The Old Haunts est au rock ce que Judith Godrèche est au cinéma français : une potiche fadasse et anecdotique, jouant constamment de la même manière. « Poisonous Times » est une œuvre irritante ; et même une écoute ultra rapide n’y change rien. De plus, les tentatives flagrantes de Craig Extine d’interpréter ses écrits de la même manière que Jack White sont, au bout de quelques morceaux, tout à fait risibles. Seules les ballades (« Sunshine », « Hung Up On The Down Side », « In Revolt » et un « Dressed As Thieves » à la Babyshambles) donnent du cachet à l’ensemble, évitant ainsi la nausée à l’auditeur réfractaire. En bref, « Poisonous Times » est un de ces recueils qui finiront par encombrer le fond des bacs de soldes…
Certaines bios annoncent cet album comme le quatrième de l’Australien. D’autres comme le troisième. En fait, l’intéressé à sorti un elpee sur un label indépendant en 2002. Il s’agit donc bien de son quatrième. L’enregistrement de « Summer at Eureka » a été réalisé au sein des propres studios de Pete, un studio qu’il aménagé tout récemment. Il s’est également chargé de la production. Cet auteur/compositeur australien voue une grande admiration à Nick Drake, Bob Dylan et Neil Young. Et manifestement, sa musique baigne au sein d’un climat très seventies. Sur son dernier elpee, il a accordé davantage de place à l’électricité ; et son toucher de guitare peut même rappeler celui de l’illustre Canadien. Malgré l’énorme succès récolté au pays des kangourous (NDR : il a été nominé 7 fois aux ARIA et de nombreuses de ses chansons ont figuré ou figurent encore dans les charts aussie) et son talent incontestable, Murray vit toujours dans le passé. Illustre, sans doute. Mais passé et dépassé, quand même…
Mist est un duo originaire d’Amsterdam. Il propose ici « Period », son troisième opus. Ecrit et enregistré entre 2005 et 2008, « Period » fait suite à des « We Should Have Been Stars » et « Bye Bye » passé inaperçus hors de la frontière linguistique. Il est triste de constater que ce nouvel ouvrage, à l’écoute de son contenu en demi-teinte, risque fort de connaître la même destinée. Des morceaux tels que « Born In The Summer Of Love », « Escape Lane », « Going On » et « Grand And Humble » attestent de la recherche d’authenticité et de la volonté de la formation de sortir des sentiers battus. Mais la majorité de ce « Period » se fond inexorablement dans la masse et les influences évidentes et convenues (Radiohead, Coldplay et consorts) de Mist s’étalent de long en large au sein de la plaque. Les quatre morceaux précités valent assurément le détour. Dommage que le reste ne suive pas…
Apparemment, les Fleshtones ont voulu se payer un album récréatif en hommage au père Noël. Une majorité de titres sont inspirés par la musique surf des 50’s, même si on distingue certains accents empruntés aux débuts des Beatles. Les clins d’œil adressés à AC/DC sur « Six white boomers », Jerry Lee Lewis sur « Christmas with Bazooka Joe » et surtout Johnny B. Goode de Chuck Berry tout au long de « I still believe in Christmas » manquent quand même de subtilité. Aussi, malgré toute l’estime que je porte au groupe newyorkais, il faut avouer que cet elpee est loin d’être indispensable.
Est-ce réellement nécessaire d’introduire le célèbre fils de l’écrivain Philippe Delerm ? De mon collègue de bureau aux copines de ma petite sœur, tout le monde s’est déjà forgé une opinion bien arrêtée sur l’homme, l’artiste et ce qu’il est supposé représenter… parler de sa musique n’est donc pas chose aisée… Car c’est désormais un rituel immuable… chaque nouvel album de Vincent Delerm déclenche une mini-polémique à sa sortie !
Systématiquement rangé aux côtés de Bénabar dans la catégorie ‘nouvelle chanson française pour bobos’, il se permet, en outre, le crime de publier son quatrième album (NDR : en 6 ans) au même moment que celui de son compatriote. Pourtant, pas besoin de l’écouter en boucle pour s’apercevoir que tant au niveau des textes, de l’ambiance que des mélodies, Delerm se distingue et possède son univers propre. Sans hésitation aucune, il est le plus digne successeur d’Alain Souchon (qui apparait d’ailleurs le temps d’une phrase sur le single « Il y a un temps pour tout »).
Ecouter une chanson de Delerm, c’est se retrouver, l’espace d’un instant, témoin d’une tranche de vie. En quelques mots, il parvient à nous transporter dans l’Hollywood des sixties ou à nous donner la place de témoin privilégié d’une rencontre entre deux ex-amants dans un petit restaurant que l’on imagine parisien (« Allan et Louise »). Sans être magnifique de technique, sa voix est douce et plaisante. Toutes les chansons ne sont pas du même niveau mais certaines se détachent du lot. « Tous les acteurs s’appellent Terrence » ou « Il y a un temps pour tout » figurent à coup sûr parmi les plus belles chansons françaises de l’année ! Les orchestrations sont fines et soignées. Les mélodies bien souvent originales et réussies. De plus, de nombreux intermédiaires parsèment le disque lui conférant de ponctuels bols d’air frais sans lui enlever son unité. « Le cœur des volleyeurs » et « Dans tes bras » en sont de parfaits exemples et contiennent de plus des petits exercices de ‘namedropping’ chers à Vincent Delerm. Notons la participation à cet elpee, de la révélation française de 2007, Peter Von Poehl.
En ces temps annuels de classements, « 15 Chansons » est donc élu album de chanson française de l’année ! Cette ultime récompense vous poussera peut-être à aller le découvrir sur scène où sa bonne humeur communicative, son ironie et son contact permanent avec le public font, paraît-il, des ravages.
Cornflakes Heroes ? En voilà une idée. Et pourquoi pas Krisprolls Martyrs tant qu’on y est ? Derrière ce patronyme curieux se cache un combo de Caen responsable d’un rock made in France assez surprenant. Epinglant des titres tout aussi farfelus que le dessin qui orne la pochette (« Let Me Be Your Tamagotchi », « Good Morning Naked City », « Sex on Chanell #4 »,…), « Dear Mr Painkillers » a de quoi laisser perplexe. Soit, Cornflakes Heroes ne se prend pas trop au sérieux, soit il s’agit de racolage opéré sur le ton de l’humour ‘nerd’ ; et les monstres qui sont dessinés sur la pochette n’effrayeront que le portefeuille prêt à s’ouvrir pour s’enquérir de la galette. Mais, oh grand surprise, l’investissement que vous pourriez entreprendre en vaut la chandelle. Là où certains groupes de d’jeunes s’autoproclament ‘futur du rock’, d’autres parlent moins, se prennent moins la tête et sont bien plus efficaces. « Dear Mr Painkillers » recèle énormément de qualités. La première sans doute, est de surprendre par son audace. Chanter en anglais sur le territoire français, équivaudrait à jouer au paint-ball tout nu. Les textes sont malgré tout débités avec clarté et maîtrise. Les compos sont également de qualité. Basiques mais pimentées d’éléments biscornus, elles ne tombent jamais dans le prévisible. Les variations de tempo flottent aux confins d’une acoustique folk et enrobée. Ne dansant jamais sur le même pied, toujours prêt à incorporer un ukulélé ou une trompette, « Dear Mr Painkillers » dépote quand il le faut et se calme juste au bon moment. C’est Greed Recording (Action Dead Mouse, Guernica, Moonman,...) qui signe le deuxième album des Français, et qui nous l’espérons vivement, ne sera pas leur dernier.
Je dois avouer que la première fois que j’ai écouté cet opus, il m’a plutôt pompé l’air. Et c’est après avoir lu les critiques, parfois dithyrambiques, de la presse internationale, consacrées à ce disque, que j’ai décidé de l’écouter d’une oreille plus attentive. Brett Anderson est donc l’ex-chanteur de Suede. De Tears également ; mais vous avez déjà plus que probablement oublié cet épisode. Et « Wilderness » constitue son deuxième album solo. On connaissait l’artiste pour en remettre trois couches dans la confection des arrangements de ses compos et puis pour ses vocalises grandiloquentes ; mais on n’imaginait pas qu’il aurait été capable de la jouer minimaliste. C’est sans doute la raison pour laquelle les chansons de cet elpee n’accrochent pas instantanément. En fait, découpé en 9 chansons, l’œuvre (NDR : qui ne va pas au-delà des 32 minutes) embrasse un dépouillement extrême : un violoncelle (NDR joué remarquablement par Amy Langley) ; et puis du piano, de la guitare (NDR : surtout acoustique), et quelques percus que se réserve Brett. Sans oublier sa voix qui trame les mélodies. Une voix toujours androgyne, mais dont le timbre peut parfois emprunter un timbre plus grave, déchirant, voire éraillé, comme si Anderson avait décidé de se mettre dans la peau d’un crooner. Seule Emmanuelle Seigner vient apporter sa participation, de sa voix sensuelle, à « Back to you ». Et hormis le plus complexe et audacieux « Funeral Mantra », l’album baigne constamment dans la mélancolie. On a même l’impression que Brett est mal dans sa peau quand nous il ouvre son cœur, dans un élan de sincérité bouleversant. Bref, cet opus de très bonne facture aurait pu mériter le prix d’excellence, si les compos avaient manifesté davantage de relief voire même de rythme…
Auteur généreux, Ben Weaver vient nous présenter sa sixième œuvre répondant au nom de « The Ax in the Oak ». Quand on connaît l’âge de l’intéressé, on est en droit de lui tirer notre chapeau. En effet, à 29 ans à peine, Ben Weaver fait déjà partie des grands, même si la presse et les radios de nos contrées restent discrètes sur son travail. Essentiellement parfumées de folk, les différentes sorties proposées par l’Américain laissent toujours une marque, une trace indélébile de qualité et d’arrangements musicaux particulièrement savoureux. Ce sixième album apporterait-il la même sensation que lors des précédents elpees ? Assurément et sans hésitations : oui et même plus.
Tout au long de « The Ax in the Oak », Ben manifeste son envie de poursuivre sur cette route qu’il trace sans détour. La grande surprise pour cette galette, se situe dans le style. Non pas que Weaver ait troqué ses mélodies attachantes au profit de sonorités à déhanchements variables, mais il a parsemé cette fois-ci son univers sonore de claviers et de percussions synthétiques, lui confinant une ambiance électrisée de bon aloi. Toujours douces et suaves, les différentes pistes de l’album parviennent à surprendre et nous laisser rêveurs, comme savaient si bien le faire « Paper Sky », « Blueslivinghollerin' » ou « Stories Under Nails ». Les beats discrets et les consoles electro ne prennent jamais le dessus sur la douceur et le bien-être dont l’auteur raffole. Sous ses airs débonnaires, Ben Weaver tente brillamment d’actualiser ses compositions, tout en gardant la véritable profondeur dont il a toujours fait preuve. La casquette vissée, la barbe mal taillée, c’est les mains dans les poches qu’il interprète les 12 titres de l’album. Somptueux, serait le qualificatif qui pourrait résumer le mieux, le travail de cette fourmi de la musique. Nous nous contenterons de génial, par respect pour l’humilité de son auteur.
Comment aborder le second ouvrage d’une formation décrite par certains critiques anglais comme ‘le groupe le plus fade jamais entendu’ ? Une chose est certaine, il ne s’agit pas ici d’une énième hype. Loin de là. Mais à l’écoute de ce « Instant Coffee Baby », on ne peut s’empêcher de penser que nos amis britons peuvent parfois manifester une sacrée mauvaise foi, quand ils le veulent. Bien qu’il ne risque pas d’établir des records de vente ou de marquer les annales, ce recueil titille gentiment les tympans de ses mélodies simples et abouties. Le genre de ritournelles qui s’écoutent au bureau en bruit de fond, certes, mais qui ont également le potentiel d’abonnir l’exécution du labeur le plus assommant. Le folk bluesy de The Wave Pictures, influencé par The Smiths ou Hefner, évoque, par séquences, les premiers travaux d’Adam Green et Herman Düne ou encore ceux de Stanley Brinks (ex-Herman Düne !) et The Mountain Goats.
« Instant Coffee Baby » n’est pas le type d’album qui subsistera longtemps dans la pile des ‘albums à écouter en boucle’ mais l’harmonie et l’ingénuité des treize morceaux de la galette sont tout simplement irrésistibles.
A l'instar de " Schleep ", son précédent opus, " Cuckooland " été enregistré en 2003, dans les studios de Phil Manzanera, à Londres. Si Philip Catherine n'est plus de la partie, la tromboniste Annie Whitehead ainsi que les deux ex-Roxy Music, Brian Eno et Manzanera y apportent leur contribution. Tout comme Paul Weller, David Gilmour (le guitariste du Floyd) et surtout Karen Mantler. La fille de Michael et de Carla Bley chante (NDR : dans un registre tellement proche de sa maman), joue un peu de saxophone et se réserve l'harmonica. A l'instrument chromatique, elle affiche d'ailleurs avec une sensibilité digne de Toots Thielemans. Et elle nous en fait la plus belle démonstration sur " Life is sheep ", le meilleur fragment de l'opus. Un disque pour lequel Robert fait un retour au jazz et aux sujets politiques. Pour le jazz, ce n'est guère étonnant, puisqu'il le pratiquait déjà 30 ans plus tôt. Mais un jazz mâtiné de pop, un peu comme sur les chefs-d'œuvre " Rock bottom " et " Ruth is stranger than Richard ". Pour la politique, non plus, lorsqu'on connaît sa préférence pour la couleur rouge. Mais si à l'origine, son épouse se contentait du design des pochettes, depuis 3 albums (" Dondestan ", " Schleep " et ce " Cuckooland "), elle participe de plus en plus activement à la confection des textes. Et dans ce domaine, sa vision du monde contemporain est encore plus critique. En outre, elle commence également à écrire la musique. Et on ne s'en rend pas compte, tant le couple est devenu fusionnel. Si Robert joue davantage de cuivres, il se réserve, bien sûr, l'essentiel des parties vocales. Depuis qu'il est devenu paraplégique, il considère d'ailleurs sa voix comme son principal instrument. Faut dire que son falsetto est toujours aussi bouleversant. Bref, Robert Wyatt un album aussi intemporel qu’incontournable. (Réédition album paru initialement en 2003)
« Arise n’ Conquer » constitue la suite logique du furieux « Unite us All », paru en 2004. Un retour en force traduit par ce quatrième album tant attendu. Même s’il évolue dans le registre metalcore, le combo américain s’est toujours différencié de ses pairs par le côté captivant de ses œuvres, bourrées de puissance, mais aussi d’esprit ; tout en préservant de réelles mélodies. Intégrant certains éléments de death mélodique, on comprend pourquoi War of Ages a assuré les premières parties de formations comme Soilwork ou As I Lay Dying. Par ailleurs, ils ont également participé au célèbre festival itinérant ‘Persistance Tour’, aux côtés de Madball et de Sick of it All.
Le line up du combo réunit, à la base, les frères Alex et Leroy Hamp (respectivement batterie et chant). Les frangins se sont accoquinés à trois autres ‘brutes’ qui ne cachent pas leur attachement au christianisme. Cette nouvelle plaque est même accompagnée d’un verset biblique dédié au frère du guitariste Steve Brown, décédé inopinément. Le chant est puissant et rauque, typiquement hardcore ou évoquant Phil Anselmo époque Pantera, mais les riffs, loin d’être répétitifs, sont lourds et mélodiques. Parsemés de superbes soli, réverbérant un heavy metal plus classique, les 10 titres donnent cette impression de parfaite harmonie entre les musiciens. Les textes, inévitablement véhéments, ne sombrent pas dans les pires clichés du genre, même s’ils demeurent sans équivoque. On n’est pas loin du concept album en définitive.
Sur chaque fragment, un guerrier s’adresse à Dieu et communique ses doutes, sa détresse, ses états d’âmes face à une foi qu’il ne contrôle pas. L’ensemble fait mouche, pour peu qu’on fasse preuve d’ouverture d’esprit, car les adeptes de l’extrême risquent d’être déçus par cette œuvre qu’ils jugeront trop léchée. War of Ages s’adresse davantage aux amateurs d’In Flames ou de Bleeding Through qu’aux puristes du hardcore US. Du beau travail !
Il faut admettre que parfois certains disques vous passent au-dessus de la tête sans trop savoir pourquoi. En fin d’exercice, lorsqu’on a un peu de temps, on se met à réécouter le stock des indésirables et, on tombe parfois sur une perle. Comme cet album d’Alexander Tucker. Un type issu de Kent, en Grande-Bretagne. Un artiste qui a décidé de se lancer dans une carrière en solitaire depuis le début du XXIème siècle (NDR : auparavant, il a milité au sein de toute une série de groupes noisy, hardcore et même punk ; de quoi faire ses premières armes). Ce qui ne l’empêche pas d’opérer une multitude de collaborations. En compagnie de Stephen O'Malley de Sunn O))), par exemple. Ou encore de Daniel O'Sullivan et Dave Smith de Guapo. Et en analysant son parcours, on se rend compte qu’il n’en est pas à ses premières expérimentations du genre.
Mais venons-en à son quatrième opus solo, « Portal ». Un disque découpé en huit paysages sonores baignant au sein d’une forme de psychédélisme avant-gardiste déchiré entre folk, drone metal et electronica. Alexander y joue de la guitare acoustique (NDR : le plus souvent en fingerpicking !) et électrique (NDR : il doit disposer d’un éventail de pédales de distorsion plutôt impressionnant !), du banjo, de la mandoline, du violoncelle. Il y ajoute un tas de sonorités électroniques, dont des boucles. Et chante également. D’un timbre hanté, dont les inflexions peuvent parfois rappeler Brian Eno. Bref, dans ce style qui puise autant chez Six Organs of Admittance, Jim O’Rourke, Stockhausen, Velvet Underground, Steve Reich que John Fahey, Tucker fait absolument merveille. Vivement conseillé !
Comment ne pas avoir un petit pincement au cœur en entamant l’écriture de cette chronique ? The Streets vient de décider d’achever son parcours en nous balançant leur dernier album. Autant l’annoncer d’entrée de jeu, et plomber l’ambiance directement. Les quelques martiens qui viendraient à peine de découvrir l’univers de Mike Skinner sur ce quatrième album auront certainement moins de difficultés à s’en remettre que les fans de la première heure,… dont je fais partie. Enfer et damnation, ce trublion de Skinner a donc toujours un mauvais coup, à nous réserver, derrière la tête…
Il y a 8 ans que l’aventure à commencé. Après l’incroyable « Original Pirate Material », le magnifique « A Grand Don't Come for Free », le moins terrible « The Hardest Way To Make An Easy Living », « Everything Is Borrowed » vient donc clôturer les festivités. Brillamment. Par cette dernière galette, Skinner nous fait comprendre qu’il a fait le tour des questions posées en compagnie de son groupe. Son univers indéfinissable, sis quelque part entre rap, electro et le garage –sa marque de fabrique– a vécu. Et comme tout bon fêtard qui se respecte, c’est sur un dernier coup de génie qu’il a décidé de se retirer.
« Everything Is Borrowed » est certainement l’album le plus abouti de l’artiste. Celui qui se détache radicalement des autres. Après avoir posé ses éternelles questions sur l’amour destructeur et projeté sa vision souvent acide de la société, Mike Skinner vient à présent nous parler de foi, de fin du monde, d’espoir et d’amour sincère. « Everything Is Borrowed » est aussi très loin des bidouillages musicaux des premiers elpees, mais il arrive tout du moins, à conserver ce cachet indélébile, cette odeur indécrottable de pub anglais. Skinner n’a pas perdu pour autant son accent Cockney à couper au couteau ni son humour grinçant. Il continue de manger ses phrases à moitié. Mais il s’ouvre à un monde empreint d’espoir. Caché derrière de véritables bijoux de composition comme « Everything is Borrowed », « The Escapist » ou « On The Edge Of A Cliff », les textes ont vite fait de nous toucher tant ils sont proches de notre quotidien. C’est donc le cœur chargé de nostalgie que l’on tournera la page de cet ultime opus ; mais Skinner déborde d’idées et de projets, tant musicaux que cinématographiques. Il est donc prévu de le revoir d’ici peu sous d’autres formes. The Streets est mort, vive The Streets ; car tout ne fait que commencer…
“The Healer” constitue le second opus de cette formation finnoise dont le patronyme (Sister Flo) s’inspire à a fois du joueur de football de leur pays (Tore André Flo), d’une chanson du Velvet Underground (« Sister Ray ») ainsi que d’une phrase extraite du « Queen Bitch » de Bowie (‘He's down on the street / And he's trying hard /to pull sister Flo’). Leur pop raffinée, hypersophistiquée, ensoleillée, est très susceptible d’évoquer tantôt Love, les Beach Boys, les Zombies voire Belle & Sebastian (NDR : qui a dit Laurent Voulzy ?) A cause des harmonies vocales limpides et particulièrement soignées. Maintenant, dans la construction des morceaux, filtre un aspect prog qu’on retrouvait chez Caravan à ses tous débuts. Ce n’est pas trop désagréable à écouter, d’autant que les mélodies sont plutôt bien ficelées (NDR : surtout l’excellent « Spirit of Christmas »), mais au fil de l’elpee, la lassitude commence à vous envahir et vous n’avez plus qu’une seule envie : passer au disque suivant...
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