Disco disco disco… Dans le monde affolé des compilations mixées (ou pas), la série des « Back to Mine » tient une place à part grâce à la qualité des titres sélectionnés et des chouettes découvertes qu’elle occasionne. Le duo de Bergen se fend d’une sélection mixée qui télescope les Talking Heads (au sommet de leur période world-funk) à l’italo disco (Kasso, Mr Flagio et l’hilarant Pino D’Angio) en passant par le P-funk de Funkadelic, la soul (le jazzman Idris Muhammad, The New Birth), l’électro disco, le disco funk (Jesse), la house et même Mike Oldfield… Le fil conducteur de cette sélection réussie reflète un amour immodéré pour les expérimentations électroniques les plus diverses appliquées aux pistes de danse, surtout au début des années 80. A vos gels fixateurs !
En 1971, Neil Young termine une tournée mondiale. Son album « After the gold rush » remonte déjà à 1970, et il vient de terminer la composition de toute une série de nouvelles chansons. Il se produit alors à Toronto, au ‘Massy hall’ ; et alors que tout le monde s’attend à un set électrique, Neil choisit une formule acoustique, pour y rôder la plupart des nouvelles plages de son prochain album : « Harvest ». Plusieurs bootlegs avaient déjà immortalisé cet événement, mais aucun n’était, à ce jour, parvenu à atteindre un niveau sonore aussi éloquent. 35 ans plus tard, Reprise a donc décidé de remettre les pendules à l’heure. S’il faut reconnaître que la version audio n’apporte pas grand-chose de neuf à la discographie de Young, le Dvd est d’un tout autre intérêt. On reprochera peut-être la qualité de l’image un peu passée ; et puis la longueur un peu excessive de l’œuvre encombrée parfois de séquences superflues (on y trouve notamment une galerie de photos, des interviews radiophoniques, des coupures de journaux consacrées à la review du concert, un documentaire tourné dans le ranch ‘Broken Arrow’ de l’artiste, un passage filmé lors du ‘Johnny Cash on Campus TV show de 1971’, etc.) ; mais c’est la prestation accordée dans la capitale de la province d’Ontario qui mérite une attention toute particulière. Il y a avait notamment interprété des classiques tels que « Heart of gold », « The needle and the damage done », « Old man », « A man needs a maid », « Journey through the past », « Cowgirl in the sand », « Down by the river », « Ohio » et puis deux raretés : « Dance dance dance » et « Bad fog of loneliness ». En s’accompagnant simplement de sa sèche ou d’un piano. Malgré toutes ces remarques, aucun fan de Neil Young ne peut passer à côté de ce témoignage…
Mark incarne sans aucun doute un des harmonicistes les plus doués de sa génération ; et même s’il est moins populaire que Charlie Musselwhite, Kim Wilson ou Rod Piazza, il affiche un sacré pedigree. Originaire de New Haven, dans le Connecticut, il a grandi à Los Angeles avant de se fixer à San Francisco où il vit depuis 35 ans. Malgré ce parcours, c’est bien dans le vivier du Chicago blues qu’il a puisé l’essentiel de son inspiration. A l’instar de nombreux musiciens de blues, il voue une grande admiration aux Grands : Little Walter, Sonny Boy Williamson, Junior Wells ou encore James Cotton. "Playing in your town", son premier elpee, est paru en 1985. Depuis, il a fait son chemin et écumé toutes les scènes des States et d’Europe. Il a également concocté toute une série d’albums sur les labels Flying Fish et Tone Cool. En 2002, il a signé chez Electro-Fi, écurie pour laquelle il a enregistré "Golden State Blues" et le live "Blowin’ my horn", en 2004.
Pour réaliser cet “Ain’t easy no more”, Mr Hummel a reçu le concours de ses Blues Survivors ; c'est-à-dire les fidèles compagnons qui le suivent depuis quelques années. En l’occurrence : le guitariste Charles Wheal, le bassiste Steve Wolf et le drummer Marty Dodson. Le talent de Mark est essentiellement concentré dans les deux reprises qui ouvrent l’opus. Tout d’abord le percutant "Get on the right track" de Ray Charles. La voix est puissante et délicatement éraillée. Le piano de Bob Welsh, les cuivres ainsi que la solide section rythmique servent de rampe de lancement à l'harmonica dévastateur et aux riffs classiques du Chicago Southside. Le "She's got it" de Muddy Waters en est une autre illustration. Mark souffle divinement. Tout en manifestement une sensibilité intérieure qui force l'admiration. Sa puissance est naturelle. Son "I didn't need another heartache" se fond naturellement dans ce décor de blues urbain classique. Un shuffle sans faille qui libère de l'espace pour les cordes de Wheal et les percussions de Marty. Le titre maître constitue un cri du cœur de l'artiste pour l'une de ses villes fétiche : New Orleans. Mark est l’auteur de cet "Ain't easy no more", une compo qu’il a écrite après les effets dévastateurs provoqués par l'ouragan Katrina dans la célèbre cité louisianaise. L’ambiance est de circonstance. Animée par les accords d’un piano sautillant, elle est entretenue par un cocktail de cuivres et de percussions. Le swing et le jump constituent une autre clé de l’expression sonore embrassée par Hummel. L’adaptation du "Jump with you baby" de BB King en est une parfaite illustration. Le chanteur souffleur est dans son élément naturel. Charles Wheal se fait BB et prouve son talent injustement méconnu. Ce style jump hante également sa version du "Stop now baby" de Sonny Boy Williamson. Instrumental, "Harpoventilating" respire la classe. Une leçon donnée par le maître qui, pour la circonstance, s’est trouvé une deuxième paire de poumons, histoire de pouvoir reprendre sa respiration. Impressionnant ! "So glad" swingue à ravir ! Charles est inspiré sur ses cordes tandis que Bob Welsh parcourt frivolement ses 88 touches d'ivoire. Mark sort de sa poche son encombrant instrument chromatique. Et si vous pensez que le meilleur est désormais passé, vous vous flanquez le doigt dans l’œil ; et jusqu’au coude, car notre Californien reprend deux plages écrites par le pianiste Eddie Boyd. Tout d’abord un sublime "Blues is here to stay". Ensuite "You got to reap" que Mark chante délicatement. Welsh y reproduit le jeu du regretté dieu de Chicago. Par son jeu déchiré, proche de Charlie Musselwhite, notre souffleur arrache larmes et sanglots sur "Creeper returns", une plage inspirée du Chicago Westside. Impérial ! Un album de grande classe!
“Back to the Bus” n’est pas la nouvelle livraison du combo post hard core Funeral for a Friend, mais révèle un concept de compilation d’un genre nouveau. L’initiative permet de mieux cerner les goûts musicaux de groupes qui acceptent de jouer le jeu. L’idée est séduisante ! Le concept « Back to the Bus » pourrait se traduire par ‘La playlist des artistes dans le tourbus’. Les p’tits gars de Funeral for a Friend nous étonnent pas leurs choix. On aurait pu s’attendre, à priori, à un album promotionnel pour la scène néo métal ou emo core. Que Neni ! Ce « Back to the Bus » pourrait constituer une programmation idéale pour une émission dominicale de Classic 21.
Queen ouvre le bal par le sautillant « Don’t stop me now », suivi de Dub War et du classique « Enemy Maker ». Le « Midlife Crisis » de Faith No More, tout comme le « Take a picture » de Filter, nous rappellent que ce ne sont ni Korn ni les Deftones qui ont inventé le US néo métal. Deux grands classiques du hard rock suivent. Deux monuments incontestables ! « More than a Feeling » de Boston, et « Ain’t talkin about Love », titre phare du premier opus de Van Halen. Des hits intemporels, du bonheur tout simplement. Le trash métal fait également partie de la culture des musicos de Funeral for a Friend. Pantera, The Haunted et surtout Megadeth pour l’énorme « Holy War » n’ont aucune pitié pour nos tympans. Pour conclure un autre classique des classiques : le titre éponyme de Black Sabbath. Et surprise ultime, le king de la country destroy, Johnny Cash et son incontournable « Folsom Prison Blues ». Bref, rien de neuf à l’horizon, mais une compile sympa à écouter en voiture ou à prêter à une copine qu’on voudrait initier au métal sous ses formes les plus diverses.
Les amateurs de rock anglais en font des gorges chaudes (d’ailleurs, la fellation au thé chaud, c’est pas mal), alléchés depuis perpète par des singles bien cintrés (« Wasted Little DJs », « Superstar Tradesman » et « Same Jeans »). Sur ces solides assises, The View peut ensuite dérouler comme à la parade l’une ou l’autre ballade enlevée entre ses coups de sang plus rock qui n’attendent que le stade pour le soutenir. Entre clin d’œil et hommage à ses idoles (mais entre Babyshambles et Dirty Pretty Things, qui choisir, semble se demander le groupe), le quatuor écossais trousse tout un chapelet de chansons clé en mains en trois minutes chrono (va donc, va donc chez Speedy). Arctic Monkeys, The Kooks, Kaiser Chiefs : les aficionados ne jurant que par le pop/rock anglais sont aux anges en ce moment. Il leur reste à réserver une petite place à The View dont le premier album fougueux, punky, ou légèrement ska, ne devrait pas les laisser de glace. Par contre, pour le côté original de la chose, on repassera.
On n’a ni vu le film de Koen Mortier ni lu le roman d’Herman Brusselmans (dont il est adapté), mais on n’achète pas non plus le Humo, et encore moins les disques d’Absynthe Minded. Heureusement le cinéaste flamand aime le vrai rock’n’roll, celui qui n’a pas -au demeurant- de couleur nationale, qui s’occupe avant tout de secouer l’échine, pas de nous emmerder avec des toquades grotesques à la Yves Leterme. Au rayon des groupes belges on retrouve donc sur cette B.O. aussi bien Millionaire (une cover racée du « Mongoloid » de Devo et un inédit) que Blutch (sludge/doom « bourré massacre »), Madensuyu que l’Experimental Tropic Blues Band, Arno (en ostendais) que Ghinzu (« Blow », bientôt sur Stubru ! (rires)). Mention spéciale à Flip Kowlier, le troubadour limbourgeois qui rappe (‘T Hof van Commerce) autant qu’il rocke (ici, à la Tim Vanhamel), même si le yodle qui lui sert d’accent nous laisse plutôt perplexe. Wablief ? Ce n’est pourtant pas une fiction : le rock’n’roll transcende bel et bien les frontières. Cerise sur le gâteau : Lightning Bolt (l’énorme « 2 Morro Morro Land »), Isis et Mogwai en invités vedettes. On n’a pas vu le film mais sa B.O. témoigne déjà d’une épatante prise de risque : à quand Ignatz et K Branding chez Joachim Lafosse ?
« Turn The Lights Out » n’est pas le meilleur album des Ponys. Ceci est dit. N’empêche, l’animal est loin d’être calmé. Depuis « Laced With Romance », signé sur l’écurie In The Red, on connaît ces Ponys : bêtes dangereuses, boostées à la guitare fuzz, biberonnées aux hymnes de My Bloody Valentine, bien plus heureux au galop dans leur garage qu’au trot dans un studio. Les plus médisants argumenteront que cette nouvelle plaque est foutrement léchée. On les renverra sagement au dernier album de Kaiser Chiefs en se resservant une dose de « Turn The Lights Out », excellente fricassée de psychédélisme noisy. Inutile de tourner autour du pot : Jered Gummere et sa bande savent torcher des tubes incandescents. C’est bien simple, en moins d’un titre (on optera volontiers pour « Small Talk »), le son bourdonnant de la basse vous décolle les tympans. Sans peine, la formation nous transporte alors dans ses tourments (« Poser Psychotic »), prônant la dépendance (« Everyday Weapon ») jusqu’à en crever (« Harakiri »). Bouge ton cul, mange de l’avoine et lève le poing : il n’est pas trop tard pour découvrir cette excellente formation. Si ce nouvel album reste moins foudroyant que ces prédécesseurs, les Américains parviennent néanmoins à faucher la concurrence à grands coups de sabots magiques. C’est comme ça. Rien n’y fait : on les aime ces petits Ponys !
Dès les premières notes de cet album, une crainte nous envahit. La crainte de devoir ranger cette plaque dans le rayon electro-rock qui commence petit à petit à saturer. Cherchant à se faire une place au soleil, tous ces groupes noyautés par ce style sont devenus des victimes de leur ambition croissante. Oui mais, c’est compter sans la lucidité de A Cloud Miryea qui sait pertinemment bien où poser son vaisseau. Les voix de Claudia Deheza et Guillermo S. Herren déjouent les pièges de la routine synthétique en propulsant avec force, calme et circonspection toute leur tendresse. Les mélodies suaves débordent en 12 titres, sans ambition démesurée, sans saturation excessive. Formé depuis 2004, ce duo pose un son simple mais goupillé de main de maître. Choisissant une guitare pour partenaire, l’ascension des 58 minutes de l’elpee s’opère dans une facilité déconcertante. A la manière de Laetitia Sadier (Stereolab, Monade) l’écho du bien-être est largement dominant. La batterie redessine de temps à autre le rythme, partageant la vedette ; avec quelques effets electro de bon aloi. Le tout s’harmonise sans faute, sans se voler la vedette, car si vedette il y a, elle doit définitivement beaucoup aux voix envoûtantes, recouvrant la structure brute. Le mélange de ces éléments est savoureux. Un très bel album qui tient la route et mérite sa place dans notre classement vers le haut.
Aussi lourd qu’une intégrale de Black Sabbath qu’on aurait lestée de plomb, ce troisième album des Allemands de Voodoo Shock ne séduira que les accros de Pentagram, Saint-Vitus ou Reverend Bizarre. Vocaux rocailleux et plaintifs, guitares grasses et torturées, tempos lents et mélodies dépressives…Le groupe navigue bien dans les eaux troubles et souillées du doom métal le plus sombre et le plus mélancolique. Si la musique se veut pénétrante et dérangeante, le chant emprunte la voie tracée par Robert Plant, mais surtout Ozzy Osbourne. Sabbath est indéniablement la source d’inspiration première de ces « joyeux lurons ».
Sur des titres tels que «Feeding Flames with letters » ou « « Miserable mercy », Voodoo Shock s’appréhende comme un long trip dans un tunnel sans issue. Les musicos n’ont peur de rien, et s’ils sont capables de poser calmement leurs accords pour densifier l’atmosphère, ils n’hésitent pas à braver le temps et à mettre les nerfs des auditeurs à l’épreuve en développant des titres frôlant les dix minutes. C’est dur, misérable, viscéral, mais hélas trop souvent lassant. A l’instar du très funèbre « You don’t need to fear death », titre pharaonique et pesant à déconseiller aux consommateurs de Prozac et de Valium. Pour ‘doomers endiablés’ et public averti uniquement !
Ouaaaaiiiis, chouette un petit groupe rock-punk à première vue bien sympa. Une pochette un peu minimaliste, des titres aguicheurs : « J’écoute les Cramps », « Le Gang », « Mr Hyde », tout ressemble à un bon petit truc bien péchu, dépourvu de prise de tête. Mais c’est quand le concret commence que l’on se rend compte de la supercherie. BB Brunes ? Qu’est-ce que c’est que ce truc ? Un groupe qui, semblerait-il, réunit une armada de fans ! Sont-ils sourds ? Complètement plat, tant dans les mélodies que les textes (‘C’est la belle qui nous rate, ces gars n’ont rien compris, c’qu’on veut c’est de l’audimat, des filles et du whisky’), la plaque de ce trio ne décolle jamais, faute de bagage, de sérieux et de qualité. Comment d’ailleurs pourrait-on faire décoller la musique de cette bande d’énergumènes, profiteurs sans-gêne du mouvement vintage punk ? A aucun moment un éclair de bon goût n’apparaît. Réécouter l’album dans d’autres dispositions ne sert à rien. C’est nul, archi nul et je reste sympa ! La vraie question reste : quelles sont leurs réelles influences ? Parce que si ces gars vous disent qu’ils écoutent les Cramps, ne les croyez surtout pas ; ou peut-être n’avons-nous pas écouté les mêmes albums… « Blonde Comme Moi » est disque à éviter absolument. D’ailleurs, vu son titre c’est presque une insulte.
Vaut mieux s’en foutre qu’écrire une critique de cet album (version pour les pigeons).
Pour la deuxième fois, l'association Tournai Prog Event a préféré l'audace au confort. En effet, son affiche regroupait à nouveau trois groupes quasi sans notoriété. Comme l'année dernière, sous l'enseigne 'An Italian Prog Night', l'événement s’est déroulé au Foyer Culturel d 'Antoing. Un site qui a déjà hébergé plusieurs concerts de l'association, et dont l'équipe s'avère toujours enthousiaste et efficace. Un peu froide d'aspect, cette salle s'avère d'une excellente acoustique.
Je ne m'étendrai pas sur Sad Siberia qui ouvrait la soirée. Ce jeune groupe wallon pratique un metal-sympho gothique caractérisé par la présence d’une voix féminine. Et bien qu'on ne puisse lui adresser aucun reproche majeur, Sad Siberia n'apporte pas de plus-value à un genre désormais fort encombré.
AmAndA ensuite. Et a mis le feu. Son show repose essentiellement sur son deuxième CD, largement inconnu du public, puisqu'il paraîtra seulement le 2 mai. En quelques années, AmAndA a acquis une maturité impressionnante sur scène. Chanté en français, son rock progressif mêle habilement lyrisme, metal, audace, espièglerie et séduction délibérée. Il se pose maintenant comme l'un des plus prometteurs du Royaume. Le show est bien sûr dominé par le chanteur Thibaut de Halleux, véritable bête de scène, volontiers cabotin, qui ce soir s'est complètement lâché, offrant une prestation très physique et pleine d'emphase. Séquences d'humour, masques et accessoires inclus. Sans oublier sa très bonne voix, tour à tour chaude et claire ou haut-perchée. Mais à vrai dire, personne dans le groupe n'est en reste. Claude (basse) et Greg (batterie), les plus discrets, assurent une rythmique sereine et redoutable, tandis que Mik3 se démène sur ses claviers au point d'être difficile à photographier. Reste les deux guitaristes, Saaam et Xavier, aux jeux très complémentaires et à la complicité palpable. Malgré le son et l'éclairage perfectibles, ce groupe en pleine forme a accordé un concert ébouriffant et très convaincant.
After a eu la tâche difficile de passer tard un dimanche et après la tornade AmAndA. Dans un style très différent. Le groupe polonais nous a pourtant offert un concert fort agréable. Sa musique, servie par une excellente voix, est très atmosphérique et peut évoquer Pink Floyd aussi bien que le compatriote Quidam. Le set adopte un lent crescendo. Et quand les musicos s'agitent, on approche aussi l'incandescent Riverside. Les nouvelles compositions annoncent d'ailleurs un durcissement de ton. Certes la communication avec le public est assez limitée, vu la barrière de la langue. Et ni musiciens ni chanteur ne sont très extravertis sur scène. Malgré ces réserves, cette prestation s’est révélée séduisante, et méritait vraiment plus de peuple.
Dernier détail: ce genre de concert permet à chaque fois de dialoguer avec les musiciens autour d'une bière. Et c'est toujours un réel bonheur, qui se prolonge parfois tard dans la nuit…
Organisation : Tournai Prog Event / Foyer Culturel Antoing / Auberge de Jeunesse Tournai
Message personnel à Chantal Lauby : ‘Cher Chantal, vous m'avez fait rire pendant toute mon adolescence. Hier soir, votre fille et sa bande m'ont fait passer un bon moment de rock péchu comme je les aime. Soyez donc doublement remercié.’
Bon, ça c'est fait. Superbus à la Palestre au Cannet, donc... En première partie, Le Comte de Fourques. Sympathique bonhomme, il se produit au sein d’un line up classique. Un trio guitare/basse/batterie. Il se cherche encore un peu sur le plan musical : de bonnes chansons mais qui ne se différencient pas vraiment du paysage actuel. Les textes sont plutôt bien trouvés ; mais une chose est sûre, il affiche une présence scénique indéniable. A suivre donc.
Arrivée ensuite de l'attraction principale. Jennifer. Enfin. Précédée de sa bande. Placé dans la fosse entre la scène et le public, je me retrouve alors instantanément au milieu d’un public d'ados déchaînés. En particulier les filles, fringuées dans le style de la demoiselle. Le groupe lui-même maîtrisant assez précisément son look, on se croirait dans un film, et ce n'est pas désagréable à vivre. Sur scène, ses musiciens déjà sur les rails, Jennifer s'empare du micro, manifestant l'intension manifeste d'en user énergiquement.
Le concert démarre en trombe, et se déroulera pratiquement sans aucun temps mort. Jennifer est évidemment bien plus qu'une jolie poupée ‘bubblegum’ ; elle tient la scène avec panache, et est capable de mettre le public dans sa poche. Un exemple ? Lors des rituelles salutations de bienvenue, elle nous explique qu'ils ont un plaisir particulier à être à Cannes (on n’est pas vraiment à Cannes ; mais bon, ne chipotons pas), Michel (l'un des guitaristes) et elle-même étant du coin. Il est donc rassurant de voir que cette ville peut engendrer autre chose que des mémères en manteau de fourrure.
Coté spectacle, les garçons qui l'accompagnent ne sont pas en reste. Même si Superbus n'est sur le devant de la scène que depuis peu, c'est leur 3eme album et ils ont un sacré métier. Mouiller la chemise n'est pas qu'une image dans leur cas, à voir l'état de Patrice, l'un des deux guitaristes, et du batteur.
On peut regretter une trop grande homogénéité des chansons. Difficile souvent de les différencier. Il semble hélas que la scène ne les ait pas beaucoup inspirés du point de vue des réarrangements. Néanmoins le temps passe assez vite, et le groupe s'éclipse un court moment avant de revenir pour un long rappel, qui se termine en feu d'artifice sonore.
J’émettrai une réserve vis-à-vis des jeux de lumières. Elles restent purement fonctionnelles pendant une bonne partie du concert. Ce n'est qu'au bout de quelques chansons qu'elles s'étofferont un peu ; en particulier à cause des trois lettres blanches 'W O W' qui servent de fond au décor. Elles sont judicieusement exploitées, changeant de couleur au gré des ambiances de chaque chanson.
Bref, au final, un très bon concert. Allez les voir si vous en avez l'occasion.
RESET, c’est revenir sur ses pas. Signer un nouveau départ. Voilà trois ans qu’à l’exception de quelque Sonic Youth et autres, la programmation des Halles de Schaerbeek laisse perplexe. Récemment passée dans les mains de Marc Jacobs (Recyclart), la renaissance est espérée pour ce printemps 2007. Pas étonnant de trouver ainsi à l’affiche du RESET Festival, une programmation percutante, à l’image de la métamorphose tant attendue.
La salle s’emplit rapidement, malgré les débuts hésitants et chaotiques de The Eternals, dont la molle performance disco-punk fait regretter la fraîcheur et l’efficacité du disque ; regards sceptiques et déçus sont échangés, avec plus ou moins de discrétion chez ceux qui huent sans réserve une prestation ne décollant guère.
Encore à froid, l’entrée gargantuesque de Detroit Grand Pubahs tombe comme un cheveu dans la soupe. L’allure bûcheronne de « Paris The Black Fu » et l’imprévisible bouillonnement de funk, techno, cabaret et dark dancefloor fait sourire. Musique hybride déversée sans complexe par quatre énergumènes en perruque ou masqués. Les réserves tombent, on rit sous cape. L’effort de mise en scène est apprécié ; mais, l’effet de surprise dépassé, l’assemblage difforme n’augure rien de bien convainquant. Las, on aspire à un son plus entier, engagé dans des formes obtuses et entêtées plutôt qu’éclectiques et essayistes.
Le Dieu rockeur a entendu nos prières ; l’entrée de Dj Rob Hall canalise d’emblée les énergies dispersées, et quelques beats simples et efficaces suffisent à l’engouement. C’est puissant, inattendu de la part d’un nom discret et feutré, souvent aperçu en tournée à l’ombre d’Autechre –en compagnie duquel il a par ailleurs fondé le label ‘Skam’. Rob Hall, en DJ old-school et acid, fait évoluer sans heurts un set volontaire et charismatique. Impossible de résister à ces beats bruts et dansants ; et la moitié de Skam démontre qu’il peut aussi exceller dans la promotion d’une électronique basique exempte de tortueuses bizarreries.
Parfaite dépense d’énergie pour accueillir, temporairement exténués, l’électronica déconstruite d’Autechre (Warp). La salle est à fleur de peau, les yeux brillants et toute en sueur ; il en faut peu pour tomber dans la jouissance lorsque s’élève une première nappe délicieusement psychédélique. Beaucoup sont venus avant tout pour plonger dans cette étrange expérience musicale toujours en quête du décalage, de l'accident, du choc sonore saisi au creux d’un savant calcul mathématique. Plus conciliant que d’habitude, c’est, à l’exception de quelques reliefs ingrats, un set accessible même pour les néophytes ; presque fluide, et en tout cas dansant. Inattendu de la part d’un groupe pour qui les prestations live ne sont pas toujours l’idéale mise en valeur d’un son déconstruit. Si Autechre est passé maître dans l’art de s’échapper à mille lieues de l’album pour un live imprévisible -parfois difficile à pénétrer-, la formation a néanmoins réussi la gageure de captiver sans jamais s’enraciner. Ultra expérimentale, cette électro en mode free-jazz nous offre un moment hors du temps, nichée au creux de ces aléatoires sonores, tantôt indigestes tantôt transcendés de crescendos jouissifs. Jamais indemnes, les fans tombent, en transe, dans une nouvelle addiction.
Après telle émotion, l’ambiance ne peut en aucun cas retomber, et, aussi instantanément que s’évanouit l’univers tortueux et fascinant d’Autechre, on perçoit les premiers beats du brillant James Holden. Véritable génie, inclassable, avant-gardiste, le jeune Anglais n’hésite pas à rapprocher acid house, techno, trance et électro. Reconnu pour ses nombreuses collaborations, en signant notamment sur son propre label (Border Community) les Nathan Fake, Petter, The MFA et Lazy fat people, il se pose en figure incontournable pour un festival électro qui se veut varié, prometteur et explosif. James Holden étonne par ses beats inattendus, mais toujours sophistiqués et livrés avec franchise. On savoure tant les morceaux glissant directement vers le dance-floor, que les plus introspectifs dans la lignée de Boards of Canada. Oui, l’électro expérimentale fait encore danser.
Le set s’achève sur une poussée d’adrénaline, et, sans avoir le temps de figer son enthousiasme, Dj Darko –renommé pour ses Statik Dancing au Recyclart– lance un set rapidement sur les rails, malgré un public qui s’effiloche. Pas de regrets, et l’envie d’appuyer à nouveau sur la touche RESET. Rendez-vous à la seconde édition, prévue fin avril.
Organisation : Vaartkapoen Bruxelles en collaboration avec les Halles de Schaarbeek
Le groupe Eiffel a livré une performance très électrique lors du Festival des Enfants du Rock à Nice, ce jeudi. Dans une salle malheureusement trop petite, et pourtant peu remplie faute de presse, toutes les personnes présentes ont pris en pleine figure un rock basique, et d'une énergie impossible à éluder. Difficile de ne pas faire le rapprochement (pas déshonorant pour eux) avec Noir Désir. Faut dire que la ressemblance entre le chanteur Romain Humeau et Bertrand Cantat accentue cette impression. Voir l'intensité avec laquelle il se livre ne peut laisser indifférent tout amateur de rock qui se respecte, et la salle y a clairement répondu. Si leur nouvel album, "Tandoori", reste dans la lignée des précédents, sur scène le groupe mérite définitivement le coup d'œil et d'oreille.
Auparavant, le groupe Solid State, nouveau venu sur la scène niçoise, a assuré une première partie sans faille. Ces hard-rockeurs venaient la semaine dernière de prouver leur aisance instrumentale et leur cohésion lors d'un set acoustique tout aussi efficace que leurs prestations électriques. L'équilibre entre leur technique, un bon sens de la mélodie, et une présence scénique qui s'affirme sans les clowneries auxquelles se livrent trop souvent ce genre de groupe, leur permet d'assurer bien au-delà du cadre hard-FM dans lequel on pourrait les croire inscrits. Petit bonus en prime, une nouvelle chanson ("Solid"), qui ne dépareillera pas du premier album.
Où auriez-vous déjà entendu ce morceau? Dans Dawson ou autre série pour teenagers du genre? Non, mais il est vrai que la musique de No Polyester (un quintet batave) serait parfaite pour ce style télévisuel : une pop rythmée, propre, sympathique et efficace mais sans originalité particulière. Malgré ce bémol, le format plutôt commercial des titres réunis sur ce disque pourrait facilement alimenter… la bande FM.
Membre fondateur des turbulents Jaga Jazzist, des Shining et du Magic Orchestra de la belle Susanna, Morten Qvenild n’est pas ce qu’on appelle un tâcheron : il imprime de son malicieux doigté bon nombre des meilleurs disques issus de la scène néo-jazz norvégienne, pour la plupart sortis sur les excellents Rune Grammofon et Smalltown Supersound. Pour le deuxième album de son trio In The Country, le pianiste ravive la flemme d’une musique environnementale, qui s’appuie davantage sur les atmosphères que sur des mélodies trop apprêtées. Comme colonne vertébrale il y a donc ce piano, qui donne le ‘la’ avant que ne suive le reste, à l’avenant (une batterie modeste, quelques riffs, signés Marc Ribot à deux reprises). Si les rares incursions vocales rappellent Bed, Archer Prewitt et The White Birch (le joli « Don’t Walk Another Mile » en clôture, fredonné par Qvenild himself), c’est à E.S.T. et F.S. Blumm qu’on pense - même quand nos pensées divaguent ailleurs, dans un autre espace-temps où ces harmonies n’ont finalement qu’un poids moyen, mais au diable la lourdeur. ‘Everyone live their life/Everyone’s going to die’, alors à quoi bon s’escrimer ? Voilà un bon disque de jazz qu’on pourrait dire ‘contemporain’, autrement dit qui marie les genres avec beaucoup de bonheur (le très pop « Kung Fu Boys »). De l’art de l’‘hybridation’ en somme ? On peut l’écrire, mais au final tout ça n’est que snobisme… Si quelqu’un cite Satie, je sors mon revolver.
Son dernier album solo (You My Baby And I) datait de 1998. Autant dire un sacré bout de temps pour un artiste qui adore bosser et n’est pas vraiment réputé pour son laxisme artistique. Et comme Alex Gopher est encore moins réputé pour sa conventionalité, il a carrément décidé de fêter son retour en studio par un (nouveau) changement de style. L’idée : délaisser les platines pour céder à des sonorités beaucoup plus rock. Après avoir réalisé un album purement électronique sous le nom de Wuz, le gaillard s’est mis à réfléchir, puis à fléchir devant l’appel des guitares et des batteries, en profitant, au passage, des conseils de son ami Etienne de Crécy pour se lancer dans le chant. Le sampler étant devenu trop routinier dans sa vie, il s’est tout simplement mis en tête de revenir aux saveurs de base de la musique.
Du coup, forcément, on est légèrement perturbé. Ce virage brusque ne provoque certes pas de carambolage, mais il suggère une question : aurait-on été aussi tolérant s’il n’était pas signé Alex Gopher ? Optons pour une réponse claire : oui et non. La qualité est au rendez-vous à travers la plupart des titres, que ce soit dans le sautillant Brain Leech ou le tonitruant Carmilla, deux tubes programmés pour concilier les fans de la veille et les dancefloors d’aujourd’hui. Ajoutez-y l’ombre bienfaisante du groupe Air (Jean-Benoît Dunckel et Nicolas Godin ont mis la main à la pâte) ou la brise apaisante nommée Helena Noguera, et vous obtenez la recette parfaite du retour en force et en forme. Mais il y a un hic : on s’ennuie. Ecouter l’album en une seule traite relève du défi, tant monsieur Gopher dénigre la cohérence et choisit trop souvent la formule ‘je vous remue les pieds, puis je vous invite à la sieste’. Ce premier album en tant que chanteur-auteur-compositeur mérite donc le coup d’oreille, à condition d’aimer les cocktails caféine-tisane.
Allons droit au but : les fans du premier album peuvent se ruer les yeux fermés sur cette nouvelle salve de bombes envoyées par l’Américain James Murphy. Car le constat est en tout point identique à celui fait en 2005 : le gaillard possède un don sauvage pour exciter chaque partie de notre cortex avec une énergie et une conviction ardentes. Dès l’ouverture, la messe est déjà presque dite, lors d’un élégant « Get Innocuous ! » transformant le « Robots » de Kraftwerk en objet d’extase pour dancefloor. Ensuite, l’ambiance ne s’essouffle qu’à de rares occasions, juste le temps d’apprécier quelques judicieux moments de faux égarement, à l’instar d’un « All My Friends » contemplatif dont l’atmosphère n’est pas sans rappeler celle de « The Sunshine Underground » des Chemical Brothers (pour lesquels notre homme a d’ailleurs déjà réalisé des remixes). Entre riffs taillés au canif et rythmes plus robustes, electro-punk enjoué et pop craquelée, le fondateur du label new-yorkais DFA s’amuse comme un bougre et nous délecte sans tabou. Allez, osons le mot… Indispensable.
Chris Caffery appartient à cette race de musiciens qui multiplient les collaborations et les projets les plus ambitieux. Après l’expérience Doctor Butcher et le succès du colossal Trans-Siberian Orchestra, le guitariste du ‘cultissime’ groupe américain Savatage débarque flanqué d’un troisième album solo nerveux, énergique et sombre. Il y assure toutes les parties vocales et bien entendu les guitares. Pour enfanter ce « Pins and Needles » qui enchantera les fans du Savatage époque « Hall of the Mountain King », Caffery s’est entouré de grosses pointures. Nick Douglas (Doro) à la basse, Yael (Fireball Ministry, My Ruin) derrière les fûts, Paul Morris (Rainbow) aux claviers, et une dizaine d’invités parmi lesquels deux violonistes, un chanteur d’opéra et un saxophoniste.
Le résultat est plutôt époustouflant, et on se laisse charmer dès le titre d’introduction. Speed et mélodique « Pins and Needles » donne le ton. Les guitares sont tranchantes et les vocaux –c’est étonnant- évoquent l’organe magnifique de Jon Oliva (Savatage). Plus posé au niveau du tempo, « Sixty-six » entretient une ambiance lourde. Caffery est particulièrement à l’aise dans son rôle de chanteur, et les musiciens domptent parfaitement les compositions du maître. Encore plus glauque, mais non dépourvu d’un sens du second degré, « Torment » est ses guitares ‘slayerisantes’ dévoile la facette la plus agressive de Chris Caffery. L’accroche mélodique de « Walls » nous rappelle que le ‘gratteux’ est aussi un compositeur d’exception et qu’il a largement contribué à forger le style Savatage. On accroche moins à « Sad » et à « Chained », mais la machine repart de plus belle sur un « Worms » au refrain entêtant, tandis que balayé de nappes de violons, « Metal east » parodie les comédies musicales américaines. Probablement le titre le plus original de cette plaque aux multiples vertus. Chris Caffery défendra cette nouvelle petite bombe lors du Pestpop Festival qui se déroulera le 21 avril prochain à Wieze.
‘Rivers of shit… mouth to anus… all that blood and no pain ?… she kissed my wrists slashed… Cthulhu… hate the living… something wicked is born’ : Pox, L.Monger et M.Shit racontent sans doute n’importe quoi, mais c’est normal ils jouent du grind, où la parole en général est loin d’être évangile. Eructés, ces mots perdent leur sens : qu’ils évoquent tous les clichés du metal et qu’on s’amuse de leur ignominie, en fin de compte peu importe, puisque l’essentiel réside bel et bien ailleurs. Dans cette basse vrombissante qui déchire le ciel, dans cette batterie qui court avant le troupeau de bisons, à l’attaque, tête baissée et le mufle fumant... Même pas. Ce qui distingue Trencher du tout-venant grindcore, c’est un petit clavier (pour gosses ?) dont l’usage se révèle assez rare dans la sphère metal. Un Casio, tout bêtement, qu’on imagine en bien piteux état à force d’être frappé dans tous les sens. Que ceux qui aiment les dandys d’An Albatross et les mouches de Locust tendent ici leurs deux oreilles meurtries : ça dure 24 minutes (dont 5 de bruit blanc) et ça donne bien la patate. Bien farineuse la patate, mais cela va sans dire.
Formé par des anciens musicos de Jaded Heart et de Casanova, le teutonique Mad Max a tourné intensivement au cours de l’année 2006 en première partie de Deep Purple, d’Alice Cooper et du compatriote Axel Rudi Pell. L’occasion de promouvoir « Night of White Rock », un disque alignant une succession de titres basiques, stéréotypés, trop propres, voire sirupeux.
Son successeur, « White Sands », n’a guère plus d’ambition et rappelle un Stryper fatigué ou un Whiteheart au plus bas de sa carrière. Les amateurs de hard FM musclé trouveront peut-être leur bonheur sur le mélodique et entêtant « We Fight In White », hommage aux rockers chrétiens de Petra ou encore sur le ‘bonjovien’ « Someone like you » qui commence par une guitare passée dans une talk box, sonorité popularisée par Richie Sambora sur le hit planétaire « Livin on a Prayer ». Mais deux bons titres sur une galette qui en propose dix, c’est un peu léger…
Ce 11 avril, Joss Stone aura tout juste 20 ans. Pour fêter cet anniversaire, notre gamine de la soul dévoile un troisième album très attendu. Après le décevant « Mind Body & Soul », elle se devait de nous rappeler avoir été encensée lors de la sortie de ses « Soul Sessions », alors qu’elle n’était âgé de 16 ans… Hélas, mille fois hélas, on est envahi par une curieuse sensation de gâchis. La voix, sublime, domine certes les ébats avec une force qui a de quoi donner des boutons à toutes les Beyoncé du monde. Les arrangements sont également impeccables : le producteur et multi-instrumentiste Raphael Saadiq (Angie Stone, Erykah Badu, Kellis, etc.) a fait du très bon boulot. Mais à force de vouloir rallier trop de monde à sa cause en alternant les rythmes r’n’b, les effets pop et les élans soul, Joss Stone égare son talent dans un bien fade semblant de cohérence. Retenons tout de même quelques titres : « Tell Me What We’re Gonna Do Now » commis en compagnie de Common, le séduisant « Arms Of My Baby » ou encore le duo que partage Lauryn Hill, sobrement intitulé « Music ». Hormis ces quelques plages, on reste sur sa faim, non sans songer au potentiel immense de la diva qui se cache quelque part et risque, dans les années à venir, de gagner en maturité. Et là, ça pourrait faire très mal.
Pour fêter ses 25 années d’existence, Indochine a donc décidé d’enregistrer un album ‘live’. Mais pas n’importe où ! A Hanoï, au Vietnam. Et en compagnie de l’orchestre philharmonique local. Une manière également de rendre hommage à Marguerite Duras, dont le groupe s’était inspiré pour choisir son patronyme. Femme de lettres disparue voici dix ans, elle avait longtemps vécu en Indochine. Une telle expérience n’est jamais sans risque. Et pourtant, il faut reconnaître que la bande à Nicola Sirkis est parvenue à tirer son épingle du jeu. Les moins bonnes adaptations sont paradoxalement « L’aventurier » et « Trois nuits par semaine ». Le rythme imposé aux chansons y est sans doute pour quelque chose. Tout au long de ces deux compos, on a l’impression que l’orchestre de 70 musiciens court derrière le groupe. Pour le reste, on est subjugué devant tant de magie. Mention spéciale à « Tes yeux noirs » imprimé pour la circonstance sur un mid tempo. Et si vous êtes inconditionnels d’Indochine, vous ne pourrez que succomber aux versions symphoniques de « Justine », « J’ai demandé à la lune » « Ceremonia » ou encore « Sweet dreams ». Cette sortie est doublée par la gravure de l’événement sur un double DVD. Mais ne m’en demandez pas plus, je n’ai pas encore eu le loisir de le visionner…
Pour enregistrer son deuxième album, Kaiser Chiefs a reconduit Stephen Street (The Smiths, Blur) à la production. Et il faut reconnaître que la mise en forme est époustouflante. Un disque qui regorge de hits et rend quelques lettres de noblesse à une britpop en nette perte de vitesse. 12 plages hymniques, contagieuses, imparables à siffloter sous la douche. Ce qui n’empêche pas les nuances de proliférer ; l’énergie et l’électricité de se libérer. On a même droit à une ballade semi-acoustique empreinte d’une grande délicatesse (« Love’s not a competition ») et une autre, « Try your best », adressant manifestement quelques clins d’œil à la bande à Damon Albarn ainsi qu’à Oasis… Si plusieurs plages lorgnent manifestement vers l’univers de Blur circa « The great escape », les références à la new wave des eighties sont légion. Et en particulier celles relatives à Tears For Fears, Naked Eyes et Chumbawamba (les chœurs vindicatifs !) Alors que « My kind of guy » émarge à une sorte de post punk presque déclamatoire (imaginez un Eighties Matchbox B-Line Disaster hospitalier), deux titres optent résolument pour une formule plus garage : « Highroyds » et ses riffs ‘fuzz’, tranchants, et puis le final « Retirement » au cours duquel claviers ‘vintage’ et guitares poisseuses remplissent bien l’espace sonore. Mais ce qui frappe le plus tout au long de ce disque, c’est le timbre et les inflexions du chanteur, Ricky Wilson : ils n’ont jamais été aussi proche de David Gahan (Depeche Mode). « Employement », l’album précédent s’était vendu à plus de 2.000.000 d’exemplaires en Angleterre. Après ce que je viens de vous raconter, il n’est pas difficile d’imaginer que le record sera nettement battu…
Publiée il y a une dizaine d’années sous forme de vinyle, « Roots of rumba rock » connaît enfin les honneurs du cd. Quarante titres enregistrés entre 1953 et 1955 pour le label Loningisa par les musicien(ne)s qui vont contribuer à définir la rumba congolaise. Un témoignage des premiers pas d’un genre musical qui allait essaimer sur le continent africain comme un souffle de liberté et d’émancipation dans un continent colonisé. Mélange de musique traditionnelle congolaise (usage fréquent des likembés), des rythmes caribéens (popularisés dans un premier temps par…Tino Rossi) et de fanfare, la rumba congolaise est aussi le fruit de la grande mixité culturelle qui avait cours dans les années 50 à Léopoldville, vitrine officielle de l’empire colonial belge. L’auditeur y découvrira les stars de l’époque (Bowane en tête) mais aussi une musique richement mélodique et percussive, conçue pour la fête, dont les paroles amusées et ironiques constituent une véritable chronique sociale du Congo Belge. Au fil des titres, la guitare électrique fait son apparition, de même que le Solovox, un clavier ancêtre des synthétiseurs, belle preuve de l’approche résolument moderniste des musiciens impliqués. Chaque titre est abondamment commenté dans un livret fort intéressant enrichi par des photos de toute beauté. Musicalement, c’est surtout la ressemblance avec la musique des Caraïbes qui surprend. Pour s’en convaincre on vous conseille de (re)découvrir la compilation « Mento Madness, Motta’s Jamaican Mento 1951-56 » dont les traits communs sont évidents ; bel exemple du ‘zeitgeist’ ayant sévi dans les années 50.
On aurait tort de résumer Manu Dibango à son tube « Soul Makossa » ; même si certains considèrent cette compo devenue culte dans le New York underground des années 70, comme le premier morceau disco. Le label Luaka Bop nous avait déjà révélé quelques indices sur les travaux du bonhomme sur la compilation « World Psychedelic Classics 3 ». On approfondit le sujet grâce à Hy&Fly qui exhume cette série d’instrumentaux fiévreux et psychédéliques composés pour la télévision française, au début des années 70. Un mélange enthousiasmant de soul et de funk, caractérisé par un déluge de percussions et de solos acides ; le tout servi avec l’‘african touch’ qui fait la différence (Manu Dibango l’avait d’ailleurs baptisée ‘afro-soul-thing’. Une demi-heure de bonheur chaudement recommandée.
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