Plajia nous vient de la rive sud de Montreal, au Canada. Un projet monté par Patrick Pleau. Il compose, chante, joue de la guitare sèche et du piano. Pour enregistrer ce premier album, il a quand même reçu le concours de Bryan Ortiz à la basse, de Denis Charbonneau à la guitare électrique, de Jean-François Lefoll aux drums et percussions ainsi que de Philippe Leclecq-Gagné au violon. Il a également collaboré au mixing et à la mise en forme, en compagnie du producteur Jocelyn Poitras. La musique de Plajia est atmosphérique (NDR : pour ne pas dire cérébrale). Dans ses moments les plus planants, elle pourrait incarner le fruit d'une rencontre hypothétique entre un Godspeed You ! Black Emperor non violent et un Sigur Ros qui aurait délaissé ses archets (sauf celui du violon) au profit d'une texture sonore tramée entre instrumentation acoustique et traditionnelle. Une impression accentuée par le falsetto de Patrick, qui me fait plus penser à Jon Thor Birgisson qu'à Thom Yorke. D'autant plus qu'il y vocalise, plutôt que d'y chanter. Même sur " Artificial born killer ", le seul fragment chargé d'intensité électrique. Sous sa forme la plus conventionnelle, Plajia lorgne plutôt vers la britpop. Davantage celle d'Unbelievable Truth que de Radiohead. Encore une fois parce que l'instrumentation acoustique prend le pas sur les interventions plus électriques. Et puis à cause de la voix de Patrick, dont le timbre au naturel n'a plus rien de surnaturel. A l'instar du contagieux " Sleeping " et du reptilien " Fetch " (OK Computer ?). Et puis curieusement chez " Love song for everyone ", déchiré entre douceur et agitation, comme à la belle époque du postcard des Pastels. A suivre. Et de très près !
A l'instar des Strokes et des White Stripes, ce quatuor suédois semble attiré par le garage/punk des sixties. Celui des Seeds et des Standells, en particulier. A cause des claviers poussiéreux, des riffs de guitare plaqués et puis du tempo enlevé. Et il le démontre sur plusieurs fragments de cet opus. Pourtant, The Plan me semble le plus efficace, lorsqu'il aborde les ballades rythmn' blues/soul. A l'instar de " Foggy days ", de " Let's leave " ou encore de " Daybreak ". Des fragments hantés par le spectre des Animals, mais interprétés avec la même intensité et la même douleur malsaine que chez Afghan Whigs. Seul hic, la voix du chanteur, un peu limite. Il n'a pas le timbre de Greg Dulli. Aussi, tant qu'il ne se met pas hurler, elle passe bien la rampe. Dans le cas contraire, elle écorche littéralement les oreilles. Paul Westerbeg, par exemple, n'a jamais eu une voix exceptionnelle, mais il est toujours parvenu à tirer parti de son timbre râpeux, enroué. Et justement, les Replacements ont plus que probablement eu une influence majeure chez The Plan. Il suffit d'ailleurs d'écouter " Slow fall " pour en être convaincu. Sur cet elpee, on a quand même droit à un exercice de style dans le jazz/punk (" Do something "), un fragment de folk jazz abordé dans l'esprit de Chris & Carla (" My thing "), une ballade hymnique à connotation celtique (" The days just glide in "), un morceau intimiste, indolent (" Skies above "), et puis un titre plus pop, qui pourrait être facilement traduit en single (" Fell a mile "). Si The Plan cherche encore sa voie (NDR/ sa voix ?), il est incontestable que lorsqu'il l'aura trouvée, il deviendra un des fleurons de la scène scandinave…
Depuis le split du Led Zeppelin, consécutif au décès du drummer John Bonham, Robert Plant s'est évertué à multiplier les expérimentations dans le domaine du folk, du rythm'n blues, mais surtout de la world music. Avec pour conséquence une volée de bois vert émanant de la frange la plus conservatrice (NDR : qui a dit rétrograde ?) des métalleux. Avec le recul, il faut se rendre à l'évidence : Plant avait vu juste. Alors que la plupart de ses contemporains resservent la même soupe depuis plus de 20 ans, Robert a conservé ce goût du risque, au mépris du succès commercial. Pas qu'il ait délibérément craché dans la soupe. Mais parce qu'il a conservé ce souci d'innover. Même sa collaboration avec Jimmy Page a démontré ses limites discographiques. Pas scénique, il est vrai. Surtout lorsque le duo avait eu l'idée géniale d'effectuer une tournée en compagnie d'un orchestre symphonique et d'un ensemble folklorique égyptien. Bref, lorsque l'aventure a été de nouveau au rendez-vous. L'ex chanteur du dirigeable s'est attaqué, à travers " Dreamland " à pas moins de neuf reprises de psyché/blues/folk. Hormis la version décalée et orientaliste du " Hey Joe " de Jimi Hendrix et la fabuleuse adaptation du luxuriant " Song to the siren " de Tim Buckley, le reste est très peu connu du commun des mortels. A l'instar de l'autre cover écrite par Arthur Crudup, qui figurait également au répertoire de Jeff Buckley, l'atmosphérique et envoûtant " Win my train fare home ". Du " Funny in my mind " de Bukka White, embourbé dans les mêmes swamps louisianais que 16th Horsepower. De l'adaptation de " One more cup of coffee " de Bob Dylan, fragment dont la sensualité de feu et de souffre est dynamisée par une six cordes flamenco. Du luxuriant " Morning dew ", signé Tim Rose. Du funk blanc presque 'zeppelinien' " Last time I saw her ", de Gordon Lightfoot, et de l'anti-hymne bouleversant des Youngbloods, " Darkness, darkness " (NDR : une compo qui date de 69 !). Sans oublier le clin d'œil adressé au " Pinball Wizard " du Who, à travers le final " Skip's song " des Bottle Rockets. Quant au seul et véritable titre écrit par Plant (le blues spectral et slidé " Red dress "), il est de la même trempe. En fait, tout en s'immergeant dans la culture orientale, Plant exerce un contrôle mystérieux et efficace sur chaque adaptation. Grâce à sa voix qui a considérablement mûri. Et puis en s'appuyant sur un solide backing group, le Strange Sensation, au sein duquel on retrouve l'ex Cure Porl Thompson. Enfin à travers des expérimentations électroniques (NDR : y compris les arrangements orchestraux) qu'il mène avec beaucoup de feeling et d'à propos. En quelque sorte, il a repris son bâton de pèlerin, là où il l'avait laissé après " Fate of nations ". Du grand art !
La country de Pleasant Grove sent bon le Midwest sauvage, là où Pat Garrett et Billy le Kid livraient un duel à mort, il y a trente ans, dans le film éponyme de Sam Peckinpah. Dans ce chef-d'œuvre justement, on retrouvait Bob Dylan en cow-boy mystérieux, scrutant l'action tel un ménestrel fantôme, chantant parfois, comme le fait ici Marcus Striplin. Billy le Kid, lui, était interprété par Kris Kristofferson, dont le " Me and Bobby McGee " est devenu presque aussi célèbre que les premiers albums de Dylan. Tout ça pour dire que " Auscultation Of The Heart " sonne comme un croisement fiévreux entre la BO dudit film et les compos racées de son acteur principal, avec parfois quelques pointes plus pop (" Only A Mountain ", entre un Pixies country et Grandaddy). Les pieds bien au plancher, Pleasant Grove nous gratifie donc d'une musique plaisante, entre légèreté et sophistication. Pas de quoi fouetter un chat en plein désert texan, certes, mais suffisamment bon pour titiller tout amateur d'" alternative country " digne de ce nom.
Quelque part entre la fureur des coups de Jet Li, les crissements d'un hachoir sur un mur d'acier et les pas d'un Meccha sur le béton d'une méga cité en panique, vient exploser le second album des français de Pleymo. Et les riffs ne cessent de résonner, les mélodies de s'insinuer au fond de l'esprit. Lourde, très lourde, la machine Pleymo est lancée à pleine vitesse, comme cela ne s'était jamais produit dans l'hexagone, depuis la sortie de l'illustre dernier album de No One is Innocent. Dès sa formation en 97, Pleymo a su instaurer la résistance à l'ennui et au formatage, en cultivant une attitude et un esprit représentatif du fourneau de ces cultures qui font aujourd'hui bouillonner la scène métal française là où on ne l'attend pas. Une ouverture d'esprit aux nouveaux sons, allant du hip hop underground à l'électro en passant par le métal le plus extrême. Une démarche qui a pu amener les membres du combo à croiser Deftones, Incubus, et autres seigneurs de l'arène néo métal tels Korn ou Mass Hysteria. Ainsi, ce nouvel opus impose le respect, grâce à une maîtrise parfaite de la hargne, du groove lourd et taillé au rasoir, et surtout de l'incroyable travail mélodique apporté à des titres comme "New Wave", le premier single. Pleymo vient de créer son propre style, sans prétention. Un complexe neuronal qui résulte d'une fusion entre les styles de Cypress Hill, Slipknot et Linkin Park. Du béton pour les amateurs de néo métal!
Originaires de Normandie, les quatre ténébreux musiciens de Porcelain ont le caractère fougueux et indécis des adolescents qui en veulent : en témoigne leur musique, partagée entre la violence cataclysmique de sacrées bouffées d'adrénaline et l'introspection des paroles et de certains refrains. De ce point de vue, Porcelain se rapproche de Godspeed You Black Emperor ! Bref de tous ces groupes pour qui le calme vient après la tempête, et vice-versa. Musique salutaire, bâtie sur des bases solides (guitares, basse, batterie) mais jamais à l'abri des pires déflagrations, le trip Porcelain vaut son pesant d'or. Si vous n'avez rien d'important à faire, écoutez ce disque.
Elvis est apparu comme un grand artiste, un grand rocker, un grand colporteur de guimauve, un grand bourreau des cœurs, un grand raseur, un grand symbole de puissance, un grand cabot, un grand chic type’ : à cette énumération de Greil Marcus (dans son livre séminal, Mystery Train, p. 165), on pourrait rajouter une grande valeur boursière, un énorme gagne-pain pour bon nombre de maisons de disques actuelles. Dernière opération marketing en date : éditer ses 30 numéros 1 sur un seul CD, pour faire péter le tiroir-caisse et tenter de battre à plate couture les Beatles, les Stones et Jésus. Trente n°1 : mieux que n'importe quelle rock-star (ou country-, folk-, etc.), Elvis a cartonné en haut des charts pendant plus de dix ans, jusqu'au faisandage à Graceland. Régime coke, médocs et pétage de plombs, paranoïa et aller simple pour le paradis. Sauf qu'Elvis est toujours parmi nous, et cette compile en est la preuve : dans les magasins, sous le sapin, à la radio, à la télé, dans les veines des jeunes stars du rock'n'roll 2002, et même dans la techno (" A Little Less Conversation " de Junkie XL, ici en bonus) ! ! ! Elvis est partout, et il clame : " Il faut que jeunesse se passe ", et surtout qu'elle achète ce disque, parce que, nom de…, tous ces titres sont de sacrés tubes, le genre de chansons qui font tellement partie du patrimoine artistique qu'on ne sait plus trop quoi en penser. Dommage que la pochette soit si laide, et le livret un bon de commande pour des " Elvis Mousepad ", " Elvis Monopoly " et " Swinging Elvis Motion Clock " (sic)… Passons, pour une fois, sur ces détails abjects, et concentrons-nous encore une fois sur la musique : sublime. LA quintessence du rock, de la soul et du blues. ‘Voici l'histoire d'un homme qui a fait l'Histoire, et qui en a triomphé’ (Marcus, p. 166). Le Roi est mort ? Vive le Roi !
" Evil heat " constitue le sixième opus de la bande à Bobbie Gillepsie. Un disque sur lequel on retrouve Andy Weatherhall, aux manettes, fonction qu'il n'avait plus remplie depuis " Screamadelica ", c'est à dire leur troisième album. Et il n'est pas le seul à avoir participé à la mise en forme, puisque l'ex My Bloddy Valentine, Kevin Shields, se réserve également une part de la production. En sus des parties de guitares, qu'on reconnaît facilement à leur style abrasif, qu'il dispense sur le garage/punk musclé, au groove hénaurme (MC5 ?), " City ". Un mode sauvage emprunté également par " Skull X ". Et pour tout savoir sur les invités, sachez que Robert Plant est venu souffler dans un harmonica sur le blues électronique, venimeux, " The lord is my shotgun ", défoncé par des riffs électriques, comme seul le Plastic Ono Band était parvenu à le faire, à l'époque de " Cold turkey ". Ex Jesus & Mary Chain, Jim Reid assure le chant pour un autre blues venimeux, mais plus sauvage et sensuel, un peu comme le groupe mythique écossais était capable de nous délivrer. Et enfin la top model, Kate Moss, assure les vocaux sur la cover du " Some velvet morning " de Lee Hazlewood, qu'il avait interprétée il y a des lustres, en compagnie de Nancy Sinatra. Si cette plage constitue un clin d'œil à Nico, elle épouse surtout une forme de PJ Harvey technoïde. Une référence au Velvet Underground qu'on retrouve sur le psychédélique et ténébreux " Deep hit of morning sun ". Et on n'est pas au bout de nos surprises. Viscéral, sauvage, " Rise " pioche dans l'univers de PIL, alors qu' " Autobahn " (NDR : cherchez l'erreur !) renoue avec le krautrock de Kraftwerk et de Neu. Plus infernal, le single " Miss Lucifer " capte l'énergie du punk avant de la recycler dans la musique électronique. Et pour ne pas oublier que Weatherhall est bien de la partie, cette plaque réserve une plage instrumentale, dont la ligne mélodique pourtant claire, presque champêtre, est resculptée dans la house par une basse dub. Du grand art !
Poursuivant leur analyse quasi sociologique de notre société, les deux comparses français de Programme continuent d'asséner, d'ébranler à coup de samples torturés, de guitares assassines, d'un saxe à la rythmique syncopée, ainsi que de paroles à l'acidité et à la justesse inégalées jusqu'alors. Nettement plus sombre musicalement que l'illustre " Mon cerveau dans ma bouche ", " L'enfer tiède " se (con)fond encore et toujours dans notre marécage ambiant. Le résultat est à l'avenant : une claque !
Bien que fondé en 1996, ce trio parisien vient seulement d'enregistrer son premier album. Un disque qui a reçu d'excellents échos dans la presse britannique. Faut dire que le chant est interprété dans un anglais d'excellente facture. Que leurs mélodies sont particulièrement équilibrées et contagieuses, la basse élastique, les drums discrets mais efficaces, et les harmonies vocales soigneusement ciselées. Tout irait pour le mieux dans le meilleur des mondes, si le guitariste n'avait pas un peu trop tendance à tirer la couverture vers lui. C'est vrai qu'il a longtemps végété au sein de la scène heavy métal. Et qu'inévitablement il a tendance à en remettre une couche. Pourtant, lorsque ses interventions épousent le fil mélodique, elles passent plutôt bien la rampe. C'est notamment le cas sur le hit potentiel " And now you're a mother " ; un fragment qui évoque une rencontre hypothétique entre le Who, les Troggs et les Beach Boys. Ou encore lorsque l'expression sonore épouse un profil punk pop réminiscent d'Ash. A l'instar de " A life in a day ", du hit potentiel "Boom boom bang bang you're dead", du décapant "Cloud 9". De la même trempe, mais plus proche de ce que réalisait Manic Street Preachers à ses débuts, " French lovers " flirte même avec le glam. Noisy, " You told me lies " et " She's far away " consument une intensité chatoyante. Mais le meilleur titre de cet opus est paradoxalement électroacoustique. Répondant au titre de " You're gonna live into my dream now ", il aurait pu figurer dans le répertoire d'un Swell. A travers " Music for pleasure ", ProXima a eu l'audace de tenter le mariage de styles contre nature. Il y est presque parvenu. C'est déjà une réussite en soi. Suffira à l'avenir de brider quelque peu les dérapages du soliste pour que le combo devienne une des valeurs sûres de la scène pop/rock d'Outre Quiévrain. C'est tout le mal qu'on lui souhaite…
Chez la formation bordelaise Pull, on retrouve trois musiciens impliqués chez Calc: Hugo, Julien et David. Un trio qui compte aujourd'hui trois albums à son actif. " The empire now ", constituant son troisième. Découpé en 20 fragments particulièrement courts (NDR : le plus bref dure 38 secondes, le plus long 3'47), il baigne dans une lo fi inspirée par Sebadoh et Pavement. En général. A cause de la dissonance mélodique ( ?!?!?) qui contamine la plupart de leurs chansons. Dissonance fait aussi inévitablement penser à noisy. Et plusieurs plages épousent cette forme bruitiste. Héritée en ligne droite de My Bloody Valentine lorsqu'elle s'aventure dans l'expérimentation. De Ride, quand elle flirte davantage avec la pop. Plusieurs titres démontrent cependant que le groupe cherche à élargir son horizon sonore. A l'instar du presque poscard " Concrete cocks ", que les Pastels auraient pu écrire s'ils avaient adopté la rythmique funk et injecté un zeste de free jazz dans leur solution sonore. De " Normal conversations ", inondé de claviers cathédralesques (Eyeless In Gaza ?). De " My own nightmare ", un instrumental délicatement surf. Du 'beatlenesque' " Crystal ", mais dans l'esprit psychédélique de "Magical Mystery Tour". Du superbe " Wonder ", dont le tempo hypnotique est traversé de strates de guitares au service d'une ballade sonique, un peu comme chez Quickspace. Du boogie blues " Such a beaver ". Et enfin du krautrock " The iron subject " (Faust ? Can ?), caractérisé par sa boîte à ryhtmes métronomiques. En outre, à l'instar de Calc, Pull a le bon goût de soigner ses harmonies vocales. Ce qui donne parfois des effets totalement inattendus ; surtout lorsque le lead vocal est complètement décalé. Rafraîchissant !
Fondé en 1999, ce trio canadien s'est illustré, au cours de ces trois dernières années, lors de différents concours organisés au Québec (Envol, Macadam, Francouvertes, Polliwog). C'est également de sa capitale du même nom que Purge est originaire. En toute logique, les textes sont écrits dans la langue de Voltaire. Pour la plupart, ils sont issus de la plume de Yannick Essertaize, en outre préposé à la basse. Mais des textes excellents, brillants mêmes. Poésie juvénile décapante hantée par les spectres de Jacques Prévert, Renoir ou encore Blaise Cendrars. " Blaise Cendrars ", c'est d'ailleurs la meilleure chanson de l'album (NDR : leur deuxième). Et la plus contagieuse ! Chantée en duo décalé, par Yannick et sa sœur Sophie (NDR : c'est son unique participation à l'opus !), avec pour seul accompagnement majeur une guitare acoustique, elle est tramée sur une toile de fond atmosphérico-psychédélique. Une perle ! Autre fragment acoustique, " Jacques Prévert " épouse des ondulations mélodiques, mais avec davantage de punch. Yannick n'a pourtant pas une voix extraordinaire, mais dans le style, elle passe bien la rampe. Ah oui, le style ! Pas forcément acoustique comme vous auriez pu le supposer. En fait le guitariste, Eric Leblanc, possède plus d'une corde à son manche électrique. Autrement dit, il est capable d'adopter des styles totalement différents, suivant son inspiration. Parfois même, il à recours à l'overdubbing pour coupler le motifs imprimés sur sa six cordes ; des sonorités qui oscillent ainsi de la new wave stratosphérique ( Snake Corps, Sad Lovers & Giants) au metal industriel le plus menaçant (Nine Inch Nails, Ministry), s'autorisant même parfois quelques dérapages dans le hard rock (NDR : ce qui n'est pas toujours une bonne idée de vouloir égaler les performances nombrilistes de Van Halen…) Enfin, la richesse et la souplesse du drumming de Frédéric Talbot, qui a remplacé Martin Vallancourt, donnent davantage de corps aux compositions. Un reproche cependant : on a parfois l'impression que Purge cultive une certaine uniformité dans le ton. Une imperfection qui pourrait facilement être gommée, si le trio avait davantage recours à la formule semi acoustique. M'enfin, le groupe est tellement jeune, et son style tellement personnel, qu'il mérite franchement le détour. En outre, il effectuera une tournée en Belgique au cours de l'année 2003. Et paraît que sur scène, leur musique prend une toute autre dimension…
L'espoir vient du froid. Pour son coup d'essai, la formation suédoise Paatos vient de livrer un album très prometteur. Il commence pourtant de façon insolite : une rythmique feutrée accompagne un piano électrique, au sein d'une combinaison très jazz, rompue par une guitare au son 'blues' et une voix au style 'adolescente qui chante à tue-tête d'un timbre imparfaitement maîtrisé' (un peu de Björk). Break dominé par un dialogue mellotron-guitare très émotionnel et un final typiquement prog symphonique. En 5 minutes, 'Sensor', qui n'est pas d'emblée séduisant, a au moins le mérite d'éveiller notre curiosité. Immédiatement récompensée par 'Hypnotique', la deuxième plage. Petronella y chante de façon complètement différente, feutrée, sensuelle, irrésistible (un peu de Morcheeba et de White Willow). Dominé par une guitare psychédélique et une flûte, le morceau est calme et beau, avant de s'envoler vers une magnifique finale mellotron-flûte. De sa voix suave et mélancolique, Pétronella (NDR : qu'on commence à adorer) domine 'Tea', un fragment à la tristesse diffuse d'un matin d'hiver. Sans jamais se presser, 'They are beautiful' campe ensuite, mais avec peu de moyens, une ambiance de plus en plus intimiste, une ambiance sublimée par sa finale, où une clarinette vient s'immiscer. Et c'est ensuite que Paatos nous bluffe complètement : exit la froide beauté scandinave. Soutenue par une basse inventive et irrésistible, 'Quits', la dernière et plus longue plage, s'articule autour d'une rythmique complexe, alerte et hypnotique, affiliée trip-hop façon Portishead. La température s'élève de 30 degrés en quelques secondes. Chant, piano électrique, saxophone, trompette et trombone broderont ce fil sonore, sans jamais nous lasser, jusqu'aux 3 minutes du final free-jazz complètement échevelé. Un CD très vite indispensable, évoquant parfois le White Willow le plus récent (lui aussi excellent) mais imposant d'emblée sa forte identité. Du très bel ouvrage, vraiment! Un seul regret : que l'album ne soit pas plus long !
Voilà un groupe qui porte mal son nom, tant leur musique redonnerait vigueur à n'importe quel fan de rock. D'emocore pour être précis. C'est que ces Allemands aiment les mélodies bien ficelées, les guitares enchanteresses et les refrains sympas, entre romantisme échevelé et colère juvénile. Dans un style, ma foi, fort proche de Jimmy Eat World, Rival Schools, voire du dernier opus de Bad Religion. Seul hic : quand les Teutons s'essaient à la ballade (sortez les briquets), c'est plutôt à Bush (beurk !) que je pense ; et c'est là que le bât blesse (" Everytime You Say 'Hey' ", " All Walls Are Brick "). Heureusement, c'est la seule intrusion en terrain miné (ce rock balourd pour midinettes et skateurs du dimanche), puisque le reste oscille entre le bon (" Sometimes Some Where " et ses cuivres enjoués) et le très bon (" Let's Get It On ", sorte de Pearl Jam survitaminé - NDR : c'est possible ! - " How To Survive Chance " et ses ‘pa pa pa’ sautillants). Une découverte, qui nous change un peu de Rammstein et de ses hymnes métal de l'âge carbonifère.
Paloma n'est pas le patronyme d'une jeune fille en fleur mais bien le projet d'un Français qui répond au nom de Laurent Vaissière. Rédacteur pour un webzine, il est auteur/compositeur et chanteur à ses heures perdues. Dès les premières notes de cet elpee, l'ambiance particulière de Tindersticks et de Spain me vient à l'esprit. Les onze fragments de cet opus sont imprimés sur un tempo assez lent, parfois très lent ; à en devenir non pas énervant, mais épuisant. Tout au long de ces onze morceaux, les mélodies restent très sobres. Elles sont le fruit d'arrangements musicaux relativement dépouillés, au cours desquels l'instrumentation acoustique est traversée d'accès électroniques (" Safety Margins "). Et c'est justement cette approche technologique qui me paraît la plus intéressante. A première écoute, on n'entend que les guitares sèches ; mais en tendant l'oreille un peu plus attentivement, la toile sonore commence à s'étoffer de bruitages, de boîtes à rythmes, qui se fondent dans l'ensemble avant de le transformer (NDR : selon l'adage, le tout est plus que la somme des éléments). Si sur certaines chansons, on a l'impression que la voix s'éteint progressivement avant de disparaître complètement, elle demeure pourtant un atout. Bien moins mélancolique que celle du chanteur de Spain (NDR : franchement, il faut être bien dans sa peau, ne pas souffrir de tendances suicidaires ou ne pas avoir encaissé de mauvaises nouvelles dans la journée, pour ne pas broyer du noir en écoutant ce genre de truc), la voix de Laurent Vaissière allège ses compositions monotones. Elle ne tombe, cependant jamais dans l'allégresse (NDR : pas d'excès, quand même !) mais dynamisme quelque peu l'ambiance. Cette musique douce, non pas de chambre, mais de salon, s'écoute, de préférence, en toute intimité (NDR : qui a dit les doigts de pieds en éventail ?)
Peu connu, voire inconnu (?) en Europe, Mark Olson comptabilise pourtant quelques années d'expérience derrière lui. Auteur, compositeur et interprète, il a longtemps été impliqué chez Jayhawks. Jusqu'en 1995, très exactement. Année au cours de laquelle il a décidé d'entamer une carrière en solitaire. Mais pas trop seul quand même, puisque sa femme, Victoria Williams, a participé à la confection de tous ses albums. " December's child ", son cinquième opus, ne déroge pas à ce principe. En toile de fond pour accompagner les refrains, la voix nasillarde de son épouse se manifeste ; mais pas pour notre plus grand bonheur. La musique de MO&TC est avant tout américaine. Dés les premières notes, il est facile d'imaginer le cow-boy assis au coin du feu, chantant sa nostalgie en s'accompagnant à la guitare. Véritable institution chez les Yankees, ce folk traditionnel recèle probablement quelques nuances subtiles, qui doivent plus que probablement m'échapper. Comme à tout (ou à toute) pauvre européen(ne). Difficile, dans ces conditions, d'apprécier cette œuvre à sa juste valeur. Pourtant, je ne suis pas allergique à la musique country ; mais ce type de country alternative ne me botte pas trop. Les arrangements opérés au niveau des voix (" Alta's song ", " Say You'll be mine ") me paraissent un peu trop expérimentaux. Seul point positif, Olson a le bon goût de ne pas noircir la mélancolie ; ce qui aurait rendu insupportable l'écoute de cet elpee...
Déjà le troisième album d'Orange Black, et pourquoi pas un futur classique de la pop belge ? C'est que ce " Morning Notes " a tout pour plaire : des mélodies catchy, de la fraîcheur à revendre, des refrains qui s'entêtent, bref un disque parfait comme baume au cœur et écran total aux fausses notes. " Daydreamer " démarre l'album en fanfare country, " Rush " côtoie les astres déviants du pop-rock (Pavement en tête), " Dream Team " nous fait rêver d'un Orange Black en tête des hits parade, " Do You Compute ? " ne dépareillerait pas sur le dernier album des Notwist, " How It Ended " sonne comme du Smashing Pumpkins période " Adore " (un compliment !), " Surrender " fait monter le volume en rockant toujours plus haut, " Safari " est tout simplement splendide, " (We've Lost) Gravity " et " Golden Years ", deux superbes balades mélancoliques, finissent le tout en beauté… Un sans faute ! ! !
Au sein de ce quatuor issu de Baltimore (NDR : ça rime !), on retrouve Dave Voyles, un drummer qui a sévi chez Wrong Button, Tim Johnston, qui a joué au sein de Brikchead, le multi instrumentiste Daniel Black et surtout Roman Kuebler, un chanteur/guitariste qui a drivé les Roads to Space Travel de 1995 à 2000. Un musicien qui a également collaboré à l'enregistrement du dernier opus de Spoon, " Kill the moonlight ". Mini elpee sept titres, " On TV " fait suite à deux Eps parus successivement en 2000 (" The five dollars ") et en 2001 (" Nine hundred miles of fucking hell "). Un disque particulièrement dans l'air du temps aux States. Enfin, c'est la musique qui est dans l'air du temps. Le son est sale, garage, énergique, parfois ténébreux. Les guitares croustillantes, jacasseuses, distordues, mais mélodieuses. Et si la voix de Roman campe plutôt un hybride entre celle de Ian Mc Nabb et de Damon Albarn (Blur), elle possède des inflexions crâneuses, ricanantes, fort proche de celles de Julian Casablancas. C'est peut-être la raison pour laquelle, aux States, la formation est souvent comparée aux Strokes. Faut dire que les deux formations reconnaissent pour influence majeure le Velvet Underground. Pourtant, chez The Oranges Band, on ressent davantage de feeling britannique. Emprunté notamment aux Smiths. A l'instar de l'excellent " Civic minded 5 ". Une très bonne surprise !
Orbital est un groupe séminal de l'ère électronique, du moins pour les années nonante : de " Chime " à " The Box " (avec Alison Goldfrapp au chant), les frères Hartnoll ont participé à la popularisation de la techno à travers le monde, à l'instar de leurs compatriotes d'Underworld, de The Orb et de Sabres of Paradise. Depuis, leur son acid si caractéristique provoque beaucoup moins d'effets, et Orbital semble s'être encroûté dans la redite et le surplace. L'électro du duo en orbite géostationnaire sur un dernier album ennuyeux (" The Altogether "), on pensait donc ne plus guère les écouter, si ce n'est lors d'une éventuelle bouffée de nostalgie… A l'écoute de ce best-of " bis " (on n'y retrouve pas forcément les versions les plus connues de leurs classiques), on se dit pourtant qu'Orbital reste un grand groupe, malgré le coup de vieux de certains titres : " Chime " (datant d'il y a 12 ans !) est toujours aussi dansant, et de plus récents morceaux (" Illuminate ", avec David Gray) témoignent que les Hartnoll ont quand même encore de beaux restes… Dommage qu'ils aient préféré la version bodybuildée de " Satan " (avec Kirk Hammett de Metallica à la guitare, tirée de la BO de Spawn) à l'originale, bien plus convaincante ; et, surtout, qu'ils aient honteusement (ou presque) passé sous silence " In Sides ", leur meilleur album. Sans cela, ce best of aurait été parfait… Mais ne boudons pas non plus notre plaisir, il y a suffisamment d'" anthems " sur cette compil pour y trouver son compte et danser jusqu'au bout de la nuit.
Si vous n'avez jamais su choisir entre la salsa aux rythmes latinos endiablés et le hip hop imprimé de ses beats bien gras, Orishas propose le bon compromis entre ces deux styles, que l'on pourrait croire si différents. Une formation de La Havane, dont le line up initial impliquait Livan, issu du groupe Sergent Garcia. En 1999, le premier opus de la formation cubaine avait même remporté un succès certain. Elle nous revient donc orpheline de Livan (parti explorer d'autres horizons sonores), mais toujours avec le même sens du rythme. Faut dire que leur cocktail de hip hop, de salsa et de rumba, sent le soleil, le sable chaud et la rage de vivre. Si la plupart des textes sont chantés dans la langue de Cervantès, deux fragments laissent la place à celle de Voltaire. A cause de la présence de deux invités de marque. Tout d'abord Passi pour " La vida pasa " ; et ensuite Nilo Noki sur " Ausencia ". Un album qui sort de l'ordinaire pour ce combo dont le patronyme a été emprunté à des dieux de la religion afro-cubaine Santeria …
Ces cordes discrètes mais somptueuses, ces arpèges de beats délicats, ces mélodies timides mais tellement limpides, et surtout cette voix, parfois chevrotante, souvent envoûtante, font de ce disque une petite merveille, sans aucun doute le meilleur de la jeune Anglaise. Pas que les précédents soient mauvais, bien au contraire… sauf qu'ici Beth Orton a réussi un sans fautes, un point c'est tout ! En alliant fort joliment l'électro la plus câline au folk le plus céleste, Orton abat toutes ses plus belles cartes et remporte la mise, là où d'autres n'ont récolté pour l'instant que de pauvres petites miettes (Tracey Horn, Emiliana Torrini, et on attend l'album solo de Beth Gibbons de pied ferme). Evidemment, à la base de ce splendide coup de poker, veillent quelques génies de la production et du BPM : William Orbit, les Chemical Brothers, Ben Watt d'Everything But The Girl, sans parler de Ryan Adams et d'Emylou Harris, tous deux à l'origine de cette teinte country-folk qui rend " Daybreaker " encore plus attachant. Qui peut se vanter ces temps-ci d'avoir enfanté un disque à la fois soul et country, folk et électro ? Personne. Sauf Beth Orton. Laissons à l'avenir le soin de nous dire si tel disque n'était juste qu'un éclair de génie dans une carrière sans grands rebonds, ou la preuve irréfutable d'avoir découvert à temps une grande artiste en devenir.
‘I fuck like I pray. In secret’. Mieux vaut s'envoyer Oxbow en cachette, tant son rock couillu d'hardeurs défoncés à l'adrénaline devrait être interdit aux mineurs, du moins aux personnes sensibles. Le carré blanc de rigueur, c'est donc mal à l'aise que l'on écoute ce groupe champion poids lourd des litanies moites et sordides, sorte de Suicide texan mêlé au sang et au sperme d'Henry Rollins et de Sly Stone. Car ces oraisons funèbres criées par un black en transe donnent la chair de poule - une poule qu'on aurait froidement sacrifiée sur l'autel du rock-métal le plus épileptique et le plus sombre. La musique d'Oxbow sent le mâle en rut. L'écouter c'est transpirer de tous ses pores, perdre à jamais sa virginité dans une orgie des sons et des sens. Epuisant et brûlant, cet " Evil Heat " est un véritable tapis de braises. Et comme avec le feu biblique, s'y brûler c'est se purifier.
Dans la discographie pléthorique de Jim O' Rourke, on recense surtout des collaborations menées tous azimuts. Depuis le percussionniste suisse Günter Müller au drummer d'AMM, Eddie Prevost, en passant par les bruitistes Voice Crack, et la formation new-yorkaise Sonic Youth, au sein de laquelle il et pratiquement devenu le cinquième membre. Sans oublier son travail d'arrangeur commis pour High Llamas ou encore son talent de producteur qu'il a mis au service de Smog et de Stereolab. Paradoxalement, " Insignifiance " constitue seulement son deuxième opus solo. Découpé en 7 fragments, il s'ouvre par un boogie sudiste (" All downhill from here ") digne du célèbre Lynyrd Skynyrd. Passé le titre maître aquatique et le 'velvetien' " Therefore I am ", le ton devient beaucoup plus minimaliste, Jim illustrant alors tout son savoir faire dans l'art d'injecter un zeste d'électricité (souvent à travers la slide) dans une structure acoustique. Avec pour résultat quatre chansons intimistes, fragiles, propice à la mélancolie, quatre plages qui bruissent délicatement au contact d'un vibraphone, d'un piano ou de cuivres ; quatre fragments caressés par son timbre vocal profond, légèrement grave…
On savait que les frères Gallagher vouaient une grande admiration à l'œuvre des Beatles. Et aux Beatles tout court. Faut même croire qu'ils portent des caleçons imprimés de caricatures puisées dans le " Yellow submarine ". Et des chaussettes brodées de titres de chansons des Fab Four... (NDR : et alors, y en a bien qui mettent des cravates à l'effigie des Simpsons...). Ouais ! Mais voilà, j'ai l'impression qu'ils ne sont plus hantés par l'esprit des Beatles, mais possédés. Une sensation qui transparaît sur plusieurs fragments de l'opus. Et tout d'abord sur " She is in love " et " Songbird ". Deux fragments qui font la part belle à la texture acoustique, nonobstant le filet de clavier, la trame de fond psychédélique ou le piano jazzyfiant. Deux compos directement inspirées par le " Double blanc " ! Fouetté de guitares cinglantes, distordues, " Better man " calque sa sauvagerie sur le " Cold turkey " du Plastic Ono Band de John Lennon ; alors que " (Probably) all in the mind " adopte un profil mélodique proche de " Tomorow never knows ". Mais le plus éloquent procède de " Born on a different cloud ". La voix reverb est lennonesque. Certains motifs de guitare piqués chez George Harrison. Et même les drums se la jouent à la Ringo Starr ! (NDR : manque plus que le bassiste se prenne pour Paulo !). Et Oasis lors ? Pas de problème, les aficionados y retrouveront leur compte. Depuis le 'wonderwallesque' " Stop crying your heart out ", enrichi d'arrangements de cordes et d'un mellotron, à " Little by litle " qui manifeste des echos empruntés à " Stand by me ", en passant par de multiples fragments généreusement électrifiés. En bonus track, on a même droit avec " Jam out ", à un instrumental qui célébre une hypothétique rencontre entre Fleetwood Mac et Ocean Colour Scene. Et si vous voulez mon avis personnel, sachez que si cet elpee ne brille pas par son originalité, il a le mérite de bien passer l'examen du tuyau acoustique : glam, mid tempo ou hymnique, Oasis demeure l'entreprise dont les fonctionnaires sont sans aucun doute les plus zélés du monde pop rock britannique...
En 1996, ce trio yankee commettait un superbe premier elpee. Produit par Ric Ocasek, " Hig/Low " recelait le hit " Popular ", une chanson qui allait faire un tabac au sein des charts internationaux. Deux ans plus tard, leur deuxième opus, " The proximity effect ", essuyait les frais d'une production trop lissée. Avec pour conséquence un flop magistral, ponctué d'un conflit avec son label major (NDR : Warner Bros, pour ne pas le citer !). Faut dire que la maison de disques avait aussi attendu plus d'un an et demi avant de sortir le disque aux States. Une situation qui va pousser les deux parties à se séparer. Et c'est sous les couleurs de 'Labels' que Nada Surf nous revient avec " Let go ". Un disque qui recèle un tube en puissance : " Hi-speed soul ". Une compo que n'aurait pas renié New Order. Et puis le très beau" Killian's red ". Une chanson remarquable, contagieuse, parfois même menaçante, dont le sens mélodique rappelle Travis. Même le timbre vocal de Matthew Caws est aussi fragile que celui de Fran Healey. Un sens mélodique que l'on retrouve tout au long de l'opus (NDR : il ne faut pas oublier que le premier elpee de Travis était très électrique !) ; et en particulier sur le mélancolique " Inside of love ", la berceuse " Blonde on blonde ", et puis encore chez le poignant " Paper boats ", parcouru par un filet de mellotron. Tout au long des douze fragments de cet opus, Nada Surf a cependant le bon goût d'alterner chansons romantiques, troublantes et titres power pop plus allègres, contagieux. Et puis d'apporter un soin tout particulier aux harmonies vocales, parfois réminiscentes d'ELO. " Blizzard of 77 " lorgne même vers la période acoustique des Beatles (NDR: pensez au double blanc!). Mais ce qui fait la force de cet elpee, c'est la charge émotionnelle qui hante chacune des compositions. Un must !
Depuis son premier album (" Plantation Lullabies " en 1993), Meshell Ndegeocello s'est construit une carrière musicale d'une richesse étonnante et d'un engagement jamais démenti : ses trois albums lui ont valu la reconnaissance de ses pairs, et son message politique (paix, amour et tolérance) s'est affiné au fil des années. Aujourd'hui, elle nous revient avec ce " Cookie " volubile et fringant, toujours à la croisée des chemins de la soul, du funk, du jazz, du hip hop et du spoken word ; bref à l'épicentre de la musique black la plus torride et la plus revancharde. En prêchant la bonne parole sur un tapis tressé de beats languides et poisseux, Meshell nous rappelle qu'avant Alicia Keys, Jill Scott et Erykah Badu, elle était la seule à lutter haut et fort contre l'injustice et l'argent roi, sources de tous les maux. Sur l'album, elle est d'ailleurs accompagnée de Gil Scott Heron et d'Angela Davis (l'égérie des Black Panthers), prouvant encore une fois son attachement à la cause noire, autrement dit à combattre l'indifférence et la haine raciale. De " Dead Nigga Blvd. (avec l'ex-Funkadelic Michael Hampton) à ce " Pocketbook " remixé par Missy Elliott, le chemin proposé par Meshell est ainsi pavé de bonnes intentions - celles qui ont pour but notre prise de conscience, des problèmes sociaux, raciaux, ou relationnels. Sans jamais baisser la garde, Meshell Ndegeocello (" libre comme l'oiseau " en dialecte swaali) n'en oublie pas pour autant la musique : sophistiquée, insaisissable, elle déconcerte d'abord (c'est tout et rien à la fois), puis séduit, réchauffe, rassure. Parfois très chaude (le torride " Trust " et ses paroles érotiques) ou très jazz (" Criterion "), la musique de Meshell ne se suffit d'aucun terme, forcément réducteur. Finalement, le principal, c'est qu'elle touche au cœur. Autant vous dire qu'elle ne rate jamais son but.
Le prétexte habituel : pour éviter que leurs fans ne déboursent des sommes importantes en bootlegs de mauvaises qualités, Neurosis a décidé de sortir de ses archives des enregistrements accumulés lors de leurs tournées. Voici donc, tout chaud, le numéro un de la série : un live capté à Lyon en 99' suite à la sortie de " Time Of Grace ". 6 titres pour une bonne heure de zique. Les extraits couvrent la discographie du groupe depuis " Enemy of the sun ". Comme à son habitude, les Californiens demeurent des véritables bêtes de scènes, assénant un métal tribal et gueulard quand il le faut, sans pour autant négliger sa facette plus calme. A ce titre, " Away ", longue plainte d'une dizaine de minutes, esquissée tout en finesse et ponctuée de décharges monumentales de sauvagerie, réussit le tour de force de se révéler encore plus angoissante et lente que l'original studio. A coup sûr le pic du concert ! Connaissant le perfectionnisme du groupe, je pense que cette série de bootlegs nous réserve encore des surprises de taille pour le futur. Notons également que cette collection se négocie à des prix modestes. Bref tous les ingrédients sont réunis pour assurer l'hégémonie de Neurosis dans le créneau. Mais où est la concurrence ?
Après 20 années d'existence, les New Christs ont décidé de jeter l'éponge. Un point final précipité par la faillite du label Man's Ruin, qui promettait à la formation australienne, une renommée internationale. Marquez : pas de chance ! C'est finalement la maison de disques aussie 'Laughing outlaw' qui a récupéré les bandes issues des sessions d'enregistrement pour les reproduire sur ce Cd. Drivé par l'ex chanteur de Radio Birdman, Rob Younger, The New Christs mérite assurément le statut de groupe mythique. Pas seulement parce que les Datsuns, les D4 et les Vines en sont les héritiers naturels ; mais parce que ce combo incarne un des symboles les plus purs et durs du garage/rock'n roll indépendant aux antipodes. Et que leur manque de notoriété à l'échelle mondiale est une profonde injustice. Il existe au pays des kangourous et en Nouvelle-Zélande des artistes et des groupes de pop et de rock absolument fabuleux dont les échos ne parviennent que trop rarement en Europe. A contrario, des grosses cylindrées américaines gonflées à la pompe à fric bénéficient d'un battage médiatique dont la démesure frise l'indécence. J'arrête ici ma diatribe, je sors du sujet. Si vous voulez en prendre plein la figure, procurez-vous ce " We got this ! " ; 15 fragments de rock pur et dur qui libèrent un groove d'enfer, sans pour autant négliger l'aspect mélodique. Des guitares en pagaille, vivifiantes, querelleuses, jacassantes, en couches, psychédéliques. Un clavier rogné, poussiéreux. Une basse qui pulvérise tout sur son passage. Des drums frénétiques, à connotation punk pop. Une intensité constante. Des lyrics sarcastiques, sombres, dramatiques, chantés par la voix poétique de Rob, dont les inflexions oscillent entre Ed Kuepper et Ian Curtis. Il est cependant difficile d'assimiler cet album d'une seule traite. Ce n'est qu'au bout de la troisième ou quatrième écoute, qu'on parvient réellement à s'en imprégner. Tour à tour les images furtives des Stooges, de Steppenwolf, des Doors, de Sonic Youth et des Ramones traversent votre esprit. Même celle de Téléphone sur " Spit it out " et des Skids chez " On top of me ", une composition découpée dans la power pop hymnique. Ou encore de REM, sous sa forme la plus électrique, tout au long d'" I deny everything ". Mes coups de cœur vont quand même à l'irrésistible " Groovy times " (NDR : le titre !) et au fiévreux, doorsien " Sombrero ". Rob y emprunte même le baryton de Jim Morrison ! Sans oublier le chant du cygne " The party died ", plage érigée sur un véritable mur de guitares. Et le reste est tout aussi surprenant et sauvage. Un must posthume !
Les fêtes de fin d'année approchent, et leur lot de 'best' aussi. Si New Order nous avait déjà gratifié d'une compile de singles il y a quinze ans (" Substance "), aucun 'best of' résumant leur carrière n'était sorti dans les bacs depuis lors… " International " corrige donc le tir, en nous proposant un petit détour via leur carrière pléthorique. Né sur les cendres de Joy Division, il est devenu une des groupes les plus importants de ces vingt dernières années ; et à l'origine, à peu de chose près, le responsable de la célébration des noces turbulentes du rock et de l'électro (" Blue Monday ", présent ici, le single incubateur de la house, du son baggy de Madchester, jusqu'à l'électroklash d'aujourd'hui). 14 titres pour résumer la trajectoire exemplaire de New Order, c'est un peu court, même si on retrouve la plupart des titres séminaux du groupe mancunien (de " Ceremony ", leur premier single, à ce " Here To Stay " avec les Chemicals Brothers, paru il y a peu sur la BO de " 24 Hours Party People ", film retraçant l'histoire du label Factory et de l'Hacienda). Selon David Blot (scénariste de la fameuse BD sur l'électro, " Le Chant de La Machine ") qui signe les notes du livret, " The techno generation is still running 20 years after Blue Monday " : à entendre aujourd'hui les bootlegs du maxi le plus vendu de tous les temps, on ne peut que confirmer ses dires… Mais pourquoi, si ‘New Order est définitivement le meilleur groupe sur terre’, n'a-t-il pas droit à une compilation mieux torchée que ce 'best of' manufacturé à la va-vite, parfait pour les néophytes mais indigne pour tout fan qui se respecte ? New Order est peut-être le meilleur groupe du monde, n'empêche que cet " International " ne lui rend que moyennement la pareille.
Premier CD pour ce quatuor hollandais. Et bel essai ! Nice Beaver propose un néo prog de très bonne facture, tout en évitant le conformisme dans lequel le genre s'est un peu enlisé. Ici, l'énergie est intacte, la fraîcheur réjouissante et l'inspiration toujours au rendez-vous. Cela commence presque comme du IQ, mais très vite, la personnalité du groupe s'impose. Assez atypique, la voix principale (il y a deux chanteurs) n'y est pas pour rien. Difficile de la comparer à une autre. Les seules références qui tiennent un peu la route la situeraient quelque part entre Spandau Ballet, Pearl Jam et Tears for Fears (l'attaque la plus dure de Mr Orzabal). Les autres caractéristiques sont partagées entre une basse prolixe et vitaminée, très bien complétée par la batterie, des claviers en nappes, remplissant sans reproche l'espace sonore, et une guitare dominante aux riffs accrocheurs et souvent métal, mais qui, dans ses (courts) soli, évoque parfois Latimer (Camel, voyons !). Quelques détails ? « Wintersong », la troisième plage, mérite vraiment le détour. C'est un long crescendo tendu et très prenant. Ensuite, « Hope you don't mind » s'ébroue de façon lente et mélancolique, avant d'embrayer dans une séquence bien carrée guidée par une guitare grasse (on pense même furtivement à un vieux Black Sabbath) et pimentée par le solo d'orgue. Tout en ne reniant pas ses arguments prog/métal (dont le solo de guitare n'est pas le moindre), « Like this' » la cinquième plage, rappelle quant à elle … Police. A la fois par le riff et le refrain. Un mélange aussi original qu'efficace. Suit un long et plaisant morceau romantique, qui mène au final, plus contrasté. Tout cela n'est jamais très complexe. C'est direct et spontané, fluide et facilement mémorisable. Mais on est aussi loin de toute niaiserie. L'ensemble ne manque pas de subtilité et on ne s'y ennuie jamais. Bon : les paroles ne respirent pas la joie de vivre ; mais que voulez-vous, avec un ciel si gris… Il n 'y a en fait rien à jeter sur ce CD à la production impeccable. Autrement dit : une agréable découverte, qui présage un bel avenir pour Nice Beaver. Faites donc sa connaissance dès maintenant !
Cette formation belge de blues nous vient d'Alost, en Flandre. Ses prémisses remontent au début des années 90, lorsque les frères Peter et Johan Bronder fondent le groupe the Blues Bronders. Rejoints deux ans plus tard par Karel Meganck, l'ensemble opte pour le patronyme Night Time Heroes. Auquel ils ont adjoint le qualificatif Blues Band l'an dernier. Sous son line up actuel, le groupe est composé de Karel Meganck au chant et à harmonica, de Peter Bronder à la guitare, de Stany Van Veer au piano et à l'orgue, de Jacky Verstraeten à la basse et de Luc Baetslé aux drums.
Si à la base, l'influence majeure du combo est manifestement le Chicago Blues, leur registre est aussi bien capable de flirter avec les rythmes texans que le West Coast feel. Le disque est d'un bon niveau musical. La prise de son est irréprochable. Le guitariste et le claviériste tirent régulièrement leur épingle du jeu. Ce premier album est sous-titré "Live at the Blauwe Wolk". Un des meilleurs clubs belges, situé à Zottegem. Mais surtout l'antre de ce sorcier du blues, monsieur Filip Moore.
Les héros de la nuit démontrent l'amplitude de leur registre tout au long des trois premières plages, dont une excellente reprise du célèbre "Messing with the kid" de Junior Wells. Une compo au cours de laquelle l'orgue bien jazzy de Stany est bien mis en évidence. Peter prend le relais à la guitare, dans le même style emprunté au jazz. Une excellente occasion pour permettre aux musiciens de prendre confiance. Ils entament le "Some day, some way" de Sugar Ray Norcia (NDR : une ancienne figure de proue de Roomful of Blues !), avec beaucoup d'assurance. Karel chante avec autorité. Peter se montre une nouvelle fois très à l'aise, très véloce, sur son manche. Même si le groupe n'a pas forcément le West Coast jump dans ses tripes, la reprise de "Red headed woman" du Hollywood Fats Band est encore un excellent choix. Karel tire facilement parti de ce rythme et Peter joue dans propre style. L'elpee recèle quelques compositions personnelles. "This time", tout d'abord. Un blues au rythme assez soutenu. Stany est passé au piano, pendant que chaque musicien prend son pied. "My turn to suffer" est un slow blues classique. Le phrasé de guitare est très proche de ceux de BB et de Freddie King, mais la sonorité demeure plutôt british blues. Quasi unplugged, "Mad about her blues" nous réserve un moment calme. L'harmo et surtout le piano de Stan passent au boogie avec beaucoup d'appétit. A l'instar de tant de formations avant eux, les Night Time Heroes sont bien entendu très influencés par le Chicago blues des fifties. Ils en reprennent quelques canons (NDR : peut-être un peu trop connus !), tels que "Rock me baby", "I'm ready" (très bien mené) et "Hoochie Coochie Man". Bon choix, le "Big legs" de Big Joe Maher permet au combo d'aborder le swing. Van Veer manifeste beacoup d'aisance au piano. Reste deux compos à souligner : "Long time ago", un très long blues, lent, de pure souche, interprété avec le maximum d'effet dramatique ; et puis la finale amusante, "Back to Belgium". A travers " This time ", The Night Time Heroes Blues Band vient de démontrer qu'il était devenu une solide formation belge de blues sur laquelle l'avenir pourra compter…
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