Rien que le titre de l'album doit vous donner une petite idée du style de musique en présence. Un homme, six cordes, et un tas de misère flaire le blues à plus de trois cents mètres. Vous n'avez pas tout à fait tort. Mais le blues d'Andyboy est conçu avec le même esprit que Tom Waits. C'est à dire destiné à projeter des images en noir et blanc de notre société décadente. Comme celles qui illustrent la pochette d'ailleurs. Andy Andersen, figure culte de San Francisco, chanteur, compositeur et multi-instrumentiste du groupe est un fervent admirateur de Tom. Mais ses talents, il les exerce surtout à la guitare. Et puis, si sa voix est aussi écorchée, sa musique n'est pas aussi tordue et marécageuse, laissant une place au rock'n'roll des Presley, Cochran, et même à la country de Johnny Cash. Mais le plus souvent, les chansons sont sculptées dans les cordes de râpe acoustique. Et dans ce domaine, Andy n'est pas un manchot!
Rien que le titre vous permet de reconnaître la coloration sonore du dernier opus d'Isabelle (nous n'avons pas parlé de tentation!) Peu de nouvelles compositions cependant. Mais des adaptations trafiquées en mode acid-jazz. Parfois alanguies sous la forme d'une ballade, lorsqu'elles ne sont pas conjuguées au temps rap ‘solaarien’. Bref, on se demande ce que l'ex-Tuxedo Moon, Luc Van Lieshout, et le producteur Gilles Martin, qui ne produit d'ailleurs ici pas, sont venus faire dans cette aventure réservée exclusivement au public BCBG avide de sensualité vaporeuse et nightclubbienne...
Depuis la gravure du sulfureux et troublant "The evening visits and stays for years", Peter Milton Walsh louche de plus en plus vers la postcard et le New Mersey sound. Postcard suite à l'arrivée de la bassiste Clare Kenny, intime d'Orange Juice. New Mersey circa Echo and The Binnymen, à cause de ce recours à la reverb pour épancher ses inflexions vocales mélancoliques, gémissantes qui suintent de malaise et de mystère. Les neuf titres de cette œuvre exhalent ainsi un romantisme désabusé mais tellement poignant. Neuf titres tout en atmosphère, où seuls trompette voilée, violoncelle fugitif, voire steel guitar sur "You became my big excuse", imprègnent les sonorités semi-acoustiques si particulières, minimalistes, mais abordées suivant l'esprit d'un Robert Foster ou d'un Grant Mac Lennon. Peter parvient même à épurer totalement son expression sur "She songs to forget you", en accompagnant uniquement son chant du piano. Une vie pleine d'adieux. Beau et triste à la fois!
Une bonne blague à réserver a vos copains, surtout s'ils sont aficionados de Neil Young. Vous leur annoncez la sortie d'un album inédit de Neil Young. Une sorte de bootleg officialisé, issu de bandes démos poussiéreuses retrouvées quelque part dans une cave (ou un grenier) quelconque. Vous leur faites alors écouter quelques chansons de ce "Who cares about hookers", sans même vous soucier de la sélection des titres ; mais par précaution en n'exhibant pas la pochette. C'est d'ailleurs l'expérience que nous avons tentée à plusieurs reprises. Tout y est, même le timbre vocal gémissant, les chœurs, sans oublier le savant dosage entre ballades acoustiques, ‘harvestiennes’, écorchées par un harmonica fiévreux et les morceaux sculptés dans l'intensité électrique. Le titre maître bénéficie même de somptueux arrangements symphoniques. Il faut croire que Peter Arnout et ses Dry Livers sont des accros du loner. Nous ne nous imaginions d'ailleurs pas qu'un groupe, belge de surcroît, eut été capable un jour de réaliser un semblable exploit, sans même effectuer la moindre reprise. M'enfin, pour l'originalité, ils repasseront...
Premier album solo pour la chanteuse de Transglobal Underground qui bénéficie pour la circonstance du concours de son groupe au grand complet, mais également du chanteur/compositeur tunisien Walid Rouissi, du maestro égyptien Essam Rashad, ainsi que d'une pléiade de musiciens sémitiques. Bien que née en Belgique et vivant aujourd'hui à Northampton, cette juive arabe a voulu, à travers ce "Diaspora" rallumer la flamme génétique de ses inflexions vocales. Une étude qu'elle met au service, non pas de la world music, mais d'une pop mélodique, sensuelle, sentimentale, sise, nonobstant le recours aux lignes dub, aux confins de l'Orient et de l'Occident. Bref un voyage exotique très agréable, même si certaines compositions auraient pu être un peu moins tirées en longueur.
Dans son édition limitée, ce mini album est enrichi d'un deuxième morceau de plastique, impliquant quatre morceaux supplémentaires. Ce qui porte le tout à treize titres. Une œuvre dont les compositions auraient sans doute pu être écrites par Teenage Fanclub, si la formation écossaise n'était pas aussi éprise de Big Star. Produit par Joe Foster, "Formanka" épingle de petites chansons pop au charme languissant, lustrées de cordes de guitare chatoyantes, scintillantes, pétillantes et framboisées délicatement d'harmonies vocales. Tout à fait rafraîchissant!
Imprégné par le jazz rock du début des seventies (Herbie Hancock, Chick Corea), Gerald a tâté de l'électro (Africa Bambaata, Mantronix) avant de s'aventurer dans l'acid house et la techno de Detroit. Il a également transité par 808 State, pour lequel il a coécrit le hit "Pacific State". Aujourd'hui, son style s'apparente davantage à de l'ambient jungle, c'est à dire ouverte à tous les mariages de courants musicaux possibles et imaginables: cyber jazz, psychédélisme dub, électro pop, aqua funk, et autres fusions en tous genres nés de l'abus de la technologie. Pas vraiment notre tasse de thé!
aMiniature trempe dans le popcore. Celui-là même qui hydrate les Sugar, Buffalo Tom, Cold Water Flat et irriguait le défunt Pixies. Quatre Californiens issus de San Diego qui font la part belle aux guitares. Dans la panoplie des qualificatifs électriques elles peuvent se révéler duales, acérées, nerveuses, crépitantes, chargées de feedback ou jaillissantes. La voix est âpre, gémissante. La basse inévitablement menaçante. Les drums arides mais souples. Un bon exercice de style, mais qui ne parvient véritablement à s'extraire de ses propres références que sur le seul "Maximum accident", composition beaucoup plus fluide et pulsante abordée avec l'esprit d'Ash. Le disque recelant même un onzième morceau caché dont la minuterie (!) est décroissante...
Apparemment Chrismar Chayell, alias Jean Pierre Dekeukeleire, ne figure plus dans le line-up du groupe, puisque toutes les compositions de ce "Megabite" sont signées par Mark Ickx et subsidiairement Pete Bonne. Fondé en 1986, A Split Second est aujourd'hui encore considéré comme le responsable involontaire de l'explosion de la new beat. C'était en 1988, lorsqu'un DJ a eu l'idée saugrenue de faire défiler le maxi "Flesh" en 33 tours... Si à l'origine, la formation belge était contaminée outrancièrement par la musique post-industrielle de Cabaret Voltaire, au fil du temps, elle s'est personnalisée, pour finalement, à l'instar de Front 242, devenir un des piliers de l'electro body music. Après une longue période de silence, A Split Second nous revient donc avec un album. Plus métallique mais toujours aussi claustrophobe, il tente une incursion dans la musique dite hybride. Pensez aux Young Gods lorsqu'en 1992, ils étaient branchés sur "TV Sky". Mais dans le contexte actuel, cette démarche arrive trois ans trop tard...
La composition de ce sextuor n'est pas très banale, puisqu'elle implique trois frères. Benjii, Christopher et Patrick Simmersbach. Des bourlingueurs. Puisque nés en Autriche, ils ont sillonné les States depuis leur tendre enfance. Aujourd'hui, ils se sont enfin fixés à San Fransisco. Après avoir transité par New York, lieu de la formation du groupe. Un ensemble qui vient quand même d'enregistrer son troisième album. Un disque visionnairement politique, aux lyrics aussi vitriolés que ceux de Jello Biafra. Musicalement, ce "No Reprise" manque quand même de transparence. Le son est touffu, filandreux, rudimentaire. Les interventions vocales alternativement dispensées par Pat Ryan et Analùcia da Silva, trop peu mises en évidence. La production approximative. Une bouillabaisse sub Hole qui ne mérite certainement pas le qualificatif de ‘Subtle Plague’...
L'ex-Pussy Galore Julia Cafritz ayant quitté le groupe en 1992, il ne reste plus aujourd'hui que le chanteur/guitariste Ned Hayden comme membre fondateur. Ne nous demandez pas combien de musiciens intérimaires ont transité par ce groupe new-yorkais. Ce serait à la fois inutile et fastidieux. Sachez toutefois que le groupe a engagé dernièrement deux musiciens de hard rock. Et que dans ces conditions, ses actions (!) risquent fort de baisser dans notre estime. Attachons-nous donc au passé de cet ensemble. Et en particulier à ce " Quit while you're ahead". Il réunit des enregistrements réalisés entre 89 et 90; soit au moment ou Julia et Ned avaient fait appel à Don Fleming (Dinosaur Jr, Gumball), et surtout John Mascis (Dinosaur Jr également) pour participer aux sessions. Il en est né (NDR: trait d'esprit grivois mais involontaire) dix titres torturés par l'électricité noisy punk à la manière de Sonic Youth. Un disque fort intéressant sur lequel Ned épanche, de sa voix acide, ravagée, son ras-le-bol vis à vis du climat social, politique et financier des States.
Encore une compilation réservée au célèbre quintette yankee, mais limitée aux trois derniers elpees produits par Bruce Fairbairn. Soit tous ses hits, un inédit ("Walk on water") et la version originale du single "Blind Man". Les "Big ones"? "Crying", "Crazy", "Livin' on the Edge", "Amazing", "Love in an Elevator", "Janie's got a gun", "What it takes", "Angel", etc..
Si à l'origine, Alice In Chains constituait le chaînon (!) manquant entre Metallica et Motörhead, aujourd'hui le quartette de Seattle semble vouloir tâter du grunge. Pas le post grunge de Smashing Pumpkins ou de Foo Fighters, mais celui de Nirvana voire des Melvins. A cause de la manière de traiter le métal. Dans l'esprit de Black Sabbath... Et des harmonies vocales malveillantes, méphistophéliques qui hantent les mélodies insidieuses, sombrement mélodramatiques, chargées d'amertume (NDR: encore!) Bref un album éponyme destiné aux nostalgiques de la défunte, quoique déjà légendaire, bande à feu Kurt Cobain...
Curieux! Un combo néo-zélandais qui ne relève pas du label Flying Nun. En fait, ce trio né à Kilgour s'est exilé à New York. Et en changeant de continent, il a tout simplement changé de firme de disques. Ce qui cependant n'a rien changé au style si caractéristique de cette formation antipodale. Pop bien sûr. Noisy pop, même. Cold également. Un peu comme si sa musique était née de la rencontre entre My Bloody Valentine et Jesus & Mary Chain. Dix titres tantôt décadents, cryptiques, intenses ou languissants déchiquetés par les cordes de guitare ébréchées, grésillantes, imprimés sur un tempo austère, implacable, et embués de vocaux en état perpétuel de léthargie. Dix mélodies menaçantes, qui rôdent tels des vautours au dessus de leur future et inéluctable proie...
Cinquième album studio pour B.O.S.. Et première constatation, hormis le final "Sermon on competition, part 1 (Nothing is recoupable)" et un intermède de cinquante-deux secondes, "As luck would have it", les sept autres compositions oscillent entre plus ou moins sept et dix minutes. Des morceaux construits, en général, suivant un schéma assez similaire. Amorcés par un riff que vous avez déjà entendu une centaine de fois, soutenus par une seconde guitare, puis une troisième, profilés sur une ligne de basse rigide, monolithique et canalisés par un tempo post wave métronomique. Les guitares commencent alors à jacasser, à saturer de feedback, alors que les intersections des différents instruments créent des couches de son, un peu comme une alchimie naturelle, se transformant graduellement en mélodie blanche complexe, riche et magnifique. Et au sein de cet espace tridimensionnel, les vocaux austères, étouffés de Robert et de Susan épanchent leurs lyrics aux connotations sociopolitiques. Un chouette album qui mériterait enfin une consécration. "Here comes success"? C'est tout le mal que nous souhaitons à la bande à Stenger et Poss...
A l'origine, ce combo new-yorkais se singularisait par la présence de trois Susans. Lyall, Tallman et Stenger. Cette dernière ainsi que Robert Poss sont d'ailleurs les seuls rescapés du line-up initial. Le groupe a, en outre, connu trois formules, la seconde impliquant le futur guitariste d'Helmet, Page Hamilton. Ce double CD réunit des extraits de cinq albums de B.O.S., mais pas de la Peel Sessions réalisée en 1992 ni du premier maxi single "Blessing and Curse". Hormis la cover du "Paint it Black" des Stones et la présence d'un inédit "Out of the question", le second disque se consacre presque exclusivement à des exercices de style instrumentaux. Et ne suscite donc qu'un intérêt très limité. Par contre le premier morceau de plastique épingle un éventail de titres très intéressants. Respecte la chronologie des enregistrements. Donc permet d'observer l'évolution du groupe. Depuis, "Throne of blood" à "Mood swing", en passant par "The Pursuit of happiness" et "It's locked away". Depuis la réponse yankee à Three Johns et Red Lorry Yellow Lorry aux jaillissements d'électricité épileptiques, en passant par le mur de feedback et la cold post Jesus and Mary Chain.
Bandit Queen nous vient de Manchester, pas de Boston ou de New York. Parce qu'un trio drivé par deux filles qui chantent, composent, et se réservent guitare et basse, correspond davantage au profil des Breeders, Belly, Veruca Salt et autres Voodoo Queens, qu'à un ensemble de house mancunien. D'autant plus que cet album secrète des hormones popcore. Littéraires. A la limite surréalistes. Sensuelles aussi. Mais aussi caustiques et féministes que chez PJ Harvey. Astucieusement teintées de blues. Ecorchées de cordes de guitares sableuses, bringuebalantes (House of Love?), pilonnées par les accès de basse glaciaux, post industriels, et saupoudrées d'harmonies vocales sucrées. Agréable, sans être pour autant révolutionnaire!
Vous prenez une dose de Mercury Rev, une autre de Radial Spangle, une troisième de Spiritualized. Vous filtrez le tout dans l'ambient d'Ozric Tentacles et les ‘frippertronics’ du roi pourpre ("No pussyfutootin", "Before and after science"), en prenant bien soin d'ôter toute construction mélodique. Vous laissez le tout évaporer, après hydrolyse, dans un univers virtuel, psychédélique, en perpétuelle expansion... Une distillation qui nécessite un traitement de plus de septante minutes en huit opérations; la dernière exigeant même 29'15 avant de s'éteindre. Amen!
Après un break de dix-huit mois, Robert Scott nous revient en compagnie de ses Bats. Pour ceux qui l'ignorent encore, Scott est un membre du mythique Clean, trio néo-zélandais qui a ouvert la voie à la scène indie indigène et permis ainsi à une multitude de formations, par label Flying Nun interposé, d'envahir la scène pop/rock internationale. Découpé en 17 fragments, "Couchmaster" alterne chansons moelleuses, duveteuses, chatoyantes, subtilement caressées d'un souffle de feedback ou d'un nuage de claviers, et compositions plus élaborées, plus percutantes, tendrement sauvages, rampantes et hypnotiques. Comme sur "Crow road" et le fabuleux "For the ride", conçu avec le même esprit post krautrock que Stereolab. Ou le sinistre, presque velvetien "Lost week end". Ou encore "Knowledge is power" aux cordes de guitare savoureusement égratignées à l'instar de Wedding Present... Un superbe album, dont les mélodies irrésistibles, contagieuses, sont épurées par le vocal limpide, suppliant de Robert...
C'est vrai qu'au cours de ces deux dernières années, les bruits les plus alarmistes ont alimenté une hypothétique séparation du trio de Minneapolis. Pas seulement à cause des projets menés à l'extérieur du groupe. Mais surtout à cause des nouvelles résidences respectives des trois filles. Pensez donc, elles ont aujourd'hui élu domicile aux trois coins des States! M'enfin, le problème semble provisoirement résolu, puisque le combo est reparti en tournée... Venons en à "Nemesisters". Onze titres taillés dans le granit punk metal tourmenté et viscéral (ça rime!). Mais, aussi trois covers totalement imprévisibles. Une de Billie Holliday, "Deep song", chantée a cappella par la "drummeuse", Lori Barbero. "All by myself", standard d'Eric Carmen. Et beaucoup plus surprenant, le hit disco de Sister Sledge, "We are the family"...
Baby Chaos existe depuis deux bonnes années. Et son premier single, "Sperm", a reçu un excellent écho dans la presse insulaire. La formule? Un punk-rock bien dans l'air du temps avec des guitares très en avant, féroces, gloutonnes, déferlantes ‘offspringiennes’. Mais très mélodique. Un peu comme chez Manic Street Preachers ou Smashing Pumpkins. Le timbre vocal de Chris épousant même régulièrement les inflexions tantôt de Richey James tantôt de Billy Corgan. Et puis les lyrics sont fracturés, irascibles, presque nihilistes. Le son est très clair. La production irréprochable. Les arrangements bien huilés comme au sein d'un groupe soudé depuis plus de dix ans. Hormis deux fragments dispensables, "Safe Sex. Designer Drugs and Death of Rock 'n Roll" implique neuf pop songs solides, décapantes, et un diamant à l'état brut: "Superpowered". Sachez en plus que Baby Chaos possède le même aplomb et la même ambition (pour ne pas dire l'arrogance) que Stones Roses, Suede ou Oasis. Et que dans ces conditions on peut déjà parler de future révélation. Suffit simplement qu'elle puisse continuer à se révéler...
Evidemment, il y a toujours la voix de Mick Jones, mais on ne peut pas dire que l'ex-Clash et ses potes se soient décarcassés pour concocter cet "Higher Power". On a même l'impression que le groupe éprouve de plus en plus de difficulté à se renouveler. Pourtant les premiers titres de cet opus affichent un dynamisme plutôt réconfortant. Et puis la production est toujours aussi soignée. Mais au fil du sillon, on ressent une certaine lassitude, voire un certain agacement provoqué par un recours trop systématique aux samplings puérils. Le disque s'achève même sur un ragtime ‘cartoonesque’, à la limite du grotesque (ça rime!).
Cet album aurait dû sortir lors de la célébration du quinzième anniversaire de New Rose. Malheureusement, la firme de disque parisienne a déposé son bilan, voici déjà quelques mois, laissant par ailleurs une volées d'artistes sur le carreau... Aussi, lorsque Patrick Mathé est parvenu à remonter un nouveau label, la première chose qui lui est venue à l'esprit, c'est de repêcher Bailey. Un témoignage d'amitié qui lie les deux hommes. Faut dire qu'en 1980, Patrick avait réussi à convaincre Chris de signer chez New Rose, alors que le label n'existait pas encore... Une initiative qui permettra sans doute de rappeler à notre bon souvenir cet ex Saints, trop peu prolifique, au contraire de son ex acolyte Ed Kuepper. Mais rien de bien neuf à l'horizon, puisque hormis cinq raretés, ce disque se contente de réunir des extraits du mini elpee "Do they come from you", des opus "Savage Entertainment", "Casablanca" et "What we did on our holiday", ainsi que de deux fragments de l'album anniversaire "Live at the Kremlin" paru en 1990. Une œuvre ponctuée de deux covers. "Amsterdam" de Brel et "Suspicious Mind" de Presley. Evidemment, même si l'ensemble tient la route, ce n'est pas "Encore" avec cette compile que Chris va sortir du plus profond anonymat, au sein duquel, il semble depuis quelques années déjà, se complaire...
Du très bon, mais également du moins bon sur le premier elpee de ce trio louisianais. Médiocre lorsqu'il s'abandonne dans la romance moelleuse et languissante, il se révèle autrement efficace lorsque sa pop se couvre d'accents new wave, punk, rock, folk ou même hardcore... Produit par Dan Rotchild, fils de l'illustre Paul, rendu célèbre pour avoir sculpté le son des Doors, "Deluxe" exprime des sentiments de traumatisme, de douleur, mais également de maturité acquise par ces pénibles expériences, à travers de petites histoires romancées à la manière d'un William Faulkner. Des chansons dont l'énergie rappelle Paul Westerberg, les nuances marécageuses Replacements et le sens mélodique REM; alors que le timbre vocal de Kevin Griffin est capable d'épouser tantôt les inflexions vocales de Peter Garrett (Midnight Oil), Mike Pinder (Moody Blues), Peter Murphy (Bauhaus) ou même Neil Diamond. Deux titres, et probablement les meilleurs, s'écartent cependant du climat général. D'abord "The killer inside me". Contaminé d'accès de violon jazzyfiant et hanté de cordes de guitares sinistres, il égratigne la lo-fi de Smog. Enfin "Southern girl". A cause de cette électricité statique diffusée un peu à la manière d'un David Crosby lorsqu'au sommet de son art, il avait commis son magnum opus "If I could only remember my name"...
En 1992, cet ensemble batave nous avait agréablement surpris en gravant "Palomine", un premier elpee qui allait recevoir un écho très favorable dans la très protectionniste Grande Bretagne. "Lamprey" constitue donc son deuxième opus. Un morceau de plastique qui nous a laissé sur notre faim. En fait, hormis l'excellente entrée en matière, "Keepsake", dont la passion électrique évoque le Crazy Horse de Neil Young, les trop rares lueurs d'intensité ne parviennent pas à extraire les chansons d'un climat mélancolique, presque morose. Et dans ce contexte, la voix gémissante, lacrymale de Carol Van Dijk accentue davantage cette impression de vague à l'âme. Dommage!
Revoici Dave Alvin dans le rôle de producteur pour mettre en forme l'opus de Big Sandy & his Fly-Rite Boys. Un quintette de musique traditionnelle américaine qui épingle sur ce "Swingin'west" treize compositions originales et deux covers ("Let me in there, baby" et "A healer like time") d'un parfait mélange de rockabilly de western swing et de hillbilly. De country & western, dans un langage plus profane...
Ce combo allemand pratique, le plus souvent, un noisecore inspiré par Buffalo tom, Dinosaur Jr, Nova Mob et Green Day. Voix limite du chanteur. Guitares rampantes, pétillantes, chargées de feedback. Rythmes rageurs. Mélodies pop contagieuses. Etc.. Mais en phase acoustique, les Birdy Num Nums se repaissent des mêmes sources country pop que les Scabs. "62-92 to be continued" n'est cependant pas un nouvel album de ce quatuor, mais une compile qui épingle, en outre, une cover de Joe Walsh, "Walk away" et une autre d'Emerson Lake & Palmer, "Lucky man"...
Descendant de la tribu Guarani, Martin Bisi est avant tout un drummer de formation. Dans un passé, plus ou moins récent, il a travaillé en compagnie de Lee Ranaldo (Sonic Youth), de Fred Frith et de Sandra Seymour pour concocter un album composé exclusivement de covers, "Creole mass". C'est d'ailleurs par une reprise que s'ébroue ce "See ya in tia juana", "Susie Q", popularisée par le célèbre Creedence Clearwater Revival. A travers sa musique, Martin tente de ressusciter l'âme et la poésie de l'Amérique du Sud, née de la rencontre entre la culture indienne et espagnole. Ce qui explique pourquoi la plupart de ses chansons sont interprétées dans la langue de Cervantès. Hormis l'entrée en matière, les trois autres fragments de cet album ont été enregistrés "live". Bisi y est entouré de quatre filles. Las Cochinas, parmi lesquelles on retrouve Sandra Seymour. Une sorte de noisy punk revu et corrigé par le psychédélisme de la West Coast du début des seventies. Pensez à Jefferson Airplane et à Quicksilver Messenger Service. Une trame mélodique qui devient au fil du sillon envoûtante, nonobstant le dialogue soutenu échangé en espagnol entre Martin et Sandra Hamburg.
Bien qu’issu de Derby, ce trio pratique une musique fondamentalement yankee. Inspirée par Sugar, Hüsker Dü, Buffalo Tom et Dinosaur Jr.. Bivouac aurait d'ailleurs mieux fait de naître à Boston ou à Minneapolis plutôt que dans ses brumes du Yorkshire. Pour enregistrer "Full size boy", il a en outre bénéficié de la production de John Agnello, surtout célèbre pour avoir mené une collaboration fructueuse avec l'irascible John Mascis. Le même Agnello qui s'était illustré sur le deuxième et formidable opus de Cell. "Full size boy" transpire inévitablement une intensité électrique. Mais aux sonorités limpides, nonobstant la combinaison sauvage, féroce et fragile des cordes de guitare distordues, agitées, stimulantes, des accès de basse malveillants et du timbre vocal languissant, délicatement entortillé de Paul Yeadon. Un disque très agréable à l'écoute, mais qui ne laisse guère de place à l'originalité. M'enfin, l'essentiel ici n'est-il pas de prendre son pied?
Deuxième album solo pour Björk. Dans la lignée de "Debut", probablement. C'est à dire avec ses moments très forts et ses moments plus faibles. Curieusement parcourus en decrescendo. Le sommet en intro avec le single pulsant, viscéral "Army of me", l'astucieux "Enjoy" commis en compagnie de Tricky, l'ode à Marilyn Monroe "It's oh so quiet", le presque symphonique "Isobel", le captivant "Possibly maybe", caractérisé par les samples pirates du mini album de Scanner, "Man observation" (NDR: qui a parlé de royalties?)... Mais au fil du sillon, l'expression devient de plus en plus intimiste, parfois terne, voire claustrophobique, un peu comme si l'artiste voulait souffler après avoir réalisé un superbe effort; ce qui n'empêche pas cet opus de déflorer de nouvelles perspectives sonores. Technologiques bien sûr, mais aux confins de l'excentricité de l'érotisme et de l'exotisme.
Nederlands 
Français 
