Originaire de St Louis, dans le Missouri, Mike Zito est âgé de 45 ans. Chanteur, guitariste, compositeur et producteur, sa première partie de carrière, il l’accomplit en solitaire. Ce qui lui permet de graver trois elpees sur le label Eclecto Groove. En 2010, il devient cofondateur du Royal Southern Brotherhood, en compagnie duquel il publie plusieurs superbes albums. En octobre 2014, il quitte RSB pour relancer son parcours solo. Enfin, presque, puisqu’il monte un nouveau backing group, The Wheel. Une formation dont le premier LP, "Gone to Texas", sort en 2014, chez Ruf. Le line up est inchangé et réunit le saxophoniste Jimmy Carpenter, le claviériste Lewis Stephens, la bassiste Scot Sutherland et le drummer Rob Lee. Les sessions se sont déroulées au sein du studio Dockside, sis au cœur de la Louisiane, sous la houlette de Miss Trina Schoemaker (Emmylou Harris, Sheryl Crow, Queens of The Stone Age).
Keep coming back" ouvre la plaque. Un rock'n'roll dynamisé par le piano sautillant de Lewis, alors que la gratte de Mike est déjà chauffée à blanc. "Chin up" est imprimé sur un tempo aussi enlevé. La voix est autoritaire. La guitare, omniprésente. L'artiste se fait et nous fait plaisir ! Zito et Anders Osborne (NDR : un chanteur/compositeur d'origine suédoise qui vit à la Nouvelle Orléans) cosignent trois plages : "Get busy living", une superbe ballade roots qui colle parfaitement à la voix rauque et impérieuse ; "I was drunk", une plage à la fois belle (NDR : ces cordes acoustiques !) mais réaliste, au cours de laquelle Mike et Anders se partagent les vocaux ; et le blues indolent "Lonely heart". "Early in the morning" est une autre ballade sculptée dans l’americana. "Girl from Liberty" libère de chouettes vibrations rythmiques. Le saxophone de Jimmy Carpenter est bien à l’avant-plan alors que les cordes du leader rockent dans un esprit plus vrai que nature. "Get out of Denver" est un autre rock'n'roll. Il est signé Bob Seger, le célèbre rocker de Detroit. Endiablée, la nouvelle version emprunte son riff à Chuck Berry et autorise des sorties remarquées au piano, au saxo et à la guitare. Ce riff devient ‘stonien’ pour amorcer "Nothin' but the truth", un plage participative au cours de laquelle Carpenter nous réserve une envolée lumineuse sur son sax ténor. Swamp rock, "Cross the border" nous ramène au cœur de la Louisiane. Suze Seems se consacre au micro. La gratte libère des sonorités réverbérées et métalliques. Rob Lee excelle aux percus et Stephens tapisse l’ensemble de son orgue. "What's on your mind" est une longue ballade roots. Naturellement accrocheuse, la voix communique ses émotions, des émotions accentuées par les interventions du saxo qui collent littéralement aux vocaux. "Bootleg" clôt cet LP. Une cover de Tom Fogerty. Qui hante cette compo. Tant la voix que les accords de gratte dispensés par Mike Zito évoquent l'ex-leader intemporel de Creedence Clearwater Revival. Un excellent album!
A peine un an après sa dernière visite, Steven Wilson est de retour chez nous ; et pour la circonstance à l'Ancienne Belgique de Bruxelles. Le Britannique revient auréolé du succès de son dernier opus : « Hand. Cannot. Erase », qui a dépassé les ventes de toutes ses autres plaques, y compris celles réalisées par son précédent groupe, le légendaire Porcupine Tree. Dans ses bagages, il nous apporte un tout nouvel Ep : « 4 1/2 ». Ce disque réunit des compositions qui n'avaient pas trouvé grâce sur les deux elpees précédents, ainsi qu’une reprise d'un titre de Porcupine Tree.
Il y a quatre ans, Steven Wilson s’était produit dans une Ancienne Belgique en configuration 'Box', soit sans gradins ni balcons. Ce soir, par contre, la salle est en configuration maximale et le concert est sold out. On mesure le chemin parcouru par le 'King of Prog' ; et on doit reconnaître qu’il a réussi son pari : faire évoluer sa musique, gagner de nouveaux aficionados, sans perdre trop de fans originels de Porcupine Tree, déçus par le côté nettement moins prog/metal des nouvelles productions.
Avant le début du concert, une playlist très orientée 'dark ambient' installe une atmosphère sombre et recueillie. On reconnaît le célèbre instrumental « Warzawa », de David Bowie, dont la mort a profondément affecté Wilson. Le concert commence par la projection du court-métrage qui met en scène le thème de « Hand. Cannot. Erase. » : la solitude dans les grandes cités. Les artistes prennent place sur le podium et attaquent l'interprétation complète de ce brillant concept album. Wilson est accompagné de son fidèle bassiste, Nicky Beggs (ex-Kajagoogoo, Steve Hackett) et du claviériste Adam Holzman (NDR : il a côtoyé Miles Davis). A leurs côtés, deux nouveaux venus : le guitariste Dave Kiliminster (NDR : il a participé à la tournée 'The Wall' de Roger Waters) et le batteur Craig Blundell (NDR : un musicien de sessions).
« First Regret » ouvre le set tout en douceur. Adam Holzman dessine de savantes arabesques sur ses claviers ; de quoi nous transporter au cœur d’un univers onirique. Le riff de guitare de « 3 Years Older », très inspiré par Rush, tranche dans le vif. S'en suit un tour de force de 10 minutes, où alternent moments doux, jazzy, voire même folk, et envolées endiablées de prog/rock. Un véritable patchwork d'influences évoquant King Crimson, Pink Floyd, Camel, Yes, Rush, Todd Rundgren (Utopia) et autre Van der Graaf Generator. Steven Wilson est pieds nus, suivant son habitude. Il a toujours son éternel look d'étudiant de fac. Planté au centre de l’estrade, il joue au chef d’orchestre au sein de son supergroupe. Il passe de la guitare électrique à la sèche, stimule en permanence ses musiciens ; et parfois, sans instrument, souligne les impulsions majeures de l’expression sonore.
Après « 3 Years Older », Wilson salue la foule et précise qu'il apprécie son enthousiasme. ‘Je ne suis pas fâché d'en avoir fini ma tournée allemande’, confie-t-il. ‘Le public y est, disons, très réservé...’ Poursuivant sur un ton très 'tongue in cheek', il explique que la première partie du concert privilégiera son dernier LP ; et que, dans la seconde partie, il y réservera, ... ‘ces autres choses...’ On devine qu'il se réfère aux titres de Porcupine Tree, que ses plus anciens fans réclament avec insistance, à chacun de ses concerts.
Mais place, d'abord, à la plage titulaire de « Hand. Cannot. Erase », qui évoque à nouveau Rush, période « Hold Your Fire ». Changement de style ensuite : la batterie très ‘trip-hop’ sert de toile de fond à la voix féminine (en play-back), qui cite Dead Can Dance et de This Mortal Coil, avant que Wilson ne prenne le relais en interprétant cette mélodie toute simple et émouvante à souhait : ‘We have got, We have got a Perfect Life’. Et les harmonies vocales tissées par Nicky Beggs sont étonnantes.
‘Etes vous prêts à descendre dans les profondeurs de la misère et du désespoir ?’, demande Wilson, un sourire en coin. Avant d’aborder « Routine », sans doute la chanson la plus noire du musicien. Malheureusement, la vocaliste israélienne Ninet Tayeb est absente (shabbat oblige). C'est donc une bande qui répond à Wilson : dommage, car on se réjouissait de vivre leur duo sur scène. Le superbe clip d'animation réalisé par Jess Cope est diffusé sur l’écran vidéo. Et il est superbe. Un grand moment !
« Home Invasion » marque un retour au rock orienté jazz/prog, pour le plus grand bonheur des inconditionnels de la première heure. « Regret #9 » permet à Adam Holzman d’étaler toute sa virtuosité sur son clavier Moog. Pensez à Happy The Man, ce groupe américain injustement sous-estimé, auquel Holzman voue une grande admiration. Dave Kiliminster prend le relais pour un solo plus orienté rock mais tout aussi impressionnant. C'est enfin Wilson lui-même qui clôture la composition tout en douceur sur les cordes de sa Paul Reed Smith.
Après avoir présenté ses musiciens, en manifestant, à nouveau, un humour très espiègle, Wilson introduit « Transience », un titre qui aurait mérité sa place sur un des premiers elpees de Genesis. Tant les arpèges à la guitare acoustique que les mélodies vocales rappellent clairement « Selling England By The Pound ». Pendant l'excellent « Ancestral », le public scande des ‘hey’, pour répondre aux musicos, un peu à la manière des Espagnols, quand ils crient ‘Olé’, lors des corridas. Funny ! Enfin, « Happy Returns / Ascendant Here On… » reprend le thème musical initial du concept album et referme la première partie du spectacle de façon très solennelle. Et c'est Adam Holzman qui clôture en solo, au piano. Superbe !
Après une courte pause, le band est de retour ; et, très bonne surprise, c'est pour exécuter un titre de Storm Corrosion, « Drag Ropes ». Wilson s'acquitte brillamment des parties vocales dévolues sur disque à Mikael Åkerfeldt (Opeth). Et on n’est pas au bout des bonnes surprises. A l’instar d’« Open Car », un des meilleurs titres de Porcupine Tree. Les réactions démontrent à nouveau l'attachement exceptionnel du plublic à cette formation qui a si profondément marqué. En interview, Steven Wilson a d'ailleurs précisé qu'il est toujours possible que le groupe se reforme le temps d’un album ; mais ce ne sera qu'une parenthèse, car c'est à sa carrière solo qu'il accorde désormais sa priorité.
Place ensuite au premier extrait de « 4 1/2 ». Wilson précise, en le présentant, qu'il a estimé utile de sortir ce mini album pour donner une chance à ces compositions 'orphélines' et, également, afin d'ajouter de nouveaux titres au répertoire de la tournée. Il ajoute : ‘Je fais comme les groupes des années '70-'80, qui publiaient un album par an. Aujourd'hui, certains, comme Tool, n’en sortent qu’un tous les 10 ans’. Rires dans la salle. Et ce « My Book of Regrets » tient parfaitement la route dans la discographie, déjà très riche, du musicien anglais.
Un claquement de doigts, imprimé en cadence, amorce « Index », un des titres de Steven préférés de votre serviteur. Tiré de « Grace For Drowning », il illustre une période plus 'dark', hantée par les serial killers et balayant un spectre musical plus obscur, davantage hypnotique. « Lazarus », une autre reprise de Porcupine Tree, procure une excellente occasion à Wilson de rendre hommage à David Bowie : en effet, une plage s’intitule également « Lazarus » sur « Black Star », l'oeuvre testamentaire de Bowie ; et ce qui est étonnant, remarque Wilson, c'est que le personnage de 'sa' chanson « Lazarus » s'appelle... David ! Il y a de ces (L)hasards... (hum...)
Lorsqu’un voile transparent est tendu entre le podium et l’auditoire, c'est pour mettre en scène « Vermillioncore », un nouvel extrait de « 4 1/2 ». Cet instrumental se distingue surtout par les passages plus 'heavy', qui permettent aux 'metal heads' de pratiquer un peu de 'headbanging'. Le dernier morceau du concert est particulièrement bien choisi : « Sleep Together », un autre chef d'oeuvre de Porcupine Tree, issu de « Fear of a Blank Planet », sans doute le meilleur opus du défunt combo. L'intro, très dark électro, lorgne vers Nine Inch Nails et le refrain provoque une véritable explosion : ‘Let's sleep together... Right now’. Difficile de ne pas faire d’analogie entre ce refrain et celui de « Sweet Harmony » de The Beloved... Sans doute une coïncidence. La progression finale de la compo est irrésistible et mène inexorablement vers un orgasme sonore final aux accents 'kashmiresques', le tout ponctué par l'effondrement, très théâtral, du voile transparent. Un final époustouflant...
En rappel, Steven Wilson ne joue pas la reprise de « Space Oddity », à nouveau en raison de l'absence de Ninet Tayeb. Par contre, on a droit à une tout dernière reprise de Porcupine Tree : « The Sound of Muzak » ; et, en point d'orgue idéal, « The Raven that Refused to Sing », probablement la plus belle composition de Steven Wilson. Assis sur un tabouret, il chante cette mélodie déchirante, rehaussée par la superbe vidéo d'animation de Jess Cope. On n’entend pas une mouche voler tout au long de cette chanson qui vous flanque la chair de poule. Le son quadriphonique renvoie des effets provenant des quatre coins de la salle, pour une expérience musicale totale. ‘I'm afraid to wake... I'm afraid to love...’
En conclusion : un superbe concert, parfait à tous points de vue : son, lumières, vidéos, contact et bien sûr... les chansons. Steven Wilson appartient incontestablement à cette catégorie de génies polyvalents, au même titre que les Bowie, Reznor et autre Yorke, qui ont marqué d'une empreinte indélébile la musique 'indie' contemporaine. On est impatient de découvrir ce que le 'Wilson King' nous réserve dans le futur... En tout cas, ce soir, on a bel et bien assisté à son sacre...
Setlist :
Set 1 : album Hand. Cannot. Erase.
First Regret
3 Years Older
Hand Cannot Erase
Perfect Life
Routine
Home Invasion
Regret #9
Transience
Ancestral
Happy Returns
Ascendant Here On...
Set 2
Drag Ropes (Storm Corrosion cover)
Open car (Porcupine Tree cover)
My Book of Regrets
Index
Lazarus (Porcupine Tree cover) (Dedicated to David Bowie)
Don't Hate Me (Porcupine Tree song)
Vermillioncore
Sleep Together (Porcupine Tree cover)
Encore
The Sound of Muzak (Porcupine Tree cover)
The Raven That refused to sing
(Organisation : AB + Live Nation)
De son véritable nom Jamison, Teen Daze est canadien. Issu de Vancouver, en Colombie Britannique, très exactement. A son actif quelques singles (NDR : « Célébrer », son dernier est sorti en décembre dernier), Eps et trois elpees, dont le dernier, « Morning World », remonte à août 2015. Son électro se sert paradoxalement de l’instrumentation organique (arrangements de cordes surtout), une expression sonore destinées à faire danser, et sur laquelle il pose sa voix éthérée…
Il n’y qu’une soixantaine de personnes dans l’hémicycle, lorsqu’il débarque sur l’estrade pour entamer son set. Un set au cours duquel il jongle entre ses platines et machines magiques.
Un DJ qui remue et chante en même temps, ce n’est pas courant. Et ce l’est encore moins quand il parvient à faire danser son auditoire. L’aspect mélancolique de ses compos est souligné par les sonorités de violons, de harpe, d’ivoires ou de grattes, à l’instar de ce fameux single atmosphérique « Célébrer ». Des images défilent dans votre tête. Celles des grandes étendues qui peuplent le Canada. Grandes plaines, prairies, forêt boréale, grands lacs… que l’on imagine recouverts de neige. D’ailleurs sa musique pourrait servir de bande sonore à un documentaire qui traite de ces thèmes. Parfois, le spectre de Marie-Pierre Arthur se met même à planer. Encore que son humour, son sens de la dérision et sa bonne humeur, qu’il dispense avec un accent si caractéristique, évoquent plutôt Lisa Leblanc. Pourtant, les compos de Jamison incitent aussi à danser. A cause de ces beats électro qui vous remuent les tripes. Et votre serviteur a fini par succomber à la tentation. Comme s’il avait retrouvé ses jambes de l’adolescence… Stupéfait ?
(Organisation : Le Botanique)
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Il y avait un petit temps que votre serviteur s'était rendu au Magasin 4. Pas moyen de trouver un emplacement de parking. Il y a des festivités à Tour et Taxis. 25 minutes à tourner en rond afin de dénicher –enfin– mon bonheur, à un petit kilomètre de l'institution.
Ce soir on fête les 40 années d’existence de UK Subs. Mais aussi de la musique punk. C’est en 1976 que cette formation insulaire est née. Happy birthday ! Et ils vont nous le démontrer ce soir, les papys du rock sont toujours bien verts. En supporting act, sont programmés The Dyson’s ainsi que TV Smith. En février 2015, UK Subs et TV Smith avaient déjà squatté les planches du même endroit. Place donc aux retrouvailles !
En débarquant au Magasin 4, je constate que la salle est presque sold out. The Dyson's est sur le point d’achever son set. Donc difficile de relater quoi que ce soit de leur prestation. Ce sera –peut-être– pour une autre fois…
TV Smith embraie. Un autre vétéran. Il est uniquement armé d’une gratte semi-acoustique pour accompagner son chant. TV Smith, c’est le projet solo de Tim Smith, le fondateur de The Adverts, un autre combo punk insulaire qui a sévi entre 1976 et 1979.
Pas de setlist. L’artiste l’improvise son répertoire. Il a une solide voix et propose des covers de son ancien band ainsi que des standards du punk. Etonnant, on a parfois l’impression qu’il est soutenu par un backing group. En fait, il est capable de reproduire sur sa gratte, les sonorités de différents instruments. En outre, il arpente le podium de long en large. Et judicieusement. Balaise le mec !
UK Subs est un des précurseurs du mouvement punk insulaire qui a marqué l’histoire du rock. Portant haut le flambeau de cette révolution musicale, à l’instar de Sham 69, Stiff Little Fingers, The Vibrators, Eddie And The Hot Rods ou les Sex Pistols, il est un des rares survivants à ne jamais avoir cessé d’accorder des concerts, en quatre décennies d’existence ; même si ses gros succès, il les récoltés à ses débuts, en publiant des brûlots comme « Warhead», « I Live In A Car » ou « Tomorrow's Girls ».
Agé de 72 balais, Charlie Harper a toujours bon pied bon œil. Ce chanteur charismatique a pris un peu de poids, mais en ‘live’, il est toujours aussi alerte. Cheveux verts assortis aux branches de ses lunettes, il arbore fièrement les couleurs du punk. Alvin Gibbs se charge de la basse. Ex-membre du backing group d’Iggy Pop, il a rejoint le band en 1980. Le line up est complété par le guitariste Jet et le drummer Jamie Oliver.
Le set s’ouvre par « Young Criminals », un morceau issu du premier elpee. Les mauvais garçons sont de retour. Charlie harangue la foule et tout particulièrement les premiers rangs. Sa voix est rageuse. Il se penche parfois même dangereusement au-dessus de leurs têtes, parmi lesquelles on remarque la présence de quelques barbus (bedonnants), mais surtout de nombreuses crêtes. Des individus à qui il manque, très souvent, quelques dents. C’est clair, ça va déménager aux avant-postes. Aussi votre serviteur décide de battre en retraite jusque la table de mixage, où les spectateurs sont plus paisibles. Les tubes ne sont pas bien sûr pas négligés, mais –et c’est étonnant– pas de trace du dernier opus. Rien que des anciennes compos. Enfin presque. Une exception qui confirme la règle, « I've Got A Gun », disponible sur la toile, depuis peu. Charlie lève le micro bien haut en signe de victoire. Pour alimenter le souk, ‘crowd circles’ et pogos se succèdent. Quelques audacieux tentent de monter sur le podium ; mais la sécurité veille… Au bout de 60 minutes, le groupe tire sa révérence. Un peu court, mais manifestement UK Subs a toujours la pêche, même si la nostalgie du passé doit hanter ses nuits… Enfin à sa décharge, sur ordre de police, les concerts doivent s’achever à 22 heures. De quoi, quand même, rester sur sa faim.
Setlist : « Young Criminals » / « You Don'T Belong » / «Left For Dead » /« Rockers » /« Down On The Farm » /« Hell Is Other People » /« Monkeys » / « Emotional Blackmail » / « Barbie's Dead » / « Limo Life » / « Bitter And Twisted » / « I've Got A Gun » / « Fear Of Girls » / « Suicidal Girls » / « Tomoroow's Girls » / « Warhead » / « Riot » / « Strangle Hold ».
(Organisation : Magasin 4)
Coast to Coast, le nouvel album du groupe belge Recorders, est prêt et sortira le 19 février. Il succèdera ainsi à Above the Tide, leur premier opus sorti il y a un an et demi.
Le groupe qui entoure le chanteur Gordon Delacroix nous fera découvrir de nouveaux visages : le pianiste de jazz Ben Broux (Malines) et le batteur Michael-John Johnson (Anvers) font désormais partie du groupe et ont contribué au son plus mature et plus sophistiqué de ce nouvel album.
La nature et le monde sauvage ont toujours été des aspects importants du processus d’écriture de Gordon Delacroix, ce qui frappe immédiatement, même sur le plan visuel. Vous pouvez cliquer ici pour voir le clip vidéo qui accompagne le premier single Lost At Sea. Delacroix s’est également trouvé un nouveau timbre de voix, plus profond et plus mélancolique.
Coast to Coast est un album sur l’évolution intérieure et sur la recherche de l’existence, quelle que soit la destination. Y ont notamment collaboré Talisco et le chœur Moi Kochani.
Le 17 mars, les Recorders proposeront leur release party à la salle de La Madeleine à Bruxelles. Plus d’infos : cliquez ici .
Il a dans son timbre, l'écho des plus grands, de Brel, à Ferré, en passant par Mano Solo.
Alex est un écorché vif à la sensibilité rare. S'il était un personnage, on le verrait bien en Oliver Twist.
Artiste généreux, auteur compositeur interprète, Alex livre son premier album solo en ce début 2016. Un album intitulé Brut, parce que simple, intemporel, efficace, entraînant et porté par une grande générosité.
On retrouve entre autres sur cet album, tout en acoustique, une jolie reprise de Brel avec "Le port d'Amsterdam", revisité et personnalisé pour l'occasion. Un titre dont il reverse tous les gains aux Petits Frères des Pauvres, tout comme le titre "T'enlever dans le sud".
Artiste libre et indépendant, Alex trace sa route, celle qu'il écrit au fil de ses rencontres, comme ce joyeux "Monsieur Pic".
Alex sera en Tournée du 17 juin au 1er Août 2016.
L'album "Brut" est en écoute intégrale sur Deezer.
Plus d'infos sur la page facebook de l'article en cliquant ici .
La dernière visite de Lura à l'Ancienne Belgique remonte à 2010. A l’époque, Maria de Lurdes Pina Assunção (NDR : c’est son véritable nom) et Bai Kamara Jr partageaient la même affiche. En débarquant au guichet de l’AB, une affiche ‘Sold out’ a été placardée. Franchement, l’artiste aurait pu remplir la grande salle. La diaspora africaine est peu représentée, mais celles et ceux qui sont venus vont mettre le souk.
Lura est née à Lisbonne en 1975. C’est à l’âge de 17 ans qu’elle participe à l’enregistrement d’un album de Juka. Comme choriste, même si elle finira par chanter en duo avec le chanteur zouk. En 1996, elle enregistre son premier elpee, « Nha Vida ». Depuis, elle en a fait du chemin. Elle a ainsi notamment bossé en compagnie de Bonga, Tito Paris et Paulo Flores. Puis chanté « Morna », dans le film 'Fados' de Carlos Saura. Partagé un duo auprès de la déesse aux pieds nus, Cesarai Evora, pour « Moda Bô ». Et a été nominée en 2006 lors des BBC Awards, dans la catégorie ‘musiques du monde’, comme ‘espoir’, pour son album « Di Korpu Ku Alma ». Lura chante la musique traditionnelle du Cap-Vert, comme le morna, le funana et le batuque, des styles fortement influencés par les musiques africaines et contemporaines.
Le set débute à 20h35. Sur les planches, un imposant piano à queue occupe une bonne partie de l’espace. Il est planté juste derrière un synthé. C’est Tony Viera qui va se charger des claviers et des ivoires. Et Valentino Ramos, des drums. Le line up est complété par Ivan Medina –bonnet enfoncé sur le crâne– à la guitare et Thierry Fanfan à la basse. Ils sont assis sur des tabourets surélevés.
Lura est vêtue d’une robe à fleurs et chaussée de souliers à hauts talons de couleur jaune. Dès le début du set, Lura lève le doigt à plusieurs reprises pour signaler un problème de retour. L’ingé son se rend compte que le deuxième diffuseur n’est pas branché. Bref, après un moment de stress ponctué par quelques éclats de rires, le show peut démarrer.
Le concert s’ouvre donc par « Di Undi Kim Bem », un extrait du nouvel opus « Herança ». Percus et filet de gratte acoustique alimentent cette complainte qui traite de l'exil. Une guitare qui prend le pas sur ces percussions tout au long de « Mantenha Cudado » et « X Da Questão », deux chansons écrites par Mario Lúcio, le Ministre de la Culture de la République du Cap Vert. Et elles baignent dans une atmosphère de samba brésilienne. « Mamba' Des Bes Cumida Da » est davantage dansant. La voix de Lura est à la fois grave et voluptueuse. Thierry fait corps avec sa basse. « Moda Bô » suscite le recueillement. En fermant les yeux, on a l’impression de se retrouver face à la regrettée Césaria Evora. Nouvelle compo, « Sema Lopi » nous entraîne au Cap Vert. La ‘six cordes’ est omniprésente tout au long de ce morceau au cours duquel Lura retrouve ses véritables racines. Tony tapisse d’abord l’ensemble de ses ivoires avant de dispenser des sonorités d’accordéon à l’aide de son synthé. Place ensuite à « Herança », le titre maître du dernier elpee. Il s’agit de la plus longue plage de ce disque. Ce qui va permettre à chaque musicien d’exécuter son petit solo, Valentino se réservant le dernier, en se déchaînant sur ses fûts. La jolie créole se déhanche sensuellement. Elle joint le geste aux paroles et incite régulièrement les premiers rangs à frapper dans les mains. Chantés en créole, « Dze Q Dzê » et « Narina' » sont repris en chœur par l’auditoire. « Maria Di Lida » est un morceau endiablé. Du batuque au cours duquel la féline entame sa danse guerrière. Elle vire même ses chaussures pour être plus à l’aise. Et c’est au sein de cette frénésie que « Somada », « M Bem Di Fora » et « Goré » achèvent le concert.
Lorsque Lura revient pour le rappel, un refrain en créole émane du fond de la salle. Le reste de l’auditoire embraie. Lura également… elle nous réserve alors « Nha Vida » et termine sa prestation par un morceau de funana, « Sabi Di Más ». Un voyage paradisiaque au cœur des îles capverdiennes vient de s’achever…
(Organisation : Ancienne Belgique)
Après la diffusion d’un premier single, ‘I’m Just An Old Motherfucker’, Arno a sorti un nouvel album, ‘Human Incognito’.
Mélangeant savamment anglais et français, ainsi que passé, présent et futur, Arno conserve pour ce 12ème disque son côté imprévisible qu’on lui connaît, tout en évitant de tomber dans la répétition.
Pour 'Human Incognito', il a souhaité privilégier une démarche organique. Il y a beaucoup moins de synthés et de claviers que sur ses albums précédents. 'Human Incognito', c'est sa voix, des guitares, une basse et une batterie...
Quatre ans après une première collaboration sur 'Future Vintage', Arno retrouve l'Anglais John Parish (PJ Harvey, Eels, Perfume Genius) pour la production de 'Human Incognito', aux côtés de Catherine J Marks, ingénieure du son et productrice australienne connue pour ses collaborations avec Foals, PJ Harvey, Ian Brown ou encore Champs.
Le nouvel EP de Clara Neville "Après-minuit" est sorti le 23 octobre 2015!
Une voix singulière, suave et sensuelle pour une musique pop-rock aux couleurs anglo-saxonnes et 'gainsbouriennes', des histoires d'après-minuit, des personnages en clair-obscur, à mi-chemin entre cinéma et poésie.
Cet EP, aux accents plus rock que le précédent, est celui de la maturité.
Avec David Keler (basse), Luc Durand (batterie), André Margail (guitare) et Jimmy Tillier (claviers).
The Mighty Yaya est une formation batave qui pratique un mélange de garage, de stoner et de blues. Le line up réunit le chanteur/guitariste Louis van Empel, l’harmoniciste Aart van der Wulp, le bassiste Harmen de Bresser et le drummer Gabriël Peeters. La musique de ce quatuor est chargée de références qui oscillent de Tom Waits à John Lee Hooker, en passant par King Crimson, Arthur Lee (Love) et… l’afro beat. "Magnum Sonus" constitue son second elpee, il fait suite à un opus éponyme, paru en 2012.
"Prosodick" ouvre la plaque. Des bruitages étranges semblent nous entraîner dans une forme de space rock. Impression corroborée dès "Something real". Répétitifs, puissants, les motifs rythmiques rappellent le Hawkwind originel. "Come on" aurait pu figurer au répertoire de Howlin’ Wolf. Un blues lancinant, hypnotique, particulièrement électrique, au cours duquel l’harmo parvient néanmoins à se frayer son chemin. Et au cœur de cet univers sonore implacable, oppressant, la guitare de van Empel finit par se désarticuler –lentement mais sûrement– pour emprunter un itinéraire psychédélique. Peeters accélère frénétiquement le tempo de "Give it to me". Particulièrement acides, les cordes sortent des sentiers battus et nous entraînent dans l’univers du Jefferson Airplane. Le spectre de Jorma Kaukonen plane… Et le titre est tellement bien torché, qu’il en devient impressionnant. Même s’il s’intègre parfaitement dans l’ensemble, l’harmonica libère des tonalités étranges. Plus sombre, "Tell it like it is" trempe dans le Delta. Les différentes lignes de basse tracées par Bresser conduisent ce garage/blues musclé, dominé par la voix. Des percus primaires alimentent "Razzmatazz". Blues nerveux mais efficace, "Your dog no more" est chargé de passion. Louis torture ses cordes. Gabriël défonce ses fûts. Et Aart souffle comme un possédé dans son frêle instrument. Des vocaux volontairement graves envahissent "Ardor & Passion", un stoner rockin' blues puissant. "Got it bad" nous propose un nouveau trip transique, psychédélique, au sein duquel l'harmoniciste trouve bien évidemment sa place! Country & western mélodieux balayé par de délicieux accords de gratte réverbérés, "No place to go" nous entraîne sur les pistes poussiéreuses du Sud-ouest des States. Nouveau changement de décor pour le morceau final, "Matter of love". Enfin, la boucle semble bouclée, car ce rock en revient aux sonorités du début de l’opus. Les arrangements sont même somptueux. Une œuvre à la fois impressionnante et particulièrement originale.
Athens (NDR : c’est dans l’Etat de Géorgie, aux States) est surtout connue pour avoir été la base arrière de R.E.M. ; mais aussi pour avoir enfanté les B52’s et plus récemment Neutral Milk Hotel ainsi qu’Of Montreal. Reptar nous vient du même patelin ; néanmoins, il ne risque pas de rencontrer le même succès que la mythique bande à Michael Stipe, malgré le sens mélodique bien aiguisé de ses chansons.
« Lurid Glow constitue son second elpee, un disque qui baigne au sein d’une indie pop sophistiquée et de bonne facture, une expression sonore illuminée par la charmante voix nasillarde de Graham Ulciny, une voix qui rappelle parfois celle de Gordon Gano (« Easier to Die ») ou d’Alec Ounsworth, le chanteur de Clap Your Hands Say yeah ! Les morceaux de cet opus semblent stimulés par le côté ‘éclairé’ de la force… les claviers sautillent (« No One Will Ever Love You »), les trompettes balaient (« Sea of Fertility ») et les basses adoptent un profil quasi-funk (« Particle Board »), alors que les mélodies, souvent réminiscentes des 80’s (« Daily Season »), communiquent une certaine instantanéité à l’ensemble. Quoique rayonnantes et à la limite festives, les compos sont néanmoins bercées par une forme de mélancolie, entretenue par la voix fragile d’Ulciny…
Ce chanteur/guitariste montréalais aura 40 ans fin 2016. Il a joué de nombreuses années au sein du backing band de la chanteuse de jazz, Susie Arioli. Jordan est un musicien qui privilégie l’esthétique. Il aime teinter son jazz de blues, country et rock. "Blue Skies" constitue son troisième opus solo, un disque tout au long duquel il met l’accent sur sa voix, en adaptant des titres d'artistes qu'il apprécie tout particulièrement. C'est du côté de Los Angeles qu'il a cette fois puisé son inspiration et son énergie.
Jordan attaque d’abord une chanson issue de la plume de Tom Waits, "Blue skies". Le climat est intimiste. Le dépouillement délibéré. Une sèche imprime le tempo aux côtés de la basse de Sage Reynolds. Amplifiées les cordes sont limpides et chargées de sensibilité ; en outre, elles libèrent des sonorités exceptionnelles. En compagnie de sa moitié, Genevieve, il chante le tendre "Got you on my mind", un succès récolté il y a des lustres, par des spécialistes du swamp pop louisianais, Cookie and the Cupcakes mais également The Big Three Trio. Et à nouveau, cette plage se sert d’un quota de notes strictement nécessaires. La voix douce et harmonieuse colle parfaitement au subtil "It's you I love", un morceau de jazz écrit par le duo néo-orléanais Dave Bartholomew et Fats Domino. La cover du "Chains of love"de Sam Cooke (NDR : il en avait réalisé un hit !) baigne au sein d’un climat flemmard. Toujours aussi parcimonieuses, les cordes de gratte sont créatives et lumineuses. L’adaptation du classique de Leroy Carr, "How long blues", est légère. Le swing est omniprésent. Et on a parfois l’impression que l’artiste joue juste devant vous. Tout comme pour "That's for me", un titre que Louis Armstrong interprétait, il y a plus de six décennies. La version du "Than she kissed me" de Phil Spector, que les Crystals avaient transformé en tube est à la fois originale et surprenante. Et celle du méconnu "When the deal goes down" de Bob Dylan, bien ficelée. L’opus recèle deux petites perles instrumentales : "Night Flight" et "Takin' off". Cet album est un pur bonheur!
Nouvelle égérie de la scène électro contemporaine, suite à son apparition au générique du dernier album de Daft Punk, Giorgio Moroder n’a eu aucun mal à recruter le gotha de la musique pop actuelle pour fêter son retour à près de 75 ans balais, soit 30 années après avoir publié sa dernière œuvre solo… Kelis, Sia, Mikky Ekko, Kylie Minogue, Britney Spears et Charli XCX se sont en effet bousculées au portillon afin de profiter de la nouvelle aura ‘hype’ du chaman de l’italian disco ! Mais voilà… on ne lui avait vraiment rien demandé à ce bon vieux Giorgio. Surtout pas de nous refourguer un ‘Worst of’ de ce qui se fait actuellement en musique électro-pop : entre l’intro Tomorrowland « 4 U With Love », l’ultra racoleur titre maître (auquel participe Sia), les insupportablement vocodés « Tempted » et « 74 is the New 24 », l’irritant uptempo « Diamonds » (égratigné par l’indigente Charli XCX) et l’horriblement sirupeux « Don’t Let Go » (dont même NRJ ne voudrait pas), on se demande quand même ce qu’est venue faire Britney Spears dans cette aventure, en adaptant le « Tom’s Diner »? de Suzanne Vega, si ce n’est compléter le listing de cette interminable litanie qui frise le ridicule. Ce terrible faux-pas ne devrait cependant pas écorcher la réputation du maître ès-EDM ; mais il s’érige assurément en clair avertissement. « Déjà-Vu » et à éviter à tout prix.
Mojo Man est une formation néerlandaise dont les débuts remontent à mai 2014. Fruit d’un mélange de blues, rock et soul, sa musique puise son inspiration chez Jimi Hendrix, Otis Redding et les Rolling Stones. Marcel Duprixe en est le leader, mais surtout le chanteur, guitariste et compositeur. Il est soutenu par le gratteur soliste Théo van Niel Jr, le bassiste John Aponno, le drummer Rick van der Vlist et une section de cinq cuivres.
Des rythmes tribaux introduisent "Scarecrow", avant que la piste ne se muscle rapidement. La voix de Duprix sert de trame à ce morceau bien cuivré, mais au cours duquel ce sont surtout les interventions de cordes vivifiantes de Théo van Niel qui tirent leur épingle du jeu ; d’abord en slide, puis en solo. "The ship is sinking" baigne au sein d’une même intensité. L’importante section de cuivres est bien mise en évidence. Les billets de sortie sont accordés au sax ténor de Robert van der Laarse et à la guitare. "I'm a man" nous entraîne au sein d’un climat Rhythm & Blues speedé, proche du style Stax institué par Otis Redding, une plage qui permet une nouvelle fois aux deux mêmes solistes de prendre leurs envols. "Is it a crime" vire au southern rock. La slide et la basse d'Aponno impriment un excellent riff. Les trois saxophones et les deux trompettes se distinguent, et tout particulièrement Henk Brüggemann qui fait exploser son sax baryton. La voix de Duprix devient dramatique sur le blues lent "On the floor". Le jeu flamboyant de Niel accentue cette impression. On a même l’impression qu’il se prend alors pour un ‘guitar hero’, alors que Robert Bogaert glisse un solo original à la trompette. Retour au tempo rock pour "Hip shakin' mama". Les cuivres sont proches du délire. Que du bonheur ! Théo van Neal se déchaîne sur sa slide, alors de retour, sur le très rapide "Wild flower". Un solide riff trame "Get over you", un blues/rock aux accents ‘rollingstoniens’. Marcel domine cette piste de la voix, alors que la slide tire une nouvelle fois son épingle du jeu. L'opus s’achève par "Searching man", une tendre ballade chantée par le leader d’une voix éraillée et enrichie par des cordes acoustiques, avant que la guitare ne prenne un ultime envol ; et sa montée en puissance est absolument remarquable…
Cette formation américaine est née au printemps 2015, à Clarksdale, la capitale du delta du Mississippi. Elle y a accompli ses premiers au ‘Ground Zero’, le club de blues monté par l'acteur Morgan Freeman. Originaire de Boston, Christina Vierra en est la chanteuse. Mais c’est à Memphis qu’elle s’est forgé un nom et a recruté deux de ses partenaires. Dont le guitariste Ashley Bishop, authentique citoyen de Memphis. Et puis le drummer (NDR : parfois harmoniciste) Doug McMinn qui a fréquenté la célèbre Beale Street au cours de son enfance. Il a aussi épaulé son père, Don McMinn, au sein du célèbre Rum Boogie Cafe. Au sein du line up actuel, Cad Moore, citoyen de Clarksdale, se consacre à la basse. Cependant, lors des sessions, c’est un certain Gary Dale qui s’en est chargé, mais également de la guitare et du piano. De sessions qui se sont déroulées au studio Ardent à Memphis. Miss Viera signe une grande majorité des plages.
Dès l'ouverture, on est plongé dans le southern blues rock. Rapidement, on se rend compte que la voix de Miss Viera est naturellement autoritaire, fougueuse et passionnée. Si le spectre de Janis Joplin plane, il faut reconnaître que Christina a sa propre personnalité. Les cordes s'entrecroisent, mais la slide est parfaitement intégrée. Elle entame "Mighty River" à l’ukulélé ; une compo profondément inspirée par le Delta, mais qui vire rapidement au blues amplifié, autorisant une sortie remarquée des cordes. Nonobstant son énergie débordante, "Wag the dog" émarge à la country. Des sonorités cosmiques amorcent "No flesh in Outerspace", un blues/rock dont la démarche funk est assurée par Doug McMinn, alors que toute la liberté est accordée aux cordes de Bishop! Autre blues/rock, "Who's gonna run this town" est chargé d’intensité par un puissant riff, réminiscent de Mountain voire Free. Holiday signe et commence à chanter, sans grande conviction, "Clarksdale", avant que Christina ne prenne le relais. Doug souffle dans son harmonica, lors de ce delta blues amplifié de bonne facture. Le piano de Holiday balise "You did", une longue ballade bluesy. Ravagée, la voix de Christina est impressionnante. Boogie/blues, "The hunter" évoque paradoxalement le titre notoire d’Albert King, qui porte le même titre, une plage au cours de laquelle les deux gratteurs se livrent une petite joute, en toute décontraction. Imprimé sur un tempo soutenu, "Tree knockin'" clôt le long playing et s’illustre par un dialogue entre la voix de Christina et celle plus grave d'Ashley. Un morceau manifestement taillé pour la scène, dans un registre proche de ZZ Top des voisins texans. Excellent combo, Mississippi Bigfoot se produira sur le Vieux Continent, en juin prochain.
Murray Winsley & Wicked Grin nous vient de l'Ontario au Canada, une formation qui a décroché un ‘Maple Blues Award’ comme meilleur groupe, en 2014. Au cours de la même année, elle a également représenté la Société de blues d'Ottawa à l'International Blues Challenge de Memphis. Son premier opus, "Shame on me", ne date que de 2013. Murray Kinsley en est le leader, mais surtout le chanteur et guitariste. Il signe dix des onze plages. Le line up de Wicked Grin réunit le bassiste Leigh-Anne Stanton (NDR : un Montréalais !), le drummer Liam Melville et le chanteur/harmoniciste Rod Williams. Lors des sessions d’enregistrement, c’est Alain McCann qui s’est chargé des claviers.
"Dance Pretty Mama" démarre sur les chapeaux de roues. L’énergie libérée est digne du band mythique insulaire Dr Feelgood, lorsque le regretté Lee Brillaux y sévissait encore. Rod souffle comme un possédé dans son harmonica. Manifestement, la démarche et la présence de ce combo sont proches de celles des bands rock du milieu des seventies. "By my side" est imprimé sur un tempo moins enlevé. L’atmosphère s’y révèle bien plus festive ; d’ailleurs harmo et gratte s’y promènent en toute décontraction. Murray a sorti son bottleneck pour amorcer "Shine", au cœur du Delta. Miss Vivian Kinsley et son époux chantent sur une rythmique dynamisée par les percussions tribales de Liam. Excellent ! Wicked Grin libère toujours une fameuse dose d’énergie, tout au long de la reprise d’"Everybody oughta make a change" de Sleepy John Estes. Indolent, "Evil coming round" baigne au sein d’un climat étouffant. L'harmonica crie son désespoir. Les cordes de Murray montent progressivement en puissance, au cœur d’une intensité dramatique constante. Coup de boost asséné à "I'm mad". Soutenues par les interventions solides de la basse de sa partenaire, Leigh-Anne Kinsley, les cordes de Kinsley vibrent et s’enfoncent dans le délire. Rock'n'roll, "Fast fast car" est idéal pour aborder la route au volant de bolides. La slide est en effervescence tout au long de "Death if you find me", une plage qui nous replonge dans le delta. Blues/rock, 'Talk is cheap" met en exergue les échanges entre la guitare et l'harmonica. L’orgue Hammond de McCann colore "You're gone", une composition mélodieuse et chargée de feeling. "Let me love you" clôt l’elpee, un plage explosive au cours de laquelle Rod Williams ne tient plus en place et fait chauffer à blanc son instrument !
Originaire de Liverpool, Alex Gavaghan est guitariste chez The Cubical, un combo de blues/garage plutôt méconnu sur le Vieux Continent. Son style –brut de décoffrage– puise ses racines dans le bon vieux rock’n’roll. « Binman of Love » constitue le premier elpee solo du ce multi-intrumentiste.
A l’instar du band au sein duquel il milite, Alex Gavaghan creuse dans la même veine. Et pas seulement parce que la production est vintage. Dès « Ice Cream », morceau qui ouvre l’opus, on a droit à de l’authentique rock’n’roll, un morceau sur lequel les sexagénaires et les septuagénaires ont dû danser, il y a quelques décennies. Tout comme sur le titre maître du long playing, mais le slow. Un slow ‘crapuleux’… Mais surtout une chanson pop, soutenue par de superbes harmonies vocales. Et si la suite alterne entre plages acoustiques (« Easy to Fall ») et électriques, elles nous replongent toujours dans les 50’s et 60’s. Accrocheuses, les mélodies font constamment mouche. Et la quasi-totalité des pistes ne dépasse pas les 3 minutes.
Un premier effort en solitaire parfaitement réussi ! A conseiller aux nostalgiques des fifties et des seventies, mais également à celles et ceux qui ne supportent plus le recours systématique aux claviers de la plupart des groupes et artistes contemporains. A consommer sans modération !
Véritable stakhanoviste du mouvement folk, Joseph O’Connell, aka –mais pas autant qu’on l’imagine– Elephant Micah, peut se targuer être à la tête d’une discographie aussi pléthorique qu’un vieux troubadour des Appalaches. Et pour cause, à ce jour, il doit avoir publié une quinzaine d’albums.
« Where in our Woods » s’érige comme une nouvelle et modeste pierre à l’édifice folk lo-fi ‘home-made’ (son frère Matthew se charge –mais discrètement– des drums), construit depuis 2002, par ce natif de Pekin (NDR : c’est dans l’Indiana). L’univers d’Elephant Micah cultive cet americana intemporel et acoustique si cher à Bonny Prince Billy (il participe d’ailleurs aux chœurs ; et tout particulièrement sur le très beau « Demise of the Bible Birds ») ou à feu Jason Molina (en compagnie duquel il a partagé la route). Un brin austères (« Slow Time Vulture ») mais souvent bouleversants (« No Underground »), ces morceaux écrits entre 2006 et 2007 ont trouvé la modeste parure qui leur sied le mieux. Du véritable ‘Art & Craft’ made in USA…
Paru en janvier 2015, ce « Where in Our Woods » arrive peut-être un peu tard au sein des chroniques de Musiczine, mais finalement pas tellement, vu son contenu traditionnel à très lente combustion…
Chanteuse et pianiste de blues ainsi que de boogie woogie, Wendy Dewitt est de nationalité américaine. Elle vit dans la baie de San Francisco. Au cours des dernières années, elle s'est le plus souvent produite sous la forme d’un duo, en compagnie du batteur Kirk Harwood, un vétéran de la scène californienne (NDR : il a milité chez Clover , mais également dans les backing groups de l'harmoniciste Norton Buffalo et du slide guitariste Roy Rogers. Wendy s'est beaucoup inspirée des grands pianistes du blues comme Otis Spann, Memphis Slim et Sunnyland Slim ainsi que les spécialistes du boogie woogie, et notamment Albert Ammons, Pete Johnson et Meade Lux Lewis.
Plage rythmée et bien cuivrée, "Sonoma Country" ouvre l’elpee, une plage réminiscente des atmosphères propices à la danse de la Nouvelle Orléans. Sonoma County est un comté de Californie, situé au Nord de San Francisco. C’est là que Wendy est née. Remarquable, harmonieuse, sa voix est bien mise en exergue sur "Treat a woman", un excellent R&B, ponctué par la sortie de Keith Crossan sur son ténor saxophone. Elle chante d’une voix claire, en s’accompagnant au piano, "Sometimes I wonder", un blues lent qui ne manque pas de charme. Tout comme "Built to last", une plage imprimée sur un même tempo, alors qu’elle double ivoires et orgue Hammond. Le "Feel so bad" de Chuck Willis baigne au sein d’une atmosphère cool, dont se libèrent les interventions impeccables et empreintes d’une grande sensibilité de Steve Freund. Sa cover du "29 way" de Big Joe Turner est syncopée. Le tempo enlevé. La section rythmique porte les musiciens, alors que Freund reste constamment aux aguets sur ses cordes! Wendy et son partenaire Kirk Harwood chantent en duo "Folks like you", un blues cool co-écrit par Steve Freund. Et ce dernier s’autorise un envol saturé de feeling, proche du style de Peter Green. Autre blues indolent, "I want to believe you" accorde une totale liberté au talentueux Steve. Le rythme opère son retour pour "Never be too much". Sur ses ivoires, Wendy s’y révèle éblouissante. Swing blues, "Trouble" célèbre le come-back des cuivres. De bonne facture, cet elpee s’achève par la ballade "Everybody's crying for something".
The Boom Band est un supergroupe anglais qui pratique un mélange de blues, southern rock et country. Il implique pas moins de quatre guitaristes : Jon Amor (ex-Hoax), Marcus Bonfanti (Ten Years After), Mark Butcher et Matt Taylor (Motives). Le cinquième soliste est pianiste ; il s’agit de Paddy Milner. Le line up est complété par une section rythmique réunissant Evan Jenkins et Jon Noyce. En 2014, la formation avait publié un opus éponyme. Live, "The Moon goes Boom – Live in London" a été immortalisé au Half Moon de Putney, à Londres, en septembre dernier. Dans la presse, les critiques sont souvent élogieuses ; on leur prête même des références à Little Feat, aux Allman Brothers Band et aux Beatles.
Diamonds in the rust" ouvre l’elpee, un blues percutant et bien rythmé que chante impeccablement Marcus Bonfanti, le nouveau frontman de Ten Years After, d’une voix autoritaire, alors que Paddy double orgue et piano. Celle de Mark Butcher est différente, et conduit "Under the skin", une plage au cours de laquelle les guitares s'envolent pour notre plus grand plaisir. Entraînant, "Junko Partner" est un boogie woogie balisé par le piano de Paddy Milner. Paddy s’autorise un nouveau billet de sortie, mais également Jon Amor aux cordes. La voix de Matt Taylor libère toute sa puissance sur "Red eye of the devil", un southern rock qui lorgne vers l’Allman Brothers Band. Et si l’orgue Hammond ainsi que les grattes croisent le fer, les sonorités dispensées sont remarquables ; en outre, elles bénéficient de vocaux particulièrement soignés. Jon Amor se réserve le micro sur "Moonshine", une ballade séduisante caractérisée par des parties de cordes bien léchées, au cours desquelles les sixcordistes ne cherchent pourtant pas à se mettre en avant à tout prix. Interlude instrumental, "Monty's Theme" est sculpté dans le southern blues rock. Le Boom Band nous plonge au cœur de sa musique sur "Waste my time", une plage qui mêle judicieusement orgue et cordes de grattes. Bonfanti est aux vocaux pour "When you come home", une très jolie ballade découpée dans les cordes acoustiques. Stevie Winwood avait écrit "Can't find my way home", en 1969, pour Blind Faith. Chargée d’émotion, la reprise est superbe. Autre cover, le "I'm a ram" d’Al Green, dont Warren Haynes avait réalisé une excellente adaptation. Ici elle est exécutée à la manière de Govt Mule. Une autre reprise le "Rooster blues" de Lightnin' Slim. Derrière ses ivoires, Milner est au sommet de son art, tout au long de ce shuffle bien saignant. Et une dernière, le "Don't you just know it" de Huey 'Piano' Smith, pianiste issu de la Nouvelle Orléans. Un morceau dont le climat de bonne humeur louisianais est entretenu par le piano de Milner. De toute bonne facture, cet opus live s’achève par "We can work together", une piste de plus de 10’, secouée par quelques soubresauts de cordes bien maîtrisés, mais conduite par la voix très R&B de Matt Taylor, dont le timbre est alors très proche de celui de Joe Cocker…
Tagada Jones nous vient de Bretagne. Ce groupe est responsable d’une forme de punk/rock alternatif qu’il chante dans la langue de Voltaire. Réalistes, les lyrics abordent des thèmes comme le respect, la liberté et l’écologie. Mais critiquent également la mondialisation, les manipulations, le capitalisme sauvage, le fanatisme ou encore le sexisme et l'intolérance. Ses influences majeures ? Parabellum, Les Sheriff, The Exploited, The Ramones, Bad Religion, Suicidal Tendencies et Bérurier Noir.
Avec plus de 1 200 concerts dans les gambettes, le combo nous propose son troisième opus ‘live’. C’est d’ailleurs dans cet exercice qu’il excelle. « Live Dissident Tour » est découpé en 20 pistes. Elles ont été immortalisées en terre vendéenne, avril dernier, aux Herbiers, dans le cadre du Festival ‘On n'a plus 20 ans’.
Sur les planches, Tagada Jones nous propose une musique brute de décoffrage, propice à la sueur et chargée de testostérone. Son énergie est débordante. L'interactivité, totale.
Le set s’ouvre par « Intro » qui raconte un peu l'histoire de France, depuis la guerre 40-45. On ainsi droit à un extrait de la Marseillaise, un discours de Charles de Gaulle, prononcé lors de la libération de Paris et des extraits de reportages radiophoniques dont celui diffusé suite à l'arrestation de Mesrine, pendant la guerre du Vietnam et d'Algérie.
« De l'amour et du sang » nous plonge enfin dans le bain. Un bain de souffre que reflète deux autres brûlots, « Instinct Sauvage » et « Le chaos », une piste sur laquelle les guitares tagalopent.
Caractérisé par son refrain accrocheur, « Nec'hed Mad » véhicule un message politique venimeux mais sincère. « Pavillon noir » amorce la « Descente aux enfers », deux compos qui remuent les tripes. Retour sur terre où « Tout va bien ».
Nico hurle sa rage à l’égard de la société au sein de laquelle il vit sur « Zéro de conduite ». Pas étonnant qu’un « Cargo », et plus exactement un pétrolier ait fait naufrage. Amorcé par des bruits de sirènes, « Les nerfs à vif » sont chargés d’électricité. C’est la crise et la révolution est en marche. Agrégeant punk, metal et hardcore, ce titre furieux figurait déjà sur un autre live, « 20 ans d'Ombre et De Lumière ».
« Vendetta » pointe un doigt vengeur en direction du Président de l’Hexagone, et surtout le pouvoir qu’il représente. « Dissident », c’est le titre éponyme du dernier elpee qui a donné le nom à cette tournée infernale. Les potes à Nico en ont gros sur la patate suite aux attentats perpétrés contre la rédaction de Charlie Hebdo et nous le font savoir sur « Je Suis Démocratie » et « Plus De Son, Plus D'Image ».
Quoique de bonne facture, ce long playing a moins de pêche que « 20 ans d'Ombre et De Lumière ». Pas qu’il soit de mauvaise facture, mais il manque de groove et le public est moins réactif. N’empêche, c’est bien sur les planches que Tagada Jones demeure le plus performant. Le choix de l’endroit pour immortaliser ce ‘live’ n’était peut-être pas le plus judicieux…
Texan, Morry Sochat est chanteur/harmoniciste. Il y a presque un quart de siècle qu'il a élu domicile à Chicago, afin d’explorer les arcanes du blues qu’il aime tant ; c’est-à-dire celui de Muddy Waters, Little Walter et Junior Wells, notamment. Ce qui ne l’empêche pas d’apprécier le swing et le véritable rock'n'roll, celui des fifties. Il a fondé son groupe, les Special 20s, en 2005. Dès l'année suivante, le band grave un opus éponyme. Et embraie en 2008, par "Swingin', Shufflin', rollin'" ainsi que "Eatin' dirt", en 2010, pour lequel il bénéficie du concours d’une section de cuivres. Pour célébrer son dixième anniversaire d’existence, Morry a publié "Dig in", un elpee réunissant neuf compositions originales et deux reprises.
Le line up actuel de The Special 20s implique le guitariste Shoji Naito (NDR : leader de Chicago Blue Aces, ce musicien japonais milite également au sein du backing band d'Eddie Clearwater, un des vétérans du Chicago blues), le bassiste Ted Beranis, le batteur Marty Binder, le saxophoniste Chris Neal ainsi que le muti-instrumentiste (saxophone, claviers, saxophone et lap steel) Doug Corcoran. Et lors des sessions, le remarquable gratteur local Billy Flynn est venu apporter sa collaboration.
"Pine Box" ouvre l’opus, un rock'n'roll enflammé au cours duquel Shoji décoche rapidement les premières salves de guitare avant qu’il ne soit relayé par le saxophone de Chris. Doug Corcoran s'applique derrière son piano alors que Morry se consacre au chant. Swing blues, "Little melody" est balisé par le saxophone et la guitare dont les interventions sont dispensées dans l’esprit de T-Bone Walker. Morry sort enfin son harmonica pour attaquer "Rodeo Gal" ; et c'est un véritable bonheur. Un excellent Chicago blues simple mais tellement efficace, souligné par des interventions de gratte particulièrement authentiques. Tout au long de "Big Red Rooster, la section rythmique libère naturellement du swing. Doug Corcoran en profite pour nous régaler de sa lap steel guitare parfaitement intégrée. Morry et Chris Neal chantent "Mary Jane", un funk nerveux caractérisé par un envol saignant à l'harmonica. La reprise du "The last time" de Jimmy Dooley est un Chicago shuffle torride. Sochat brille sur son instrument. "I've got what it takes" nous entraîne au cœur des la Nouvelle-Orléans. A cause du rythme imprimé par les percussions de Marty et puis des saxophones qui entrent en effervescence. "Baddest cat alive" est une compo homogène au cours de laquelle harmonica, cordes et piano font bon ménage. Corcoran est passé à l'orgue pour "As long as you're by my side" une plage aux accents funky r&b. Neal en profite pour se libérer au saxophone. Downhouse blues de bonne facture, "She's got it" libère un maximum de feeling. Excellent, cet LP s’achève par une cover originale et épatante du "The Honeydripper" de Joe Liggins, une version soulignée par un solo lumineux de Morry Sochat.
Le nouvel album de Dyonisos vous permettra de découvrir la véritable identité du vampire de l'amour, mais également de vivre d'autres surprenantes surprises (!?!?!)
"Vampire en pyjama" paraîtra le 29 janvier 2016.
Découvrez un extrait en cliquant ici !
‘Living By the Rules we’re Making’, le nouvel album de LYLAC, propose onze mélodies affranchies de toutes stratégies mercantiles.
Ce qui en fait un bien terriblement précieux.
Nous vous invitons à découvrir sur scène cet univers unanimement salué par la critique.
En concert:
05/02/2016 : Centre Culturel Action Sud – Philippeville
15/02/2016 : Centre Culturel Chênée (Province de Liège)
Heartbeat Parade est un trio dont les membres vivent dans 3 pays différents mais frontaliers : la France, le Luxembourg et la Belgique.
Sa musique reflète cette singulière réunion où les musiciens se répondent sur un terrain égal mais d'une manière assez décalée pour créer les légères failles et aspérités qui la rendent si captivante…
Le groupe tire ses influences de l'énergie du hardcore, des rythmes du métal et de l'éthique de la scène indie ; le tout agrémenté de samples de documentaires, de discours politiques ou encore de messages issus des médias afin d'exprimer ses idées. Un aperçu ? Voir ici
Décidément, le début de l’année 2016 continue d’alimenter la nécrologie des artistes. Glenn Frey, le fondateur des Eagles, groupe californien de country/rock qui a surtout marqué les seventies de son empreinte, vient de s’éteindre. Il n’a pas survécu aux complications d’une pneumonie consécutive à une polyarthrite rhumatoïde. Il avait fêté ses 67 ans en novembre dernier.
Fondé en 1970, les Eagles sont surtout devenus célèbres pour avoir commis « Hotel California », un tube incontournable pour tous les baba cools. Pourtant, le groupe a gravé 6 albums studio, mais est également responsable de quelques superbes compos comme « New kid in town », « Take it easy » ou « One of these nights ». En 1982, le combo s’était séparé, et Glenn avait entamé une carrière solo avec un succès certain (NDR : il avait ainsi apporté sa collaboration à la B.O. des séries ‘Le flic de Beverly Hills’ ainsi qu’à celle de ‘Deux flics à Miami’). En 1994, le band s’était reformé et il était reparti en tournée avec ses anciens camarades. Mais début du millénaire, Frey avait été éjecté du line up. Sans leur membre fondateur, les Eagles sont d’ailleurs toujours sur les routes et ont même publié deux albums depuis lors.
R.I.P.
Inna Modja se produisait le vendredi 15 janvier à l'Alhambra de Mons et le lendemain à l’AB. Votre serviteur a assisté au set du samedi. En langage peul, Inna Modja signifie ‘Inna la Mauvaise’ ; c’est le surnom que lui a attribué sa mère. D’origine malienne, Inna est le sixième enfant d’une famille qui en compte sept. A l'âge de 6 ans, ses parents l’inscrivent dans une chorale. Son père l’incite à écouter la musique qu'il aime (Ray Charles, Ella Fitzgerald, Otis Redding et Sarah Vaughan). Si elle est naturellement influencée par la musique traditionnelle de son pays, elle s’intéresse ensuite également à celles de l’Occident. Aussi bien le punk, le trash, le rap, le hardcore, le heavy métal, que le blues, la soul ou le disco. Véritable éponge, elle les assimile toutes facilement. Rebelle, elle va frapper à la porte de son voisin, Salif Keita, qui l'envoie faire ses premières armes auprès du Railband de Bamako, des papys qui pratiquent le jazz et la bossa nova.
Inna est une militante féministe très active. Elle milite pour la lutte contre la violence faite aux femmes et tout particulièrement l’abolition de l’excision. Faut dire qu’elle-même a été excisée au cours de son enfance. Très jolie, Inna est également mannequin et actrice. A ses moments perdus… Elle vient de publier son troisième elpee, « Motel Bamako », qui la replonge au cœur de ses racines maliennes.
J’imaginais, comme la veille, retrouver la diaspora africaine. Les Africains ont bien débarqué en nombre ; mais pas de trace des toilettes chamarrées. Ce qui ne va pas les empêcher de mettre une ambiance de dieu le père.
La première partie est assurée par un duo répondant au patronyme de J-Yves. Chapeau mou sur la tête, Shana Mpunga se consacre aux percus africaines (djembé et congas) et Jean-Sébastien Nemayechi à la guitare. Ils se partagent les vocaux. Le second est originaire du Pays des Collines, au Burundi, mais vit à Waremme. Anecdote, il a joué dans un épisode de la série ‘Camping Paradis’.
La musique de J-Yves oscille entre soul, funk, pop et world africaine. Les percus sont le plus souvent tribales. Les vocaux sont partagés entre harmonies et cris sauvages. Et pourtant, tout au long de « Wonderful », la foule reprend le refrain en chœur. « Tick Tick Song » est certainement la compo la plus contagieuse ; et c’est dans ce registre que la voix soul Jean-Sébastien se révèle la plus sucrée. Un set plutôt bref mais consistant qui s’achève par « To Get Lost ». A suivre de très près. (Pour les photos c’est ici)
Setlist : « When You Set Me Free » / « Street Lights » / « The Mojo » / « Wonderful » / « Tick Tick Song » / « To Get Lost ».
Deux écrans ont été installés au-dessus des portes d'entrée de la salle. Y défilent des slogans qui proclament : ‘Motel Bamako’, ‘Welcome’ et ‘Inna Modja’. Et c’est le même topo pour la toile qui tapisse l’arrière-scène. Comme pour enfoncer le clou, en attendant le début du spectacle. Inna est soutenue par un bidouilleur (synthés, ordinateur, etc.) et un gratteur. Coiffé d’un superbe chapeau, il est vêtu d’un costume traditionnel. Sa guitare est singulière, puisqu’elle compte 3 cordes en nylon et 3 en métal. Inna récite un texte avant d'attaquer « Outlaw », le morceau electro-tribal qui ouvre le nouvel elpee, un titre qui s’étale sur plus de 6 minutes. Nonobstant la présence d’un sixcordiste, la plupart des sonorités émane des machines, dont Inna se sert également. Elle porte un ensemble de couleur noire –laissant apparaître son ventre et ses avant-bras à travers des treillis ajourés– sur lequel elle a endossé une chemise colorée. Inna se déhanche sensuellement et brasse l’air de ses mains lorsqu’elle ne triture pas son instrument.
Elle interprète « Sambè » en bambara (langue officielle du Mali), en chantant ou en déclamant, sur des motifs sonores arabisants. Fascinant ! Des images défilent sur l’écran. Interprété en anglais, « Water » évoque le désarroi de la population malienne et issue des pays subsahariens confrontée à la difficulté de trouver de l'eau. Un blues du désert qu’entretiennent les tonalités de la guitare. Une halte s’impose à « Tombouctou », 'la ville aux 333 saints', également baptisée 'la perle du désert '. Balodji –dont le pays natal souffre également de la guerre–coécrit « My People ». Inna pleure ces conflits qui entraînent malheurs, famines et pousse les autochtones à s’expatrier. Le guitariste a alors troqué son instrument contre un tamani, un petit tambourin dont se servent les griots, qu'il frappe avec conviction.
« French Cancan (Monsieur Sainte Nitouche) » invite l’auditoire à investir le dancefloor. La foule reprend le refrain en chœur de ce tube qui a permis à cette artiste de se faire connaître. « Caroline » est une cover bien personnelle et surprenante de Mc Solar. Un bien bel exercice de style ! Le rappeur hexagonal Oxmo Puccino (NDR : également originaire du Mali) signe « Speeches ». Un titre engagé politiquement. Tout comme « Boat People », qui raconte l'histoire des migrants qui cherchent une meilleure existence, en fuyant la guerre, pour atteindre l’eldorado européen. « Going Home » clôt le set, une chanson qui parle de son retour au pays pour rendre visite à sa famille.
Elle revient cependant rapidement sur les planches, et accorde un très émouvant « Diaraby », dans un autre blues des sables chauds. Après la cover du « Buffalo Stance » de Neneh Cherry, le concert s’achève par la ballade « Kana Ta (Don't Go) », au cours de laquelle Inna Modja va s’autoriser un bain de foule. Et après avoir remonté sur l’estrade, elle nous dit simplement : 'A bientôt ! '. (Pour les photos, c’est là)
(Organisation : Ancienne Belgique)
Jupiter Bokondji est né en 1965, à Kinshasa, en République Démocratique du Congo. En compagnie de son groupe, Okwess International, il tourne sur le continent africain, dès le début des nineties. C’est au moment où il se forge une belle popularité, que la guerre civile éclate dans son pays. Pour échapper à la violence, certains membres du combo se réfugient en Europe, mais Jupiter, revient au bercail. Ce qui va accroître sa popularité. Ainsi, en 2006, il figure dans le documentaire ‘Jupiter’s dance’. Il attire alors l’attention des producteurs et musiciens occidentaux. Il est ainsi invité à participer à l’‘African Express tour’, en 2013 et publie son premier elpee “Hotel Univers”, en mai de la même année, aux Iles Britanniques, sous la houlette de Damon Albarn.
L’édition 2015 du Couleur Café a été marquée par une invasion de musique reggae et urbaine en tous genres. Heureusement, un vent frais est venu souffler sur le festival. Il a été apporté par Jupiter Bokondji et son Okwess International, grâce à un mélange entre tradition congolaise, funk, rock et soul issue des 70’s. Un style qu’il a baptisé ‘Bofenia rock’ et qui lui permet de dispenser des messages sociopolitiques engagés au gouvernement de son pays, mais également d’inciter ses concitoyens à mieux développer leur talent tout en exploitant au mieux leur potentiel. Et c’est en toute décontraction qu’il répond aux questions de Musiczine…
Okwess International, c’est un drôle de nom pour un groupe ?
Okwess est un mot kibunda, un dialecte parlé dans le Bandundu, une province de la République du Congo. Il se traduit en français par nourriture. Et cette bouffe est internationale.
Pour concocter ton album, tu as reçu le concours de Damon Albarn. Ce qui t’as aussi permis d’assurer la première partie de Blur à Paris et à Londres. Comment s'est opérée ta rencontre avec ce grand monsieur de la Britpop ?
C’est suite au documentaire cinématographique, ‘La Danse de Jupiter’ que j’avais réalisé. Les musiciens de Blur s’y sont intéressés et sont venus me voir au Congo ; et en même temps, ont voulu découvrir ce qui se passait sur la scène musicale. Nous étions alors en 2007 ; et c’est ainsi que tout a commencé…
Tu t’es produit au Roskilde de Danemark récemment. En fait, c’est la troisième fois que tu figures à l’affiche de ce festival. Une raison ?
C'est incroyable là-bas, les organisateurs sont très chauds à l’idée de nous inviter. Ils me contactent régulièrement. Peut-être aussi parce que j’apporte de la chaleur à leur programmation. En fait, j’y ai déjà participé à quatre reprises, dont une fois au sein du collectif 'Africa Express' (NDR : l’Africa Express a été fondé au Royaume-Uni en 2006 par Damon Albarn, le journaliste Ian Birrell et le producteur musical Stephen Budd). J’y ai vécu une formidable expérience. Elle m’a permis de rencontrer de remarquables musiciens et de me nourrir l’esprit...
Comment expliquer le succès de ton album, « Hotel Universe » ?
Sans doute, parce que le public ne s’attendait pas à écouter ce type de musique. Au Congo, il est passionné de rumba. Aussi, il imaginait sans doute que j’allais perpétuer cette tradition. Et j’ai ouvert la porte à un autre univers. Inédit. Qui suscite d’autres vocations. Tout en renouvelant la musique congolaise.
Dans ton pays, la nouvelle génération te surnomme le ‘Général Rebelle’. Une raison ? Es-tu devenu punk dans l'âme ?
Pas seulement ! On me baptise également 'espoir de la jeunesse' ou 'troubadour'. Je ne sais pas trop pourquoi. Peut-être parce que ma vision des événements est différente. Que je me suis rebellé contre les aînés. Il appartient à la nouvelle génération de réécrire l'histoire du Congo et celle de sa culture. Tout ce que nos parents ont raconté, c'est de la foutaise !
Te sens-tu proche de Staf Benda Bilili, Kasai All Stars ou Konono ?
Staf Benda Bilili sont des potes. Ils regardent vers le futur. Je leur ai filé un coup de pouce, parce que leur démarche est proche de la mienne. Qu’elle s’inscrit dans le cheminement que j’ai tracé. Quant à Kasai All Stars et Konono, ils jouissaient déjà d’une certaine notoriété avant moi.
L’évolution du Congo constitue-t-elle une source principale de ton écriture ?
Encore et toujours. Mais le Congo, c'est un monde nouveau et fertile. Pourtant, il n’est encore nulle part. Il est nécessaire de réécrire son histoire. J’y vis et je dispose de toutes les sources d’inspiration utiles et nécessaires pour y contribuer. La diversité du peuple congolais, c’est sa richesse…
Tu sembles apprécier la soul, donc les cuivres. Une raison ?
Ces instruments sont une valeur ajoutée à ma musique. Ils lui apportent du poids. A Kinshasa, 14 personnes militent dans mon backing group : section de cuivres, percussions et choeurs. Malheureusement, toute cette équipe ne m’accompagne pas en tournée, pour des motifs budgétaires. Je n’y emmène que six musiciens. C’est un problème, je l’avoue…
Ton père était diplomate en Allemagne. Tu y as donc vécu pas mal de temps. Ce n’est qu’en 1980 que tu es retourné dans ton pays natal. Tu sembles y avoir retrouvé rapidement tes racines...
En rentrant au Congo, je me suis intéressé à la musique traditionnelle. En Allemagne, j'écoutais James Brown, Jackson Five, Boney M et toute la production occidentale. En fait mon parcours est un peu bizarre. Dès ma tendre enfance, mon esprit a été rapidement imprégné de mysticisme ; car guérisseuse, ma grand-mère m’emmenait aux cérémonies. En revenant au pays, j'ai retrouvé, dans ma chambre, un tam-tam qu’elle m’avait laissé. Elle m’a ainsi transmis son pouvoir. J’ai commencé à en jouer, et c’est alors que ma vie a pris un nouveau tournant. Car ensuite, j’ai commencé à me produire lors des obsèques et des mariages. Mon père n’acceptait pas cette situation et a voulu me renvoyer en Europe. Alors, j’ai quitté la maison familiale et j’ai commencé à dormir dans la rue, les maisons abandonnées ou les immeubles en construction. Et même dans les demeures des défunts. C’est à partir de ce moment que j’ai entamé un long périple à travers le Congo, tel un enfant impatient de découvrir la musique traditionnelle. Au Congo, on compte plus de 450 ethnies. Et chaque ethnie est divisée en sous ethnies. Quand je suis revenu du Vieux Continent, j’étais aussi curieux qu’un petit blanc décidé à se documenter sur la culture congolaise. C'est ainsi que j’ai compris qu’elle était immensément riche et inépuisable.
Te sens-tu investi d’une mission ou te considères-tu simplement comme un explorateur de sons ?
J'ai une mission à remplir. Et je l’accomplis en me produisant à travers le monde. Il y a toute une génération qui me soutient. Ce qui me réconforte. Je n’ai pas voulu faire de la musique, c’est la musique qui m’a appelé…
Un artiste comme Peter Gabriel est parvenu à populariser la musique africaine et à lui donner une visibilité internationale. Comme par exemple lorsqu’il a lancé Youssou N'Dour. Que penses-tu de son initiative.
Tous les chemins mènent à Rome…
D’origine angolaise, le kuduro commence à récolter un certain succès en Occident. Est-ce un exemple à suivre ?
Je ne connais pas le kuduro ; néanmoins, un tel engouement me réjouit. Et je ne peux qu’encourager ce type d’initiative. Les racines du monde sont africaines. Je ne suis pas le seul à le penser. S’intéresser à sa musique traditionnelle est donc fondamental. Un acte qui reflète une pensée positive…
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