Psalms 40:2 ». La voix de Darnielle est identifiable et particulière, proche de celle de Marc Huyghens de Venus. L’orchestration est très intense et s’écarte complètement de l’ensemble. La suite évolue davantage dans une veine acoustique. Sur la plupart des titres, Darnielle s’accompagne à la guitare. Et puis s’appuie sur les accords des ivoires. A l’instar de « Genesis 3:23 » ou encore « Romans 10:9 ». Cette collection de chansons indie folk est élégante, mais recèle surtout des compos particulièrement émouvantes. Le reste de l’album est au diapason. Entre mélancolie et mélodie parfaitement maîtrisée, « John 4:16 » est certainement le titre le plus profond et dérangeant de l’ensemble. La ligne de piano discrète. Les paroles d’une tristesse abyssale : ‘In the holding tank I built for myself it's feeding time/ And I sart to feel afraid 'cause I'm the last one left in line/But I know you're thinking of me 'cause it's just about to rain/ So I won’t be afraid of anything ever again’. Lorsque la Bible enfante de pareilles réussites, elle paraît moins inquiétante. L’album jouit, en outre, de superbes arrangements signés par le talentueux et décidemment très occupé Owen Pallett (Final Fantasy, Arcade Fire, Fucked Up et Pet Shop Boys).
Un album original et dense. Le meilleur de son auteur, paraît-il. Vu sa qualité, il devrait séduire les aficionados de folk ténébreux et mélancolique. Quelles que soient leurs convictions religieuses. Nom de Dieu, que Darnielle est doué ! Pourvu qu’il n’ait pas vendu son âme au diable pour atteindre cet état de grâce…
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