Issus de la côte ouest des Etats-Unis, ces deux garçons talentueux nous ont pondu un des meilleurs albums de hip hop entendus cette année. Après plusieurs écoutes de cet elpee déroutant, on se laisse envoûter par le télescopage opéré entre les beats éclectiques et le flow agile de Blu. Mainframe manifeste un talent incontestable pour recycler presque tels quels des vieux titres soul. A l’instar du « See and Don’t See » de Mary Queenie Lyons ou encore un morceau de John Lennon sur l’intimiste « Hold On John ». On n’est pas ici en présence de pompage facile, dans la mesure où les paroles du morceau original complètent et répondent parfaitement aux rimes de Blu. Sur d’autres plages, Mainframe n’hésite pas à aborder différents genres musicaux (rock psychédélique, disco, soul), comme dans la folle intro du disque, « J and J » où une myriade de beats se succèdent pour s’adapter aux paroles de Blu. Bref, un disque riche en surprises et surtout d’excellente facture. Chaudement conseillé !
Agé aujourd’hui de 57 ans, Kim Field est issu du Nord-ouest américain. De Seattle très exactement. Avant d’opter pour l’harmonica, il était d’abord trompettiste. Chanteur et guitariste, aussi. Une décision qui date quand même de 1968. A l’époque, il avait été impressionné, lors d’un trip à San Francisco, par la prestation de James Cotton et de Paul Butterfield. Un événement qui va orienter son choix.
Il a entamé sa carrière à New York, chez les Sting Rays. Revenu chez lui à Seattle, il s’associe au chanteur noir Isaac Scoot, en compagnie duquel il signe deux albums. Puis au guitariste Louis X Erlanger (NDR : un ancien partenaire de Mink Deville) pour fonder les Slamhound Hunters. Le combo tourne en Europe et aux States et commet deux elpees : "4/1 mind" et "Private jungle". Kim a également écrit un livre consacré à histoire et au rôle joués par l'harmonica dans la musique américaine : "Harmonicas, harps and heavy brothers".
Le Mighty Titans of Tone constitue son dernier projet en date. Le line up implique le guitariste Steve Yonck, le bassiste Brady Millard-Kish (NDR : deux ex-Hudson Blues Band), le chanteur/drummer Billy Spaulding et un second guitariste qui double au chant, Eric Daw. " Blue smoke" est le tout premier opus du combo. Un ‘live’ ! Il a été immortalisé en septembre 2008, au Highway 99 Blues Club de Seattle. Pendant plus d’une heure, le combo alterne compositions personnelles et solides reprises.
Le quintet ouvre les hostilités par le "Texas Hop" de Pee Wee Crayton, un west coast blues très rythmé. Les cordes de Steve Yonck mènent la danse. Steve a manifestement bien intégré les techniques de ses maîtres ; et en particulier Hollywood Fats ou Junior Watson. Autre instrumental, la cover du "Don't lose your cool" d'Albert Collins opère un changement de style. Pour la circonstance, Eric Daw se révèle un excellent élève dans la technique du picking chère au Maître de la Telecaster! Kim Field entre en scène et s’installe derrière le micro pour attaquer une version engagée du "Good good lovin" de James Brown. Il sort enfin l'harmonica de sa poche et souffle aussi vigoureusement que clairement. Il embraie par "The girl that radiates that charm", une composition signée R and J isle, popularisée par Lynwood Slim et Mark Hummel. Et la sienne tient tout aussi bien la route, bénéficiant pour la circonstance d’excellents échanges de soli entre Kim et Steve. Imprimé sur un tempo très lent, le titre maître est ballade instrumentale dont la mélodie est, ma foi, fort jolie. Field est doté d'un fameux organe vocal. Une aptitude qui lui permet de parfaitement s’adapter aux schémas R&B. A l’instar de "It hurts to be in love", du "You're losing me" de BB King ou encore d’"Unchain my heart". Les deux autres vocalistes reçoivent leur instant de gloire. Tout d’abord Eric Daw. En interprétant le blues lent "A fool for you", une compo issue de la plume de Ray Charles et caractérisée par une très bonne sortie sur les cordes. Et puis Billy, le drummer. Il se réserve une version très R&B du "You belong to me" de Magic Sam. Field et son ami local Henry Cooper ont coécrit "Dis pas ça". Rock'n'roll zydeco, ce moment de bravoure se révèle très participatif. Enfin, la reprise du "That's the chance you've got to take" de Johnny Guitar Watson est de toute bonne facture. Pour un travail d'artisan, le résultat est vraiment remarquable…
Il est à peine âgé de 24 ans ; et pourtant, Pablo Diaz-Reixa, alias El Guincho, semble avoir déjà vécu plusieurs vies. Promesse de la littérature et hériter du réalisme magique, ce jeune espagnol avait reçu un prix pour ses talents d’écrivain. Après avoir raté un de ses romans, il a été viré par son éditeur. Pablo décide alors de se lancer dans la musique. Et il commence à gagner sa vie en composant des B.O. pour des documentaires. Il tourne aussi en compagnie de la formation Coconut, avant de s’acheter un sampler et un ordinateur pour concocter des compos plus personnelles.
A l’origine, El Guincho a pressé lui-même « Alegranza » et en a vendu quelques milliers d’exemplaires en Espagne. Intrigués par le phénomène, les messieurs de XL Recordings donnent ensuite à El Guincho les honneurs d’une sortie européenne. Le curieux mélange proposé par notre homme est pour le moins désarçonnant. Pablo sample des boucles de guitares tropicales, des bribes de percussions africaines, pulse le tout avec des beats fracassés et recouvre le tout d’une couche d’étranges harmonies vocales. Le principe de base de l’album s’appuie sur la répétition pour induire la transe. Les mêmes motifs mélodiques sont exploités tout au long d’un morceau. Le tout est traversé par des sonorités dispensées à l’infini, pour donner l’impression d’assister à une cérémonie occulte au fond de la jungle, après avoir bu toute la potion du chamane. Les neuf titres d’« Alegranza » rappellent les travaux des défunts Bentley Rythm Ace (les trentenaires doivent s’en rappeler) ainsi que le psychédélisme rêveur et répétitif de Panda Bear. En beaucoup moins réussi. Et pour cause, l’expression sonore baigne un peu trop dans un tropicalisme un peu toc.
En effet, la formule de Pablo, qui fonctionne très bien sur « Palmitos Park », « Costa Paraiso » et « Antillas », révèle assez vite ses limites sur la longueur d’un album. Les bidouillages prennent le pas sur les mélodies et la forme finit par compter plus que le fond. Gageons que Pablo sera mieux inspiré la prochaine fois ; si toutefois il ne s’invente pas une autre vie entretemps…
Lorsqu’une revue de presse compare une formation à d’énormes pointures comme Nirvana, Joy Division et Wire, celle-ci a grand intérêt à se montrer à la hauteur de ses prétentions. Die! Die! Die! prend donc le départ en affichant un handicap conséquent. La formation néo-zélandaise publie donc un second recueil supposé faire le lien entre l’intelligence des œuvres de Wire, l’opacité de Joy Division et l’acrimonie d’un Nirvana.
Mais la réalité est toute autre. Bien que « Promises Promises » soit admirablement cathartique, Die! Die! Die! se plonge inexorablement dans une bouillie chronophage aux riffs convenus et aux cantabiles monotones et exacerbés. La plage d’ouverture, « Blinding », donne le ton d’une suite de compositions au style fâcheusement académique et dont aucun extrait ne se démarque. Passons gentiment notre chemin…
Billy Boy Arnold William est loin d’être un inconnu. Ce chanteur/harmoniciste de couleur noire est né à Chicago. Ce qui n'est certainement pas un handicap pour un bluesman ! Il est aujourd’hui âgé de 73 balais. Ses premières leçons de musique à bouche, il les a reçues vers 12-13 ans. Son professeur ? John Lee ‘Sonny Boy’ Williamson. Excusez du peu ! En concoctant cet opus, il a voulu rendre hommage au mythique maître, disparu tragiquement en 1948. Ce témoignage paraît donc, lors du soixantième anniversaire de ce douloureux événement.
En 51, Mr Arnold entamait sa carrière aux côtés d'un jeune bluesman qui allait devenir célèbre sous le nom de Bo Diddley! C'est sur le label Vee-Jay que Billy Boy devait, au cœur des années 50, sortir ses plus grands succès ; c’est-à-dire "I wish you would" et "I ain't got you", deux fragments imprimés sur le fameux Bo Diddley beat, soutenu par Jody Williams à la guitare. Après être resté longtemps dans l'ombre, il devait célébrer son retour en signant pour le label Alligator, alignant "Back where I belong" en 1993, "Eldorado Cadillac" en 95 et "Boogie 'n' shuffle" en 2001.
Pour enregistrer “Sings Sonny Boy 'John Lee' Williamson”, BB Arnold a reçu le concours de collaborateurs particulièrement affûtés. Pour la plupart des vétérans. En l’occurrence le bassiste Bob Stroger, le drummer Willie ‘Big Eyes’ Smith, le pianiste/guitariste Mel Brown et le notoire guitariste/mandoliniste de couleur blanche Billy Flynn. L’elpee réunit quinze compositions de Williamson et deux plages écrites par Arnold.
"New jail house blues" est imprimé sur un tempo nonchalant. Flynn accomplit un superbe solo sur la mandoline. Entraînant et dynamique, "Around this old juke tonight" est issu de la plume de Billy Boy. Le piano de Mel Brown participe activement au tempo boogie woogie. Tout au long de son "Squeeze me tight", il emprunte le célèbre riff bien connu de "Help me", Flynn est à nouveau très en verve sur les cordes. "Half a pint" est une plage percutante. Très tonique et suivi de près par les cordes de Flynn, l’harmonica d’Arnold y explose littéralement. Cet album ‘tribute’ est très conventionnel. BB joue dans le style de son mentor. Il est particulièrement émouvant lorsqu’il aborde le blues lent. A l’instar des excellents "Decoration day", "Black gal blues" ou encore "Collector man blues". Sur les morceaux plus rythmés, Billy Boy se révèle un digne héritier du style Sonny Boy. Et il le démontre tout au long de "Rub-a-dub". Arnold n'a pas pour autant boudé les compositions les plus notoires de Williamson. Elles sont cependant concentrées en fin de parcours. Et notamment le standard "Good morning little schoolgirl", "Sugar Mama", "Tell me baby" et le fragile et si beau "Springtime blues".
Cet elpee rend un vibrant hommage à l'un des plus grands stylistes de l'harmonica dans le monde du blues. Disparu alors qu’il avait à peine 34 ans, John Lee Williamson avait enregistré plus de 120 chansons dans les années 30 et 40. Il avait joué aux côtés de Big Bill Broonzy, Big Joe Williams, Yank Rachell, Sunnyland Slim, Big Maceo, Eddie Boyd, Willie Dixon, et bien d’autres…
Afronaut, beatmaker membre du collectif anglais Bugz In The Attic, est parti à la découverte de la scène musicale de Porto Rico. Il y a habité pendant un an et a eu l’idée de collaborer en compagnie d’artistes locaux. Et notamment Giovanni Hildago, Cachete, Hector Calderon et Totin. Dans l’aventure, il a aussi emmené quelques amis anglais comme Mark de Clive, Neon Phusion et Senji, producteur de Roisin Murphy présent sous le pseudo de Oreja.
Structurellement, le menu est simple. Une flopée de percussions indigènes interprète des rumbas, des rythmes afro-cubains ainsi que quelques patterns typiques de la salsa. Les chanteurs portoricains soumettent quelques uns de leurs titres à des remixes dans une veine très ‘lounge’. A charge de l’électronique (entre broken beat et house moyennement pêchue) de fédérer les quatorze titres de l’elpee, pauvre en surprises et un poil monotone. Le travail est certes soigné, mais « Hecho en Casa » n’est qu’un disque d’ambiance de plus ; et Dieu sait s’il en existe déjà beaucoup sur le marché. On imagine que sous le soleil, ce concentré tropical doit sûrement faire un peu plus d’effet. A Bruxelles, par une journée pluvieuse, ça marche beaucoup moins bien. A vous de voir ce que cette solution sonore provoque…
Il y a déjà plusieurs années que le collectif liégeois fait partie de ces irréductibles indépendants qui s’efforcent de faire connaître le rock du terroir à leurs concitoyens. Mais les activités de Jaune Orange ne s’arrêtent pas à ce stade. Le collectif organise de nombreux concerts dans la région de Liège, en marquant une nette préférence pour le rock underground et indie. Ce quatrième volume réunit les travaux récents des anciennes et nouvelles recrues du label. Et comme d’habitude, il est copieux. Les plus connus (Malibu Stacy, Girls In Hawaii, Hollywood Porn Stars, Superlux) côtoient les vétérans (7ven Pm, Vancouver) ; mais aussi quelques nouvelles recrues prometteuses, comme les très bons Dan San. Les styles musicaux se télescopent : du rock bien graisseux à l’électro pop, quasiment tous les courants gravitant autour de la planète rock sont représentés. Au sein de cet opulent menu, on épinglera l’excellent folk psychédélique de Dan San, les tranches de rock sautillant et efficace de **Two-Star Hotel, mais aussi de Hollywood P$$$ Stars, la belle pop très ‘New Order’ de Tsu, le noise rock reptilien d’Electric Ladies Blues (sur le judicieusement intitulé « Motherfucker ») et l’élégance mélodique des Girls In Hawaii, qui pour l’occasion reprend les excellents Spinvis sur « Voor ik vergeet ». Un cru de bonne qualité, donc, de la part d’une structure qui mérite tout le respect possible. Longue vie à eux !
Quand on prononce le mot funk, de multiples références nous viennent immédiatement à l’esprit. Et en particulier Parliament, Jimy Castor Bunch, Bootsy Collins ou l’inévitable Georges Clinton. Encore que cette liste d’artistes ne représente, pour les érudits, qu’une pâle liste de tous les artistes qui y ont vendu leur âme. Par contre, pour les profanes et le tout public, Jay Kay et sa troupe Jamiroquai figurent en tête de liste. Et Magnus Tingsek alors ? Ni pour les uns, ni pour les autres, le nom de cet artiste ne leur est jamais venu à l’esprit. Et pour cause, l’artiste suédois est plutôt étranger aux paillettes et aux couleurs saturées qui inondent cet univers où le superficiel et le clinquant sont roi. L’image reproduite sur la pochette est banale. Et même plutôt sombre. L’artiste est coiffé d’un bonnet et chausse des bottes en caoutchouc. Ici pas de coupe afro ou de drapeau aux milles étoiles. Les fjords et le froid sont le berceau du chanteur. Cependant, derrière cette austérité se cache un univers lumineux plutôt alléchant. Comme à l’entrée d’un bouiboui qui ne paye pas de mine vu de l’extérieur, mais qui recèle des pièces mystérieuses. C’est derrière une porte dérobée, où un rideau de perles en plastique sert de filtre, qu’une fois la tête passée à l’intérieur du bâtiment, on pénètre au cœur dune ambiance sulfureuse. Un lieu rempli d’alcôves confortables au sein duquel des couples désinhibés, se mélangent les uns aux autres, sans retenue. Des pièces d’eau où des bougies parfumées et flottantes, croisent des pétales de fleurs rares. Entre luxure et rythmes endiablés, une symbiose s’opère. La douceur des mélodies de « Too Many Feelings At The Same Time» se projette sur les corps, laissant une trace de sueur salée et sucrée à la fois. La légèreté des accords de piano, laissent apparaître des coups de basses qui flagellent nos sens. La voix de Magnus est charmeuse et flottante. Aussi, c’est les yeux bandés que l’on se laisse attacher aux compositions ‘érotisantes’ de Magnus. Au cours de cette agréable surprise sonore, le funk est réhabilité et nettoyé du superflu, le blues sert de référence, pendant que le plaisir et le désir scellent l’ensemble. Soyez quand même attentifs, surtout pour les plus épicuriens d’entres vous, à l’éventuelle addiction que l’album pourrait vous procurer…
De son véritable nom David Kiefer, San Pedro Slim est issu de Los Angeles, même si depuis peu, il s’est installé à Costa Mesa . Un harmoniciste particulièrement apprécié au sein des milieux branchés. Au cours des années 90 , il avait commis un premier elpee intitulé "Another night in the town", sur le label hollandais Tramp Records, cher à Paul Duvivié. A l’époque il avait accompli un périple en Europe. Il s’était même produit au Grand Mix de Tourcoing, flanqué du guitariste Henry Carjaval, un musicien qui milite aujourd'hui chez les Mighty Flyers de Rod et Honey Piazza!
Il est resté un proche du clan Piazza ; car pour ce second opus, il a bénéficié du concours de Rick Holmstrom, le gratteur qui avait précédé Carjaval au sein des Flyers. Et force est de reconnaître que le niveau musical est ici très élevé. Andy Kaulkin au piano est irréprochable et la section rythmique (NDR : issue de Detroit), constituée du bassiste Dale Jennings et du drummer Donny Gruendler, est particulièrement solide. Slim est un compositeur et un conteur talentueux. Il signe les onze plages de ce "Barhoppin", dans un style immédiatement identifiable : le West coast blues.
"If I had my way" ouvre l’elpee. Une compo qui baigne dans le Chicago blues classique des années 50. Toutes les interventions d’Holmstrom sur son manche, sont savoureuses. "You're a vedil now" glisse vers le west coast, un style saturé de swing. Pour notre plus grand bonheur, Holmstrom est dans une forme réminiscente des meilleurs jours vécus chez les Flyers. Il est intenable. Dès que l’occasion se présente, ses cordes occupent le devant de la scène. Et il y porte une véritable empreinte de maître. Les cinq musiciens participent à "Door to door", un Chicago blues souverain caractérisé par un son pourri, comme ce n’est pas possible. La voix de Slim colle parfaitement à son sujet, pendant que Kaulkin libère toute son énergie derrière ses claviers. Pour la première fois, San empoigne sa musique à bouche. Une excellente intervention, manifestement inspirée par le dieu Little Walter. Il chante "When will I get my time". Un blues lent, dépouillé, qu’il interprète d’un timbre chargé de passion, de vitalité et d'émotion. Les arrangements sont minimalistes. La basse est acoustique. Les balais caressent les peaux. Dénuées d’amplification, les cordes de Rick sont bouleversantes. Andy ne concède que les notes indispensables sur ses ivoires. Rick amorce le titre maître. Le son de cette plage instrumentale est complètement pourri. La symbiose opérée par les différents écrase tout sur son passage. Le riff dramatique de "Tables do turn" est emprunté au fameux "Help me" de Sonny Boy Williamson. De bonne facture, cet elpee s’achève par une compo intitulée "Testify". Un morceau qui baigne au sein d’une atmosphère nonchalante et blafarde. Celle des marais louisianais. Réverbérés, les accents dispensés par les cordes de Rick se traînent.
Kaulkin est un musicien particulièrement talentueux. Il s’est illustré auprès de Billy Boy Arnold, Janiva Magness, Rick Holmstrom, et a participé à la dernière aventure de Lester Butler. Et ça c'est une référence ! Il compte un album solo à son actif : "Six foot seven and rising". Qui remonte quand même à 1996. Un personnage qui a participé aux sessions d’enregistrement du "Groove time" de William Clarke. C’était déjà en 94.
L’extravagant Kevin Barnes et ses cinq joyeux drilles n’ont pas chômé. Un peu plus d’un an après avoir concocté un « Hissing Fauna, Are You the Destroyer ? » unanimement acclamé par la presse et les fans, of Montreal présente un neuvième recueil encore plus surprenant, décalé et hétéroclite. Moins accessible que son précédent opus, « Skeletal Lamping » s’apprivoise lentement mais sûrement, les quinze morceaux de la plaque formant un cocktail très disparate de rock, noise et de pop, souvent mâtiné de funk et de R’n’B. of Montreal se joue une nouvelle fois des conventions. Kevin Barnes dirige ses admirateurs vers la piste de danse (« For Our Elegant Caste », « ID Engager », « An Eluardian Instance », l’excellent « Gallery Piece ») pour ensuite les mitrailler de riffs assourdissants (« Nonpareil Of Favor ») avant de les ensorceler au son de ballades analgésiques (« Touched Something’s Hollow », « Death Isn’t A Parallel Move »).
A l’image de la personnalité de leur interprète, les mélodies complexes ainsi que les textes hédonistes et subversifs de « Skeletal Lamping » s’enchaînent d’une traite, ne laissant aucun espace à une quelconque réflexion. Le nouveau kaléidoscope des Ricains de of Montreal s’écoute donc d’un bloc. Et si l’impression d'entendre une quinzaine de recueils différents en l’espace d’une heure peut parfois s’avérer imbuvable, le savoir-faire de la formation permet à la formule de fonctionner si naturellement que l’ensemble paraît presque cohérent. « Skeletal Lamping » s’adresse donc avant tout aux fans et aux amateurs de défis auditifs.
Originaire de Trenton, dans le New Jersey, Mikey Jr ne compte que 26 balais. Pourtant, il y a déjà de nombreuses années qu’il s’est converti au blues. "Mikey likes it" constitue déjà son quatrième opus. Il fait suite à "Mikey Jr and the Stone Cold blues : The 420 sessions", paru en 2003, ainsi que "The New York City sessions" et "Look inside my pocket", édités tous deux en 2006.
Mikey a décidé de s’attaquer à des sommets du Chicago blues. Dès les premiers accords de la cover du "Everythings gonna be alright" de Little Walter, on est directement pris à la gorge. A cause de l’amplitude sonore affichée par l’harmonica. Cette emprise ne cessera d’ailleurs qu’à l’issue de l’écoute de l’album. Il faut dire que les musiciens forment un ensemble particulièrement homogène. L'atmosphère enfumée des cabarets envahit "Treat me right". Mikey chante d’un timbre empreint d’une grande quiétude. C’est impressionnant ! La basse acoustique de Mike Lampe est à l'avant-plan. Adam Stranburg secoue timidement ses balais. Le talentueux Bill Heid joue parcimonieusement sur son piano. Le souffle de Mikey arrache des sonorités d’une d'une tristesse inouïe. Sonny Boy Williamson I n’est pas loin. Junior possède une bonne voix. Très musicale. Elle colle parfaitement à "I'm ready", un canon de Willie Dixon, emporté une nouvelle fois par la puissance naturelle de son souffle. Jazz et swing se partagent équitablement l’espace sonore de "The prowler", un morceau au cours duquel sa prouesse instrumentale sur l'instrument chromatique est stupéfiante. Le jeune prodige Dave Gross manifeste une aisance technique tout aussi remarquable. Sa sensibilité sur les cordes embrasse un registre purement jazz. Cette atmosphère feutrée est entretenue sur "She's my baby". Classique, "Out go the lights" ne montre aucun signe de faiblesse. Jr souffle d’ailleurs aussi facilement et dans le même style que Little Walter. Quel plaisir de le retrouver au sein du répertoire de George ‘Harmonica’ Smith. Et en particulier lors de son adaptation de "Tight dress woman". Le rythme est soutenu. Il est épaulé secondé par les cordes de Dave Gross (NDR : le jeune maître !) et le piano versatile de Heid. Sa maîtrise sur l'instrument chromatique est un vrai régal pour nos oreilles. Il étale toute sa virtuosité sur son instrumental "Car trouble". Jr voue également une admiration sans bornes pour Rice Miller, Sonny Boy II. C’est une évidence à l'écoute de "Mighty long time" et du remuant "Every morning". "Back door man" est une compo popularisée par Howlin' Wolf. Sa version est saignante. Mikey chante dans son micro astatique afin de communiquer son sentiment de mal-être. Dave Gross est également impliqué aux cordes sur un autre instrumental. Intitulé "What you say", ce morceau permet à l’harmonica d’accomplir des échanges de haute volée. L’exercice opéré entre les deux artistes est impressionnant ; surtout quand on connait le très jeune âge des deux complices. Etonnant et remarquable, cet elpee s’achève par "Silent night", une plage paisible qui dénote quelque peu dans l’ensemble.
La première impression est plutôt positive. Comment en effet ne pas être séduit par un patronyme inspiré par l’écrivain américain John Fante (NDR : à découvrir absolument) ? En outre, quand on sait que l’immense Charles Bukowski inspire une de leurs chansons, l’a priori est plus que positif ! Cette euphorie passagère passera-t-elle le test de la première écoute ? Elle est en tout cas quelque peu ternie par l’affreuse pochette de l’album…
Quatuor français issu de la région de Lille, emmené par Jean-Christophe Martin, Fante publie son premier album sur le label Desperate Journalists. Le groupe s’est fait connaître, en grande partie, sur la toile ; en outre, il bénéficie du soutien de JD Beauvallet des Inrocks.
Dès la première écoute, l’auditeur est propulsé dix ans en arrière. Chez les groupes phares de la scène indie américaine, nés au cours des nineties. Tout ici pousse à se replonger dans les œuvres fondamentales de Pavement, Violent Femmes ou des Pixies. Production lo-fi comme le demande le genre… Petite impression d’amateurisme pas dérangeante le moins du monde. Les Lillois suivent à la lettre les leçons du parfait petit groupe indépendant Le travail ne peut dès lors que convaincre les fans des groupes susvisés. Pour les autres ça risque d’être plus difficile… La sécheresse des mélodies ainsi qu’une certaine monotonie ambiante ne sont certainement pas des atouts qui parlent en leur faveur… Pourtant, le groupe excelle lorsqu’il s’énerve. « Fumetti » et « Hunter S. Tellar » en sont de parfait exemples. Et le titre maître aurait mérité de se figurer sur le « Brighten the Corners » de Pavement. Une raison suffisante pour justifier l’existence de l’opus…
Aussi, on accordera une mention ‘bien’ pour ces petits frères picards de Stephen Malkmus. Fante ou la preuve qu’en rêvant fort de l’Amérique, il est possible de s’y téléporter, le temps d’un album. Le groupe est à la recherche d’un manager. Avis aux amateurs !
Sorif signifie en berbère, un pas en avant. Fondé en 2001, ce groupe franco-kabyle porte de manière fort juste son nom de scène. En effet, que ce soit en France ou au Bled en Algérie, les kilomètres parcourus de salles en salles sont des pas mis les uns derrière les autres, qui les mènent petit à petit vers la reconnaissance de leurs pères. Il y a 8 ans que Sorif écume les scènes pour propulser son énergie et son envie d’avancer vers un public toujours plus nombreux. La troupe vient enfin de penser à graver, si pas dans la roche, tout du moins dans le polycarbonate, leur premier opus : « Thamzi ». Un elpee qui réunit 13 pistes, chantés en algérien et en français. On y croise autant les percus, la darbouka que de beats beaucoup plus occidentaux. Entre reggae et accords manouche, ces français du Nord démontrent leur envie de réussir un métissage, accessible à tous. Malheureusement, il est difficile de saisir la profondeur des textes. Et pour cause, ils sont exprimés, la plupart du temps, en kabyle. Heureusement, dans ce style musical, la voix est un instrument à part entière ; et les différentes variations qu’elle apporte sont particulièrement appréciables. Si cet elpee est un peu complexe à décrypter, il est cependant très susceptible de faire remuer la tête des personnes curieuses de pénétrer un style peu commun aux mouvements musicaux qui nous entourent.
Mark Hummel est né en 1955. A New Haven, dans le Connecticut. Sa famille a cependant rapidement émigré vers L.A., en Californie. Un Etat au sein duquel il vit toujours, mais du côté d'Oakland, près de San Francisco. Il conduit son groupe depuis 1977 : les Blues Survivors. En 85, la formation sort un premier album. Intitulé "Playing in your town", il paraît sur leur propre label Rockinitis. En 1988, il rencontre la chanteuse/guitariste canadienne Sue Foley. Le duo décide alors d’enregistrer un elpee : "Up & jumpin". Pourtant, l'artiste est avant tout un ‘road warrior’. Un combattant des scènes, si vous préférez. Un véritable Blues Survivor. Il foule d’ailleurs les planches de notre planète terre depuis 20 ans. Il a également signé quelques long playings chez Flying Fish et Electro-Fi.
Pour "Odds & ends", Mark Hummel a décidé de se faire plaisir. Il y propose un condensé de trois de ses premières productions ; c’est-à-dire le "High & jumpin" susvisé, "Highsteppin", un opus édité sur le label hollandais Double Trouble et une obscure collection intitulée "Sunny day blues", un disque paru en 1990 sur le label italien DeLuxe. Ces œuvres sont de véritables disques de collection et sont quasi-introuvables sur le marché aujourd’hui. Hummel est un authentique bluesman. Un tout grand ! En outre, pour notre plus grand bonheur, il est ici soutenu par une pléiade de musiciens talentueux.
D'entrée, l'artiste nous réserve une belle surprise. Un titre enregistré en 2006. A Santa Cruz. En compagnie du jeune prodige norvégien Kid Andersen (NDR : il a côtoyé Charlie Musselwhite et seconde aujourd'hui Mark Estrin au sein des Nightcats). Il s’agit d’une superbe reprise d’un des meilleurs titres du répertoire d'Otis Rush : "Double Trouble". La sonorité entretenue par Kid évoque Rush, mais sa manière d’économiser ses notes, lorgne manifestement vers Peter Green. Mark chante et souffle comme un dieu.
Huit plages sont extraites d’"Up & jumpin". La cover puissante du "Honey, don't let me go" de Jimmy Reed. Paris Slim est aux cordes pendant que notre Mark souffle allègrement dans les aigus. Une version nerveuse du "Rockinitis" de Billy Boy Arnold. L’adaptation torride du "Lonely lonely nights" de Guitar Slim ; une plage au cours de laquelle Ron Thompson se charge de la slide et John Firmin du saxophone. Le percutant "Go on fool", un morceau qui baigne dans l'ambiance festive de New Orleans. Plusieurs compos bénéficient du concours de la délicate rouquine Sue Foley. Et notamment le remuant "Look what you done" de Magic Sam, un fragment caractérisé par une sortie brillante de Shorty Lenoir. Le "Jump with you baby" de BB King. Le slow blues "How long I have to wait", une chanson écrite et chantée Sue Foley en 1988 (NDR : son timbre est tellement reconnaissable !) Et enfin "Summertime", un instru qui bénéficie de la participation de Charles Brown au piano ainsi que de Buddy Reed.
De "Sunny day blues", j'épinglerai "Easy", son hommage rendu à Big Walter Horton, le "Dig that crazy chick" de Louis Prima, au cours duquel Randy Rattray se réserve le manche, le solide "Highsteppin" et le galopant "Keep a knockin", une plage au cours de laquelle Pat Chase se distingue à la guitare pendant que Hummel se révèle un furieux rock' 'roller.
Enfin, si je ne m’abuse, deux morceaux sont également issus d'un autre elpee paru en 81 chez Double Trouble : "Harmonica Party". Tout d’abord "Feelin good", un long boogie qui bénéficie à nouveau du concours de Franck Goldwasser, et "Don't boss me", un morceau signé Rick Estrin. Comment ne pas remercier Mr Hummel pour nous procurer cet immense plaisir de redécouvrir de tels témoignages de son passé ?
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