Shora nous vient de Genève et a déjà tourné en compagnie de groupes aussi divers que Black Dice, The Dillinger Escape Plan ou Suicide. On a connu pire comme curriculum. Pratiquant un post-rock sépulcral tout en évitant sagement les écueils grandiloquents du gothique, les Helvètes nous infligent d’envoûtantes mélopées dont on ne ressort jamais indemne. Contrairement aux grandioses Explosions in the sky, climat réconfortant menant à un orgasme salutaire, Shora s’ébat dans un style raide et glacial. Ici, le climax est au service du grand frisson. Un rouleau-compresseur oppressant qui laisse gisant et pantois. Quelques notes de piano s’égrènent, un orgue clérical pousse à la contemplation. S’ils sonnaient comme ça dans les églises, il y a belle lurette que nous nous serions tous remis à la prière. Tout ici s’apparente à un voyage au cœur d’un esprit contrarié en perpétuel changement d’humeur. Alors, ne cherchez pas, vous ne serez en sécurité nulle part. Adieu bonnes gens.
Si les cavaliers de l’apocalypse devaient un jour déployer leur courroux sur notre misérable planète, il serait de notre devoir à nous tous, pauvres pêcheurs, de lutter contre ces créatures avec les armes dont nous disposons. Exit les armes traditionnelles ! Dieu sait qu’un arsenal ordinaire ne serait point de taille à vaincre ou, tout du moins, affaiblir les quatre paladins de la mort avant que ces derniers ne nous effacent à jamais de la surface de ce globe. Il nous faudra donc être créatifs. Pour ma part, je propose un simple plan. Ayant constaté l’effet dévastateur de ce « Still Not Getting Any… » sur ma personne, je propose d’en faire notre arme ultime, celle par laquelle nous triompheront de la damnation... Plus sérieusement, le second opus du groupe de teenagers canadiens, sorti en octobre 2004 puis réédité cinq mois plus tard dans une « Special Tour Edition », ne contient aucun élément permettant de s’y attarder. Des horripilants « Shut Up ! » et, surtout, « Jump » aux ballades de bon aloi que sont « Crazy » et « Untitled », les gamins de Simple Plan réinterprètent à la perfection le top 10 pop-punk de MTV en n’y apportant absolument rien de neuf. La rage adolescente parcourant les titres « Me Against The World » ou « Welcome To My Life » fera, sans aucun doute, un tabac en musique de fond dans les Skate-Parks mais sera difficilement endurable dans un monde de ‘grands’. A mettre au chaud pour votre petite sœur ou pour le jour du jugement dernier.
Issu de la rencontre entre Eemily Soler, Laurent Mounier et Eric Cihigoyenetche, les Français de People On Holiday viennent de commettre un premier album : "Is It a New Gnu ?" Un opus qui s’inscrit dans la lignée des Eps que le groupe avait d’ailleurs autoproduit. Echafaudé sur une structure, ma foi, fort classique (guitare/basse/batterie), ce trio a le bon goût d’intégrer épisodiquement d’autres instruments tels que les cuivres ou les percussions. Manifestement inspiré par des grosses pointures comme Talking Heads, Sonic Youth ou encore Dionysos, cet elpee est un véritable plaisir pour les oreilles. De la folie pure maîtrisée par un groupe complètement déjanté. Ne poursuivant qu’un seul objectif : vous apprivoiser. Et comment rester insensible à cet accent délicieusement ‘frenchy’ du vocaliste ? Qui chante ses lyrics en anglais, vous vous en doutez. J’ai particulièrement flashé sur trois morceaux. Tout d’abord les très rafraîchissants "Glasses Songs" ainsi que "Whimsical Stories", et enfin "I Am an Exile", plage dont la musique évolue dans un registre assez proche de la mythique et défunte bande à David Byrne. Un disque d’excellente facture qui laisse augurer la naissance d’un tout grand groupe…
Fondé à la fin des 90’s, Okkervil River nous vient du New Hampshire. Une formation drivée par Will Sheff et Seth Warren. Et responsable de 4 albums à ce jour. Guitariste mais surtout chanteur, Will a également développé un projet alternatif, Shearwater, en compagnie duquel il a déjà commis trois elpees : “The Dissolving Room” en 2001, “Everybody Makes Mistakes” en 2002 et “Winged Life” en 2004. Si à l’origine, le line up se résumait à un quatuor, il est passé aujourd’hui à un sextuor. Ce qui explique sans doute la diversification de leur expression sonore. Fondamentalement alt country, Okkervil River évoque tout d’abord Centro Matic. Ou plus exactement South San Gabriel. Surtout dans sa phase la plus acoustique. Aussi gémissante que celle de Johnson (NDR : Will également), la voix de Sheff n’est pas étrangère à ce phénomène. Mais tout au long de « Black sheep boy », Okkervil River a le bon goût de varier les styles, le tempo et l’instrumentation. Une instrumentation riche, très riche même. Bien sûr, les guitares (acoustique et électrique), la basse, les drums sont très présents. Mais aussi la lap steel, l’orgue à soufflets, la mandoline, les percus, le vibraphone et le Wurlitzer ; le tout saupoudré d’un zeste d’électronique. Sans oublier celle que se réserve les invités, parmi lesquels figurent une section de cordes et une trompette. Ce dernier (Michael Kapinus) apportant une coloration très cuivrée à plusieurs des fragments. Un peu dans l’esprit de Calexico. L’elpee recèle même l’un ou l’autre titre plus insolite. Et je pense tout particulièrement à « Black », morceau imprimé sur un tempo new wave et fouetté par une basse caoutchouteuse. Ou encore « The latest toughs », morceau alerte trempé dans la power pop. Plage longue (7 minutes) particulièrement élaborée, « So come back, I’m waiting » nous entraîne dans un voyage sonore tumultueux mais mélancolique parsemé de déflagrations émotionnelles et climatiques, un périple qui s’achève dans la paix d’arrangements somptueux. Le meilleur morceau de l’opus ! Et probablement la synthèse de l’énorme potentiel affiché par Overkill River.
Plus de huit mois après sa sortie, la première pierre de The Others entame son processus d’effritement. Sans se montrer passéiste, il conviendra de souligner la jolie tignasse de ‘Robert Smith’, maladroitement exhibée par le bassiste, Johnny Others (quel nom !). A première vue, on se demande même pourquoi ce speedé des quatre cordes se trimballe un corbeau mort sur la tête. Mais tous les goûts sont dans la nature… Après, le cas du chanteur, Dominic Masters, demeure plus problématique. Célèbre complice de défonce de Pete Doherty, il est régulièrement agité de secousses de folie douce, s’acharne à s’égosiller par le nez (est-ce humainement possible ?) et affiche un inquiétant rictus de perturbé notoire. Ensuite, c’est l’histoire d’un disque volontaire, de titres qui se jettent aveuglément dans une bataille sans ennemi. Peu importe, c’est jouissif. Surfant sur une rythmique empruntée au répertoire de Gang Of Four, « Lackey » entame la mise à feu. « William » poursuit l’effort par l’entremise d’un refrain à hurler saoul, voire complètement bourré. Plus loin, ce sont les Ramones qui sont conviés chez The Others. C’est rapide, urgent et déjà entendu. Mais le tout est beuglé avec une telle passion que le disque s’acquitte rapidement de son plagiat. L’énergie suinte de partout et les mélodies tentent d’imprimer le rythme imposé par ces impérieux gamins londoniens. The Others, des ‘likely lads’ convaincus de l’impact conséquent de l’œuvre des Libertines. Et si, en 2006, l’enfer, c’est ‘les autres’, les Babyshambles démontrent que la chute n’en sera que meilleure : ‘Down in Albion, mister Prime Minister !’, ‘Down in Albion’…
A Birmingham, Magnétophone enregistre les discussions sonores du duo Matt Saunders et John Hanson depuis les premières lueurs du siècle nouveau. Des débats éthérés, hypnotiques qui, doucement, gravitent dans l’air, déposant, ici et là, d’innocentes notes de mélancolie. Evoluant dans une sphère dédiée à l’électronica, le nouvel album de Magnétophone fait la part belle aux collaborations. Et c’est cool ! Puisque Kim Deal est au rendez-vous... En compagnie de Kelley, sa frangine au violon, elle se pose derrière les fûts et participe à une expérience étrange, au gré des boucles hallucinogènes de « Kel’s Vintage Thought ». Toujours belles, les instrumentations tracent de fabuleuses sinusoïdes qui, subtilement, se glissent entre une basse, un clavier, toujours accompagnées d’effets électroniques avenants. Sur « The Man Who Ate The Man », le synthétiseur marque son territoire d’un bout à l’autre, rapprochant l’univers de Magnétophone des structures intelligentes d’Autechre. Parmi les collaborations, la touche écossaise de James Yorkston sur « I’ve Been Looking Around Me » nous rappelle qu’après la pluie et la grisaille, vient le beau temps, les jours meilleurs, le psychédélisme en prime. Comme le confirment les relents psychotropes de « In The Hours After » et « Motion G ». Lentes Superpositions Décompressantes en perspective.
Lagwagon revient de loin. Après nous avoir balancé une demi-douzaine de ‘punk rawk’ acide en pleine poire, après avoir engagé Ken Stringfellow (The Posies) pour un court moment et, surtout, après avoir fait le deuil de son batteur, Derrick Plourde (NDR : il s’est suicidé en 2005), le groupe californien nous offre « Resolve », troublant témoignage d’une incontestable apogée artistique. En addition des riffs, toujours aussi brefs et efficaces, Lagwagon n’hésite pas à dévoiler une écriture plus orientée par les émotions que sur ses efforts précédents. Une indéniable sensibilité se dégage de titres tels que « Days Of New », « The Contortionist » ou l’excellente hidden track « The Chemist ». Un peu plus posé qu’auparavant, le punk rêche du groupe californien laisse parfois transparaître un côté pop-rock familier. Si bien que, par moments, le fantôme des Foo Fighters (période éponyme) plane au-dessus de certaines compositions (« Virus »). Malgré l’absence évidente d’allégresse, « Resolve » s’écoute en définitive comme une virevoltante et sincère ode à l'espérance.
Le groupe bruxellois recueille l’unanimité. Hooverphonic, c’est le Nord et le Sud du pays, Kim Clijsters et Justine Henin sur la même portion de terrain. Depuis la sortie de « Blue Wonder Power Milk » en 1998, le projet totalitaire d’Alex Callier est devenu un buzz énorme. Chouchou en sa patrie, admiré par une cohorte de spectateurs internationaux, Hooverphonic revient aux affaires par l’entremise de « No More Sweet Music ». Le groupe, représenté par le trio Geike Arnaert (voix), Alex Callier (Dieu tout-puissant) et Raymond Geerts (guitare), arpente le même tapis rouge que lors de ses précédentes réalisations. Sous les flashes, les paillettes et le strass de la réussite, ce sixième (double) album trotte sur les hits, bottes en cuir et costard en flanelle pour tout apparat. « Plus de musique douce ? » Et le cul des auditeurs, c’est du poulet ? Soyons sérieux : Hooverphonic inscrit ce disque dans la continuité de son œuvre et, si les 11 titres de cet album ne scintillent pas d’une originalité éblouissante, ils ont le mérite d’afficher une propreté irréprochable. De « We All Float » à « Your Heart Me » en passant par « Wake up » ou l’éponyme « No More Sweet Music », les hits radio sont à nouveau au rendez-vous. Cette collection de tubes, impeccable et propre sur elle, accentue les contours d’une musique évoluant aux confins de l’electronica, de la pop et d’une imagerie cinématographique condescendante Complété par deux DVD et une remise en contexte électronique des titres originaux de « No More Sweet Music », l’album affiche sa générosité et sa volonté exploratoire. Cet album est donc la suite réussie des aventures d’Hooverphonic : une évolution qui conflue au gré d’un long fleuve. Tranquille, forcément. « No More Sweet Music ? »
Projet ‘solo’ de Mike Shinoda, tête pensante de Linkin Park, Fort Minor déverse son premier flot de rimes hip-hop sur un « Rising Tied » commercialement bien ficelé. De la pochette de l’album jusqu’à ses sonorités, l’intégralité de l’univers de Fort Minor résonne comme son équivalent néo-métal. A défaut de créativité, le pseudo-rappeur ressert la formule magique qui fait le succès de son premier groupe : des refrains entêtants entrecoupés de deux ou trois couplets raps bien balancés. Pas étonnant donc de se surprendre à fredonner les airs de « The Rising Tide » ad nauseum. C’est en cette capacité d’interpeller l’auditeur, bon gré, mal gré, que réside tout le prodige de Shinoda. Preuve en est le succès immédiat de « Believe Me », un premier extrait indéniablement engageant. Véritable concentré de singles potentiels, ce 1er album semi-autobiographique conte le parcours du jeune homme, de son enfance (le radical « Kengi ») à sa carrière actuelle (« Get Me Gone », brève lettre ouverte aux détracteurs de son groupe de rock, intelligente mais trop réfléchie pour être sincère). On lui reprochera principalement de ne pas avoir compris le principe du side-project, l’ombre de Linkin Park se faisant parfois trop pesante sur certains titres (« Right Now », « Slip Out The Back »). Outre les collaborations prestigieuses des John Legend, The Roots et autres Common, Fort Minor s’offre également la présence de Jonah Matranga, roi de la multiplication de projets Emo, sur un « Where’d You Go » Jimmy Eat Worldien ainsi qu’un moins probant « Red To Black ». Quiconque aura beau s’efforcer à ne pas adhérer à la nouvelle frasque musicale de Mike Shinoda devra néanmoins lui reconnaître une efficacité incontestable.
Ziriguiboom est une division du séminal label belge Crammed dédiée à la nouvelle musique brésilienne. Constitué d’artistes internationaux (principalement brésiliens mais établis aussi à Londres, New York et Amsterdam), la démarche du label consiste à mettre en avant des artistes puisant dans leurs racines brésiliennes tout en y intégrant des éléments communs à la musique populaire d’aujourd’hui. La musique électronique y est fortement représentée mais aussi le hip hop ou encore le reggae. Ce deuxième volume réunit donc les travaux passés et à venir d’artistes ayant déjà largement fait leur preuve : Bebel Gilberto, Cibelle, Zuco 103 ou encore Bossacucanova. De la musique qui favorise ses éléments dansants et mélodiques mais qui se prête plus aux atmosphères tamisées qu’au bruit et à la fureur propres aux dancefloors. Néanmoins, cette compilation constitue une excellente introduction aux travaux du label et recèle beaucoup de bonnes choses. On citera « Inexplicata », l’excellente bossa psychédélique d’Apollo Nove, la mélancolie électro acoustique de Cibelle manifestée tout au long d’« Esplendor », le plus classique mais plaisant Celso Fonseca, le déjanté « Trancelim de marfim » d’Isaar et de Dj Dolores, le remix de Bebel Gilberto opéré par Thievery Corporation et enfin « Love is Queen Omega », une improbable collaboration entre Lee Scratch Perry et Zuco 103.
Nouveau venu sur la scène métal, ce groupe belge propose 12 compositions simples et efficaces, alliant énergie et mélodie, la plupart sous un format FM. Aucune démonstration cependant ; le groupe privilégiant un travail collectif plutôt réussi. Rythmique, guitares et claviers se partagent l'espace sonore avec amabilité. On a bien droit à quelques soli, d'ailleurs efficaces, mais rapidement décochés, et au service d'un rock essentiellement festif qui ne se prend jamais trop au sérieux. Tout n'est pas irréprochable. Certains trouveront même un ou deux titres patauds. Mais une majorité de plages sont fort agréables, dans un registre Hard/Pop mélodique et énergique sans agressivité. Et certaines s'avèrent furieusement bonnes (« Media Vision », « Freak Show », « Tomorrow is gone »). En outre, ce Cd plus qu’honnête bénéficie d’une production très. Un bon début pour Beyond the Labyrinth ; mais qui toutes vérifications faites, s'avère aussi un bon groupe de scène.
Barbara est née à Pittsburgh, en Pennsylvanie. Elle a toujours eu le blues. Une passion qu’elle a pu manifester en rejoignant une multitude d’artistes sur les planches. Et en particulier Taj Mahal et son Phantom Blues Band, Delbert McClinton, les Nighthawks, Marcia Ball, et la liste n’est pas exhaustive… Elle a monté son propre groupe en 1989. Depuis, elle s’est établie à Memphis ; et chaque semaine, depuis maintenant sept ans, elle chante dans Beale Street. Barbara compte trois albums à son actif : "Out of the blue", "Sell my jewellery" et ce « Memphis 3rd & Beale », un disque dont la sortie remonte quand même à 2004. De quoi nous faire patienter jusqu’à son nouvel opus prévu pour début 2006 et qui s’intitulera "Love, money can't buy". Ce troisième elpee a été enregistré à Los Angeles en compagnie des musiciens du Phantom Blues Band de Taj Mahal ; mais aussi du guitariste Johnny Lee Schell, du drummer Tony Braunagel, du claviériste Mike Finnigan et du bassiste Larry Fulcher.
Les Texicali Horns allument la mèche de cet opus. Darrell Leonard à la trompette et Joe Sublett au saxophone s’en donnent à cœur joie. Un tel R&B nous rappelle que nous sommes bien à Memphis, au cœur de Beale Street. Barbara possède une superbe voix. Elle attaque "24-7-365" d’un timbre fort proche de celui de la pianiste Marcia Ball. Un style qu’elle reconduit pour "Rainy night in Memphis". Les changements de rythmes sont colorés par l'orgue de Mr Finnigan. JL Schell dispense un bon solo. John "Juke" Logan ébauche quelques timides phrases à l'harmonica. Barbara a repris deux compos signées Bobby Boyd. Tout d’abord l'excellent "I don't need no man like that". Du pur R&B bien cuivré imprimé sur un tempo modéré. Ensuite le superbe "If I had you", une ballade lente très Stax. Boyd est un compositeur texan qui a beaucoup sévi à Nashville où il a écrit pour Garth Brooks et Conway Twitty. Il est aujourd'hui à établi à Austin où il est surtout connu pour ses collaborations opérées en compagnie de Stephen Bruton et de WC Clark. Barbara chante "Red Cadillac & the Blues", un blues rythmé auquel participent d’une manière impeccable et très professionnelle des musiciens de Taj Mahal. Miss Blue possède une voix puissante dont le timbre est susceptible d'éclater à tout instant. Pas étonnant qu’elle soit parfois comparée à la regrettée Janis Joplin. Et sa version du "Don't put no headstone on my grave" en est la plus belle illustration. Un blues lent signé Charlie Rich (NDR : disparu depuis dix ans, cet illustre chanteur de country interprétait avec le même bonheur le rock'n'roll, le gospel et le R&B) et parcouru par le magnifique sax de Sublett. Caractérisé par une nouvelle prouesse vocale de Barbara, son "The road comes to me" demeure dans le blues. Elle attaque le "All night long" de Nancy Apple (NDR : elle est considérée comme la reine de la musique country à Memphis). Braunagel donne le groove nécessaire à ce boogie shuffle. Juke Logan s'époumone dans les aigus de son harmo pendant que la slide de Jimmy Lee soupire… Barbara prend même la direction de Chicago pour chanter "Careful blues". Mr Logan est heureux de souffler comme au bon temps du Southside. Schell se prend pour Jimmy Rogers et Finnigan pour Otis Spann. Un tout bon classique ! Elle exécute à la perfection une version funky du "Lie no better", une compo issue de la plume du Texan Gary Nicholson, avant d'entonner, la voix emplie d’émotion, la jolie mélodie du "Lake Charles" de Lucinda Williams. Le rythme hypnotique et l'orgue Hammond préludent une plage très attendue : "One good man", un des grands blues de Janis Joplin. Miss Blue confère à ses vocaux toute l'intonation et la pugnacité nécessaire. Et elle ne doit guère forcer pour atteindre son but! Cet opus d’excellente facture s’achève par une autre composition de Nancy Apple : "You can't stop my love". Les accents du jazz traditionnel y sont entretenus par la trompette de Darrell Leonard. Barbara partage le chant en duo avec un Mike Finnigan qui a emprunté un timbre très Satchmo.
On a fait la connaissance d’Apollo Nove sur le premier album de Cibelle. L’homme se réservait la production et l’emballage sonore du premier et prometteur opus de la belle brésilienne. Ce premier album solo ne doit pas faire oublier que le personnage est loin d’être un débutant : il a trempé dans le hip hop dans les années nonante en compagnie de Marcelo D2 au sein du groupe Planet Hump. Depuis, il a continué sur sa voie en produisant d’autres artistes et en commettant quelques remixes. « Res Inexplicata Volans » est la formule latine pour désigner les O.V.N.I. ; et on peut dire que ce patronyme est parfait. Une œuvre psychédélique qui part de la musique brésilienne pour l’emmener dans l’espace et sur d’autres planètes. Apollo chante sur plusieurs titres (dont l’excellent titre maître) mais a aussi invité plusieurs chanteurs de premier choix : Cibelle, Seu Jorge, Céu ou encore Tita Lima. Entre expérimentations sonores et mélodies, ce premier effort est forcément inégal mais contient une flopée d’excellents morceaux. On a déjà cité la bossa nova psychédélique d’« Inexplicata », mais la bossa r’n’b de « Traz Um Alivio » fait également mouche. Dans un registre assez lascif, Seu Jorge phéromonise la ballade « Ensaboar Você » qui devrait figurer prochainement sur toutes les compilations dédiées au sexe. On épinglera aussi une reprise iconoclaste d’AC-DC : « I’m Rocker ». Ponctuée de scratches mélodiques étranges mais réussis, elle est interprétée en clé bossa. Le reste est un cran au-dessous, car Apollo Nove noie souvent ses morceaux sous des couches d’effets et de claviers qui finissent par disloquer les chansons ; mais l’ensemble a au moins le mérite d’être audacieux et original, ce qui se fait rare de nos jours.
Première réaction en apercevant les contours du disque : ‘c’est qui ce type ?’. On apprend alors qu’il s’agit du fils de Véronique Sanson. Inévitablement, on évalue le risque encouru : ‘s’il couine comme sa mère, on est mal barrés…’. Mais on se rassure, dégottant, ici et là, de nobles collaborations en compagnie de Jean-Louis Murat, Stephan Eicher ou encore Ryan Adams. Moins sceptiques qu’au départ, on lance donc la galette du Franco-américain dans le lecteur en se laissant bercer par son contenu, démarrant sur un reposant « Golden Hour ». Mais dès le deuxième titre, tout bascule déjà. Hélas ! La voix du jeune homme irrite et se noie dans une marée de guimauve dans laquelle le reste de l’album continuera de baigner, à quelques exceptions près. Sur les quatre titres chantés dans la langue de sa mère, seul « Kitty Cathy » sauve les meubles (merci Jean-Louis !). Sur ceux interprétés dans la langue de papa (Stephen Stills), c’est un honorable « For You » (merci Ryan !) et les potables « Story Of A Dying Man », proche de Brendan Benson, et « Landslide » qui sortent du lot. Si ce n’était pour ces rares bons morceaux, d’aucuns auraient certainement jeté cet album dans le bac ‘blues soldé’…
Etabli dans l’état de Washington, au nord de la Côte Ouest, ce chanteur/guitariste compte déjà quelques années d'expérience à son actif. Il a côtoyé maint artistes notoires ; et en particulier Too Slim (des Taildraggers), Little Bill Engelhart (des Blue Notes), DK Stewart et les Seattle Women. En 2003, il a enregistré et produit "Confessions of a mad man" de Mark Riley, un disque qui a été plébiscité meilleur album blues de la Washington Blues Society. En 2001, il milite au sien d’un tribute band de blues à Seattle : la Blues Power Revue. Une sorte de réplique aux Blues Brothers. De passage à Portland, il se mue en directeur musical pour la chanteuse Margo Tufo, tout en lui apportant son concours à la guitare. Mais Dean drive également sa propre formation. Une équipe qui vient donc de commettre « Misty´s joint », un opus dont la musique est le fruit d’un savant mélange de blues, de R&B, de funk, de rock et de soul. Il est soutenu par une brochette d’excellents musiciens locaux, dont une majorité sévissaient déjà chez la Blues Power Revue. Il signe dix des onze plages, a opéré toutes les prises de son et assuré la production de cet elpee.
L'album s’ouvre par une compo funk : "One way". La section rythmique est solide. Le piano et l'orgue de Ric Ulsky épousent aisément ce rythme. Les cordes de Dean s’autorisent déjà un solo aérien de très bonne facture. "Something I said" est une superbe ballade digne de la quintessence de Steely Dan. Les arrangements rythmiques complexes font mouche. La ligne mélodique imperturbable. Blues lent, "Cold love" évolue dans un style proche du Memphis blues. Rick Ulsky se charge de l'orgue Hammond. Son ami Mark Riley lui donne la réplique aux vocaux. Les parties de guitare sont élégantes, parcimonieuses, mais efficaces. Le titre maître est sculpté dans le soul funk. Une ballade au cours de laquelle Steve Peterson imprime de ses drums, des rythmes probablement calqués sur ceux de Little Feat. Inspiré, Reichert exécute un solo très original, à la saveur jazz, face à une section de cuivres dont le concours enrichit le spectre de cette plage! Excellent ballade funky/blues/rock, "Movin" trace des lignes de guitares fort originales, tantôt sous la forme de courtes phrases à la Albert King, tantôt en amplifiant judicieusement certains passages. Probablement le meilleur morceau de l’opus ! Dean affiche un profil plus classique, tout en conservant sa singularité, pour attaquer "Let the groove". L'orgue Hammond de l'excellent Buck England se dégage de l'ensemble avant de céder le relais à un Reichert très en verve sur ce titre proche d’un BB King en rythme. Empreint de mélancolie et de tristesse, "Bad day" reflète un sentiment que tous les humains connaissent lorsqu’ils sont atteints par le spleen. Superbe et puissant, le chant de Reichert est ici bien mis en évidence face à l'orgue de Buck. "Opportunity" marque un retour au funk, un funk cuivré par le sax ténor de Keith Klawitter et la trompette d’Andy Omdah. Une seule reprise : "Body & Fender man", une compo signée Doc Pomus/Duke Robillard. England est aux claviers et Dean reste aussi enchanteur tout au long de cette version blues/funk aux accents jazzyfiants. De bonne facture, cet opus se referme comme il avait commencé. Dans un registre funk. Lors d’une compo qui s’intitule "Just won't stop"…
Kenny Lavitz est issu de la scène de Portland, dans l’Oregon. Une scène fort dynamique au sein de laquelle il exerce ses talents de guitariste aussi bien dans le domaine du blues, du jazz que du rock. Il a fait ses débuts dans le New Jersey et à New York avant d’émigrer à Miami, en Floride, en profitant pour introduire des éléments latins dans sa musique. Il met ensuite le cap sur Los Angeles avant de terminer son parcours de globe trotter à Portland, où il a fondé son Kenny Lavitz Kombo, un projet de Bluesjam et de funk blues. Pour le concrétiser, il engage Rudy Battjes à la batterie, Jon Hughes à la basse et Tim Bly au saxophone. Kenny avait déjà commis un premier album en compagnie de Scott White : "Muddy Water".
Ce nouvel opus s'ouvre sous les accents métalliques, bruts et primaires dispensés par la slide de Lavitz. Il y impose un tempo puissant et enlevé. L'orgue Hammond de Dave Fleishner tapisse le décor. Naturelle et légèrement rauque, la voix s'engage dès ces premiers instants. "Frogs feet" emprunte un profil funky. Le rythme est assuré ici par Rudy, Jon et les claviers de Dave. Soutenu par cette solide assise, Kenny concède même des accords très rythmiques. Tim Bly se libère au saxophone tandis que la guitare égrène quelques petites phrases particulièrement jazzyfiante. Le rythme accélère pour affronter le boogie léger "No lake". Mais qu'est-ce que la guitare de Lavitz peut dégager comme énergie ! Il semble planer dans son propre univers ; lorsque soudain, un harmonica survient d’on ne sait où. Et devinez qui vient de pousser les porters du Westside studio ? Le souffleur northwest américain par excellence : Paul deLay. Le Kombo souffle quelque peu et Kenny épingle une très belle ballade à la mélodie généreuse : "Stumblin". Il semble jouer sur un dobro acoustique. L'orgue est toujours bien présent. "Religion of the rhythm" bénéficie d’excellents arrangements. Au sein de cette mélodie féconde se pose la voix féminine de Pam Baker. Mais également le dobro, la guitare bien amplifiée mais parcimonieuse, l'orgue et le chant paresseux. Et le résultat est étonnant ! Battjes martèle ses peaux sur un tempo lent, délicatement funky tout au long de "Low blood brothers". Une compo qui ne manque pas d’allure et qui permet à Kenny de se réserver un solo équilibré tout en libérant le sax. La slide opère son retour lors de "Thru the night", un superbe blues frappé d’indolence. Mais chaque phrase vocale est ponctuée par les accents toniques de la slide. Courte plage instrumentale, "Birdscraps" est un exercice très technique, purement jazz, au cours duquel Kenny peut rendre hommage à Charlie Parker. R&B tonique, "Fried fish" aligne des changements de rythmes entrecoupés de très jolis passages instrumentaux. De nouveau jazz mais amusante, "Out of my head" est une plage presque dixieland. La clarinette de Madison Lavitz s’y révèle très présente ; mais on y décèle surtout les brèves interventions empreintes de virtuosité sur les cordes. Lavitz est seul pour interpréter "Another day". Il y célèbre le country/blues en s’accompagnant uniquement d’une guitare sèche, sur laquelle il fait glisser son bottleneck. Insolite, cet opus ne semble pas avoir de fil conducteur. Cependant, il permet à l'artiste d’afficher différentes facettes de son talent. Les idées y foisonnent. Et le jazz refait constamment surface. A l’instar de "Conversation", un fragment qui permet à la guitare de disserter tout en choisissant pour trait d'union, l'orgue Hammond de Fleishner. L’elpee s’achève officiellement par "Going fishing". De sa voix légèrement fausset, Kenny entonne une ballade blues du sud. Il sera rejoint par son voisin, Paul deLay. N’éteignez pas votre lecteur Cd, car le disque recèle encore une plage cachée. Kenny y chante à nouveau seul. En s’accompagnant à la guitare sèche, le bottleneck au doigt…
Pour Sheryl, il s’en est passé des choses depuis la sortie de son premier « Tuesday Night Music Club », en 1993. Après s’être accoquinée à Eric Clapton, avoir repris « Sweet Child o’Mine » des Guns N’ Roses et vendu plus de 25 millions d’albums à travers le monde, la belle s’est un peu fait oublier. Mais c’était pour mieux revenir dans la course, diriger le peloton et s’échapper en compagnie de son Texan préféré, Lance Armstrong. Plus célèbre en Europe pour ses poses fluocariles au pied du podium de son maillot jaune de mari, Sheryl Crow demeure pourtant une des figures emblématiques de la bande FM. Et « Wildflower » ne fait que confirmer sa position de favorite pour le tour 2006 des chanteuses portant la bannière étoilée en étendard sur le bois usé de la guitare folk. Oubliées les Alanis Morissette, Bonnie Raitt, Joan Osborne et autres Melissa Etherridge. Sheryl peut s’afficher fièrement sur la pochette de son nouvel album : elle a passé le sommet des nineties, seule en tête. Le nouvel opus de la jolie blonde développe le même braquet que ses prédécesseurs : intimité, mélancolie, fun et complaintes amoureuses. La stratégie est connue et les singles annoncés que sont « Good is Good », « I Know Why » et « Where Has All The Love Gone » vont encore lever les bras sur la ligne d’arrivée américaine. Mais devraient se contenter de remonter les bidons européens.
Depuis 1996, Fiona Apple a signé trois albums. Petit dernier de la trilogie, « Extraordinary Machine » vient confirmer tout le talent de la New-Yorkaise. A la production, Mike Elizondo peut faire valoir un superbe travail, en succédant parfaitement aux prouesses technologiques de Jon Brion sur « When The Pawn ». Des chansons à la mélancolie assumée s’écoulent ici comme autant de sensibles ritournelles. Sautillant entre jazz, pop et poèmes épiques, les titres d’« Extraordinary Machine » séduisent les organes auditifs et offrent des paysages esquissés de cuivres et de cordes. Le timbre sublime, Fiona penche une nouvelle fois sa voix vers l’avant, offrant des tubes atypiques : « Get Him Back », « O’Sailor » ou « Tymps ». Jamais à court d’inspiration, la belle Américaine légitime pleinement le temps nécessaire pour graver ces perles sonores. Le disque s’achève par une production de Brion : « Waltz (better than fine) ». The Last « Waltz », un bien bel épilogue. ‘Rockumentaire’ mon cher Watson ! (2005)
Encore un superbe objet venu du Nord. Le groupe finlandais White Willow n'en est pas à son coup d'essai et son précédent album, 'Sacrament' reste hautement recommandable. Malgré les changements de personnel, l'auditeur n'est pas dépaysé par cette nouvelle production. Et l'option beaucoup plus électrique n'éclipse pas totalement les instruments plus familiers de la musique folklorique (NDR : la flûte, voire classique (NDR : le violoncelle). L'atmosphère générale est typiquement scandinave, sombre et plutôt nauséeuse, voire menaçante. Les compositions tablent souvent sur le contraste entre une base rythmique pesante à souhait, et les lignes mélodiques plus légères tracées par la flûte, la guitare sèche ou un clavier. Le chant de Sylvia Erichsen est tour à tour sensuel et très haut perché. Le principal compositeur est le guitariste Jacob Holm-Lupo, mais la contribution de chacun est déterminante dans la splendide réussite que constitue cet album très riche tant sur le plan musical que sur celui des sonorités. Certains pourront regretter que White Willow ait concédé un peu de sa différence pour se rapprocher de ses voisins en vogue, Paatos en tête. Par ailleurs, cette démarche les conduit parfois aussi vers un univers que ne renierait pas un Hooverphonic neurasthénique. Si ces repères éveillent votre curiosité, vous ne risquez pas d'être déçus. Ces sentiers sont trop rarement arpentés pour ne pas être originaux.
Le line up de The National est tout à fait singulier, puisqu'à l'instar des débuts du défunt Immaculate Fools, il implique une paire de frères (les frangins Dessner et Devendorf). Et un chanteur et lyriciste qui réponde au nom de Matt Berninger. Responsable de trois albums à ce jour - dont l'excellent " Alligator ", paru voici quelques semaines - le quintet est issu de Cincinnati, mais vit à New York. C'est d'ailleurs dans la métropole d'adoption que l'histoire de cette formation a commencé. Ce qui méritait une explication. A l'issue de leur set remarquable accordé dans le cadre du festival Pukkelpop ; Matt et Bryan Devendorf (NDR : le drummer) ont bien voulu éclaircir la situation…
Tout comme AfghanWhigs (NDR : que Greg Dulli vient de remonter), les membres de The National sont donc originaires de Cincinnati, dans l'Ohio. Mais si la bande à Dulli s'est installée à Los Angeles, celle de Berninger a plutôt opté pour la côte est des Etats-Unis. Matt s'explique : " Nous ne sommes pas partis à New York pour fonder un groupe. Ni pour aller à la rencontre du succès. L'idée de ce collectif est née plus tard. Maintenant, il est vrai que si nous étions demeurés à Cincinnati, j'ai du mal à imaginer qu'un tel projet aurait pu naître. Vivre à New York est extrêmement motivant. Il y a tant de choses à faire dans cette ville. On peut y réaliser ses rêves. Projeter de belles perspectives de carrière. Parce qu'il existe des tas de clubs qui permettent de se produire en concert… " Et Bryan d'ajouter : " Les gens y sont beaucoup plus ambitieux " Matt reprend le crachoir : " Cette métropole vous inspire. Dulli a émigré à L.A. Et je ne sais pas dans quelle mesure Cincinnati a pu lui apporter une quelconque créativité. D'ailleurs, je pense qu'il s'est barré de là assez rapidement. " Apparemment, ils ne sont pas près d'y revenir. Matt confirme : " Je doute que nous y remettions un jour les pieds. Nous sommes tombés amoureux de New York. Il est difficile de retourner dans ton bled, lorsque tu y as vécu. Si nous devions le quitter, ce serait pour une autre grande ville ; comme Paris, par exemple… " Il est vrai que la France est le premier pays européen à s'être enflammé pour The National. Sur le vieux continent, ils ont d'ailleurs d'abord été signés par le label indépendant bordelais Talitres, chez qui les deux premiers albums sont sortis (NDR : depuis, ils sont passés chez Beggars Banquet et distribués par V2 dans le Benelux !). Matt acquiesce : " Nous comptons beaucoup de fans en France. J'ai eu une petite amie française à New York. Nos premiers concerts en Europe ont été accordés à Paris… Nous avons, en quelque sorte, une french connection. On peut même dire que Bryce est francophile, puisque sa copine est issue de Paris. " Faut aussi croire que la sensibilité de leur musique plaît à ce public. Et Matt d'ajouter : " C'est peut être également la raison pour laquelle Paris nous plaît. En fait le public français est réceptif à la musique confessionnelle. A cette forme de sincérité. " Et d'élégance…
Hormis lors du premier album, le violoniste/claviériste Padma Newsome a participé aux sessions d'enregistrement de tous les autres disques. En outre, il lui arrive régulièrement (NDR : pas à l'occasion de ce Pukkelpop, cependant) de tourner en compagnie du groupe. Est-il pour autant considéré comme membre à part entière de la formation ou tout simplement collaborateur régulier ? Bryan éclaircit la situation : " Il nous accompagne généralement en tournée. Mais il vit en Australie. Chaque fois qu'il a la possibilité de nous rejoindre, il débarque. Disons que les ¾ du temps, il est présent. Mais parfois, ce n'est pas possible. Pourtant, tu peux le considérer comme un membre effectif de The National. Il est même devenu un des éléments majeurs du groupe Voire son pilier central… " Ce qui explique, sans doute pourquoi 'live' son absence oblige le combo à proposer un set totalement différent. " Oui, absolument !" confirme Matt. "Tu as pu t'en rendre compte aujourd'hui. Lorsqu'il est présent, il ajoute ses parties de violon et de claviers. La musique est alors plus atmosphérique. Sans lui, on essaie de produire des shows distincts. Plus intenses, plus électriques, pour maintenir l'intérêt. " Peter Katis (Interpol, Mercury Rev, etc.) a assuré la production d''Alligator'. Pas étonnant lorsqu'on sait qu'il vit également à New York. Et puis ils sont devenus des amis. Bryan en profite pour balancer une vanne : " On l'a choisi parce qu'il danse remarquablement bien (rires). Sérieusement, ce type a bien les pieds sur terre. Il est très calme. Il cherche avant tout à rendre le son cohérent. En fait, il joue le rôle de l'ingénieur du son. Et c'est ce dont nous avons besoin. " Parce que les musiciens du groupe sont d'éternels insatisfaits. Il leur arrive même de retravailler une chanson, parce qu'ils estiment qu'elle est trop accessible. Matt confirme : " Nous sommes dubitatifs lorsqu'une chanson nous plaît instantanément. En général on l'apprécie pendant quelques jours, puis on la trouve banale. Si elle est trop accessible, c'est parce qu'elle est trop familière. Et nous craignons cette réaction. Parce qu'elle suscite rapidement l'ennui. "
De nombreux critiques rock comparent la musique de The National à celle de Tindersticks. Et puis le baryton de Matt à celui de Stuart A. Staples. Il est à supposer que depuis le temps que ce type d'articles se multiplie, les musiciens se sont décidés à écouter les disques du groupe britannique. Bryan donne son avis : " Stuart est un beau mec doué d'une belle voix. Mais je suis surtout sensible au talent du drummer (NDR : fallait s'en douter !) Il a un toucher, un feeling, exceptionnels. Pour ma part, c'est un des meilleurs au monde ! " Matt, de son côté confesse : " Nous n'étions pas spécialement des fans. Nous étions simplement au courant de leur production. Mais après avoir lu les critiques qui relevaient des similitudes entre les deux groupes, on s'est quand même décidés à les écouter. En fait, nous partageons les mêmes goûts. Et en particulier pour Nick Cave. Dont la façon d'écrire des chansons, des mélodies, m'a toujours impressionnée. En ce qui concerne la voix, j'essaie de faire du mieux que je peux. Il existe sans soute une influence quelque part, mais vous devez comprendre que ce timbre est inhérent à ma tessiture. Celle d'un baryton. C'est à la fois mental et physiologique… "
Dans les chansons de The National, on retrouve des contes mélancoliques alimentés par le sexe, l'alcoolisme, la rupture, la paranoïa et la solitude. De la tendresse aussi. Des observations finement détaillées de la vie et de l'amour, la comédie humaine peinte avec de l'humour noir ; et plus que probablement un exorcisme des propres angoisses de Berninger. Mais en utilisant la narration, Matt cherche-t-il à créer une distance entre lui et son sujet ? (NDR : silence), Matt semble médusé : " … Il y a des parties autobiographiques et d'autres narratives. De la fantaisie, aussi. De l'imaginaire et des choses toutes construites. Si les chansons reposaient uniquement sur la biographie de l'être humain, ce serait moins riche. Il faut donc romancer. Donc on imagine des gens face à certaines situations. On crée des personnages en partie autobiographiques et partiellement fictifs. Le but n'est pas de se cacher derrière un quelconque paravent, mais plutôt de construire une atmosphère, susciter de l'émotion… " Ce qui explique sans doute pourquoi le cinéma est également une source d'inspiration pour les chansons de The National. Matt confirme : " On aime beaucoup le cinéma. Almodovar notamment. Et en particulier les longs métrages 'Parle avec elle' et 'Tout sur ma mère'. On est allé voir récemment 'Eternal sunshine of the spotless mind', et ce film nous a beaucoup plu. Et puis, nous vouons un culte aux classiques comme 'Ghostbusters' ou 'The graduate'. Ce dernier met en scène des personnes maladroites plongées dans des situations inconfortables. Des individus faibles occupés de se dégrader. Nos chansons sont écrites comme des scénarios de films… "
Tout au long d''Alligator', on ressent une forme de désenchantement vis-à-vis de la vie et du monde contemporain. Seraient-ils fatalistes ? Bryan hoche la tête d'un air affirmatif. Matt réfute cette analyse : " On peut considérer qu'il existe, dans notre écriture, un mélange de cynisme, de mélancolie, de pessimisme, de désenchantement, de dégoût par rapport au monde. Mais aussi d'humour et d'optimisme. L'être humain veut être heureux, et c'est normal. Mais il doit se battre pour y parvenir. Je ne pense pas qu'on puisse considérer notre démarche comme négative ; simplement elle est le résultat d'une observation des gens dans leurs moments faibles et leurs moments forts… " Pourtant dans la chanson 'Looking for Astronauts', on ressent une volonté de fuir la société. Un type d'évasion qui pourrait conduire au suicide… Bryan et Matt ne semblent toujours pas sur la même longueur d'ondes. Mais ce dernier finit par trancher : " L'herbe est toujours plus verte chez ton voisin. C'est dans ce sens là que j'ai écrit cette chanson. En pensant aux gens qui sont disparus, qui disparaissent, qui sont perdus. Je n'imaginais pas qu'elle aurait pu prendre une signification aussi destructrice… "
Merci à Vincent Devos
Collectif fragile articulé autour de l'âme sensible de Boris Gronemberger, V.O. offre " Pictures " au monde. Ce premier album insuffle à la Belgique une autre vision de son univers musical, une autre façon de vivre la pop. Les éloges ne seront jamais suffisants pour acclamer le travail de ces artisans stakhanovistes de la belle musique. Indomptables et incompréhensibles, les mélodies se construisent ici pièce par pièce comme la plus somptueuse des mosaïques. Petit entretien en compagnie de Boris Gronemberger, l'architecte de ce fameux projet.
Boris, peux-tu me retracer brièvement l'histoire de V.O. ?
Notre histoire remonte à l'année 2000. A l'époque, nous jouions au sein de Grinberg, un projet instrumental. Mais je ressentais le besoin et l'envie d'écrire des chansons. Nous nous sommes produites pour la première fois dans le cadre d'un festival organisé à Louvain-La-Neuve : le 'First Steps and false alarm'. Cet événement met en exergue le travail de musiciens qui prennent l'habitude de jouer dans leur chambre ou dans leur cave. Un des organisateurs qui connaissait Grinberg m'a alors proposé d'y participer. J'ai profité de cette opportunité pour mettre V.O. sur pied. Au début, le projet se réduisait à une simple échappée en solitaire. Mais peu à peu, il devenait très difficile d'assurer toutes les compositions seul sur scène. J'ai donc décidé de me tourner vers les autres membres de Grinberg pour m'accompagner. Actuellement, nous sommes cinq : mon frère Dimitri aux claviers, Cédric Castus (Grinberg) à la guitare, Frédéric Renaux (Grinberg) à la basse et Julien Paschal (Sharko) à la batterie
A côté de V.O., tu collabores également à d'autres projets. Tu es notamment le guitariste attitré de la belle Françoiz Breut. Comment vous êtes-vous rencontrés ?
Je l'accompagne effectivement depuis près de quatre ans… C'est vraiment une artiste formidable. Là, nous venons d'achever l'enregistrement de son troisième album (NDR : " Une saison volée ") et nous partirons bientôt en tournée pour le défendre…
Comment perçois-tu V.O. dans notre paysage musical ?
Nous sommes une sorte de formation à part. Notre musique ne passe pas en radio, contrairement à la plupart des formations pop-rock actuelles. Nous nous intégrons dans une communauté d'artiste bien implantée en Belgique mais dont personne ne parle ! En Belgique, il y a une foule de labels intéressants et défricheurs dont on ne souligne pas suffisamment le boulot : c'est une certitude ! Une scène belge alternative évolue aujourd'hui dans l'ombre. Même si notre musique demeure indissociable de la pop, nous faisons partie intégrante de cette scène alternative ! Dans notre Royaume, on ne compte plus les groupes géniaux ! Pour moi, c'est une chose très positive de retourner les projecteurs pour s'apercevoir de la qualité des projets qui se trament en coulisses !
" Pictures ", votre nouvel album, vient de paraître. Qu'attendez-vous de sa sortie ?
Pour être honnête : pas grand-chose ! J'espère quand même que les gens pourront écouter notre musique et qu'elle sera accessible dans le commerce. Et il ne faut pas penser que cette étape soit évidente dans une petite structure comme la nôtre ! Il est difficile de se faire une place dans la jungle des sorties discographique hebdomadaires… Mais nous n'escomptons pas un énorme succès. Tout simplement parce que cette hypothèse n'entre pas vraiment dans notre éthique. Quand j'ai commencé à jouer de la musique au sein d'un groupe, j'étais idéaliste, voire utopiste par rapport à la réussite dans le monde de la musique. C'est en commençant à collaborer avec d'autres artistes que je me suis rendu à l'évidence…
Qui s'est chargé du visuel de la pochette du disque ?
Ce travail revient à Maxime, un des grands artisans de chez Matamore Recordings … et un peu à moi aussi ! A l'intérieur du disque, on peut découvrir une magnifique tête de taureau… (NDR : une expérience visuelle à vivre). C'est une photo prise durant l'enregistrement du dernier album de 'Françoiz Breut'. Nous filmions toutes les prises de sons et par hasard, nous sommes tombés sur ce masque étrange. Inutile de préciser que c'est parti en cacahouète… Cette image est assez cocasse et biscornue. Je trouvais cette photo suffisamment originale pour illustrer la partie intérieure de notre disque !
Le 17 juin, ouvrira la Fête de la musique en grande pompe. Que penses-tu d'une initiative comme la Fête de la Musique ?
D'année en année, l'affiche ne cesse d'évoluer et offre un aperçu de plus en plus large des musiques émergentes. De plus, la promotion associée à l'évènement connaît également un essor considérable. Par contre, il serait très intéressant de faire évoluer le concept de la Fête de la Musique vers d'autres disciplines artistiques !
Pour toi, un concert accordé à cette occasion est-il un concert comme un autre ou a-t-il une saveur particulière ?
Pour les spectateurs qui n'assistent pas souvent à un concert, il est certain que les représentations offertes à l'occasion de la Fête de la Musique doivent avoir une signification particulière. Mais pour nous, un concert reste un concert et se doit d'être joué avec la même envie de partager notre musique !
Quel est le prochain concert auquel tu assisteras ?
En tant que spectateur ? Certainement une des nombreuses premières parties de Françoiz Breut ! On va jouer en même temps que Sonic Youth en France. Ce sera peut-être l'occasion de les voir ! Et puis, notre tournée passe par Barcelone et son fabuleux Festival Primavera (NDR : à l'affiche, on retrouvera notamment The Arcade Fire, Maxïmo Park, New Order, The Wedding Present, Vitalic, Gang of Four, The Stooges, Nouvelle Vague, Mercury Rev…) De quoi passer d'excellentes vacances !
Quel est le disque que tu offrirais à ton pire ennemi ?
Sans hésiter, je crois que ce serait " Smile " des Beach Boys. Simplement parce que j'adore cet album. C'est une manière comme une autre de sourire à son pire ennemi, non ?
Quel est l'album préféré de V.O ?
Difficile de répondre à une question commune. Surtout lorsque les autres ne sont pas présents… Nous avons des goûts tellement différents… Néanmoins, je pencherai pour l'album " Camoufleur " de Gastr Del Sol ! Chez V.O., tout le monde sera d'accord pour célébrer ce disque…
Quel est pour vous le meilleur album de tous les temps ?
J'opte sans conteste pour le " double blanc " des Beatles !
Dans ta collection, y a-t-il un disque que tu as aujourd'hui honte d'écouter ?
Un disque que j'ai honte d'écouter ? Bon, je dois passer aux aveux : je possède un exemplaire du dernier album des Destiny's Child…
Tout doucement, à petits pas, nous pénétrons dans l'antre du " Slow Club ", nouvel album des Namurois de Flexa Lyndo. Ce disque emporte la somme des frustrations accumulées par les fans : des mois d'attentes pour les uns, des années pour les autres. Retour sans cesse reporté, absence continuellement prolongée : le cycle prend fin. Pourtant, ça a chauffé dans le bloc opératoire ! L'amputation d'un membre (Rodolphe Coster) n'a pu être évitée et la rééducation semblait inévitable : réparation des traumatismes, traitement des infections,… Aujourd'hui, Flexa Lyndo repose fièrement sur ses trois membres et s'affiche plutôt confiant avant d'ouvrir les portes de son " Slow Club " au public… Petite discussion en compagnie de Loïc et Gaël, les compères 'trématiques' de la formation.
Pouvez-vous revenir sur les épisodes qui ont jalonné l'histoire de Flexa Lyndo entre votre album précédent, " Little Everyday Masterplan " et la sortie de " Slow Club "?
Loïc : A la sortie de " Little Everyday Masterplan ", les concerts se sont enchaînés en Belgique et à l'étranger. Durant ces représentations, nous n'avons intégré aucun nouveau morceau dans le set, contrairement à nos habitudes. Nous connaissions une sorte de panne sèche d'inspiration…. Jusqu'alors, le groupe fonctionnait toujours de la même façon : nous réalimentions sans cesse un stock de nouvelles chansons. Après le deuxième album, nous avons eu l'impression d'avoir épuisé ce stock, d'avoir fait le tour de notre univers… Nous avons donc décidé d'arrêter de tourner pour nous concentrer uniquement sur la composition du nouvel album…
Comment ne pas évoquer le départ de Rodolphe Coster (guitare, claviers, chants) ?
Gaël : C'était en septembre dernier… Il a participé à l'élaboration de toutes les chansons du nouvel album et a enregistré de nombreuses parties de guitares. Mais il avait tellement de projets... Notamment, ses rêves les plus fous, tournés vers le théâtre. Il s'est très vite aperçu qu'il ne disposait plus vraiment du temps nécessaire pour assumer tous ses projets. Plus les jours passaient et moins il venait au local de répétition. En fait, c'est Rodolphe, lui-même, qui nous a proposé de prendre un peu de distance…
L. : …par la force des choses, il ne jouera pas sur scène à nos côtés. Mais nous sommes conscients qu'il a mis toute son énergie dans les chansons de " Slow Club ". Quand Rodolphe nous a quittés, nous nous sommes demandé ce que nous allions faire. Finalement, nous avons décidé de 'solder les comptes' et de ne plus rien modifier !
Que pensez-vous de Baum, le nouveau groupe de Rodolphe Coster ?
L. : Nous reconnaissons immédiatement la personnalité de Rodolphe dans ce projet. Il a toujours été captivé par la chanson française, par les mots de la langue française. Nous sommes un peu désolés qu'il ne soit plus des nôtres au sein de Flexa Lyndo mais il ne faut pas s'alarmer : la situation n'est nullement conflictuelle !
Comment expliquez-vous l'envol de votre musique vers des contrées plus électroniques ?
L. : Mon inspiration à la guitare touchait à sa fin… J'étais plus heureux de chipoter sur un clavier que de gratter des cordes ! Et nous avons découvert de nouveaux instruments, des outils formidables qui nous permettaient de créer de la musique autrement…
G. : …les choses ont évolué très naturellement. Pendant la réalisation de notre nouvel album, nous avions enregistré quelques sons sur un ordinateur. Cela nous a donné des idées et offert l'opportunité d'expérimenter de nouvelles sonorités…
L. : …de toutes façons, nous n'avions pas envie de faire du sur-place. Nous avons changé notre fusil d'épaule parce que nos goûts musicaux évoluaient en ce sens ! Mais il est toujours très difficile d'évaluer son travail de l'intérieur ! Car nous sommes profondément immergés dans l'objet même de notre musique.
Une de vos chansons s'intitule " Love The Bomb ". C'est très belliqueux comme titre ! Pouvez-vous nous expliquer cet amour irraisonnable pour les bombes ?
L. : Ce titre trouve une part de son explication dans " Docteur Folamour ", un des grands (NDR : mais en existent-t-ils de petits ?) films de Stanley Kubrick. Le sous-titre de la version originale indiquait " How I Learn to Love The Bomb ". En chantant, j'avais ce " Love The Bomb " qui ne cessait de revenir sur la mélodie. Aujourd'hui, c'est la guerre en Irak. Mais à l'origine, ce n'est pas du tout le thème phare de cette chanson. " Love The Bomb " parle d'une obsession permanente pour une personne, quelqu'un dont on est amoureux, par exemple. Le plus amusant, c'est que derrière cette chanson, les gens identifient directement une logique guerrière, même nos proches ! Ainsi, sur scène, nous sommes accompagnés d'un V-jay. Il a interprété " Love The Bomb " à partir de son sens littéral… C'est très marrant car le thème initial de ce titre réside dans un profond sentiment obsessif.
Sur l'elpee, tu chantes 'The Thing You Wanna Have (But You Don't Have It)'. Est-ce que l'auditeur peut retrouver des traces autobiographiques du groupe dans le thème de cette chanson ?
L. : Cette chanson résume le sentiment frustrant de vouloir à tout prix trouver la perle mélodique sans y parvenir. Ce genre de sensation peut engendrer une réelle remise en question au sein d'un groupe. Parfois, tu peux enregistrer trente prises de voix sans qu'une ne soit meilleure que l'autre... Pour nous, c'est le sens de cette chanson. Mais une fois encore, l'interprétation de ce titre appartient avant tout au public !
Vous êtes dans le circuit depuis de nombreuses années. Quand vous découvrez dans la presse qu'il existe une nouvelle vague de rock en Belgique francophone, quelle est votre réaction ?
L. : Nous ne sommes pas conscients de ce statut. Pourtant, lorsque nous avons annoncé la sortie de ce nouvel album, la presse s'est largement manifestée. Nous ne nous y attendions vraiment pas… Mais que penser de cette 'nouvelle vague' ? Quand les gars du label sont venus nous voir en nous présentant Girls in Hawaïï, leur nouvelle signature, nous avons directement accroché. Antoine et Lionel (NDR : les têtes pensantes de G.I.H.) sont parvenus à séduire facilement le public. Il a quelque chose de très limpide et d'immédiat dans leur musique... De notre côté, nous ne sommes pas du tout frustrés ou jaloux par rapport au succès d'autres groupes belges. En musique, il n'y a pas de mystère : pour réussir à creuser son trou, il faut toujours compter sur la chance et sur un sérieux coup de poker ! Personnellement, je connais trop de groupes qui enregistrent d'excellents morceaux dans l'anonymat… A mon avis, un groupe comme Austin Lace est largement mésestimé ! Je ne cherche pas à comparer l'œuvre de Girls in Hawaïï à celle d'Austin Lace mais quand j'écoute le dernier album d'Austin Lace, je ne comprends toujours pas pourquoi ils ne sont pas encore en haut de l'affiche !
Si Machiavel a été marqué en 2004 par la disparition d'Albert Letecheur, c'est également l'année au cours de laquelle la formation s'est consacrée à l'écriture et à l'enregistrement d'un nouvel album. Un disque qui vient juste de sortir. Son titre ? " 2005 ". Marc Ysaye, André Borbé, Roland De Greef et Thierry Plas sont toujours de la partie. Et puis surtout Mario Guccio, autour duquel le line up s'est recentré. Thierry, le guitariste, commente le nouvel album d'un groupe qui reste un phénomène en Belgique francophone...
L'album s'appelle " 2005 "? Pour bien dire qu'il est actuel?
Oui, Ces derniers temps, à chaque fois que nous avons sorti un nouvel album, notre firme précédente en a profité pour sortir un best of ou un coffret... Donc, on a choisi " 2005 ", d'autant que ce disque marque un certain tournant dans notre carrière, dans nos vies, dans nos affaires personnelles.
Ah oui, ça veut dire quoi, ça?
Que certaines 'guerres' sont passées. On a tous entre 40 et 50 ans. On n'essaie plus de faire passer l'ego en premier. On a retrouvé une unité. On n'a pas fait une thérapie de groupe, mais on s'est en quelque sorte assis par terre et fait un pow-pow.
Pour décider quoi?
De faire un album fort basé sur les mélodies. Et pour y arriver on a écouté Mario, le chanteur. C'est normal que ce soit lui qui s'occupe vocalement du bazar! On s'est concentrés autour de son travail.
Ce n'était pas le cas avant?
Disons qu'on a chacun nos vieux démons. Mario est sicilien. Pour une raison ou une autre. Moi, par exemple, j'ai toujours été réfractaire aux mélodies disons napolitaines. Mon démon à moi, c'était peut-être assouvir mon trip 'Etre Jimmy Page à la place de Jimmy Page'...
Vous parliez aussi de tournant dans vos affaires personnelles. Vous parliez aussi de votre vie privée?
En ce qui me concerne, je ne suis plus avec Dani (NDR : Dani Klein, la chanteuse de Vaya Con Dios). On s'est quittés en excellents termes. Elle reste dans mon cœur et dans ma tête. J'ai d'ailleurs participé à la confection de son dernier album.
Combien de nouveaux CD Machiavel parvient-il à écouler?
Un peu moins de 10.000 pour le précédent. Nous ne sommes pas un groupe à la mode qu'il faut absolument acheter... Ce qui n'est pas vraiment grave. Même si notre public est plus âgé, nous ne sommes pas à l'abri du phénomène des CD gravés... C'est sur scène que nous devons convaincre les gens de ne pas graver mais d'acheter nos disques.
Le DVD, c'est pour quand?
On n'en est pas encore tout à fait là. D'autant qu'on n'a jamais été le genre de groupe qui fonctionne avec des subsides culturels. On a toujours tout financé de nos propres deniers...
Le rock belge fait son show ! L'info n'est pas très récente mais demeure toujours aussi excitante. La scène nationale, en pleine émergence, s'exécute dans la langue de Shakespeare et discute exportation autour d'un bon verre de bière. Mais qui donc s'occupe de Molière dans cette histoire ? La réponse fuse comme un flash-back, une ultime allusion à cet été de l'amour : l'Eté 67. Cette réminiscence hippie revient aujourd'hui de droit à un jeune groupe liégeois. Confectionneuse de rêves musicaux, cette formation s'apprête à répondre simultanément aux étroites exigences des radios, des ados et des prolos ! Eté 67 est une assemblée démocratique, une petite famille composées de six grands enfants : tous des frères… Pour le plus grand bonheur des dames !
Pouvez-vous revenir brièvement sur l'aventure Eté 67 ?
Nicolas Michaux : Nous fréquentions l'école ensemble. C'est là que nous avons décidé de jouer de la musique dès nos 14 ans. Pourtant, nous n'étions pas de bons musiciens ! Disons que nous avons créé le groupe avant même de maîtriser nos instruments. Tout ceci explique en grande partie la bonne cohésion qui existe au sein d'Eté 67. C'est une situation paradoxale puisque nous apparaissons aux yeux du public comme un groupe de jeunes (20 ans de moyenne). Or, notre histoire est déjà longue ! Notre évolution a été constante : des communions, des mariages, des cafés, des salles de concerts, des concours, des victoires et de nombreuses rencontres…
Pourquoi avez-vous choisi de chanter en français ?
N.M. : Dès le début, nous composions en français parce que c'est la langue que nous maîtrisons le mieux ! Il nous a semblé logique de chanter dans notre langue maternelle. De plus, nous avons la chance d'avoir une belle langue d'un point de vue littéraire et poétique…
Depuis la création du groupe, il s'en est passé chez Eté 67 : des concerts, un premier EP, un titre sur la compile des Inrocks, un sur la compile du Soir… Ne craignez-vous pas que les choses ne s'emballent un peu vite pour vous ?
N.M. : Nous sommes très contents d'avoir notre nom publié dans les Inrocks D'autant plus que cette édition présentait Bob Dylan en couverture ! Nous l'adorons tous… Est-ce que cette situation nous effraie ? Non, je ne crois pas. Au contraire, voilà maintenant cinq ans que nous évoluons naturellement…
Nicolas Berwart : Et puis, nous sommes six. Dès qu'il y en a un de nous qui flippe, il peut compter sur le soutien des ses cinq potes…
Nicolas, ta voix trahit parfois des inflexions propres à Bertrand Cantat. Si tu dois aller en France défendre la promo de ton disque, que répondrais-tu à cette constatation ?
N.M. : Déjà, je préciserai que ce n'est pas volontaire. Il convient néanmoins de reconnaître que nous avons écouté Noir Désir et que ce groupe figure certainement sur la longue liste de nos influences.
Pouvez-vous nous citer quelques uns de vos albums préférés parus en 1967 ?
En chœur : Le premier Pink Floyd : "The Piper at the Gates of Dawn ", "Sergent Peppers" des Beatles, "Velvet Underground & Nico ", le premier elpee des Doors.
Comment percevez-vous Eté 67 dans notre paysage musical ?
N.M. : Nous avons certainement une place à part. Eté 67, ce n'est pas vraiment du rock et pas vraiment de la chanson française : c'est un mélange hybride de ces deux composantes. Actuellement, on voit énormément de groupes pop-rock chanter en anglais… Mais qui fait la même chose que nous ? Là, je ne vois pas…
Et comment se positionnent les petits poucets d'Eté 67 par rapport aux autres formations nationales ?
N.B. : Nous sommes plus jeunes que tous les autres. A partir de là, je pense que nous abordons les choses avec plus de naïveté…
N.M : …mais nous les aimons ces groupes ! D'ailleurs, nous avons tous le dernier album de Girls in Hawaïï à la maison ! Cependant, nous n'essayons pas de nous placer par rapport aux autres groupes belges. Même s'ils sont sur la même compilation que nous !
Pouvez-vous nous parler de votre futur album ?
N.M. : …les auditeurs retrouveront " Le quartier de la gare " sur notre album. Par contre, nous n'allons plus le ressortir en single. Ce titre doit avoir sa place sur le disque car les gens l'ont apprécié ! Ce serait vraiment dommage qu'ils ne puissent plus l'écouter… L'accent ne sera donc plus mis sur ce morceau. Nous allons choisir un single inédit pour lancer le CD… De manière plus générale, nous détestons les albums qui donnent cette horrible sensation d'écouter douze fois la même chanson ! Il doit refléter un certain relief, une certaine ligne de conduite, sans être rébarbatif. Nous cherchons la différence au cœur même de notre homogénéité !
N.B. : …il n'est pas encore achevé. Nous avons réalisé les maquettes de nombreux titres : plus d'une trentaine. En principe, nous n'en garderons que douze ! Il devrait sortir en septembre pour le meilleur et pour le pire !
A partir de combien de chansons pensez-vous qu'un elpee est trop long ?
N.M. : Les albums que je préfère durent rarement plus de quarante minutes…
Raphaël Breuer : Bien sûr, il y a des exceptions. Le 'double blanc' des Beatles en demeure sans conteste une des meilleures illustrations !
N.B. : Actuellement, la tendance est à la concision et à l'efficacité. Ces albums sont vraiment excellents ! Personnellement, que ce soit sur disque ou en concert, je préfère toujours terminer sur un goût de trop peu que sur une sensation d'ennui…
Pour l’instant, vous êtes toujours aux études ? Imaginions que votre album rencontre les louanges du public, quelle sera votre réaction ?
En chœur : On arrête l'école et on se concentre à fond sur notre projet !
N.M. : Après le travail que nous avons abattu, nous ne pouvons plus faire marche arrière. Nous ne voulons vraiment rien regretter. Nous ne pouvons passer le reste de notre vie à nourrir des regrets ! Si on y va à fond et qu'on se plante… qu'aurons-nous perdu ?
Et si vous voulez vraiment tout savoir sur Eté 67...
Quel est pour vous le meilleur album de tous les temps ?
N.M. : " Abbey Road " des Beatles.
R.B. : " Revolver "… des Beatles.
N.B. : " OK Computer " de Radiohead.
Bryan Hayart : "Around The Fur" de Deftones.
Quel est le disque que vous offririez à votre pire ennemi ?
N.M. : N'importe quel disque de Fado, cette musique portugaise triste à en mourir !
R.B. : Edith Piaf : " Je ne regrette rien "…
N.B. : N'importe quel album de Stockhausen !
B.H. : Le "Best-of" de Britney Spears...
Quel est le dernier concert que vous avez vu ?
N.B. : Experimental Tropic Blues Band et Jeronimo.
B.H. : Experimental Tropic Blues Band et Jeronimo ! Nous étions ensemble...
R.B. : Domguè !
N.M. : C'était Paul McCartney.
Quel est le concert que vous regretterez toujours de ne pas avoir vu ?
N.B. : En fait, j'aurai aimé voir les Smashing Pumpkins. Je nourris un réel regret par rapport à ce groupe… Il y a quelques années, j'étais en vacances à Londres et la formation de Billy Corgan jouait juste à côté de l'hôtel où je séjournais. Bien sûr, je n'avais pas de ticket…
B.H. : Noir Désir…
R.B. : The Doors… mais pas ceux du 21ème siècle !
N.M. : Elvis Presley… mais avant son service militaire !
Depuis la sortie de votre premier EP, constatez-vous des changements comportementaux du côté de la gent féminine ?
B.H. : Tu parles… Voilà bientôt sept mois que je suis célibataire ! Pour moi, les choses n'ont pas vraiment changé !
N.M. : Disons que les convoitises sont un peu plus pressantes qu'auparavant. Mais n'étant pas libre en ce moment, je n'ai pas vraiment profité de la rançon du succès. Jusqu'à maintenant… (rires !)
R.B. : Plus la scène est grande, plus il y a de filles et plus il faut signer des autographes… (Rires !) C'est vraiment l'objectif 'grandes scènes' !
Qu'attendez-vous de la sortie de votre album ?
N.M. : Et bien… des filles et de l'argent… (rires…)
N.B. : Ce disque doit nous permettre de continuer à tourner ! Prouver que la confiance qui nous a été faite n'a pas été vaine !
L'heure du nouvel album de Jeronimo a sonné. Il y a quelque temps déjà que notre ami Jérôme Mardaga s'y préparait. Comme sur une image en noir et blanc, le garçon était assis sur le vieux banc d'un parc de la Cité Ardente. Pensif et soucieux de son avenir, il restait là, seul sur ces vieilles planches en bois. Obnubilé par ses songes, il s'obstinait à regarder droit devant, cherchant les hypothétiques réponses des mystères de la vie. Et puis, soudainement, à "12h33 ", heure précise, les évènements se sont emballés : Jérôme s'est levé, bien décidé à défendre ses belles histoires tragi-comiques aux doux relents de belgitude.
Que s'est-il passé dans la vie de Jeronimo entre la sortie de son premier album et celle de son nouveau disque ?
Sur le premier album, j'avais encore un job sur le côté… Aujourd'hui, ma vie a changé. Dans une certaine mesure, elle se construit autour de la musique. Je ne vis pas pour autant à 100 % de mon art mais j'y consacre désormais tout mon temps…
Qui était Jeronimo avant de devenir chanteur ?
Jeronimo ? Il était prof de guitare (rires…) Mais entre le prof et le chanteur, il existe une véritable frontière : ce n'est pas du tout la même approche de la musique ! Parfois, c'est étrange : mes élèves me manquent ! J'en recroise certains à des concerts. Mais heureusement aucun d'entre eux ne me balance un reproche du genre : " Tiens, tu nous as salement lâché… " D'ailleurs, lorsque l'histoire Jeronimo touchera à sa fin, je les retrouverai bien assez vite !
Quand Jeronimo part en tournée, loin de sa famille, de ses amis et de son entourage, éprouve-t-il de la tristesse ?
Etonnement, je vais répondre non. La vie est tellement excitante en tournée que je ne ressens pas ce manque, cette sensation de vide. En réalité, il s'agit d'une existence très particulière : un peu concentrée, très exigeante et surtout, très fatigante. En tournée, nous vivons dans une sorte de bulle, hors de toute réalité commune. Bien sûr, certains moments sont plus difficiles, les journées n'en finissent plus et le soir, parfois, la solitude te menace... Mais dans l'ensemble, je ne me plains pas de la vie en tournée…
Sur « 12h33 », la chanson intitulée " La fille que j'aime " évoque un être parfait. T'arrive-t-il de rêver de l'être romantique idéal ?
C'est quelque chose qui m'est complètement inconnu… Cette chanson reste une histoire d'amour très naïve. Le thème de " La fille que j'aime " réside dans un sentiment ambigu, quelque chose d'abstrait et d'inaccessible. Que ce soit clair : la fille dont je parle dans cette chanson n'existe pas !
Pourtant, la thématique de cette chanson risque de toucher bon nombre d'auditeurs. Tout le monde s'interroge, se demande si l'être parfaitement complémentaire existe…
Pour moi, cette hypothèse n'existe pas. Je ne me suis d'ailleurs jamais posé cette question en écrivant la chanson. Personnellement, je considère que les rêves ne sont que mensonges. Et comme le souligne le refrain : " Je rêve de la fille que j'aime ", il ne s'agit que d'un songe, rien de plus…
Quand ton premier disque est sorti, la presse t'a vite collé une étiquette de " joyeux surréaliste " de la chanson française. Aujourd'hui, l'univers de Jeronimo est beaucoup plus terre à terre. Etais-tu conscient de cette évolution quand tu as composé 12h33 ?
Mon état d'esprit a changé : c'est indéniable. A la relecture des paroles du premier album, je me situais en retrait par rapport à mes propres textes et aux différents personnages que je décrivais. Et puis, il y a eu une tournée, des concerts, des rencontres, de nouveaux liens. Tous ces éléments ont engendré un ton nouveau. Au final, j'avais vraiment envie d'écrire un disque plus introspectif. Pour moi, ce nouvel album est plus romantique et désabusé que surréaliste ou cynique, c'est une certitude…
Tu voudrais paraître moins cynique… Pourtant, de nombreux titres prennent un joli bain de cynisme. Tes chansons s'inspirent-elles d'expériences personnelles ?
Oui, c'est une grande différence par rapport au premier album qui n'était nullement autobiographique. Cette fois, la majeure partie de mon travail raconte des circonstances, des humeurs, des sensations, des impressions éprouvées dans différents contextes.
Drôle de réaction : tu connais un chouette petit succès et, paradoxalement, nous retrouvons un Jeronimo plus mélancolique, chantant des textes plus sombres. Nous étions pourtant en droit de nous attendre à des chansons euphoriques après ce premier essai, non ?
A chaque médaille son revers. Le premier album fut très passionnant et enrichissant mais la tournée qui s'en suivi fut très fatigante et dévastatrice à des niveaux plus personnels. J'ai énormément appris grâce au premier album : à répondre aux journalistes (sourires), à monter sur scène, à répondre à l'attente du public, à résister à de fortes pressions, etc. Mais à partir d'un moment, cette vie artistique a pris le pas sur tout le reste. Malheureusement, à l'époque, je ne suis pas parvenu à réprimer ce sentiment de lassitude. Quelque part, j'ai tenu à être honnête sur ce nouvel album et l'affirmer haut et fort au public : " Ecoutez les choses ne marchent pas comme elles le devraient: je préférerai en parler pour qu'elles s'améliorent ! "
Ressens-tu une sorte de pulsion thérapeutique lorsque tu interprètes les chansons de ton nouvel album ?
Cet album demeure une sorte de catharsis. J'ai essayé de coucher sur papier tout ce qui m'avais atteint pendant les deux dernières années de mon existence. Inconsciemment, j'ai certainement déclenché une sorte d'auto thérapie. Aujourd'hui, je me sens mieux. C'est donc que ça fonctionne! Pourtant, c'était réellement difficile. Des gars me croisaient dans la rue: 'Ouah, c'est génial ce qu'il t'arrive !' et inlassablement, je répondais : 'C'est chouette : j'ai perdu ma baraque, je suis complètement déboussolé mais c'est super…' En réalité, la première année d'" Une Vie Sans Toi " fut complètement euphorique et la deuxième restera à jamais gravée dans mon esprit comme une lente descente aux enfers… Sérieusement : la vie d'un artiste n'est pas rose ! La presse a tendance à nous représenter comme des stars logées dans de grands hôtels de luxe. Mais en réalité, il t'arrive de dormir dans une camionnette ou à la belle étoile parce qu'un distrait a oublié de te réserver une chambre. La vie d'artiste, ce n'est pas que des paillettes…
Sur la pochette de " 12h33 ", tu sembles même un peu triste…
Je suis tout seul dans une ville que je ne connais pas. Cette illustration résume assez bien mon état d'esprit de l'époque…
Ce disque marque-t-il un tournant dans la carrière de Jeronimo ?
Je l'espère de tout cœur ! Pour moi, " 12h33 " est un disque de transition. Et ce, pour plusieurs raisons : il n'a pas du tout été réalisé de la même façon que le premier, les paroles sont plus sombres et surtout, pour la circonstance fois, l'éternel petit groupe a eu son mot à dire sur toutes les chansons. Nous voulions éviter de retomber dans le même son et le même ton. Seul, j'aurais refait la même chose… Cette fois, on retrouve du folk, du jazz et du blues : c'est différent !
" Ce que nous ont laissé les vieux " est le titre d'une de tes nouvelles chansons. Ce n'est pas très gentil pour les vieux…
Je le sais… Mais il ne faut certainement pas interpréter ce titre au sens propre du terme ! Il s'agit d'une chanson réactionnaire. Soyons clairs : aujourd'hui, il convient de se couler dans le moule, de porter certains vêtements, de faire des activités de jeunes pour paraître jeune. Bref, nous vivons une sorte de chirurgie esthétique appliquée à la vie. Or, Jacques Brel, par exemple, soutenait que l'accomplissement d'une vie, c'est de vieillir. Il avait entièrement raison : la vie s'écoule et notre existence va dans ce sens là… Cette chanson s'assimile à une réflexion relativement vaste : c'est une interprétation socio-économique mais aussi musicale. Je pense notamment à tous ces vieux cons qui soutiennent ardemment que personne ne fera jamais mieux que les Beatles, que Pink Floyd ou que Bob Dylan. Je déteste cette attitude… Pourtant, je ne remets pas en doute l'immense talent de nos prédécesseurs mais je pense sincèrement que les artistes contemporains sont particulièrement doués…
Certaines de tes chansons respirent la " Belgitude ". " Moi je voudrais ", par exemple, nous procure cette légère sensation patriotique. Est-ce un sentiment voulu et recherché ?
En réalité, j'ai composé cette chanson à Montréal. En somme, on peut soutenir que lorsqu'on s'éloigne de la montagne, on aperçoit mieux son sommet. En écrivant cette chanson loin de chez moi, je me suis laissé davantage de liberté. Cette chanson n'est pas médisante : elle ne fustige aucunement notre pays. Actuellement, sur le plan international, la Belgique est meilleure en musique qu'en football. Alors, pourquoi s'en cacher ? Et puis, au regard de sa taille et de sa géographie, la Belgique rayonne énormément sur le reste du monde. En ce qui me concerne, je me suis vraiment rendu compte de cette situation à l'étranger. Dans le reste du monde, le Belge véhicule une image sympathique : celle d'un individu qui ne se prend pas trop au sérieux, une personnalité emplie d'autodérision et d'un certain sens de l'humour.
Le titre de ce disque suscite une dernière curiosité : Pourquoi avoir opté pour " 12h33 "?
J'ai retrouvé ce chiffre dans mes notes de travail. Je le trouvais beau… il était intriguant et sans signification profonde. Mais faut-il vraiment y apporter une explication ? Bon… (réflexion…) Alors, disons que c'est un simple équilibre entre le jour et la nuit !
Bidouilleurs, sampleurs, auteurs et compositeurs, les deux banlieusards de Scenario Rock ont tout écrit : des premiers accords au dernier morceau de " Endless Season ", l'album de la révélation. Autodidactes et passionnés, Mehdi Pinson et Ludovic Therrault ont choisi de mettre leurs rêves en musique. Sans concession ni appréhension, sans foi ni loi, ils nous livrent aujourd'hui le secret de leur détonnant cocktail rock ! Pardon… de leur Scenario Rock…
Sur la pochette du disque, vous apparaissez sur un puzzle. Vos fans peuvent-ils se procurer ce jouet en magasin ?
Medhi : Ben non… Ce puzzle se compose de 1100 pièces. Il est énorme ! C'est vraiment une galère de le reconstruire. D'ailleurs, je ne le conseille à personne ! Pour le refaire, on ne s'adressera pas à nos fans… mais plutôt à des fanatiques de puzzles, des gens expérimentés ! Nous en avons fait réaliser six. Nous avons détaché les pièces et il n'a jamais été possible de les réassembler, c'était trop chaud !
Ludo : A fond, y avait des pièces noires partout, pff…
M. : Mais ce puzzle sur la pochette existe bel et bien. Il ne s'agit pas d'un montage graphique. Pour les plus courageux, il est possible de se procurer un puzzle du visuel de la pochette : un puzzle sur lequel nous sommes occupés de reconstituer un puzzle !
Quand on évoque Scenario Rock, les gens pensent immédiatement à " Skitzo Dancer ", votre premier single. Ne craignez-vous pas d'être réduit à ce single, de devenir le groupe " Skitzo Dancer " ?
M. : Bon, il est vrai que cette chanson a changé des trucs. Mais ce n'est pas non plus le jour et la nuit… Il s'agit effectivement d'un titre fédérateur et il tombe bien dans la mesure où c'est un peu son propos. Ensuite, il titre opère une synthèse et fourmille de références qui nous sont propres. Dès lors, nous ne sommes pas dérangés d'être assimilés à cette compo.
Pourquoi, cette plage est-elle scindée en deux parties distinctes sur le disque ?
M. : Dans la narration de la seconde partie, il y a des réminiscences du début de la chanson. Pour nous, c'est une manière de revenir sur la thématique et de clore le truc simplement. Nous sommes très heureux d'avoir indexé cette chanson sous cette forme. Cela permet à l'auditeur de réécouter la partie jouissive de la fin sans devoir se retaper le début de la chanson. De plus, nous avons appris que la chanson allait être amputée pour sa version radio. Nous préférions donc retrouver notre propre parti pris artistique plutôt que de voir notre chanson massacrée de façon complètement incohérente !
Sur la deuxième partie de " Skitzo Dancer ", vous chantez des paroles que l'on peut traduire littéralement : 'Je suis seulement coupable de danser seul'. C'est quoi cette histoire ? Vous préférez danser à deux les gars ?
En choeur : (Rires) Non, ce n'est pas du tout ça !
M. : Dans cette chanson, nous voulions dénoncer le conformisme moderne qui règne dans les clubs, les soirées et les concerts. A la base, ce sont des lieux où tu es susceptible de rencontrer des gens, d'exprimer ta joie, de danser. Dans ces soirées, il y a toujours un gars ou une fille qui se livre à une danse étrange, voire extravagante. Bref, quelqu'un qui n'est pas forcément à l'aise avec son corps mais qui n'hésite pas à s'exprimer et à s'afficher. Personnellement, je ne comprends pas pourquoi cette personne devrait être montrée du doigt comme le vilain petit canard de l'histoire ! Pourquoi tout le monde regarde cette personne de travers ? Aujourd'hui, à l'occasion d'un concert, les gens sont plus enclins à rester stoïques, à analyser la performance des artistes plutôt qu'à se lâcher… même s'ils apprécient la musique du groupe. Dans ces soirées, ceux qui vivent réellement le concert, ceux qui se trouvent en adéquation totale avec l'artiste seront décriés. Pour nous, cette réaction constitue une moquerie gratuite à l'égard de ceux qui dansent, même de façon ridicule, sur la musique qu'ils aiment. " Skitzo Dancer " se construit comme une véritable métaphore autour de ce concept. La morale de cette histoire : en soirée, si tu as envie de t'exprimer, de profiter de l'ambiance et de danser seul, tu n'as pas à te sentir coupable…
Sur " Frantic Dance of Death ", vous évoquez l'éloignement. La solitude est-elle une sensation qui vous effraie?
M. : (Rires…) Non pas du tout ! Je suis très à l'aise par rapport à mes textes. Les faits et gestes que je dénonce dans les paroles de mes chansons ne me concernent pas directement. Ce n'est pas du tout autobiographique, ni une manière de régler mes comptes. Il y a toujours une part d'humour et de légèreté dans nos paroles car il n'est pas question de devenir complètement militant. Ce n'est pas notre truc… Je ne vais pas sombrer dans le cliché " Fight your right to party " à la Beastie Boys mais quelque part, nous ne somme pas loin de cette optique.
Comment définir Scenario Rock ? Plutôt funk, rock, dance ou soul ?
M. : On est tout ça réuni mec… Et plus encore ! Notre objectif est d'inscrire la musique dans un mode d'expression à part entière. Quand on joue de la musique, il reste essentiel de ne pas sombrer dans les extrêmes, dans un truc complètement égoïste. Le but reste avant tout de faire passer un message. La musique est un grand partage. Après, résumer Scenario Rock n'est pas une mince affaire… Le rock demeure néanmoins la meilleure façon de résumer la musique de Scenario Rock. C'est une musique inventive qui n'a jamais cessé de se réinventer au cours des décennies. Nous souhaitons vraiment inscrire notre projet dans cette voie !
Quand on écoute " Cruisin' ", on décèle immédiatement l'influence 'punkisante' des premiers Beastie Boys. C'est assez drôle d'entendre ce genre de compos alors que les Beastie Boys eux mêmes ne sont peut-être plus capables d'en composer. Que vous inspire cette réflexion ?
M. : C'est peut-être un peu prétentieux de notre part mais j'ai vraiment la sensation que nous empruntons autant qu'ont pu emprunter les Clash ou les Beastie Boys. Quand les Beastie Boys ouvraient pour Minor Threat au CBGB's dans les années 80, ils harponnaient des influences extérieures et s'inspiraient d'un courant qui existait déjà ! De notre côté, nous essayons de travailler en ce sens. Ces influences représentent vraiment quelque chose qui fait partie de nous et qui rejaillit dans nos chansons. Composer un morceau comme Cruisin' s'explique en grande partie au regard de nos expériences, de notre grand folklore et de notre état d'esprit actuel. Quand nous n'aurons plus l'énergie nécessaire pour balancer ce style de musique, alors peut-être passerons-nous à autre chose… Pour revenir aux Beastie Boys : quand tu as 40 ans, je ne pense pas qu'il soit très judicieux de jouer la musique de tes 20 ans… A moins d'être capable de le faire avec la même 'gnac', la même folie ! Pour nous, " Endless Season " demeure une sorte de photographie de nos inspirations et de nos aspirations. Pour Scenario Rock, l'originalité passe donc bien par l'éclectisme… Chez nous, c'est l'authenticité qui prime. Or, la meilleure façon d'être authentique est de faire quelque chose qui te ressemble, que tu maîtrises. Même si la charpente d'un disque s'articule autour de ta personnalité, il y a toujours moyen d'apporter des éléments objectifs…
Et sur scène, que peut-on attendre de Scenario Rock ?
M. : Sur scène, nous sommes cinq. J'assure la voix et la guitare. Ludo la basse et les claviers. Nous avons également un batteur et un deuxième guitariste. En live, nous cherchons vraiment à rester proches du songwriting de l'album…
Une chanson comme " Modern Epicureans " peut-elle être assimilée à un subtil mélange entre la pop scintillante de The Police et l'énergie abrupte des premiers Beastie Boys ? Etait-ce un but pour vous de réaliser ces mélanges osés et un peu fou ?
M. : Il ne s'agit pas d'un exercice de style mais plutôt d'un folklore qui s'exprime de façon inconsciente. A 12 ans, j'avais un groupe de hip hop et j'écoutais aussi bien les Beastie Boys que Minor Threat, Bad Brain ou Slayer. J'accomplissais des figures de Break Dance mais je jouais aussi de la guitare. Tout simplement parce que j'adore les Pixies, Cure ou Police. En réalité, ce sont de faux paradoxes... Evoluer dans le milieu du skateboard a largement contribué à élargir nos horizons et à nous sensibiliser à différents modes d'expression. L'ambition et la témérité, voire l'agressivité se transforment en un processus positif et créatif.
Etes-vous des collectionneurs de disques avant d'être des musiciens ?
M. : Les disques de mes parents m'ont rapidement intrigué. Mon père s'écoute plein de morceaux de groove, de funk ou de soul jazz rarissimes ; ma mère est plus branchée sur les trucs rock et easy listening. Plus jeune, mon grand frère jouait dans un groupe de heavy métal. L'oncle de Ludo était deejay dans les 80's ; et sa programmation oscillait entre Big Beat et New Wave, voire de la production plus funk. Nous avons donc grandi au milieu des années 80. Notre génération se tournait davantage vers le punk ou le hip hop et naturellement vers le vinyle. J'ai vite collectionné les originaux pour mixer ; cela m'avait toujours passionné. Les instruments sont arrivés plus tard pour la bonne et simple raison que c'est quelque chose d'onéreux, d'inaccessible lorsque tu es plus jeune. Au fil du temps, notre culture s'est étoffée. De son côté, la musique s'est démocratisée et décomplexée. Cependant, bien que nous jouions de nombreux instruments, nous nous considérons avant tout comme des producteurs.
Sur le titre " Endless Season ", nous avons l'impression d'entendre une douce référence au " London Calling " de The Clash ? Que pensez-vous du punk ?
M. : L'urgence et la mélancolie se dégagent de ce titre et de son riff de guitare. En réalité, le punk peut devenir nostalgique lorsqu'il sous-tend une référence implicite. Essentiellement pour ceux qui y voient un clin d'oeil aux Clash. Pourtant, de nombreux groupes se sont illustrés en empruntant des éléments à d'autres genres musicaux pour réinventer le rock. Cette démarche nous motive. Nous sommes le produit d'un environnement où le Do It Yourself et l'authenticité comptent encore énormément. Mais il est évident que le punk est devenu un cliché de mode, un univers fantasque où l'esthétique a remplacé l'artistique. Aujourd'hui, tout devient tellement superficiel…
Que pensez-vous des concerts gratuits ? En jouez-vous parfois ?
M. : Les concerts gratos ? Mais ça n'existe pas ! Les représentations nous coûtent toujours de l'argent: alcool, 'etc'... Plus sérieusement, il nous arrive de jouer des concerts gratuits pour des anniversaires, des fêtes ou d'autres événements bien précis. Il n'est pas dérangeant de jouer gratuitement pour une cause caritative. Mais la plupart du temps, ce sont des prétextes avancés pour réduire les coûts et s'en mettre plein les poches. Notre premier concert était d'ailleurs une initiative de ce genre, un concert de soutien,... qui s'est terminé par une disparition de la caisse…
Connaissez-vous quelques artistes belges ?
M. : Des artistes belges ? Quelle drôle de question ! Bon alors… Je pense à dEUS, à Vive la Fête, à Ghinzu, à Girls in Hawaïï, aux 2 Many DJ's ou encore à Soulwax. Les artistes belges francophones, ce n'est pas vraiment notre tasse de thé, à quelques exceptions près !
Quel est l'album préféré de Scenario Rock ? Et dans votre collection, quel est le disque que vous avez vraiment honte d'écouter ?
M. : Ouah, il y a trop de concerts, trop de disques, trop de qualités et de producteurs pour n'en citer qu'un… Par contre, les artistes que nous avons honte d'écouter, on ne les écoute pas. On les fuit ! Ben ouais, faut assumer ces goûts, mec!
Quel est le disque que vous offririez à votre pire ennemi ?
M. : Malheureusement, nous n'avons pas d'ennemi vivant sur la planète terre… Mais si j'en avais un, je lui offrirai notre disque rien que pour lui foutre les nerfs en boule ! Mais j'espère que ça n'arrivera jamais…
Quel est le prochain concert auquel vous assisterez ?
M. : Là, nous sommes impatients de découvrir le LCD Soundsystem de James Murphy à l'Elysee Montmartre ! J'ai l'impression que ça va faire très mal…
Une mine de chien battu, un accent 'ricain' à couper au couteau et une nonchalance toute new-yorkaise, c'est le portrait craché du type qui nous fait face. Adam Green donc. En ce premier jour de mars, le garçon passe par le Botanique pour une représentation placée sous le signe du décalage pré-adolescent.
Proclamé roi de l'anti-folk (NDR : prononcez 'entaille' folk) par la presse de son pays, le gars paraît jeune. Il l'est : vingt-trois ans au compteur et une ardoise déjà bien remplie. Avant de se lancer dans une carrière solo, Adam Green officiait au sein des Moldy Peaches, duo qui ne souffrait alors d'aucune comparaison, tant dans le style que dans la forme. Sur scène, Adam n'hésitait pas à se déguiser en Robin des bois tandis que Kimya Dawson, sa partenaire musicale, se transformait en lapin (géant…forcément). Ces deux 'guignolos-folk' débitaient des comptes enfantins à faire pleurer tous les mômes du quartier. On n'invente rien…
« Avec Kimya, nous réalisions toutes les compositions ensemble. Désormais, c'est très différent. J'écris les paroles à ma façon, beaucoup plus vite. Actuellement, je me concentre intensément sur mes concerts. Ces représentations m'emmènent aux quatre coins du monde et nombre de mes nouvelles chansons s'inspirent de ces voyages », raconte mollement Adam. Lors de ses concerts, certains (certaines ?-NDLR) auront d'ailleurs amèrement constaté que pour Adam Green la page Moldy Peaches semble définitivement tournée. Ainsi, lorsqu'une (un ?) groupie lui réclamera un légitime 'Who's Got The Crack', le maigre chevelu se contentera de répondre : "Je pensais qu'il s'agissait d'une chanson des Moldy Peaches…" Quelques minutes plus tard, seul à la guitare, Green se fend d'une déclamation défoncée de 'What a Waster'. C'est étrange, nous pensions qu'il s'agissait d'une chanson des Libertines… Bref, poursuivons notre histoire. Après un premier album (NDR : passé inaperçu dans nos contrées) et le désormais mythique 'Friends Of Mine' (NDR : passé inaperçu chez nos voisins Français), Greeen nous propose aujourd'hui 'Gemstones', nouvel album à paillettes où notre troubadour transcende récréativement ses dernières mélopées enjouées. La voix d'Adam Green brille par sa maturité. " Je me sens fortement influencé par la musique de Lou Reed, de Jacques Brel mais aussi et surtout par la 'Motown' ", explique l'intéressé en abordant sa musique. La culture musicale du jeune homme n'est pas à mettre en doute. Par contre, vu l'énergie avec laquelle Adam Green répond à nos questions, nous craignons forcément le pire en songeant à ses prestations scéniques…
Face au public, la surprise est de taille. Comme par miracle, l'effroyable apathie du garçon se mue en une force tranquille animée d'un charisme à toute épreuve. Avons-nous réellement interviewé cet Adam là ? Qu'importe, le public ne tarit pas déloges et ne cesse d'applaudir le prodige. En guise de remerciement, le rejeton gratifie son assistance d'une poignée de chansons supplémentaires. L'improbable crooner va jusqu'à laisser au public le choix des titres interprétés (exception faite de 'Who's Got The Crack'). Dernières ovations. Les projecteurs s'éteignent, les lumières se rallument. Chacun regarde bêtement son voisin. Les sourires béats demeurent ridicules mais de rigueur. Les gens heureux sont ici. Pas en ballade. Adam Green a conquis son auditoire en une vingtaine de titres courts et concis. "En réalité, je ne suis pas nécessairement opposé au fait d'écrire une chanson plus longue. Je veux juste éviter de lasser les gens". De ce côté là, aucun doute possible, notre sacré Robin des bois ne peut manquer sa cible...
Quelle joie de découvrir le nouvel album de Shivaree ! Qui ne se souvient pas de " I Oughta Give You A Shot In The Head For Making Live In This Dump " ? Ce premier disque à l'intitulé longuet renfermait l'un des tubes les plus efficaces et romantiques de cette fin de siècle. Un titre ? " Goodnight Moon ", une chanson faite pour rêver. Et la chanteuse de Shivaree ? Ambrosia Parsley, une frimousse parfaite pour nous obliger à céder aux charmes de cette formation californienne. En Europe, l'intitulé à rallonge s'écoulera à plus de 500 000 exemplaires. Une moitié de décennie après ce succès populaire, Shivaree livre " Who's Got The Trouble ? ", nouveau recueil de comptines atypiques coulées dans un moule de revendications. L'engagement politique constitue indéniablement une petite révolution dans l'univers envoûtant de Shivaree. Résumé d'un entretien séduisant en compagnie de cette perdante des élections américaines… La beauté effraie énormément les hommes. Le genre masculin craint l'éclat, la douceur et la perfection pragmatique de son contraire. Les femmes impressionnent les hommes, c'est un fait. Cette affirmation explique en grande partie la panique qui nous envahit quelques minutes avant de rencontrer Ambrosia Parsley, la voix cristalline de Shivaree. Pourtant, la jolie brune qui nous fait face respire la gentillesse. Naturellement, elle nous propose de nous asseoir. Gêné, les joues rougies, nous acceptons cette rassurante invitation…
Le premier album de Shivaree fut un succès. Quelle drôle d'idée de choisir un titre d'album aussi long !
En fait, nous n'avions jamais songé au rapport entre nos choix artistiques et les vues de l'industrie du disque. Nous faisions notre boulot pour sortir de bonnes chansons et aboutir à un album honorable. Nous recherchons toujours le plaisir dans notre travail sans vraiment réfléchir à la façon dont il travail va être perçu et interprété. Personne ne peut contrôler ce que les gens pensent.
Malgré l'important succès populaire de " I Oughta Give You A Shot In The Head For Making Live In This Dump ", votre deuxième album n'est pas sorti aux USA. Peut-on connaître les raisons qui expliquent cette décision ?
Les personnes avec lesquelles nous avons travaillé sur " Rough Dreams " en 2002 se foutaient pas mal de notre musique… Ce genre de situation se produit relativement souvent chez les compagnies 'Major'. Nous nous sommes retirés afin d'éviter ces hommes d'affaires. Personne ne pouvait nous empêcher de jouer notre musique et c'est la principale raison pour laquelle nous avons décidé de les zapper…
L'explication de cette non-parution aux USA n'est donc pas à chercher dans les conséquences des attaques terroristes du 11 septembre ?
Oh Non … le masque de repos sur la pochette (NDR : ce genre de masque que l'on porte sur le visage pour s'endormir dans les avions) n'est pas du tout une allusion aux attaques terroristes. Tout le monde peut mettre un masque de sommeil ailleurs que dans un avion, non ? Mais cette remarque est très positive car elle démontre que toute chose peut-être interprétée. Un même fait, un même objet sera différent d'une personne à l'autre, d'une interprétation à l'autre. C'est quelque chose de vraiment formidable !
Après le succès de " Goodnight Moon " et du premier album, penses-tu que votre public soit dans l'attente d'un nouveau " Goodnight Moon " ?
Pas vraiment… (hésitations)… En fait, je crois que nous ne pouvons pas penser ainsi. Tu ne peux pas faire quelque chose juste en essayant de reproduire une particularité vocale, en essayant de manipuler le public en quelque sorte. C'est très étrange… Personnellement, j'adore cette chanson. Nous la jouons toujours en concert. Mais comment expliquer son succès ? Je ne sais pas… C'était une très bonne surprise ! Il est très bizarre de composer une chanson que les gens apprécient à ce point.
Votre premier album offrait des images du rêve américain. Pour nous Européens, cet album véhiculait le rêve d'une Amérique inconnue. Sur le nouvel album, c'est différent. On retrouve davantage un travail d'écriture et de composition. Comment expliques-tu cette évolution ?
Tout ce que nous avons réalisé à ce jour constitue une évolution dans notre vie mais aussi dans notre carrière. J'ose d'ailleurs espérer que notre nouvel album ne sonne pas exactement comme notre premier disque ! Aujourd'hui, quand nous réécoutons notre premier disque, c'est un peu comme si nous regardions la photo de notre bébé. Ce premier album a grandi. Si notre nouvel album pouvait parler ou nous écouter, nous pourrions lui faire écouter notre enregistrement initial en lui disant : 'Ecoute ! Ecoute, c'est toi il y a cinq ans…Tu as bien changé, n'est-ce pas ?' En réalité, je pense que tout le monde change. Ce n'est pas quelque chose d'inconcevable pour moi de changer et d'évoluer. Nous rencontrons des gens, nous apprenons des choses et nous grandissons. Nous évoluons sans cesse. Cette notion d'évolution est une des choses les plus fascinantes et fabuleuses dans la musique. Il y aura toujours quelque chose à apprendre et la musique ne cessera jamais d'évoluer, de grandir.
Si un de tes fans vient te voir et t'avoue que pour lui, le rêve américain… c'est toi ! Que lui répondras-tu ?
Je ne sais pas ce que les gens s'imaginent à mon propos. Personnellement, je n'essaie pas 'd'être' ou de représenter qui que ce soit. Mais que peut-on faire contre ces représentations ? Sans le savoir, tout le monde véhicule l'imaginaire du petit monde visuel attaché à son lieu d'origine. Mais personne n'y peut rien…
Sur le titre " I Close My Eyes " du nouvel album, tu chantes quelques mots en français. Que représente la langue française à tes yeux ?
Sur le nouvel album, la politique rencontre la poésie des textes de mes chansons. " I Close My eyes " s'inspire d'un de mes rêves. Dans cette aventure inconsciente, j'imaginais que l'on torturait le président Bush. C'était très étrange… Le lendemain, j'ai écrit cette chanson contestataire. A nos yeux, ces mots que je fredonne en français représentent un affront à notre président. Depuis quelques mois, les relations entre la France et les USA sont tendues. Pour nous, " I Close My Eyes " est symptomatique de ces tensions. Je ne parle pas très bien le français mais si ces paroles permettaient de changer de président, je serais bilingue ! Je suis né à Los Angeles… En Californie, on enseigne l'espagnol à l'école. Ben oui, nous sommes juste à côté de la frontière mexicaine… Alors, les quelques mots de français que je connais, je les ai trouvés dans les livres les disques ! (rires…)
Une des chansons de " Who's Got Trouble ? " s'intitule " The Fat Lady Of Limbourg ". Savais-tu que le Limbourg était une province belge?
Oui, je le savais (NDR : un journaliste perspicace vient de la renseigner). Mais pour moi, avant d'être une province belge, c'est surtout une chanson de Brian Eno, une chanson tirée de l'album "Taking Tiger Mountain…". Mais peut-être qu'un jour j'enregistrerai un disque de reprises, qui sait ? C'est possible… Par contre, il faudra vraiment que je demande à Brian Eno s'il connaît la province du Limbourg en Belgique ! (rires…)
Pour toi, le plus important réside-t-il dans l'écriture ou l'interprétation de la chanson ?
C'est impossible de séparer ces deux choses. Ecrire une chanson et la chanter demeure une chose tout à fait normale, liée à la nature humaine. Je pense réellement que tout le monde est capable de réaliser ce genre de dessein artistique !
En 2004, Tuxedomoonenregistrait un album qui consacrait la réunion du groupe : « Cabin in the sky ». Un come-back réussi qui vient de trouver un prolongement à travers la sortie de ce Dvd. En fait, les sessions d’enregistrement on été filmées par Merrill Aldighieri. Sous un angle très personnel, incluant séquences studio (composition des morceaux, scènes de la vie quotidienne, répètes, discussions) et bien sûr prises ‘live’ (soit cinq fragments du nouvel elpee et les incontournables « Desire », « Loneliness », « Litebulb overkill », « Volo vivace » et « The waltz ». Le tout bénéficiant d’un graphisme artistique new wave. Le disque recèle – et c’est là son plus grand intérêt – une multitude de bonnes surprises. Deux remixes inédits opérés par Tarwater et John Mc Entire de Tortoise ainsi que deux vidéos inédites : « Nur al-Hajj » (remodelé par les soins de Tuxedo Moon) impliquant les musiciens de Taraf de Haïdouks et « Incubus/Blue suit » immortalisé en 1981, au club Hurrah’s à Milan. Et si vous avez manqué les dernières apparitions du groupe en Belgique, pas de panique, ils se produiront le 26 janvier au Nijdrop d’Opwijk et le 29 au 4AD de Diksmuide ; et pour la France le 28 au Casino de Paris.
« All That All I am » succède donc à l’énorme carton réalisé par « Supernatural » et au discret « Shaman ». Un disque pour lequel Santana a décidé de proposer plus ou moins la même recette musicale. Un mélange entre morceaux latins proches de sa personnalité et des menus sacrifices à la mode du jour, que favorise la participation de quelques grosses pointures du business musical actuel. Big Boi (Outkast), Mary J. Blige, Steven Tyler (Aerosmith), will.i.am (Black Eyed Peas), Sean Paul ou encore Joss Stone font donc partie de cet impressionnant casting. Alors que flanqué d’une pléiade d’invités, Herbie Hancock nous a récemment pondu une belle horreur, il faut avouer que Carlos s’en sort plutôt bien. Le disque démarre fort par « Hermes » : un chouette salsa rock exécuté sous le signe de la fête et des mélodies inspirées. Une impression positive corroborée par la ballade pop/rock convenue mais réussie « I’m feeling You ». Rayon r’n’b, « I am somebody » deviendra sûrement un tube l’été prochain ; un titre remuant commis en en compagnie de will.i.am ; tandis que le plus sentimental « I’m feeling You » (Big Boi et Mary J. Blige) devrait satisfaire les quarts d’heure américains des soirées à travers le monde. Moins agréable, le tire larmes « Just Feel Better » lorgne du côté ‘knuffel rock’. Caractérisé par son déluge de soli à la guitare, le délire heavy metal de « Trinity » constitue sûrement le plus mauvais moment de l’album. Et la présence de Kirk Hammet ne fait rien pour arranger les événements. Sean Paul et Joss Stone assurent quant à eux le service minimum sur le ragga latino de « Cry Baby Cry », tandis que le disque s’achève par un « Da Tu Amor » aux accents latin-jazz. Vous l’aurez compris, les styles se bousculent avec plus ou moins de bonheur sur ce nouvel opus ; ce qui en fait malgré tout une œuvre agréable et artistiquement plus solide que « Supernatural ».
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