Né aux débuts des nineties en Angleterre, Archive connaît une carrière exponentielle, sans fléchissement aucun. Projet initié au départ par deux producteurs, le claviériste Darius Keeler et le spécialiste des effets sonores Danny Griffiths, pierres angulaires d'Archive depuis sa genèse, le groupe varie depuis, au gré des sorties d’albums et des concerts…

Pour ce dernier volet de « Controlling Crowds », ils ne sont pas moins de onze à avoir mis la main à la pâte. Inutile donc de les citer tous. Mais penchons-nous sur le long playing qui se décline intégralement en électro-pop-progressive. Le concept ici développé est assez particulier. Chaque plage semble à la fois être liée à la précédente et en même temps indépendante. Chacune peut cependant s’écouter seule sans souffrir d’être orpheline. Quelques perles jalonnent l’opus qui, contrairement à son prédécesseur ne s’apprivoise pas dès la première écoute : « Lines », « The Empty Bottle » et surtout « Come on Get High », hit en puissance (NDR : et son petit air à la Supertramp de la meilleure époque). Un petit rap à la Eminem (« Though Conditions ») nous démontre, si besoin était, l’amplitude de l’expression sonore affichée par ce combo si particulier. Archive nous avait habitué à des ambiances feutrées, une certaine confidentialité, voire une forme d’intimisme tout au long de l’opus « Lights », un disque datant de trois ans maintenant. La conjugaison des deux volumes de « Controlling Crowds » nous donne un nouvel aperçu des immenses capacités d’Archive. Aucun style ne leur fait peur. Les comparaisons ne manquent pas lors de l’écoute. Un peu de Pink Floyd (époque du « Wall ») par-ci, Prodidgy ou Massive Attack par-là, et j’en passe.

Archive renaît donc de ses cendres, tel un phœnix, pour nous servir un nouvel élixir d’un goût délicieux où chaque ingrédient apporte une saveur tout particulière. On assiste donc à un retour aux sources d’un groupe aussi doué et inventif qu’inclassable.

Etes-vous prêts à vous retremper dans la pop des seventies ??? Les Who, Byrds, Hollies, Slade et groupes du style vous manquent ? Vous n’accrochez pas à la musique contemporaine? Les vieux machins ou les classiques de Marc Isaye vous bottent toujours autant ? Ouais ? Bon, c’est votre droit après tout. Y a pas d’mal à ça ! Ben alors précipitez-vous sur cet album des Broadfield Marchers (NDR : j’sais pas où ils ont dégoté un nom pareil !) qui vous plongera près de 40 ans en arrière. L’époque des chevelus, du peace and love et de la ‘clope aromatisée’ hante les seize compositions qui jalonnent cet elpee. Pas vraiment un elpee de mauvaise facture, mais un peu ringard quand même. Pour nostalgiques ! 

En juin dernier, lors de sa sortie, nous vous avions déjà dit tout le bien que nous pensions de l’album de Chickenfoot –ce super-groupe formé par les deux ex-Van Halen : Sammy Hagar et Michael Anthony, Chad Smith, le batteur des Red Hot Chili Peppers et le virtuose incontesté de la guitare qu’est Joe Satriani. Ce disque est excellent et nous n’allons pas revenir sur notre jugement.

Par contre, nous nous insurgerons contre la pratique discutable (mais devenue rituelle) qui consiste pour les labels à pomper les fans jusqu’à la moelle, lançant sur le marché, quelques mois après la sortie officielle d’un Cd, une édition dite ‘deluxe ‘ du même produit. Une nouvelle fois, l’aficionado qui a acheté l’album lors de sa parution en est pour ses frais. C’est vrai, l’industrie du disque est en crise. Mais il n’y a pas qu’elle. Le budget familial l’est aussi. Obliger le fan à se procurer une deuxième fois le même disque tient vraiment du racket. La pratique pourrait être relativement honnête si le label laissait le choix en sortant les deux versions en même temps. Mais non. Le fan est considéré comme un pigeon et c’est très moche. Il n’est dès lors pas étonnant que les passionnés de musique ne disposant que d’un budget limité se rabattent sur le téléchargement illégal. En adoptant de telles pratiques, l’industrie du disque se tue elle-même. Elle ne peut en vouloir à personne d’autre.

Pour en revenir à cette édition limitée ‘deluxe’, elle consiste en un double digipack recelant le Cd original, enrichi d’un bonus track exclusif intitulé « Bitten By The Wolf ». Un titre sympathique, bluesy et acoustique, mais pas transcendant.

Le second disque est consacré à un Dvd. Plutôt amusant, il reflète l’humour très caractéristique des quatre compères. Et en particulier pour présenter des clips vidéos live de tous les titres de l’album, immortalisés dans des endroits aussi variés que le Festival de Montreux, le Fillmore de San Francisco, le Grove d’Anaheim, le Shepperd’s Bush Empire de Londres et même le Graspop Metal Meeting de Dessel. Le Dvd est drôle et sympathique et donne une bonne idée de la valeur d’un Chickenfoot, en concert.

Autre petit point négatif concernant cette édition ‘deluxe’ : e-a-r Music/ Edel ne s’est pas donné la peine d’imprimer le livret du cd. Il est demandé à l’acheteur de le télécharger, en version pdf sur le site du groupe. Pour une édition deluxe, je trouve personnellement cette méthode un peu ‘cheap’. Surtout que les informations fournies ne sont pas de la plus grande rigueur. Ainsi peut-on lire qu’une des vidéos à été tournée au Graspop Meeting Festival de Montreux, en Suisse. Pas bien.

Donc voilà. Si vous êtes fan et que vous n’avez pas encore l’album, le « Chickenfoot – Limited Deluxe Edition » est à ajouter d’urgence sur votre liste de cadeaux de Noël. Si vous avez déjà acheté la première version, la décision se joue entre vous, votre conscience et votre portefeuille.

L’histoire de Cornershop est émaillée, à mes yeux (et mes oreilles), d’un épisode marquant. Et pour cause, la formation britannique est responsable d’un des meilleurs singles de tous les temps : « Brimful Of Asha ». Concocté en 1997. D’autre part, son style lui a permis de se créer sa propre identité. Son mélange parfait de britpop, d’électro et de musique indienne évoque les effluves des banlieues anglaises métissées. Pensez à l’ambiance au sein de laquelle baignent les films ‘Fish ‘N’ Chips’ et ‘Just A Kiss’.

Fondé à Leicester en 1991 par Tjinder Singh, son frère Avtar, David Chambers et Ben Ayres, Cornershop compte, à ce jour, 18 ans d’existence. Pourtant, parmi ces vétérans de la scène anglaise, Avtar et Chambers ont entretemps quitté le navire. Mais pourquoi Cornershop ? Explication : on est en présence d’un stéréotype classique de l’immigré pakistanais ou indien détenant une échoppe au coin d’une rue… notre ‘Apou’ local en quelque sorte. L’influence indienne de Tjinder Singh apporte à leur très classique britpop des couleurs toutes droites venues de Bombay ou Calcutta. Le sitar est par exemple présent en filigrane tout au long de leurs compos.

« Judy Sucks A Lemon For Breakfast » constitue leur sixième album. Il succède à « Handcream For A Generation » paru, il y a 7 ans déjà. Les quelques singles sortis entre-temps avaient tout de même permis de garder un œil sur cette très talentueuse mais discrète formation.

Mais qu’en est-il de leur nouvel effort ? Une réussite au parfum ensoleillé ! Des couleurs de la pochette, au nom de l’album en passant par leur musique résolument pop et rayonnante, on se demande pourquoi les Anglais ont décidé de sortir leur nouvel effort en plein mois de décembre ; alors qu’il s’agit d’une collection parfaite de chansons pour partir en vacances. Cornershop joue une fois encore du Cornershop et le fait à merveille ! Les refrains coulent naturellement entre de petites récréations agrémentées de pointes de trompettes ou de clarinettes. Sans renier ses influences indiennes. Tout paraît si facile pour ces orfèvres d’une certaine forme de musique anglaise. « Who Fingered Rock’N’Roll », « The Roll Off Characteristics » ou « Soul School » sont tout simplement de très bonnes chansons pop et on n’en demande pas plus. Si « Judy Sucks A Lemon For Breakfast » recelait un tube de la trempe de « Brimful Of Asha », il aurait probablement fait figure d’incontournable ! Bien sûr, tout n’est pas parfait. En finale, les 16 minutes de « The Turned On Truth » trempées dans la southern soul, sont plus que dispensables. Et le très indianisant « Chamchu » est tout aussi superflu. Mais vraiment pas de quoi entamer le crédit de cet elpee attachant, éclectique, singulier, classique et envoûtant. Le tout en même temps. Les Beatles à Bollywood en quelque sorte !

En 2006, Tim Presley et Rob Barbato, respectivement guitariste et bassiste (également vocalistes au sein de leur groupe), avaient été engagés par Mark E. Smith pour jouer dans son backing band, lors de sa tournée aux States. Mais, il faut croire que le caractère acariâtre du leader de The Fall a encore fait des siennes, puisqu’au beau milieu de périple, les deux yankees ont abandonné le navire, forçant ainsi le natif de Broughton à rentrer en Angleterre. Sans quoi, avant de fonder Darker My Love, les différents musiciens avaient milité au sein de toute une série de formations, dont les moins obscures répondaient au nom de The Distillers et The Nerve Agents. Le patronyme de ce quintet californien (NDR : issu de Los Angeles, très exactement) est inspiré d’une compo de The Soundtrack of Our Lives, du même nom. Ce qui devrait vous donner une petite idée du style pratiqué par le band.

« 2 » constitue, vous vous en doutez, leur second elpee. Il fait suite à un éponyme, édité en 2006 et à un Ep, paru en 2004. A l’instar de T.S.O.O.L., Darker My Love puise ses principales influences dans le psychédélisme des Pretty Things. Celui des albums « S.F. Sorrow » et « Parachute », pour être plus précis. A cause de ces harmonies vocales éthérées, sinusoïdales, si caractéristiques. Mais pas seulement chez la bande à Phil May et Dick Taylor. Les références y sont même bien plus fouillées. Oscillant du Floyd circa « The Piper at the Gates of Dawn » (« Pale sun ») à Spacemen 3 (l’enlevé « Blue day » et le brulôt « Waves », chargés de feedback et de distorsion), en passant par les Stone Roses (le stellaire « Add one to the other one » et le ténébreux « Northern soul ») et même Love (le remarquable et épique « All the hurry & wait », enrichi d’arrangements orchestraux somptueux). Le décor planté, il ne vous reste plus qu’à ajouter un zeste de clavier ‘vintage’ (NDR : pensez à Doug Ingle d’Iron Butterfly ou à Ray Manzarek des Doors) et parfois des cordes de guitares triturées à la manière d’Eric Brann (NDR : également du papillon d’acier) voire de Jorma Kokaunen (NDR : Jefferson Airplane, Jefferson Starship). Deux titres s’écartent cependant de la norme. Tout d’abord la valse angulaire et jazzyfiante « White composition » et puis, « Two ways out », sorte de version grunge d’« Alright » de Supergrass. Et c’est Dave Cooley (Silversun Pickups, J Dilla) qui a produit l’elpee. Bref, si vous êtes accro au psychédélisme, vous ne pouvez passer à côté de cette œuvre…

de portables comme son nom semble l’indiquer est un ‘groep’ issu du nord de la Belgique, plus précisément de la région gantoise. Hans Gruyaert, Wio D'Hespeel, Jürgen De Blonde, Bert Lafontaine et Hendrik Dacquin ont formé leur band voici plus de dix ans puisqu’il est né en 1996. A ce jour, ils ont concocté trois albums et deux Eps. Intitulée « John Terra », leur dernière plaque en date constitue en fait une dédicace à quelqu’un qui a beaucoup compté pour leur carrière musicale et les a toujours soutenus. Mais s’appelle-t-il réellement John Terra ???

Curiosité indéniable, cet elpee propose un cocktail de musique electro/pop complètement éclectique. Ça part vraiment dans tous les sens, du titre d’ouverture (du même nom que le Cd), un instrumental aux relents ‘métal’, jusqu’au morceau final, titre rock/électro plus musclé. Entre ces deux extrémités, on a droit à six compos très variées qui passent de la pop ciselée (« The Bay of the white purifying Bed ») à l’électro en passant par des plages plus ‘aériennes’, sans oublier un penchant bien prononcé pour la pop/rock. La part belle est faite aux guitares acoustiques et aux chœurs ; ce qui confère aux compositions une authenticité et une chaleur indéniable.

de portables nous propose une œuvre plutôt bien réussie. Et si elle ne recèle que 8 titres, ils valent vraiment le détour. La version du single « The Bay of the white purifying Bed » disponible sur leur ‘MySpace’ est d’un niveau nettement plus ‘travaillé’ afin de lui donner un aspect radiophonique. A noter que leur elpee précédent, « Girls Beware », avait remporté un succès éclatant dans la partie néerlandophone du pays ; et pour l’avoir écouté, ce n’est vraiment pas volé !

De son véritable nom Henry John Deutschendorf, Jr, John Denver est né le 31 décembre 1943 et est décédé le 12 octobre 1997, suite au crash de son avion expérimental –un  Long-EZ construit en fibre de verre– survenu le long de la côte californienne. Compositeur, protest singer (NDR : démocrate convaincu, il a milité en faveur de la campagne de Jimmy Carter de 1976) et acteur, il a entamé sa carrière en 1969 et compte à son actif plus d’une trentaine d’albums ainsi que de nombreux hit singles, dont « Leaving on a Jet Plane » (NDR : transformé en tube planétaire par Peter, Paul & Mary, en 1969), « Take Me Home, Country Roads », « Rocky Mountain High », « Sunshine on My Shoulders », « Thank God I'm a Country Boy », « Annie's Song » ou encore « Calypso ». Il a en outre, décroché une multitude de récompenses pour les ventes de ses disques (NDR : plus ou moins 40 millions écoulés à travers le monde), mais surtout a milité et s’est investi (NDR : personnellement et financièrement) pour la lutte environnementale (NDR : c’est dans l’air temps…) et humanitaire, notamment en faveur de l’Afrique, de l’Inde et de l’Asie du Sud-est. 

Ce box est consacré à quatre concerts accordés à différentes époques de sa carrière, sur différents continents (Japon, Australie, Angleterre) ainsi qu’à un double documentaire. Cinq Dvd en tout. Et un par sujet. Donc par disque. Une centaine de chansons dont quelques reprises, le tout totalisant presque 10 heures d’images (NDR : sonorisées, of course). Ah oui, j’allais oublier le principal, Denver est un chanteur folk, dont le style s’adresse surtout aux nostalgiques de Joan Baez, Emmylou Harris voire Simon & Gardfunkel. Fallait quand même le préciser !

Fondé en 1995 par Dave Grohl, rescapé de Nirvana, The Foo Fighters demeure l’unique –ou presque– grande gloire de la vague post-grunge. En outre, le groupe a déjà touché deux générations d’aficionados de rock couillu !

Ecrire que ce « Greatest Hits » est une pièce de choix serait un doux euphémisme, le groupe affichant au compteur un parcours discographique de six albums studio sans faute. Le récent Dvd « Live At Wembley Stadium » nous avait filé une sacrée banane. Et pour cause ! Grohl et ses compères assurent méchamment sur les planches, dispensant un rock burné et gonflé à la testostérone. Pendant près de 120 minutes, ils alignent les hits flamboyants. On imagine donc aisément que dresser la play-list de cette compilation fraîchement sortie n’a pas été un exercice facile.

Seize morceaux dont trois inédits, « Wheels », « Word », et une version acoustique du tube « Everlong », histoire de pousser les fans qui détiennent déjà l’intégrale des Fighters à compléter leur collection. C’est la plaque de 97, « Colours and the Shape », qui est la mieux représentée, incluant trois titres incontournables, dont le buriné « Monkey Wrench ». Néanmoins, l’ensemble se veut équitable, chaque elpee bénéficiant de deux ‘ambassadeurs’, excepté « Skin and Bones » circonscrit à sa plage titulaire. On ne se lasse pas d’écouter des hymnes tels que « Skin and Bones », « This is a Call », « Big Me » ou « All My Life ». Un concentré de ce que Dave Grohl a produit de meilleur, et par conséquent l’ultime album à se procurer si on ne possède rien des Foo Fighters.

Artiste atypique, Richard Hawley nous démontre une nouvelle fois que rien ni personne ne peut influencer ses choix, ses goûts et ses envies. Il nous livre un splendide album qui hélas ne contient ‘que’ 8 petites merveilles, totalement intemporelles…

Crooner, tel est le titre qui lui convient le mieux. Non content de suivre son petit bonhomme de chemin, seul contre vents et marées, ce Britannique à la voix chaude et aux mélodies ciselées, nous propose dans son dernier ouvrage huit plages qui sonnent toutes comme des merveilleux cadeaux au pied du sapin. Il est clair que ce n’est pas ce style de musique qui va nous faire danser lors de cette période de fêtes. Ce n’est pas dans son répertoire ; et encore moins son objectif!

Néanmoins, la pureté des cordes, sa douce mélancolie, son talent et sa grâce éclaboussent cet opus qui émerveille n’importe quel auditeur à l’époque de faire le bilan de 2009. Traditionnellement, en cette période de l’année, c’est la course à la meilleure vente, au plus beau concert, au meilleur best of, etc. Tout un chacun qui veut se vendre au ‘meilleur moment’ de l’année se presse au portillon, tient le haut de à l’affiche. L’info rock en ces temps de cadeaux, de sorties d’album, d’annonces juteuses est souvent dévolue aux méga-groupes, aux cancans les plus gros les uns que les autres. Richard n’en a cure. Il se contente de nous offrir ce qu’il fait de mieux, une ambiance douce (NDR : qui ne signifie pas molle), des perles musicales, un Cd qui dégouline de classe et donne simplement envie d’aimer…

Ses références lui viennent de ses racines, les Dean Martin, Hank Williams et Faron Young qu’écoutaient son père et son grand-père avant lui ; elles le guident, le bercent et l’imprègnent de cette culture musicale hors du temps. L’homme de Sheffield se fiche comme d’une guigne de la dispute des frères Gallagher ou de la tournée de U2. Merci Richard de nous faire partager le goût du ‘beau’.

Lorsque Dean Fertita décide enfin de (re)commencer une aventure en solitaire, il mérite qu’on s’intéresse de plus près à son cas. Mais qui est Dean Fertita ? Vous n’en avez jamais entendu parler ? Vous n’êtes pas les seuls. Originaire de Detroit, il a milité fin des années 90 chez The Waxwings. Il en était même le chanteur et le leader. Après avoir commis trois elpees, le combo se dissout sans avoir connu un quelconque succès commercial. Notre homme reste donc à quai, dans un relatif anonymat sauf pour les connaisseurs. Mais son talent n’est pas perdu pour tout le monde. Il décide de mettre ses compétences au service des autres en se produisant notamment pour les Raconteurs et les Queens of the Stone Age durant leurs tournées, collaborations qu’il apporte depuis quelques années.

Plus récemment, il a été invité comme quatrième membre d’une super-formation dont le line up implique Jack White (The White Stripes), Alisson Mosshart (The Kills) et Jack Lawrence (The Raconteurs) et répondant au patronyme de The Dead Weather.

Pourtant, à partir de 2008, il se (re)décide à se la rejouer perso. Et on assiste à une révélation. Fertita se montre sous son meilleur jour lorsqu’il peut être seul maître à bord. Son album est puissant, mélodieux, résolument rock, pleins de riffs et de ‘caisses’. Un opus partagé en douze pistes, dont il en signe sept et cosigne cinq autres, en compagnie de Brendan Benson, également préposé à la basse. D’une qualité égale tout au long de l’album, Dean Fertita nous donne pleinement la mesure de son talent de songwriter et d’interprète. Actuellement, notre homme conjugue trois carrières de front. Membre à part entière des Queens of the Stone Age (NDR : ce qui explique sans doute pourquoi Troy Van Leeuwen, Joey Castillo et Michael Shuman sont venus apporter leur concours lors des sessions d’enregistrement de cet elpee solo) depuis 2007, impliqué au cœur du super-band The Dead Wather, il est donc également le chanteur/leader de son nouveau projet Hello=Fire, un projet qui mérite sans conteste une oreille attentive.