Si "Brave new world" avait, à l'époque du grand retour de Bruce Dickinson, provoqué unanimement un sentiment de victoire au sein des fans purs et durs de la Vierge de fer, il n'en est pas de même aujourd'hui. Certes, on savait que la bande à Steve Harris allait devoir viser très haut pour donner un digne successeur à l'album de la reformation, mais on était loin de s'imaginer qu'il aurait fallu des écoutes répétées de ce "Dance of Death" pour en apprécier certaines plages. On n'ose évoquer le titre du très inégal "No prayer for the Dying", car le Maiden nouveau n'est pas aussi catastrophique, bien qu'il donne également l'impression d'avoir été enregistré sans motivation. Des titres trop longs comme la plage titulaire ou "No more lies" sont même dépourvus d'intensité, au point de devenir ennuyeux. Jamais nous n'aurions pensé qu'un jour on parlerait d'un album de Maiden en ces termes, mais de toute évidence "Dance of Death" ne marquera pas la carrière d'un des plus brillants groupes de heavy metal de ces deux dernières décennies. Heureusement, tout n'est pas négatif sur cette nouvelle livraison, et il subsiste quelques titres remarquables typiquement 'maidenesques', à l'instar de l'énorme "Paschendale" et ses superbes orchestrations, de l'épique "Montsegur" taillé pour la scène ou encore du très surprenant "Journeyman", titre acoustique fortement marqué par les influences progressives d'Harris n' co. Mais ce n'est pas suffisant pour Iron Maiden qui est au metal ce que la série télévisée "Le Prisonnier" - qui a donné son titre à un morceau de Number of the Beast - est à la culture british. Une référence absolue! On croise les doigts, et on espère mieux pour la prochaine fois.
On avait un peu perdu de vue Ken Ishii depuis son " Sleeping Madness " de 1999, sur lequel il balançait la sauce en compagnie de Talvin Singh, Mike Ladd et DJ Spooky. Après un " Flatspin " (2001) passé inaperçu, le Japonais revient, en bonne forme. Rien de très original, certes (toujours cette mixture de techno martiale et d'électro funky), mais là n'est pas le problème : du moment que ça chauffe sur le dance-floor, le contrat est rempli. Au menu, donc, du BPM qui déménage (" Melting Point ", " Presto ", " Beep Twist "), de l'acid comme au bon vieux temps (" Auburnia ") et du copiage en règle des aïeuls de Detroit (May, Atkins, Saunderson). Ce qui est bien aussi, c'est la manière dont Ken Ishii a construit son album : comme un mix, avec son départ en douceur (les 3 premiers morceaux), son climax (de " Future Is What We Are " à " Beep Twist ") et ses moments d'accalmie (" Fadeless ", au milieu, plus chill out, et " Strobe Enhanced ", à la fin, de l'électro pure qui permet de lever le pied de la piste). " Future In Light " a beau sonner un brin daté et Ken Ishii souffrir de la comparaison avec les nouveaux ténors du dance-floor (de Dj Hell à Ellen Allien), il n'empêche que l'ensemble s'écoute encore avec plaisir, comme on regarde un bon vieux film. En gros, le Japonais fait partie de (no)s meubles. A vous (et lui) d'y voir un compliment ou une insulte.
De Suède, on connaît Fireside, Soundtrack of Our Lives, The Hives et bien d'autres. On ne connaissait pas encore Isolation Years. Pourtant, on retrouve Pelle Gunnerfeldt (Fireside) à la production, et toujours cette touche scandinave qui en ce moment fait recette : de la bonne pop un peu country, un peu rock, des mélodies accrocheuses, de la candeur acoustique. C'est enjoué. Il y a aussi des cuivres (" Frosted Minds "), des chœurs, du banjo, des gars qui sifflotent (" Let's Step Aside "), des synthés (" Open Those Eyes "), du xylophone (" Three-Minute Convert "). La formule fait parfois penser à du Go-Betweens, du Calexico, de l'Echo & the Bunnymen (la voix). C'est vrai que ça ne mange pas de pain, et on qu'on en reparlera sans doute dans un mois, à la prochaine livraison suédoise ou norvégienne. On ressortira sans doute les mêmes phrases et les mêmes références, à peu de choses près. Quelqu'un dira peut-être qu'on radote, qu'on use de clichés, et il n'aura pas tort. On lui répondra qu'il est parfois difficile de séparer le bon grain de l'ivraie, et on lui conseillera d'écouter avant d'acheter. On en restera là, et on rangera notre cd parmi les dizaines d'autres déjà chroniqués sous l'étiquette " la grande famille pop-rock du nord de l'Europe ". Dans quelques années, peut-être, on les revendra, parce qu'on se rendra compte qu'on ne les a plus écoutés depuis leur chronique. Ca nous fera un peu d'argent de poche, qu'on dépensera un vendredi soir à boire des bières avec des amis. Les cd's, parfois, ça fait une belle monnaie d'échange.
Il y a deux ans, le premier album des Mancuniens d'I Am Kloot, " Natural History ", s'était vu acclamé par toute une presse anglophone alors encore dévouée au tout acoustique (ce " New Acoustic Movement " un peu pâle et pas drôle). Depuis, l'électricité a repris le dessus, et le public jeune ne jure plus que par le rock'n'roll. Pas facile dès lors pour I Am Kloot de refaire surface, en plein délire psyché et garage. Forcer le barrage des guitares lourdes, surtout quand on a l'air d'avoir quarante piges et qu'on s'appelle John Harold Arnold Bramwell, n'est donc pas une mince affaire. Certes, I Am Kloot durcit le ton ça et là, bien que tout reste assez relatif : les percussions hypnotiques de " Life In A Day ", le morceau " rock " d'I Am Kloot, ne font sans doute pas bien peur à ces malades d'Eighties Matchbox B-Line Disaster… Que les fashion victims passent donc leur chemin : I Am Kloot ne fait pas de la musique kleenex, si excitante soit-elle… Tant qu'à s'essayer aux belles métaphores, on parlerait plutôt à son égard de mouchoirs bien brodés, faits maison avec amour et tendresse. De l'amour, John Arnold (etc.) en parle justement, beaucoup : rien de tel que les bons sentiments comme fond de commerce. " I Am Kloot " n'est donc pas bien différent de " Natural History " (des chansons calmes et jolies, souvent tristes), et pourtant on n'y trouve pas grand chose à redire. La conclusion, c'est qu'il n'y en a pas : I Am Kloot, c'est I Am Kloot, ce qui a le mérite d'être clair... Non ?
L'ambiance dans la salle est à son comble depuis qu'un type au look d'indien s'est emparé du micro et gueule comme John Lydon. C'est le nouvel an, la fête, et le concert surprise se transforme vite en happening punk funk du feu de dieu, comme si les Liars et Pulp copulaient en pleine lumière, sous le regard ébahi de jeunes branchés urbains venus nombreux pour se saouler la gueule. Au bar, seuls quelques égarés continuent à boire leur bière, comme si de rien n'était. Pour eux, c'est la défaite : ils pensaient, vu le nom, voir un groupe électro, ils se coltinent un enragé qui piétine sur une rythmique post-punk d'enfer. 23h59… 10, 9, 8, 7, 6, 5, 4, 3, 2, 1, 0 : bonne année 2004 ! Certains font le vœu d'un revival NWBHM (The Darkness ?), d'autres parient sur le come-back de Gary Glitter et de Klaus Schulze. Sur scène, le type à l'iroquoise se démène toujours, balançant ses bombes funky à la tête des gens venus en dilettante. " Ce truc, c'est de la dynamite ! ", me dit mon voisin passablement bourré, suant comme un bœuf dans sa veste en cuir piquée de badges rock'n'roll. Soupirs : nous voilà en 2004, et c'est toujours la même rengaine : des guitares qui fusent et tourbillonnent, un mec qui singe Rotten, une grosse basse qui swingue. " Ouaip, c'est pas nouveau, c'te machin… Faisaient pareil en 80… ", lui dit son voisin de droite, tout maigre dans son T-Shirt de Television. Il est déjà 00h20 et le public fatigue : c'est l'heure du slow (" Scream "). Des couples s'enlacent, obligeant les célibataires à raser les murs en espérant s'attirer le regard d'une quelconque fille facile. Mais le type aux cheveux rasés genre Apache recommence à s'ébrouer en gesticulant comme un poulet : " Let's Talk Turkey ", qu'il dit. " C'est trop fort comme ça arrache ! ", insiste le type qui pue. C'est vrai, c'est sympa. Du bon gros son qui tape, de chouettes mélodies. Dehors il fait -10, et tandis qu'on danse, s'envolent nos vaines résolutions de l'an neuf (1/ Ne plus tomber dans le panneau du garage-punk funk revival. 2/ Ne plus porter de badges des Datsuns et de Radio 4 sur sa veste. 3/ Ne plus dire que les Strokes sont des vendus)… Sur scène le type éclate sa guitare et disparaît backstage. Les lumières se rallument : il est temps de rentrer et de se refaire une santé. D'autres groupes comme celui-ci nous attendent, tous plus cool les uns que les autres. L'année ne fait que commencer.
Avec un nom pareil, sûr que ces types ne font pas dans la dentelle : plutôt que de tricoter de belles harmonies folk ou pop en chantonnant d'idiotes histoires de jeunes puceaux, Chetley Weise (voix, guitare) et J.R.R. The Tokien One (batterie) carburent au blues le plus crade, au rock'n'roll le plus dément. Robert Johnson, John Lee Hooker (" Burning Hell "), Skip James (" Devil Got My Woman "), Leadbelly (" Ain't Going Down To Well No More ") : ces bluesmen tiennent depuis longtemps le crachoir en enfer, mais les voilà qui rappliquent pour mettre encore une fois le bordel sur cette bonne vieille terre. Ce disque, c'est comme " L'exorciste ", sauf qu'ici Linda Blair a deux grosses têtes, comme ces putains de monstres canins qui rodent près du Styx. Et leur regard n'inspire pas la confiance : avec leurs yeux rougis qui roulent dans leur orbite et leur bouche tordue de mépris (la pochette), Weise et Token One montent la garde devant l'autel brûlé du blues mortifère, celui qui n'existe plus depuis des lustres, si ce n'est du côté de Fat Possum. C'est méchant, c'est sale, c'est sexy : 10 morceaux dont 5 en live, parce que le blues se vit et s'écoute mieux sur une scène que dans sa chambre, terrain trop propice au confort, à la sécurité, à la médiocrité. Que ces mecs soient remerciés, même si leur âme est entachée du sceau faustien. L'immortalité, comme celle de leurs ancêtres et de leur musique, est à ce prix.
Indochine? Ben ouais, j'ai toujours eu un petit faible pour ce groupe ! Et alors ? Z'avez pas connu leurs débuts ? Les soirées de 'rhéto' au cours desquelles on s'éclatait à l'écoute de " L'aventurier " ou de " Canary bay " ? Alors, vous ne pouvez pas comprendre. Soyons maintenant un peu plus réaliste, Indochine a toujours été d'abord, un groupe de scène. Et je dois avouer que chaque fois que j'ai pu assister à un de leurs sets, j'ai été impressionné par la communion qui existe entre Nicola Sirkis et son public. Et cette histoire d'amour dure depuis trois générations. Pourtant, la formation a vécu une très longue traversée du désert ; justifiée, il est vrai, par une muse déficiente. Et curieusement, c'est en traversant les épreuves (NDR : départ du principal compositeur Dominique Nicolas en 94, décès de Stéphane Sirkis en 99) qu'Indochine a retrouvé l'inspiration. Ponctuant même, en 2002, ce retour en force par la sortie de son meilleur album commis à ce jour, " Paradize ". Dans la foulée, le combo va tourner pendant un an et demi et accorder plus de 80 concerts ; un périple qui va trouver son épilogue le 3 juin 2003, par un concert à Bercy. Indochine deviendra par la même occasion le premier groupe français à remplir cette salle. Un événement qui a été immortalisé sur " 3.6.3. ", un double elpee qui épingle les inévitables classiques, mais également des compos issues des derniers opus ; et puis surtout la version du " Grand secret ", interprétée en duo par Melissa Auf Der Maur et Nicola, non pas par voie d'écran interposé (comme tout au long de la tournée), mais en direct. Les enregistrements n'ont pas fait l'objet de la technique de remasterisation (instruments, chœurs et voix). Et si ce choix apporte à l'ensemble un aspect plus naturel et spontané, il faut reconnaître que privées de leur support visuel ces versions libèrent une telle intensité qu'au fil de l'écoute on en est presque assommé. Reste que ce double elpee deviendra un véritable testament pour toutes celles et tous ceux qui ont eu l'occasion d'assister à un des concerts de ce 'Paradize tour'
iTunes : http://itunes.apple.com/be/album/p-n-de-stade-live/id412858153
Ils nous viennent de Tourcoing et ont déjà commis un single 2 titres (" Vert Soleil ") et un album (" Etrange Meteo "). Après avoir écouté ce single encore tout frais, une chose est sûre : ils aiment Indochine et Visage. " Encore Vivant " peut provoquer soit de l'urticaire, soit une folle envie de danser en levant les bras. Dans le premier cas, c'est que vous n'aimez pas les boîtes à rythmes rétros et les vocaux à la Sirkis ; bref une certaine idée du mauvais goût pop eighties à la française. Dans le second cas, euh… ce n'est pas sérieux ! Ne parlons même pas de la face B, " Sniperman ", encore pire. C'est grave, docteur ?
Difficile de pouvoir se faire une idée objective sur les quatre titres de cette démo, tant les arrangements et le mixing sont de piètre qualité. Passé ce cap, on se rend heureusement compte que leur musique possède un potentiel certain. Surtout sur les deux derniers titres, " Poser " et " Face reality ", qui me rappellent… Au Pairs. A cause de la voix androgyne de Petra Van Nierop qui épouse ici les inflexions de Lesly Woods, mais aussi de la solution sonore sculptée dans une sorte de post punk ténébreux, légèrement teinté de funk, de blues et de soul. De facture plus banale, les deux premiers fragments, " Around " et " Flying ", ont probablement le tort de ne pas trop savoir s'il y a lieu d'explorer la face pop du rock ou la face rock du pop. Petra a en outre, ici, le tort de forcer sa voix. Mais comme elle ne possède pas le timbre de Skin, la vocaliste de Skunk Anansie, la mayonnaise ne prend pas. Il y a du pain sur la planche !
Cette formation hollandaise s'est unie en 1999 pour l'amour de la Tijuana Music. Un style popularisé dans les années 60 par le musicien américain Herb Alpert. En bref, cette musique mélange des éléments mariachis (cuivres omniprésents, mélodies hispanisantes) et de la pop des sixties (guitares reverb, section rythmique bondissante). Les morceaux écrits sur ce premier effort des disciples de Herb mériteraient ainsi de figurer sur la prochaine pellicule de Tarantino, si ce dernier se mettait en tête de la tourner à Tijuana : ils allient d'excellentes mélodies à un sens du groove consommé qui trahit l'intense activité scénique de ces gaillards. Parfois, lorsque les compos s'éloignent du Mexique, le rythme s'apaise ; mais c'est pour lorgner vers un jazz plus classique limite musique d'ascenseur. Pourtant, ce ne sont que des interludes qui permettent à nos Bataves de mieux repartir pour embrasser des mélodies enlevées, distillées par leur section de cuivres. Presque exclusivement instrumental, ce premier essai se révèle être un hommage particulièrement réussi à la Tijuana Music, puisqu'il donne envie d'aller jeter une oreille sur la discographie de leur maître Herb Alpert.
Deuxième opus pour cette formation danoise, dont le nom est inspiré d'un personnage issu du film d'Orson Wells, 'le 3ème homme'. Hormis le claustrophobe et décousu " Hand size ", les 10 autres fragments de ce " 23 bag movie master " naviguent au sein d'un univers sonore qui oscille de la noisy au psychédélisme, en passant par l'ambient le post industriel et la prog. Avec beaucoup de bonheur, il faut le souligner. Les spectres de My Bloody Valentine (le titre maître), des Stone Roses (l'instrumental psyché house au groove sale " Rock star "), de King Crimson circa " Islands " (la ballade atmosphérique et légèrement cuivrée " Weathered "), de Wire (le heavy garage boogie " Gravity explodes "), de la " Dark Side Of The Moon " du Floyd (pour le post rock de 12' " Psychobabble "), d'Archive ( le mystérieux, ténébreux, intense, électrique, hyper mélodique et surtout le meilleur morceau de l'opus " Streamlined pink guitar ") et de Motorpsycho (le complexe, métallique et énigmatique " Drive ", l'insolite " Staccato II ", fréquenté de claviers fluides, d'une flûte jazzyfiante et de percus) exercent leur emprise. Insolite, aventureux et légèrement cuivré, " Mutant girl " réussit la fusion entre la lo fi, la lounge et le métal, un peu comme si Cake et Pavement avait décidé de faire un bœuf en compagnie de James Hetfield ; alors que la cover très réussie du " Fuzzy " de Grant Lee Buffalo met la noisy à la sauce technologique (avec boîtes à rythmes, samples et tutti quanti). Suffirait que le groupe digère toutes ses influences pour passer en division supérieure. C'est tout le mal qu'on lui souhaite !
Ceci n'est pas un nouvel album solo de Mick Harvey, mais la bande originale du film "Australian rules", réalisé par Paul Goldman. Une B.O. écrite par Mick, sur laquelle il joue essentiellement de la guitare de la batterie. Dans le domaine, il s'agit déjà de sa septième expérience. Pour cet enregistrement, il a notamment reçu le concours du joueur de lap steel Matt Walker, d'un violoncelliste et de deux violonistes. Hormis " What I done to her ", cette bande sonore est essentiellement instrumentale. Une œuvre découpée en 23 fragments pas très faciles à aborder. En fait, la musique manifeste une telle tension dramatique, que sans son support visuel, elle en devient impénétrable. Pour public averti seulement !
Auteur d'un excellent premier elpee en 2002 (" Infinite love songs "), ce Berlinois était en passe de rejoindre, au firmament de la pop acoustique, des songwriters comme Tom McRae et Ed Harcourt. A l'issue de la première écoute de ce " Rose ", j'étais persuadé que Maximilian y était parvenu. Malheureusement, au plus je le joue sur mon lecteur, au plus je le trouve déprimant. Déprimant dans le fond, on peut le comprendre, si c'est la volonté de l'artiste. Mais déprimant dans la forme, c'est un peu lourd à digérer. On a même parfois l'impression qu'il confond mélancolie et pleurnicherie. Pourtant, la production de Gareth Jones (Depeche Mode, Einstürzenden Neubauten, Moby, Goldfrapp, etc.) est impeccable. Et les arrangements magistraux. C'est sans doute la raison pour laquelle cet opus a reçu une bonne critique de la plupart des médias. Mais, à leur décharge, ils n'ont probablement écouté ce " Rose " qu'une seule fois. Rares sont même ceux qui ont osé parler de l'indigence pathétique des lyrics. Même Marc Aryan aurait fait mieux. C'est dire…
Curieux ! Alors que les Throwing Muses viennent de célébrer leur reformation en commettant un superbe elpee éponyme, Kristin Hersh sort au même moment un nouvel album solo. Un disque dans la veine de " Hips & makers " ou encore de " Strange angels ". C'est à dire dépouillé, minimaliste, mélancolique et ténébreux. Tout au long des 10 fragments de cet opus, elle accompagne sa voix si caractéristique, à la fois gémissante et fragile, d'une six cordes acoustiques. Mais elle a eu le bon goût d'inviter Howe Gelb (Giant Sand) au piano, et Andrew Bird (Bowl of Fire, Squirrel Nut Zippers) au violoncelle, pour tapisser ses mélodies de nuances. Ce qui rend les chansons beaucoup moins austères. D'ailleurs Howe et Andrew parviennent régulièrement à mettre des accents jazzyfiants sur les ballades trempées dans le folk de la Georgienne. Avec beaucoup de subtilité, il faut reconnaître. Et tout au long d'" Arnica Montana ", ils sont manifestement allègres. Dommage, d'ailleurs, que les invités ne se libèrent pas un peu plus souvent. " The grotto " n'aurait pas été de bonne facture, mais de très bonne facture…
"Rhythm disease" constitue le deuxième album (NDR : il était très attendu !) de ce groupe issu de Minneapolis/St Paul. Une formation qui ne cache pas son penchant pour le rockabilly et les différents courants louisianais. Pas étonnant que les Hillbilly Voodoo Dolls définissent leur musique comme un assemblage de rockabilly, de blues, de R&B, de rock'n'roll et de zydeco. Bien que posant à quatre sur la photo de la pochette, les Dolls sont toujours au nombre de cinq : Paul Bergen à la guitare et au chant, Andy Dee (encore que l'on ne sache pas trop s'il appartient au line up !) à la guitare, à la slide, au dobro et à la lap steel, Paul Manske (ex-Boogiemen) à la basse et au chant, Tom Coursolle aux claviers et au chant, ainsi que Tony Kamana aux drums. Andy et Paul Bergen se réservent la mise en forme, Dee, Manske et Bergen, les compositions. "Hubba Hubba", leur premier album était paru sur le label local, Blue Loon.
L'album s'ouvre par "Red hot boogie", un boogie bien léché et très chaud. Plus southern pop, "Jivin' me" me fait un peu penser à un hit des sixties intitulé "She's about a mover". Il avait été écrit par Sir Douglas Quintet (de Doug Sahm). A cause de cette sonorité très spécifique de l'orgue. Les vocalistes sont excellents. La voix de Manske est autoritaire, puissante, déterminante même. En particulier sur l'excellent R&B lent "Bad luck streak". Pops Coursolle est au piano électrique. Andy Dee à la slide réverbérée. Très dense dans le son, très soigné au niveau de la production, "Sometimes you don't know me at all" est encore une fois un rock pop aux accents sudistes. J'adore "Woman trouble". Un rock immédiat : celui de l'urgence ; l'appel au 911! Les sonorités des deux guitares jouées par Bergen et Dee sont totalement réverbérées. Le chant reste excellent. Une incontestable réussite ! Le son des Dolls se rapproche régulièrement de Memphis. A l'instar de "She don't want you" qui baigne dans les sonorités de l'orgue Hammond. La voix nasillarde de Paul Bergen est proche de celle de Tom Petty ; et le style n'est d'ailleurs pas éloigné de celui des Heartbreakers. Manske se fait adepte du son Stax, dans sa manière de chanter, tout au long de "The last thing on my mind". La slide, ou plus exactement la lapsteel, donne l'accent à la mélodie de cette superbe ballade lente qui invite à se frotter. "Lights out" marque un changement de ton. Il s'ouvre par le beat de Bo Diddley avant de se fondre dans un rock'n'roll/boogie furieux. A en attraper des fourmis dans les jambes. Coursolle s'y prend même pour Little Richard. Le pianiste tient la grand forme. Lors de la reprise du "No more doggin" de Roscoe Gordon, il adopte le style louisianais de La Nouvelle Orléans. Le chant est "téléphoné". La guitare de Bergen trempe dans le style bluesy adopté. Evoluant quelque part quelque part entre swamp rock et texmex, "Hurricane rag" est une nouvelle perle pop. Les Dolls respirent la joie de vivre et de jouer sur cet axe Mexico - Baton Rouge. L'orgue Farfisa flirte avec le dobro. "West Memphis Three" renoue avec la superbe atmosphère de "Bad luck streak". Le style est paradoxalement dépouillé mais musicalement très riche. L'album s'achève par un pseudo rap hilarant, qui démontre toute la bonne humeur manifestée par les musiciens tout au long des sessions d'enregistrement. Un tout bon album!
Expatrié depuis belle lurette en Australie, cet Anglais est un joueur de slide de réputation mondiale. Notamment pour son approche sauvage de son instrument. En tenant compte de la compilation "Whole lotta blues", " The live one " constitue son neuvième album distribué chez nous par Provogue ; et le septième paru USA chez Alligator. C'est d'ailleurs Bruce Iglauer, le boss d'Alligator, qui signe ici la production.
Nous sommes le 26 juillet 2002, dans un des temples réputés du blues à Chicago : le Buddy Guy's Legends. A l'affiche, figure le Dave Hole Band. Une occasion rêvée pour immortaliser l'événement 'live'. Et qu'il réitère le lendemain, lors de son set accordé au 'Chord on Blues' à St-Charles (NDR : dans l'Illinois). Une maquette qu'il complètera par quelques enregistrements opérés quelques mois plus tôt chez lui à Perth, en Australie.
Onze plages dont quatre reproduites sur "Short fuse blues", un elpee commis en 1991, partagent ce disque. Un concert de Dave Hole démarre sur les chapeaux de roues. Ceux qui ont déjà pu y assister peuvent en témoigner. "Jenny Lee" laisse échapper des chapelets de notes tellement électriques et métalliques qu'ils vous transpercent. Après vous avoir pénétré profondément, cette slide vous achève... L'atmosphère se détend quelque peu sur "Demolition man". Constituée de Roy Daniel à la basse et de J. Mattes aux drums, la section rythmique assure. Sur ce tempo plus décontracté, la slide prend ici toute sa dimension. Dave laisse échapper des notes d'une fluidité qu'on ne lui connaît guère. L'ambiance est très blues. Dave aborde "Short fuse blues", un blues lent au cours duquel il vocifère. A chaque verset, la réponse de la slide est cinglante. Elle fuse et lacère tout sur son passage. Dans la lignée du Chicago blues urbain, "Keep your motor running" est un blues rock bien emballé. "Every girl I see" retourne au sein du territoire musical de Hole. La slide démoniaque, en folie, se consume dans la chaleur brûlante de l'enfer. Il aime Hendrix et il le démontre sur cette plage. Il reprend d'ailleurs ici le célébrissime "Purple Haze", en hommage au dieu disparu. Dave souffle quelques instants, le temps d'interpréter l'instrumental délicat "Berwick road". Blues lent, comme aurait pu le composer Elmore James, "Up all night thinking" est un sommet de l'album. Toute la panoplie d'éléments dramatiques ne demande qu'à défiler! Salut amical à la cité du blues, "Take me to Chicago" est un remake "holien" du "Sweet home Chicago" ; un fragment pour lequel son claviériste Bob Patient siège au piano. Extrait du dernier album, "Outside looking, "How long?" est un autre slow blues de braise, abordé dans l'esprit d'"Up all night thinking". Encore qu'on y décèle davantage d'intensité dans la sonorité de la slide. "Bullfrog blues" achève cet opus. Un fragment de plus de 12', dont les quatre premières minutes souffrent d'un maximum d'auto complaisance, avant d'exploser dans un boogie infernal. Quelle santé!
Les Hoodoomen sont issus de la Normandie. De la région de Caen, très exactement. Fondé en 1996, le line up impliquait à l'époque Pascal Fouquet à la guitare, Thierry Hau à l'harmonica, et pour section rythmique, une histoire de famille partagée entre Bernard et Francis Marie, respectivement bassiste et drummer. Il y a trois ans, Thierry a cependant été remplacé par le chanteur/harmoniciste Philippe Brière. En 2002, la formation a remporté le Tremplin Blues-sur-Seine, un concours qui cerne bien les valeurs du blues français. Son premier elpee, "Blues", est paru en 2000. Le second , "Keep on dreamin'", deux ans plus tard. Février dernier, les Hoodoomen ont enregistré leur set au House of Live de Paris. Un événement immortalisé sur ce nouvel elpee sous-titré "House of Live presents from the West Coast the Hoodoomen on stage". Il faut dire que la formation a forgé sa réputation sur les planches, et il est intelligent de leur part de ne pas avoir attendu plus longtemps pour commettre ce disque 'live'. Pour la circonstance, ils ont reçu le concours de Fabien Saussaye, au piano.
La formation appose immédiatement sa signature sur "Hoodoomen theme", en présentant les solistes. Instantanément, cette ouverture sent bon la West Coast et met en exergue, tour à tour l'harmonica, l'orgue et la guitare. Maintenant, je comprends mieux pourquoi ce band alimente le haut du panier hexagonal. Sa musicalité n'est jamais prise en défaut, et puis la cette section rythmique libère un de ces grooves! Le swing et le jump s'entremêlent tout au long de "Shake it", une plage signée par l'harmoniciste californien Johnny Dyer. Le jeu aux six cordes de Pascal Fouquet semble camper un compromis entre l'école de la West Coast et celle du Texas (Albert Collins, T-Bone). Pour interpréter le "Yeah, yeah, yeah" de Joe Liggins, l'ensemble prend la direction de la Nouvelle Orléans. Nous sommes plongés dans le zydeco. L'invité Philippe Sauret est au frottoir. Fabien joue du piano qui roule. Francis impressionne aux percussions. Tout semble si facile! Balayé par le cri du coyote de Philippe, leur "Like a coyote" est un solide shuffle comme on peut les produire à Austin ou Dallas. Pascal y joue au feeling comme un Anson Funderburgh des bons jours. Philippe n'est pas en reste. Il souffle comme un possédé. Il a parfaitement assimilé le jeu des grands. Les Hoodoomen enfilent avec talent plusieurs classiques. Tout d'abord le blues lent de T-Bone Walker, "Stormy Monday". L'accompagnement de Fabien au piano est brillant. La partie de guitare exacerbe tous nos sens. "Further on up the road", ensuite. Une compo très jump, soutenue brillamment par un harmo à la Piazza. "Just your fool" de Little Walter, également. "You don't have to go" de Jimmy Reed, encore. L'inspiration made in Chicago est omniprésente. Et même "My girl Josephine" de Fats Domino, qui transpire cette bonne humeur débordante de la Nouvelle Orléans. "Little bitty pretty one" est un exercice de style pour le talentueux Philippe Brière à l'harmonica. "But nothin' else" nous emmène en Louisiane, du côté des swamps, adressant au passage un clin d'œil à Guitar Slim. Tout au long du solide boogie "Quarantine", Pascal passe en revue ses goûts en matière de cordes, un instrumental au cours duquel Fabien se trémousse aux ivoires. Cet excellent album 'live' brille par la qualité de ses compositions, et démontre que cette formation possède un registre particulièrement ample.
Après quelques maxis et un premier album sympathiques (" Popular Frequencies "), le duo parigo Tommy Hools nous revient fatigué, l'inspiration en berne. Attention : " All Soul's Night " n'est pas totalement mauvais… Du moins tant que Druel et Bidoli ne s'essaient pas au reggae (le mou " No Time to Kill ") et à l'électro big beat (" Something Has to Come " et ses synthés navrants). En résumé, c'est quand Tommy Hools fait de la pop qu'il emporte notre adhésion (" You Torture Me ", " You and Me ", très New Order). Et lorsqu'ils invitent Hawksley Workman (" Airports "), on s'étonne même de la retenue du Canadien, généralement abonné aux pitreries glam-rock. Sur " Lovin'Arms ", le fils de Stephen Stills pousse lui aussi la chansonnette, pour un résultat northern soul que n'aurait pas renié Paul Weller et ses Style Council… Dommage que pour le reste, ce disque soit du bidon (le niais " Tout Seul ") : quand on offre trop à boire et à manger (ce manque de cohérence), mieux vaut prévoir des sacs en plastique.
Curieux parcours pour cette formation canadienne, de Vancouver très exactement, puisqu’il a fallu le départ du chanteur, Mathew Marnik, pour la voir décrocher un hit : “Bandages”. Une chanson que vous avez certainement déjà eu l’occasion d’entendre ou d’écouter sur l’une ou l’autre station radiophonique. Et il faut l’avouer, le passage du claviériste Steve Bays aux vocaux est du pain béni pour le band. Parce que son timbre oscille dans le falsetto comme s’il était monté sur un trampoline. « Make up the breakdown » constitue leur dernier opus. Un disque qui date de la fin 2002, mais qui vient de sortir officiellement en Europe. Mais venons-en au vif du sujet. Découpé en dix titres, ce disque est sculpté dans une forme de pop/punk/new wave à la fois énergique, mélodique, sautillante, festive et rafraîchissante. Imaginez le Blur de l’époque « Girls and Boys » ou Supergrass circa « I should Coco » adaptant du Cure, de l’XTC ou de l’Elvis Costello & the Attractions. L’idée est un peu revivaliste, mais elle n’est pas trop mal ficelée. Un seul regret : que parfois leurs mélodies s’égarent dans un pseudo prog. La complexité ne sied pas tellement à Hot Hot Heat. Je les préfère contagieux et hymniques. Sous cette forme, ils deviennent alors irrésistibles. Je suis quand même curieux de voir le résultat de leurs élucubrations sonores sur les planches…
Petite présentation d'abord : Terry Hall est un chanteur qui a connu la gloire avec les Specials, au début des années 80. Il s'est ensuite embrassé divers projets solos et collaborations (dont la plus connue est celle menée en compagnie de Tricky sur le disque " Nearly God "). Mushtaq est un ancien membre du très politique Fun-Da-Mental. Pour ceux qui s'en souviennent encore, ces précurseurs de la vague asian injectaient des sons indiens ou pakistanais dans de l'électro survitaminée. Les deux compères ont rassemblé sur cette galette une vingtaine de musiciens venus des horizons les plus divers : Israël, Roumanie, Turquie, Tunisie et la Grande Bretagne (dont l'invité de marque Damon Albarn sur " Ten Eleven "). Des gens de cultures et religions différentes unis pour lancer un message d'amour et de paix. Un message destiné aux hommes de bonne volonté qui peuplent notre monde post 11 septembre. Concrètement, le disque constitue un collage musical souvent teinté d'électronique où les prestations musicales sont triturées, manipulées et mélangées les unes aux autres pour aboutir à un tout indéfinissable. D'ailleurs bien malin sera celui qui pourra dire avec certitude à quel style de musique appartient tel ou tel morceau. En somme, le concept de musique du monde poussé dans ses retranchements. A l'arrivée, même si le disque recèle de bons moments (le rap de " Ten Eleven ", la belle envolée instrumentale de la plage titre), l'ensemble n'est pas toujours convaincant. Et en particulier lorsque l'électronique est trop présente et qu'elle enlève tout naturel aux prestations des musiciens d'exception impliqués dans ce projet. Un projet qui reste malgré tout intéressant et mérite une écoute de la part des oreilles curieuses.
Agé de 60 balais, John Hammond est un des plus anciens bluesmen blancs sur la route. Il est né à New York City en 1942. A 20 ans, il vivait à Greenwich Village. Il avait d'ailleurs participé au Folk Revival de l'époque et bien entendu à la renaissance du blues. Celle qui date des années 60.
Cet elpee s'ouvre par "Slick crown", une composition de John. Un fait à souligner, car il compose très peu. Ce qui est regrettable, car inspiré sans surprise par le regretté John Lee Hooker, ce léger boogie est vraiment croustillant. Tout est bien en place. Les deux guitares : celles de John et de Frank Carillo. Augie Meyers siège derrière le piano électrique. David Hidalgo (chanteur/guitariste/accordéoniste chez Lobos) a composé deux titres pour l'ami John : "No chance" et "I brought the rain". "No chance" est un blues délicatement rythmé à l'instrumentation très riche. Les guitares de Carillo et d'Hidalgo lui donnent de l'épaisseur. John se réserve l'harmonica. En bon texan du sud, Augie Meyers a sorti son accordéon. L'ambiance générale est très relax, laidback même, jusque dans la voix nonchalante. Pour "I brought the rain", les percussions de Hodges sont à l'avant-plan. L'orgue de Meyers intervient timidement dans le décor sonore. Très roots, très 'americana', "Easy loving" est particulièrement accrocheur. Une composition signée Freddie Hart, qui met en évidence l'accordéon et le violon de Soozie Tyrell. "Gin soaked boy" met un soupçon de rock dans le blues. En outre, les trois guitares sont en verve. Composée par Tom Waits (NDR : et cela s'entend !), cette chanson sied comme un gant à l'ami Hammond. Souvenez-vous de "Wicked grin", le dernier album de John ; il était presque exclusivement consacré aux chansons de Waits. Qui avait, sans surprise, assumé la production. John interprète aussi "Low side of the road", partie intégrante de l'univers glauque de Waits. Le jeu est minimaliste. La mise en scène chère à Hidalgo. Il ne faut pas oublier qu'il est aussi impliqué chez les Latin Playboys ! "Spider and the fly" est une des plus belles réussites de cet elpee. Composée dans les années 60 par Mick Jagger et Keith Richard, cette plage figurait autrefois au répertoire des Rolling Stones. Un très bon blues, paresseux, sans doute inspiré par Jimmy Reed. L'harmo flotte dans les aigus. Les guitares et le piano impriment une rythmique soutenue. "Can't remember to forget" constitue un de mes moments favoris. Un morceau écrit par Jerry Portnoy, un des rares musiciens blancs à avoir sévi au sein du Muddy Waters Band. Ce fragment s'inspire des marais de la Louisiane et emprunte au style de Guitar Slim. Hanté par le violon de Soozie, "Color of the blues" n'a strictement rien à voir avec le blues. Nonobstant son titre, cette cover de George Jones relève de la musique country pure. L'interprétation du "Same thing" de Willie Dixon est très dépouillée. Le climat lugubre, volontiers dramatique. La guitare (NDR : celle de John?), colle parfaitement à ce contexte. Une légère touche exotique teinte l'univers sonore de "Comes love", que John interprète de manière si personnelle. Il se fait enfin plaisir lors de la reprise du "Money honey" de Jessie Stone, une cover qui date de 1958 ; c'est à dire des années glorieuses du rock'n'roll. Lorsque John est sur la route, il prend le soin de s'entourer de musiciens talentueux. Ceux du Wicked Grin Band ne dérogent pas à la règle. En l'occurrence Meyers, Carillo et la section rythmique qui réunit Stephen Hodges aux drums et Marty Ballou à la basse. Si mes calculs sont exacts, " Ready for love " constitue le 29ème opus de John. Un disque qui s'achève par une partie de bluegrass. Intitulée "Just one more", elle met en exergue mandoline et violon. Par souci d'originalité, chaque album de Hammond bénéficie du concours de producteurs très différents, entraînant ainsi une relecture permanente de sa musique. A cet égard, le choix de JJ Cale pour "Trouble no more" (93), Duke Robillard pour "Found true love" (98), Tom Waits hier et David Hidalgo aujourd'hui, en sont des exemples particulièrement éloquents.
En à peine trois ans, Ed Harcourt est passé du stade de l'inconnu à peine notoire au chanteur/compositeur sur lequel on met tous les espoirs : alors qu'Elliott Smith a disparu de notre horizon musical, que Brian Wilson reprend " Pet Sounds " sur quelques scènes d'Europe et que Jeff Buckley repose en paix, l'Anglais s'apprête à conquérir la planète avec sa pop flamboyante, tirée à quatre épingles mais pas toujours sereine. Après " Maplewood " et ses toquades lo-fi, " Here Be Monsters " et ses éclaircies magiques, voici donc " From Every Sphere ", un album riche mais jamais baroque, flamboyant mais jamais hautain. Produit par Tchad Blake, peintre pop à la palette subtile (on lui doit les belles couleurs des albums de Ron Sexmith et de Joseph Arthur), " From Every Sphere " vise juste, en plein cœur, et sans filtres d'amour ou substituts de rigueur. Pour suggérer ses délicates histoires, Harcourt n'hésite certes pas à convoquer cordes, chœurs et trompettes, mais avec parcimonie, classe et discernement. Ici, pas de doubles couches, de surlignage intempestif : Ed Harcourt est bien l'orfèvre pop-rock qu'il nous manquait depuis quelques années, à même de remplacer au pied levé tous ces imposteurs, Rufus Wainwright et, oui, Elliot Smith.
Conçu d'abord comme un double album, " From Every Sphere " se présente finalement comme une collection de 12 chansons, à la variété confondante : hymnes pop-rock à fredonner sous la douche (" All Of Your Days Will Be Blessed ", très glam, très Hawksley Workman, " Watching the Sun Come Up "), splendeurs wilsoniennes ( " Jetsetter ", " Bittersweetheart "), bizarrerie gothique (" Ghost Writer ", sorte de MarylinMansonerie bucolique, avec ses coups de marteaux et ses crispations vocales), ballades romantiques (" Metaphorically Yours ", " The Birds Will Sing For Us "),… En final, " From Every Sphere ", une litanie sépulcrale d'une pesanteur admirable, achève de nous convaincre : cet Ed Harcourt vient de signer un chef-d'œuvre de songwriting pop. D'accord : l'Anglais n'invente rien (Randy Newman, Brian Wilson, Van Dyke Parks, Burt Bacharach, Marc Bolan, Ray Davies sont déjà passés par là), mais ce qu'il (re)fait, il le fait bien ! Alors abandonnez vos préjugés et laissez-vous séduire : cet homme-là est un sacré joaillier, et son album un vrai bijou.
Charlie Campbell est l'ancien chanteur de Pond, groupe Sub Pop qui n'eut jamais son heure de gloire. Le voilà qu'il récidive avec un nouveau projet, Goldcard, apparemment un ‘one shot’ puisqu'il a décidé de se ranger côté musique. Il faut donc écouter cet album, en fait une compilation de morceaux enregistrés au cours des années 90, comme un chant du cygne d'un songwriter pourtant talentueux, dont la carrière en dents de scie n'aura jamais provoqué l'engouement espéré. Dommage, parce que ce disque recèle de véritables pépites indie-rock, assez proches des univers décalés de Ben Folds Five, Sparklehorse et des Flaming Lips. Sur les deux premiers morceaux, une guitare lo-fi et un piano un peu branque révèlent un esprit tourmenté, mais pas stupide : si Campbell est malade, c'est du syndrome de la Tourette, qui l'empêche de rester tranquille plus de deux minutes. De fait, notre homme saute ici du coq à l'âne, enchaînant un pastiche de Grandaddy (" Rabbit ", avec… Jason Lytle) à des instrumentaux délurés, une ballade wilsonienne (" It Had a Dream ") à du rock orageux (" If I Could Help It "). Cette collection de chansons doucement timbrées arrive un peu tard pour réhabiliter Charlie Campbell au rang des songwriters les plus doués de sa génération, mais elle peut toujours s'écouter avec un plaisir non feint. De toute façon, Campbell s'en fiche : il est déjà ailleurs. La prochaine fois ( ?), nous serons là à temps.
Né à Paris, Frank est aujourd'hui âgé de 43 ans. Il a fait ses armes chez Marcel Dadi ; mais son inspiration originelle pour le blues procède de Hound Dog Taylor. Cependant, il s'est établi de l'autre côté de l'Atlantique sur les conseils de Sonny Rhodes. A San Francisco, très exactement. Troyce Key le repère rapidement. Il le rebaptise du sobriquet "Paris Slim" et lui permet de jouer dans son club à Oakland : le Eli's Mile High Club. Il y accompagne notamment Elvin Bishop et Charlie Musselwhite. Il tourne également en compagnie Jimmy McCracklin. Pendant trois ans. Dans les années 80 il sort deux albums sous le patronyme de Paris Slim : "Blues for Esther" (1989) sur Blue Sting, et "Bleedin' heart" (1996) chez Globe. Ce dernier coproduit par Joe Louis Walker. En 1999, il se fixe à Santa Barbara, près de L.A, et collabore aux productions du label Fedora. Il a également partagé la mise en forme du dernier album de RJ Mischo : "Meet me on the coast". Un disque paru chez Crosscut. " Bluju " a été enregistré fin 2001. Il est le fruit de différentes sessions accordées en Californie.
"Homesick blues" s'ouvre sur les accents rythmiques du Delta. Les percussions de Lorenzo Martinez occupent l'avant-plan sonore. L'accordéon de Jim Calire suit à la trace les percussions. Elles confèrent à l'expression sonore une épaisseur sonore particulièrement éloquente. Frank se libère sur le bottleneck de manière très percussive. Blues façon BB King, "Back door key" enchaîne avec beaucoup de douceur. Pourtant, la guitare est acerbe, largement amplifiée. Elle opère un jeu de questions et réponses avec la voix de notre Parisien. L'échange est brillant. Red Young accompagne cette guitare très classe de son orgue Hammond. L'ambiance est à la fête pour introduire "Petit à petit (l'oiseau fait son nid)", une plage chantée en français, réminiscente de la Nouvelle-Orléans, au cours de laquelle les percussions envahissent l'espace sonore. Le redoutable Alex Schultz intervient sur sept plages à la guitare et sur deux autres à la basse. Son rôle demeure cependant discret. Hormis lors de l'instrumental générique, il s'intègre de manière permanente à la section rythmique. Si les deux guitaristes s'affrontent dans des registres fort différents, leurs talents se conjuguent, tant ils se montrent complices. "I'm a love you" de Jimmy Reed est sculpté dans un boogie au swing dépouillé. Les sonorités sont manifestement empruntées à John Lee Hooker. Frank double avec caractère à l'harmonica devant les voix de Cynthia et Jessica. Le rôle des percussions est davantage accentué sur "Don't take away my love". Elles s'enchevêtrent dans les sonorités de la guitare acoustique, qui prend ici des accents de raga indienne. Frank découpe cette plage saturée d'émotion contenue à la slide. Une atmosphère plutôt reggae pop émerge du pétillant "I can't stand it". La ligne mélodique est claire. Martinez, Red Young et John Hanes aux percussions ainsi que Souhail Kaspar aux tablas égyptiens s'amusent comme des fous. Ils portent littéralement Frank dans son solo latino. Excellent ! "Well well Josephine" est taillé dan le funk exotique. Ce titre évoque le développement rythmique pratiqué par Howlin' Wolf. La richesse sonore est à son paroxysme. Traité de manière contemporaine, ce blues demi-séculaire évolue dans un décor lugubre et oppressant. "Melba's bomp" manifeste d'incontestables affinités avec le Westside de Chicago. La six cordes semble empruntée à Otis Rush. La partie de guitare rythmique basse est irrésistible. Signé Melvin London, "The twelve year old boy" est un blues plus classique. Largement cuivré par les saxophones du très doué Dave "Woody" Woodrow, il me rappelle l'Electric Flag de Mike Bloomfield. Et c'est un compliment ! Instrumental, "Playing in the park" fait mouche. Une composition de Philip Walker qui ressemble fort à un tournoi qui oppose Walker et Goldwasser ; et arbitré par le piano de J.J Malone et le sax de Jim Calire. Frank retrace son séjour aux Etats-Unis depuis son arrivée sur le slow blues autobiographique "Three sisters" ; un morceau sur lequel JJ Malone est resté derrière le piano. Plage fortement cuivrée, "Feels like home" achève cet opus. Un album exceptionnel ! Et encore bravo à toute l'équipe de Crosscut !
Sur une rythmique hypnotique, une voix mâle susurre âprement " I Need ", tandis qu'une boucle boiteuse ressasse la même ambiance, suintante et malsaine. Le synthé primitif en rajoute une couche. Puis surgit un cri, féminin : " It's Time ", hurle-t-elle… Mais la batterie métronomique continue son labourage mental et nos nerfs sont au bord de l'implosion. Lancinant et revêche, implanté quelque part entre Girls Against Boys (la voix), Can et Spaceman 3, le rock déglingué de Gomm est construit comme une spirale : autour de ces deux phrases scandées sournoisement tournent, comme des vautours autour d'une charogne, tous les instruments. Après six minutes de supplice jouissif, ils finissent, à force de répétition, par étouffer ces mots (et nous avec). Mais ça repart de plus belle avec " Organic Unity ", cette fois-ci plus proche d'un Blonde Redhead à la française (Gomm vient de Lille). Le troisième morceau, " Break Machine ", débute dans le calme. Traître : dès que la batterie se fait plus pressante et que le synthé s'impatiente, on sait que la déflagration, à nouveau, n'est pas loin. Mais encore une fois, c'est un chaos superbement orchestré, comme si Wire et Sonic Youth s'étaient donné rendez-vous en enfer. Incandescente et sensuelle, la musique de Gomm est à se damner. Vivement la suite !
Originaire de Dallas, Memo est un grand amateur de soul et de R&B. Avant d'opter pour l'harmonica, ce Texan était préposé à la basse chez les Weebads. Le chromatique, il l'a appris en écoutant James Cotton et Charlie Musselwhite. Au cours de leur existence, les Weebads ont vu défiler quelques musiciens dont la réputation n'est plus à faire aujourd'hui. Et notamment Johnny Moeller, Hash Brown et Paul Size. Memo est finalement repéré par Eddie Stout, producteur à Austin. Il l'invite à enregistrer pour son label Pee Wee ; et en particulier des sessions pour les "Texas Harmonica Rumble" parties. Des exercices de style qui vont lui permettre de décrocher des billets de sortie pour l'Europe et ses nombreux circuits. En 1993, il participe au Blues Festival d'Utrecht. Il y rencontre le guitariste Kai Strauss, le bassiste turc Erkan Ozdemir et le drummer Klaus Schnirring. En l'occurrence, ceux qui deviendront son backing group actuel. Memo Gonzales et les Bluescasters tournent pour la première fois en 1995. Ils enregistrent deux albums pour Stumble : "Let's all get drunk and get tattooed" en 1996 et "10,000 Miles" en 1999.
En février dernier, tout ce beau monde se retrouve au Texas pour mettre en boîte ce nouvel album. Le répertoire est essentiellement issu de la plume de Memo et de son compère gratteur Strauss. Il recèle cependant quelques reprises, souvent inhabituelles. L'opus s'ouvre par "Must be love". Un fragment qui trahit quelques affinités avec le rhythm'n blues et la soul. "The look of a creator" est une superbe composition. Tout est à bien mis en place. L'inspiration est puisée dans le Chicago Westside. La guitare tisse des lignes très créatives pendant que l'harmonica se fait très personnel. Kai Strauss chante son "What you're doin' to me" sur un rythme très rock'n'roll. Le refrain léger, tonifiant, autorise de belles envolées de guitares. La rythmique est en effervescence, pendant que Klaus Schnirring martèle comme un fou sur les peaux. La pression rythmique de Strauss est imparable. Tout au long du shuffle "It's been awhile", Memo souffle dans les aigus, sans faille, comme un Jimmy Reed en grande forme. Sur le blues lent et brûlant "Wages of my sins", Kai dispense des phrases aux tonalités torrides, empruntées à un Otis Rush des meilleurs jours. Très R&B dans sa démarche, "One and one (don't make three)" autorise des échanges et des sorties de guitares à très haut niveau. Pourtant, nul ne sort vainqueur de cette joute entre Strauss et Johnny Moeller. Ce qui n'empêche pas cette plage de briller. Plus surprenant, les Bluescasters s'attaquent au célèbre et délicat "His latest flame". Un titre signé Doc Pomus et révélé au grand public par un certain Elvis Presley. Un léger frisson me parcourt l'échine. Anson Funderbuirgh, l'ami de Dallas, est venu rendre visite au groupe dans les studios de Palmer. Il intervient sur deux plages : le très rock'n'roll "You got me rollin" et "The door of happiness". Les musiciens conservent ce tempo rapide pour soutenir le chant de Kai sur "Two headed woman", un titre obscur de Junior Wells. Le gratteur peut y montrer toute l'étendue de son talent en y développant des tonalités très diverses. Impressionnant ! Pour "Angels in high heels", les Teutons texans puisent leur inspiration dans la West Coast. Un de ces moments choisis au cours duquel Memo étale sa virtuosité d'instrumentiste devant la guitare jump de Straus. Kai chante encore un autre rocker : "Give it to me", un titre qu'aurait sans aucun doute aimé Jimmy Vaughan (NDR : armé d'une Strato blanche, Kai affiche d'ailleurs un look très proche de Vaughan). Mais ici, Mike Morgan, un autre pote de Dallas, vient donner le coup de pouce. Ce superbe album s'achève par un brillant exercice de style sur les cordes accordé par Kai Strauss : "Icy blue" ; un instrumental signé Albert Collins.
En consultant les notes reproduites sur la pochette, il n'est pas difficile de se rendre compte que Tino est devenu aussi amer que désenchanté. Mais, précise-t-il, la musique n'est pas responsable. En fait, en critiquant ouvertement son pays, l'impérialisme et sans doute et inévitablement, son actuel dirigeant, il veut faire passer un message. Où donc se trouvent ces armes de destruction massive? Mais place à la musique. Sans même dresser une discographie exhaustive de Gonzales, tant il est prolifique…
Autoproduit, cet opus a été enregistré en France. Première constatation, Tino a eu le bon goût de s'entourer de musiciens, bien meilleurs que dans le passé. L'ouverture est très électrique, belliqueuse, à contrario des percussions légères, loin des productions actuelles. Tino n'en a cure et se dresse sur ses pédales pour opérer sa première sortie en solo. "You're not one" est une plage très hendrixienne, mais la section rythmique (NDR : composée de Darryl Taylor à la slappin' basse et de Kenny Martin aux drums) ne soutient pas assez le leader. La plage titulaire est sculptée dans un funk fort sobre, même si tous les instruments participent au rythme. Bon blues classique, "How you play the blues" bénéficie du concours de Nico Wayne Toussaint à l'harmonica. Exécutée tout en sensibilité, la partie de guitare est solide. Puissante, la voix évolue dans un registre proche de BB King. "Raging blues" s'attarde dans le même style. Mais le tempo est plus élevé et l'orgue de Johan Dalgaard alimente bien l'assise rythmique. L'unique reprise est consacrée au "Higher ground" de Stevie Wonder. Elle ne manifeste rien de très particulier. Il faut ainsi attendre le septième titre pour voir enfin Tino Gonzales montrer tout son savoir-faire. Sur "When angels weep", il apporte une touche latino-américaine. Une bien jolie mélodie instrumentale qui rappelle un certain Carlos Santana. Et "Why" épouse un format fort semblable, même si l'orgue continue de jouir de son rôle rythmique. Tout au long de cet opus, le talent de Tino à la guitare est omniprésent. Mais aujourd'hui, pour sortir du lot, il faut aussi savoir s'entourer d'un excellent backing band. Tony a fait exclusivement appel à des musiciens français pour la dernière plage de cet elpee. Et tout au long des neuf minutes de "Here ! My freedom sings", ils n'ont certainement pas à rougir de leur prestation. D'autant plus que le style, même s'il est emprunté à Santana, n'est pas pour me déplaire. Une œuvre dédiée au valeureux peuple français qui a su dire "Non" au diable. Vous avez compris ?
‘Gonzo, Gonzooo/De la pointe de son micro, il signe un Z/Qui veut dire Zozooo !’ : tel un bourreau (bourru ?) des cœurs à cheval sur les bonnes manières musicales, le Canado-Berlinois Gonzales revient à la charge, avec non pas un album, ni un best of, mais les deux à la fois ! Que des classiques ! Mais des classiques chahutés, débraillés, hululés par un pseudo-Sinatra à la braguette ouverte, au torse poilu (poilant !) et à la langue bien pendue. Gonzales s'amuse comme un fou en nous refourguant ses vieux tubes Bontempi, les saupoudrant de synthés, de mambo et d'invités sexy, de Peaches à Taylor Savvy (des copains de label). En intro, une flûte de pan synthétique nous plonge dans le kitsch le plus tordu. La suite est du même tonneau : funk robotique (l'inédit " Soft Shoe Snoozin' " rehaussé par la présence de Princess Superstar), électronicabaret, rap mou, bossa (super)nova (" Let's groove again ") et ballades suintantes (le beau " Why don't you disappear "). Mais la vraie surprise, c'est ce profil bas sur certains titres (" Starlight ") : Chilly Gonzales abandonne alors son poil à gratter et ses tics de showman imprévisible, tombe le masque et plus la chemise. Epatant ! A la fin, il chante même en compagnie de Guesch Patti, un slow mouillé dont eux seuls ont le secret (" Dans tes yeux ", reprise du " Shameless Eyes " de l'album " Presidential Suite "). " Gonzo, Gonzo, Gonzo/Oh, tiens-la bien ! ". Clap clap clap. Merci Chilly pour cette petite sauterie.
The Good Ship, c'est un peu ‘La Croisière s'amuse’ de l'alternative country : deux bibliothécaires, un menuisier, un prof de sciences,… Tous ensemble, ils composent de la musique triste et belle ; sans doute après le boulot, autour d'un café et d'un plat de muffins. Cet éclectisme des CV se ressent jusque dans leur musique dont l'instrumentation est dominée par le banjo, le piano et un large assortiment de guitares : la country de The Good Ship évite, pour une fois, de trop ressasser les canons du genre… Plus lumineuse que celle de Palace, plus rock que celle de Songs : Ohia (" Orioles "), et surtout pas (trop) geignarde, l'œuvre fragile de ce comité de musiciens d'Athens (Géorgie) fait chaud au cœur, à défaut d'être, il est vrai, exceptionnelle. On ne tient pas ici le nouveau Wilco, certes, ni le " Nebraska " du troisième millénaire… Il n'empêche que responsables de chansons délicates et tranquilles, ces types-là pourraient bien devenir nos amis les plus chers, à force de patience et de persévérance.
"Livin´ in Oblivion" constitue le dernier album de Davey Lee Goode. Un opus beaucoup plus personnel, car il réunit 12 compositions du leader et deux reprises, au sein d'un univers sonore incontestablement plus travaillé. Chez ses Bad Cats, il ne demeure plus que Gill et le percussionniste Brendon Frail. Eric Rolheiser, un nouveau bassiste a pris place au sein du nouveau line up ; mais le piano de Fingers Fred a malheureusement disparu.
L'album s'ouvre par le titre maître. La rythmique est sculptée dans le boogie et la reverb du son très réussie. Autre boogie, "Creepin' up on me" permet à Davey Lee d'étaler tout son talent sur ses Gibsons et autres Gretschs. Presque folk, "Two wrongs don't make it right" privilégie l'instrumentation acoustique. Surprenant ! L'énergie refait surface pour "Lonely nights". Gill chante sur un riff de guitare. Le solo de guitare est tout en réverbération contrôlée. "Ain't nothin' true about you baby" est un roots rock. Du rockabilly assagi, ralenti. Davey, Gill et Eric chantent en chœur ; mais les registres sont différents. Un exercice de style très réussi, un rien doowop. Davey joue du bottleneck acoustique pour accompagner la voix de Gill sur "Houndin' round my door". "You're all I want" est un autre boogie assez plaisant. Chanté par Gill, il bénéficie du concours de Kim, jeune invitée, à la guitare. Moins immédiat que le premier, ce 2ème album correspond davantage à la personnalité de son leader. Pourtant, les deux reprises de l'album sont sans doute celles qui m'ont le plus impressionné : "Bo Diddley" d'Elias McDaniel (NDR : alias Bo Diddley) et une version speedée, assez hard dans la démarche, du "Rollin' and tumblin" de Muddy Waters. Nul doute que les Bad Cats doivent déménager sur les planches. S'ils passent près de chez vous, ne les manquez surtout pas. Alors que l'album est prêt à s'achever, Mr Goode retrouve sa vitalité comme par enchantement. Il remet le couvert et dispense un nouveau rockabilly intitulé "Let's find a place to rock". Dernière plage, "This ain't no blues" est taillé dans le blues lent acoustique ; une compo qui met en exergue le très bon travail de Ronnie Hayward à la basse acoustique.
Davey Lee Goode est un chanteur guitariste. Un Canadien basé à Calgary, dans l'Alberta. Pour enregistrer " Gonna rock my blues ", il s'est entouré de ses Bad Cats, parmi lesquels figure sa compagne : la charmante Gill Goode. La chanteuse du groupe. Elle avoue beaucoup aimer Big Mama Thornton, mais aussi Lulu et Brenda Lee. De son vrai nom David L. Goodhead, le leader a longtemps écumé les scènes européennes. Il a ainsi notamment sévi chez les Blue Caps de Gene Vincent ou encore derrière l'excentrique Screaming Lord Sutch.
L'elpee s'ouvre par la reprise du "Rock me" de Muddy Waters. Le riff est imprimé par une guitare primaire qui remplit bien son rôle. La voix de Davey accentue ce côté assez sale, pendant que l'orgue de Fingers Fred se complait dans un rôle de second couteau, à l'arrière. Davey Lee doit être un rocker dans l'âme. Il est sur son territoire pour l'attaque rythmique du "You can't judge a book", avant que ce fameux Bo Diddley beat ne surgisse au détour. Le son est excellent, sans aucune fioriture. Il embraie par "Bad little girl", un titre qui balance furieusement. La rythmique est rock. Pas de doute, l'homme a ses racines dans le rockabilly. Gill prend le relais aux vocaux pour aborder un autre canon : "Money (That's what I want)". Elle chante sans grande conviction ; mais qu'est-ce que la guitare et le rocking piano de Fred assurent derrière ! Big Bill Broonzy avait écrit "Diggin' my potatoes" pour Washboard Sam. La cover reçoit ici un traitement 100% rockabilly. Malgré deux faux départs, on peut déceler cette énergie débordante que les Rolling Stones infligeaient au traitement des classiques, à leurs débuts. "All I can do is cry" renoue avec le rockabilly pur. Mr Goode chante très rythmiquement le "Kokomo me baby" de Fred McDowell ; seul en s'accompagnant d'une guitare acoustique. Notre rocker canadien s'attaque au classique des Shadows, "Apache". C'est une surprise ! Mais cette version surf rock, rehaussée par les percussions de Brendon Frail, est de bonne facture. Deux plages ont été écrites par Davey : "Gonna rock my blues" et "Somethin' bad goin' down". Très boogie, la première est parcourue par le piano insatiable de Fred. Mais Goode n'oublie pas de remettre une solide tranche de cordes. Dans le même registre, la seconde baigne au sein d'une atmosphère que dégageait naguère une formation que j'adore : les Flamin' Groovies. Gill chante une bonne version de "Fever". Il injecte des touches de jazz et de swing dans l'accompagnement partagé entre guitare, piano et la basse acoustique de Pan. La reprise cajun (NDR : avec accordéon et harmonica) de "Nothin' but fine (fine fine)" apporte une petite touche d'originalité dans la programmation. Cet album de bonne facture s'achève par une version speedée (NDR : cette guitare trashy !) et combien dynamique de "These boots are made for walkin" ; Gill se réservant le rôle de Nancy Sinatra...
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