En près de quinze années d'existence, ce quartet new-yorkais n'a jamais concédé la moindre parcelle de création au temps et à la mode, s'évertuant à déflorer les moindres recoins de l'underground. Et ce douzième opus ne déroge pas à la bonne règle, poursuivant et même approfondissant les expérimentations menées sur "Experimental jet set trash and no star".
Découpé en onze fragments, "Washing Machine" implique ainsi deux compositions particulièrement copieuses. Une de dix minutes. Et l'autre de près du double. Le titre maître d'abord. Pour un voyage dans le garage rock dévasté et futuriste. En final ensuite. Pour prendre un bain d'ambient noise dans la "Diamond sea". Dans l'intervalle, la formation yankee vous propose toute une série de nouvelles aventures soniques. Brumeuse et narcotique sur "Daydream nation", pardon, "Becuz", velvetienne ("Junkie's promise"), kraukrock (Neu, Can) chez "Saucer-Like", à l'agonie psychédélique ("No Queen Blues"), beefheartienne ("Party lies"), à l'exotisme volatil ("Skip trace") ; sans oublier la ballade luxuriante ("Unwind") ou contagieuse ("Trouble girl")... En secrétant toujours cette électricité écorchée, en dents de scie, savoureuse, Sonic Youth n'est pas prêt de perdre sa crédibilité sur la scène rock alternative...
Compile 17 titres pour cette formation new-yorkaise. Un recueil qui pioche dans les sept premiers albums enregistrés entre 1981 et 1988. Soit "Sonic Youth", "Confusion is sex/ Kill your idols", "Bad moon rising", "E.V.O.L.", "Sister", "Daydream nation" et "The whitney album" attribué à "Ciccone Youth". Pas de trace donc de "Goo", "Dirty" et "Experimental jet set, trash and no star" jugés sans doute trop contemporains. Un testament de ce groupe déjà légendaire, anticonformiste et demeuré, malgré sa signature chez un major, aussi imprévisible que créatif...
En 1988, le groupe new-yorkais commettait la bande originale du film "Made in USA". Sept ans plus tard, elle fait l'objet de cette gravure. Vingt-trois titres, à l'origine instrumentaux, retravaillés par la guitare de Thurston Moore pour la circonstance. Un minimum de parties vocales alimente les compositions, les musiciens du groupe new-yorkais laissant une grande part à l'improvisation. Hormis deux titres plus conformes à l'image du Sonic Youth contemporain, ce "Made in USA" navigue entre l'ambiant noisy et le free punk en passant par le folk psychédélique. Délirant!
Tout comme No One Is Innocent, Silmarils accorde une importance primordiale aux lyrics. Des textes vitriolés qui dénoncent tantôt les injustices sociales, tantôt les méfaits commis par les religions et la politique. Dans un style, finalement proche de Rage Against The Machine. Même si Silmarils nous vient d'outre-Quiévrain. De Paris plus que probablement. Et dispense un métal trempé dans le hip hop et le funk. Funk blanc, bien sûr, un peu comme Thérapy ? Bref, un disque qui à premier abord s'avère assez rébarbatif, mais qui au fil du sillon devient presque hypnotique. Envoûtant même, comme sur " Just be true " ou alors téléphoniquement hexagonal pour en ‘Payer le prix’… pas de la communication, bien sûr !…
Considéré à l'origine comme le chaînon manquant entre U2 et Simple Minds, les Silencers jouent en tête de la deuxième division depuis maintenant dix ans. Un ensemble écossais, qui depuis la disparition de Big Coutry et de The Alarm, constitue aujourd'hui le seul représentant de ce style enlevé, attachant et puissant appelé rock/pop celtique. Sur "So be it", le quintette a décidé d'adopter un profil plus rock. Plus électrique. Curieusement sur les premières et les dernières compositions du disque. Des chansons vives, intenses, savoureuses, passionnées et mélodieuses, fruitées par la conjugaison des vocaux de Jimmie O'Neil et de Jinky. Il est d'ailleurs dommage que toute l'œuvre ne soit pas de cette trempe, car son ventre mou se révèle assez indigeste. Libérant même des relents un peu trop à base de Wet Wet Wet et de Del Amitri. Heureusement, la dyspepsie n'est que passagère et nous permet de retrouver rapidement l'appétit sonore. Pour déguster des chansons plus hymniques, contagieuses, balayées de flûte, de violon ou de piano...
Il nous a donc fallu plus d'une dizaine d'écoutes avant de pouvoir commencer à décortiquer cet elpee. Et il faut croire qu'il en faudrait probablement autant pour pouvoir en apprécier tous les charmes cachés (!), tant la musique de ce quintet hongrois est riche. Un seul dénominateur commun : l'électricité. Pétillante, crépitante, gémissante, jacassante ou convulsive elle est guidée par de multiples conducteurs. Mélodiques, c'est vrai. Mais qui peuvent osciller du funk blanc (Gang of Four) au prog rock (King Crimson) en passant par le hardcore (Fugazi) l'urban rock (Stooges), le psychédélisme de la west coast du début des seventies (Jefferson Airplane, Grateful Dead) ou post industriel (Wire), l'ethno metal (Tea Party), le popcore (Dig), le punkcore (Band of Susans), la house mancunienne (Stone Roses) et le glam bowiesque de Ziggy Stardust. Un album complexe, mystérieux, ténébreux qui ne manque pas de Sexepil. Remarquable!
Premier album pour cet ensemble californien (San Francisco) dont la formule et le line up évoquent inévitablement Veruca Salt. Deux kids et deux filles. Et deux filles qui se partagent le chant, la composition ainsi que la direction des opérations. Mais ici s'arrêtent les comparaisons, car la bande à Nancy Hess et à Pamela Laws dispense un popcore beaucoup moins saignant, moins incisif, noyant même la plupart du temps son intensité électrique dans une sorte de post-grunge inoffensif. Il faut d'ailleurs attendre le septième morceau de l'opus pour entrevoir une éclaircie. "Back to nature". Paradoxalement composition dominée par des orchestrations symphoniques. Et dans la foulée de découvrir enfin son véritable potentiel énergétique, à travers "Bleeding", "Stay" et "Violence". Laborieux, même si les qualités de cet ensemble sont indéniables. Suffit pas toujours de bénéficier de la production soignée de Gil Norton (Throwing Muses, Pixies, Belly, Catherine Wheel) ou du concours de l'ingénieur du son Dave Bascombe (Tear For Fears, Lightning Seeds) pour décrocher la timbale...
Parmi les groupes dont nous avons eu l'occasion de voir en ‘live’, Senseless Things figure parmi les plus assommants, tant le volume sonore de leurs sets est effrayant. Sur disque, ils mêlent toujours la pop, le rock et le punk en un amalgame fougueux et puissant. Mais leur bouillonnement d'énergie est beaucoup mieux canalisé. Et si la fin de leur CD se relève beaucoup plus agressif, sollicitant même une "Therapy?", l'ensemble nous a totalement enthousiasmés. Senseless Things libère son adrénaline beaucoup plus judicieusement. Parfois à la manière des Neds, des Manics, de Catherine Wheel ou même d'Afghan Whigs. Son trash s'est transformé en light metal. Et les interventions de claviers rognés ou de l'harmonica sordide apportent une saveur plus rhythm’n’blues aux compositions. Avec "Taking Care of Business", le quatuor londonien est enfin parvenu à forger son expression dans un moule plus pop. Les mélodies sont contagieuses comme chez les Buzzcocks et les poussées rythmiques simples et efficaces à l'instar de Collective Soul. Un chouette album qui pourrait malheureusement se révéler le dernier, depuis que des bruits de plus en plus alarmants circulent sur une très possible séparation du combo. Ce qui serait vraiment un comble pour une formation qui vient enfin d'atteindre son objectif!...
En 1994, ce quintet californien (LA) gravait un premier opus extrêmement intéressant. Sculpté dans l'électricité opulente, subtile et hyper mélodique, nous ne lui avions adressé qu'un seul reproche, une instrumentation trop peu mise en évidence. En fait, la présence manifestement envahissante du vocal de Jonathan Bunch y était pour quelque chose Doué pourtant d'un timbre remarquable, à la croisée des chemins de Ray Thomas (Moody Blues) et de George Michaël, il étouffait, faute de production adaptée, l'expression sonore. "Papercut" n'est pas un nouvel opus de Sense Field, mais aligne des extraits des deux premiers Eps, deux démos prévues pour le futur elpee (intitulé "Building"), le single "Papercut" et un mix de "Voice" (NDR: cherchez l'astuce!). Un mini album ponctué d'un titre épatant, "Outlive the man", sulfureusement déchiré entre cordes acoustiques et électriques. Sensefield ne se contente pas de ravaler la façade de la noisy pop (Ride, Boo Radleys, Catherine Wheel), il épouse à son avantage la pop insulaire des Radiohead, Gene et autre Manic Street Preachers. Bien vite l'album!
Il est parfois nécessaire de multiplier les auditions d'un album avant de bien en pénétrer la substance. Cet "Anxious, restless" bat certainement tout les records, puisqu'il fait l'objet de notre application depuis plus de deux mois. Un mini elpee. D'excellente facture. Mais dont la richesse mélodique permet difficilement de fixer des points de repère référentiels. Avec une prudence de Sioux, nous nous sommes quand même prononcés. Imaginez un hypothétique cocktail fabriqué à base d'alcool de Dig, de Foo Fighters, d'Hüsker Dü et de Minutemen. Exhalant une saveur austère mais terriblement grisante. Tantôt popcore, tantôt punkcore ou même progcore, elle manifeste une rage adolescente, venimeuse, soulignée par les lyrics angoissants, cruellement contemporains, de Tom Ackerman, figure de proue du quartet de Portland. Skiploader, un nom à retenir!
Siouxsie et ses Banshees peuvent aujourd'hui se targuer d'être un des rares ensembles rescapés de la génération 78/79 à avoir écrit les plus belles pages du post punk. Une telle longévité s'explique par une évolution constante de son expression dans un style cold jamais abjuré. Un style qui a toujours collé à l'image ambiguë et fascinante de Siouxsie Sioux. Cinq titres de "Rapture" ont bénéficié de la production de John Cale. "Tearing apart", "The lonely one", "Falling down", "Forever" et le single "O Baby". Une bénédiction pour la formation insulaire qui a toujours voué un culte à l'ex-mythe du Velvet Underground. Un album à l'instrumentation luxuriante (violoncelles, mandolines, carillons, etc..) et à l'agressivité insidieuse qu'ensorcèle la voix capricieuse et luxuriante de Siouxsie Sioux. Un périple fascinant, extatique, exotique dans le royaume du rêve obscur situé aux frontières de la séduction dangereuse et du mystère de la solitude. Un chouette album!...
L'histoire de Simply Red remonte déjà à 1984. Après avoir assuré le supporting act de la tournée de James Brown, le combo mancunien grave ses premiers morceaux de plastique : "Money's too tight" et "Holding back the years". Le succès est instantané et "Holding back the years" obtient la première place des charts yankees, ouvrant ainsi la voie à une flopée de tubes. Le point culminant de sa carrière, il l'atteint déjà en 1991. En vendant plus de trois millions d'exemplaires de l'album "Star". Faites le compte, un Anglais sur dix-huit s'est procuré l'elpee. Un record! "Life" constitue son cinquième opus. Et n'ayez crainte, il est à l'étalage toutes les librairies. Bonnes et moins bonnes. Côté contenu, par de problème non plus, il est aussi (NDR : biffez la mention inutile) bon/mauvais que vous ne l'espériez. C'est à dire à l'image du clip vidéo matraqué pour l'instant sur MTV...
Une hirondelle ne fait pas nécessairement le printemps. Nous avions franchement flashé sur le somptueux single "She's a river", chanson qui aurait pu figurer sur "New Gold Dream" en 1982. Nous espérions donc fort logiquement découvrir un album de la même tempe. Nous avons du malheureusement déchanter. Attention, l'album n'est pas aussi faible que "Real Life", mais il consomme de manière abusive les clichés hymniques. On a même parfois l'impression de retrouver le moule de "Don't you" à plusieurs reprises. Normal nous direz vous puisque c'est Keith Forsey qui a produit le disque. Aux States. Avec pour résultat une finition yankee beaucoup trop prononcée. Pas que des bonnes nouvelles donc, du monde des Minds, réduit aujourd'hui au duo Kerr/Burchill, mais un exercice de style qui ne devrait pas trop déplaire à ses inconditionnels. Et en particulier ceux qui sont hostiles au changement. Ou à l'innovation, si vous préférez. Là dessus on va aller se remettre une bonne vieille plaque de vinyle sur la platine, victime de chômage technique depuis l'apogée du CD. "Life in a day", par exemple. Et dans la foulée "Real to Real Cacophony". Question d'exorciser ses regrets.
Mike Scott a donc décidé de dissoudre ses Waterboys pour embrasser une carrière solo. Il fallait s'y attendre. Dès le moment où le line-up du groupe était réduit à une rencontre de musiciens de studio. Ce qui n'avait pas empêché ce "Dream harder" de nous enthousiasmer. Mais faute de succès, Mike a préféré mettre la clef sous le paillasson. La vie est un éternel recommencement. A l'issue de l'enregistrement de "Pagan Place", il avait déclaré vouloir retourner aux sources. S'investir davantage le cœur, explorer la poésie de l'âme, l'essence de vie. Juste illuminer un peu les choses avec davantage de guitare acoustique et de piano ; quelques chansons sans batterie. C'est exactement ce que le troubadour nous propose sur "Bring them all". Un album plus proche du folk que de la pop ou du rock. Hormis "I know she's in the building" et le remarquable "Building the city of light" dont les cordes de guitares semi-acoustiques rappellent le phrasé du "Something in the air" de Thunderclap Newman, l'intensité électrique est réduite à sa plus simple expression. Et son trop rare concours destiné à mettre en relief le minimalisme des compositions. Certaines chansons auraient même tout aussi bien pu appartenir au répertoire de Dylan, comme "She's so beautifull" ou encore plus flagrant "What do you want me to do" et "Sensitive children", à cause du recours à cet harmonica poussiéreux ; s'il n'y avait la voix touchante, profonde, confidentielle de Mike...
Après avoir assuré les backing vocaux chez Soulsister, Radios, Scabs et Niagara, cette Américaine, émigrée en Europe depuis presque cinq ans, a décidé de voler de ses propres ailes. Commis en 1993, "Mudcakes" nous avait pourtant laissé sur notre faim. Nonobstant le timbre vocal chaud, écorché, profond de Jo, la solution n'était pas parvenue à s'extraire d'un banal rhythm’n’blues sub Tina Turner. Live, Jo semble acquérir une toute autre dimension. Enregistré au club I.C.P. de Bruxelles, les 2 et 3 juin 1995, à l'issue de sa tournée continentale, et appuyée par un excellent backing group, ce morceau de plastique met davantage en valeur les excellentes dispositions vocales de l'artiste dans un contexte fondamentalement blues. C'est à notre humble avis, le style qui semble lui convenir le mieux, et auquel elle aurait tout intérêt à se consacrer corps et âme...
"Silly me", dernier single des Scabs, nous avait mis au parfum. Un avant-goût qui a tenu toute ses promesses. Car ce "Sunset over wasteland" mérite franchement toutes nos félicitations. Tjenne Berghmans, ex-guitariste de Clouseau, puis de Betty Goes Green, a réussi, avec fruit, son examen de passage. Et l'expression sonore de l'ensemble diestois a gagné en intensité, en pugnacité. Un opus qui a en outre bénéficié du concours de Mark Thijs à la production. Méconnu dans le monde de la pop ou du rock, il jouit d'une fameuse réputation sur la scène blues. Un harmoniciste talentueux dont le plus grand plaisir est de jammer avec les plus grands artistes de blues ou même de jazz. Flanqué de l'ingénieur du son Peter Bulkens, il vient de ciseler ce qui doit probablement être le meilleur opus des Scabs. Un morceau de plastique qui alterne, pensez-vous, compositions rigoureuses, carrées, trempées dans le rhythm’n’blues rollingstonien, et ballades contagieuses, mielleuses. Faudra revoir votre impression, puisque le quartet parvient ici à sortir des sentiers battus. Se permettant des incursions dans le garage crazyhorsien ("The truth", "Can cry over"), le jazz funk insidieux ("Cookie") voire purulent ("Silly me") ou plus insolite encore, se forge, sur "Please explain", un style aux jaillissements atmosphériques. Sans oublier les clins d'œil adressés respectivement à Tom Petty sur "It's true" et à Buffalo Tom pour "Life & love". Un album épatant qui possède tous les atouts pour affronter les charts internationaux. Suffit maintenant qu'ils le veuillent bien!
Véritable cartable (!) à idées neuves, Satchel implique Shawn Philipps, chanteur de Pigeonhead, et son pote Regan Hagar, deux personnages qui avaient rejoint en 1993 le Brad de Stone Gossard, un des guitaristes de Pearl Jam, pour réaliser l'elpee "Shame". Et comme Satchel est issu de la scène de Seattle, vous pensez immédiatement au grunge. Bravo, vous avez perdu! Post grunge, à la rigueur. Mais en filigrane. Parce que le traitement du métal s'effectue basiquement comme chez Soundgarden et Stone Temple Pilots. Avec reverb et feedback, pour être plus précis. Cell également, mais uniquement sur "Mr Pink", meilleur fragment de l'œuvre. Quant aux mélodies, elles se profilent tantôt sur le blues, le funk, le jazz, la soul, le prog rock et même l'ambient. Des mélodies mélodramatiques, extatiques qui atteignent parfois des instants de langueur quasi religieuse; en particulier lorsque les claviers délavés sanctifient le timbre vocal falsetto (Smokey Robinson? Robert Wyatt?) de Shawn. Epatant!
Ils sont jeunes et paradoxalement attirés par la musique des seventies. Vainqueurs du Spinrock de Mol et du Cararockrally en 94, ils ont eu l'opportunité d'enregistrer leur premier album sous la houlette d'Herwig Duchateau (Blue Blot, Soulsister). Un disque qui devrait plaire à tous les nostalgiques de la musique ‘prog rock’ éclose voici déjà un quart de siècle. Toon Walgrave est un excellent chanteur dont le timbre vocal acéré, rappelle Roger Hodgson. Allez, faites un effort! Un des deux chanteurs de Supertramp! Et la rétrospective ne s'arrête pas en si bon chemin. Jugez plutôt. Genesis circa "Foxtrot" pour les progressions de cordes acoustiques. Le Floyd devant son "Wall". Jonesy, mais en fanfare. Mad Curry délayé dans les claviers fluides. Et plus classiquement, Renaissance. Pas seulement à cause du soin, pour ne pas dire de la pompe (gonflé le gars!), apporté aux backing vocaux. Mais surtout à cause de cette construction mélodique relativement symphonique. The Same? Des babas cool en herbe!
Kim Salmon est australien. Flanqué des Surrealists, il vient de commettre son cinquième album. Avant de driver cette formation, il a sévi au sein des Scientists, puis de Beasts of Bourbon. Mais c'est surtout son implication chez les Scientists qui lui ont valu un statut de mythe. Un épisode qu'il a vécu au tout début des eighties. Au même moment que le Birthday Party de Nick Cave. Deux formations qui ont d'ailleurs marqué de leur empreinte la scène punk rock antipodale. L'enregistrement de cet opus éponyme a bénéficié du concours de Conway Savage, pianiste des Bad Seeds. Pour deux morceaux seulement. Un elpee qui n'a jamais été aussi proche d'Iggy Pop. L'Iggy Pop des Stooges, bien sûr. Garage, malveillant, sauvage, sensuel, hypnotique. Alimenté par des cordes de guitare mordantes, torturées, une ligne de basse lascive, un tempo tribal. Galvanisé par un groove irrésistible. Et oxydé par le baryton profond, lugubre, confidentiel de Kim. Une œuvre qui recèle une adaptation dramatique du "Holocaust" d'Alex Chilton", un exercice de style soul/funk/jazz particulièrement réussi, "Innersense", et une nouvelle version du célèbre "Frantic romantic", standard célébré par Kim en ‘live’ depuis l'époque des Scientists...
"Drink me". Pourquoi pas ‘Eat me’ ? A notre connaissance, la salade se mange, mais ne se boit pas encore. Evidemment, en feuilletant la brochure du CD, vous comprendrez plus facilement les élucubrations métaphoriques entretenues par le groupe. Salad vient d'enregistrer son premier véritable album. Pas une collection de singles, comme le précédent. "Drink me" propose quatorze pop songs capricieuses, troublantes, énigmatiques, caressées par la voix glacée, volatile et sensuelle de Marijne, figure emblématique du groupe. Quatorze chansons parmi lesquelles "Motorbike to heaven", "Drink the elixir" et "Your ma" se révèlent irrésistiblement contagieuses. Ombres et lumières, menaces et chuchotements pour une œuvre conçue avec un esprit beaucoup plus proche d'Echobelly, de Sleeper, voire d'Elastica, donc de la new wave, que du popcore cher aux Breeders ou à Veruca Salt. Quoique!...
Les dix compositions de cet album posthume des légendaires Saints remontent à 1974, à peu près un an après la formation du groupe et deux ans et demi avant la sortie de leur premier single, "I'm Stranded", que l'on retrouve inévitablement sur ce disque dans une version primitive. A l'époque l'univers musical de ces kangourous était hanté par le Velvet, les Stooges, Del Shannon, Presley, Bo Diddley et consorts. Et en concert, les quatre lascars balançaient un punk à grand renfort de riffs de guitare monolithiques et de vocaux délabrés ; un punk tellement cradingue que la ville natale de Brisbane les traitait de pestiférés. Ce qui ne les empêchera pas de signer chez EMI deux ans plus tard. Mais là, c'est une autre histoire.
Le chanteur/guitariste est de souche britannique, le drummer français, le bassiste israélien, et le soliste a vécu de nombreuses années au Brésil. Un ensemble à la fois cosmopolite et bien de chez nous qui en est apparemment à son premier album. Un disque assez original, puisque son métal, emprunté à Helmet, Primus et Anthrax est pigmenté de caractéristiques prog rock. Celles de Yes, pour ne rien vous cacher. Pas de quoi lever les bras au ciel, cependant ; mais un résultat qui reste de bonne facture. Attention, cet opus propose 27 titres, parmi lesquels dix-huit se limitent à des enregistrements d'une partie de ping pong, de music hall, d'une beuverie, d'applaudissements, de balance combo réalisée avant un concert, de quelques bribes de guitare acoustique, de cacophonie urbaine, et de bruitages divers...
Bien qu'élargi aujourd'hui à un quintet, Royal Trux repose avant tout sur Jennifer Herrema et l'ex-Pussy Galore, Neil Hagerty. Un duo dont la collaboration remonte déjà à 1985. Soit à la naissance du groupe. Produit par David Briggs, personnage qui a notamment travaillé pour Neil Young et Nick Cave, "Thank You" constitue son tout dernier opus. Tout comme Suicide, Faust et Fall, Royal Trux y combine le minimalisme et le maximalisme, la répétition et l'improvisation. Avec beaucoup de bonheur. Mais ce qui frappe le plus dans sa musique, c'est sa capacité à créer un climat unique, presque envoûtant, en amalgamant une véritable mosaïque de textures différentes. Tentaculaires. Apparemment embrouillées. Un peu à la manière de Captain Beefheart, lorsqu'il avait commis "Trout Mask Replica". Des textures spectrales, sordides, hallucinées, sinistres ou perverses. Capables de s'autoriser un trip dans le monde complètement défoncé d' "Exile on main street" des Stones ou même dans le ‘krautrock’ de Can voire de Faust. Et puis, il y a la voix ravagée, indolente de Jennifer qui rend encore plus graveleux, plus obscur, ce blues cadavérique. Etonnant!
Rosa Mota appartient au monde de l'underground. Celui de Moonshake, Mercury Rev, Rollerskate Skinny et surtout de Sonic Youth. Un style capricieux, complexe et déconcertant qui cherche un compromis entre l'envoûtement et la confusion. "Wishful Thinking" constitue son premier album. Une œuvre où se mêlent l'expectative, la frustration, le nihilisme, la peur, la quiétude et l'hostilité tout en laissant profiler l'espoir d'un paradis lointain. Et dans ce flux d'émotions contradictoires, exacerbées par les cordes de guitare sinistres, féroces, convulsives, la basse rôde, les rythmes sont chaotiques, tribaux ou improvisés. Paradoxalement si les vocaux de Ian menacent, ceux de Julie sont angéliques, impassibles voire possédés. Et au cœur de cette expression sonore, s’infiltrent des textures étrangement paisibles comme la flûte pastorale ou les instruments ethniques. Un opus pas toujours très accessible, mais très intéressant.
La plupart des enregistrements de cet opus sont extraits de prestations ‘live’ commises au Paradisio d'Amsterdam et à l'Olympia de Paris. Tokyo et Lisbonne achevant l'itinéraire de ce "Stripped". Un disque qui démarre sur les chapeaux de roues par une formidable interprétation du classique "Street fighting man". Et dans la foulée nous dispense une adaptation particulièrement réussie du célèbre "Like a Rolling Stone" du Zim. On se demande d'ailleurs pourquoi la bande à Jagger n'a jamais eu l'idée de s'offrir un "Like a Dylan song" (!)... D'autant plus que l'essentiel de ce CD consomme du folk rock ou folk blues baladeur (rien à voir avec le walkman, cependant). Mick se montrant redoutable souffleur dans cet exercice de style. Et tout aussi bon chanteur, vous vous en doutez. En particulier dans une interprétation minimaliste d'"Angie". Maintenant, n'imaginez surtout pas que les autres musiciens prennent un plaisir fou à jouer les utilités. On a même l'impression qu'ils s'emm... Sauf quand même sur le plus conventionnel "Let it bleed" et puis surtout en final, lors d’une cover de Willie Dixon, "Little Baby" ; mais là on trempe tout à fait dans le blues...
Ted Roddy fait partie des meubles de la scène blues d'Austin. Un harmoniciste talentueux, qui passe cependant plus de temps à jouer sur les albums des autres, que de s'occuper de sa propre création. Pour enregistrer ce "Full circle", ses potes lui ont cependant renvoyé l'ascenseur. Et en particulier Mark Korpi (Hound Dog Taylor), Lloyd Maines (Joe Elly, Jerry Jeff Walker), Donald Lindley (Lucinda Williams, Butch Hancok) et Stephen Bruton (Bonnie Raitt). Non seulement, Ted est un redoutable souffleur, mais en plus il campe un timbre vocal vibrant, à la limite du baryton. Ce qui donne une coloration assez savoureuse à une musique qui agrège inévitablement blues, rock, boogie, country et ‘tex mex’...
Première constatation, cette Rennaise est parvenue à débaucher le drummer de Peter Gabriel, Jerry Marotta, l'ex-bassiste de Gang of Four, Sarah Lee, et Neil Clarck, guitariste de Loyd Cole & The Commotions. Deuxième constatation, le légendaire parolier Boris Bergman (Aphrodite's Child, Bashung, Lio, etc.) a composé quatre titres pour Axelle. Enfin, elle parachève son premier elpee en interprétant "Jeux de lumières" du mythique Marc Seberg. Bref, que de bonnes nouvelles du côté du paysage. Revers de la médaille, le contenu nous laisse plutôt mi-figue, mi-raisin. La voix monocorde, sub Jo Lemaire y est sans doute pour quelque chose. Mais l'absence de relief mélodique porte également une lourde part de responsabilités. Un album trop artificiel pour vraiment convaincre. Mais pas assez prémédité pour réellement décevoir. Faudra voir la suite des événements...
Il existait bien un groupe psychédélique, drivé par un certain Alan Jenkins, qui répondait au nom de Ruth's Refrigerator, mais de Refrigerator, pas de trace dans nos fichiers. Sans la moindre information, et malgré plusieurs auditions, nous avons failli remettre ce disque au frigo. Pas de problème, il aurait conservé au frais. Mais au bout de quelque temps, il aurait peut-être commencé à givrer... et dans ces conditions, le produit serait devenu impropre à la consommation. Aussi plutôt que de le frapper (!) d'ostracisme (NDR: qui à parlé de xénophobie?), nous nous sommes décidés à tenter une ultime polarisation de notre concentration. Tantôt pétrifié par le popcore de Dinosaur Jr, tantôt transi par le minimalisme lo-fi de Sebadoh, le contenu de ce frigidaire offre une capacité de deux fois dix litres, pardon titres. Maintenant, nous espérons que ces élucubrations ne vous laisseront pas de glace, sans quoi nous en serions pour nos frais. D'ailleurs, avec une réaction aussi fraîche, comment voulez vous continuer à rêver?
Fondé au tout début des nineties, ce trio est issu de la scène indépendante de New York. Son nom est inspiré d'un film qui a beaucoup frappé l'imagination du groupe. "The incredible shrinking woman". Un film qui met en scène Lily Tomlin alias Dr Ruth Ruth, lorsqu'elle est envoûtée par le mal. Aux States, la formation est souvent comparée à Offspring, voire à Rancid. A cause de l'énergie punk qu'elle injecte dans son popcore. Mais un punk plus intello. A cause de ses textes. Composés par un certain Chris Kennedy. Leader, chanteur et bassiste. Des textes qui ne veulent ni changer le monde, ni la nature humaine. Mais vous inviter à vivre un périple à travers les pensées les plus profondes de l'auteur. Ses peines, ses frustrations, sa perspective de la religion, de l'éducation, son goût pour les films d'horreur de série B, des magazines classés ‘X’. Des lyrics qu'il chante d'une voix aux inflexions ‘Jeffreyleepierciennes’ (Gun Club). Popcore circa Hüsker Dü. C'est à dire le plus pur. Dont l'intensité est soigneusement emballée dans la sensibilité mélodique. Coproduit par Ted Nicely (Fugazi), "Laughing Gallery" a le mérite de s'écarter des sentiers (grungivores) battus aux States depuis quelques années. Et à ce titre, il mérite tout votre intérêt...
Tom Russell est avant tout un auteur/compositeur de musique country. Dans le passé, il a ainsi signé de nombreuses chansons pour Suzy Boguss, Jerry Jeff Walker, Nancy Griffith, Joe Ely et Johnny Cash. En enregistrant "The rose of San Joaquim", il vient de démontrer qu'il pouvait également se muer en brillant interprète. Un album qui respire la Californie et ses sagas pittoresques, pour lequel il a reçu le concours de Greig Leisz et de l'ex-Blasters Dave Alvin à la production. Un Dave Alvin que l'on retrouve, à l'instar de Peter Case et de Chris Gaffney, comme coresponsable de plusieurs compositions ; et puis en compagnie de Case et de Russell pour assurer en trio les parties vocales du guthriesque "Somebody's husband"...
Enfin, Calvin Russell est revenu à son country blues rock basique. Celui qui nous avait tant impressionnés sur son premier elpee. Plus d'égarements nombrilistes dans le hardrock, mais un son carré, incisif, finement sculpté dans la steel guitare ou le vibrato. Une musique chargée de feeling, satinée par la voix savoureusement éraillée du desperado texan. "Dream of the dog" implique en outre deux covers, "So blue (about you)" des True Believers, une superbe version d' "It's my life" des Animals et puis une formidable composition balayée par le sable chaud du désert, "Trouble"...
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