Les dix-huit titres réunis sur ce compact disc ont été enregistrés à New York, en analogique, sous la houlette de Hal Willner, un producteur en compagnie duquel elle avait travaillé, voici déjà 20 ans, pour l’album « Strange weather ». Des sessions auxquelles ont participé une belle brochette d’invités, parmi lesquels figurent Anthony Hegarty, Chan Marshall, Jarvis Cocker, Sean Lennon, Keith Richards, Nick Cave, Rufus Wainwright, Marc Ribot, etc. Dix huit reprises qui puisent un peu dans tous les styles : le rock, la soul, le jazz, le blues, la country et la pop, tout en piochant aussi dans le répertoire de vielles gloires, d’illustres inconnus que de compositeurs contemporains. Et à l’instar d’un Frank Sinatra (NDR auquel le sous-titre de l’album fait référence), elle cherche à se réapproprier ces chansons. Faut dire que sa voix rauque, nicotinée, taillée pour le music-hall y contribue largement. Sans oublier les arrangements dont la qualité frise ici la perfection. Et puis, les titres qu’elle a choisis pour cet opus ont une signification toute personnelle pour l’artiste. Ils s’inscrivent même dans l’esprit de son combat victorieux contre son cancer et d’une autobiographie bouleversante. Pour votre info, sachez que Marianne Faithfull compte repartir en tournée…
Populaire aux Pays-Bas, cette formation batave jouit d’une excellente réputation sur les planches. Elle s’est d’ailleurs déjà illustrée lors du festival Pukkelpop. « In the Dark » constitue leur troisième opus. Probablement le plus abouti. La presse spécialisée compare souvent leur musique à celle de Hell is For Heroes. Personnellement, elle me fait davantage penser à Tool. Notamment à cause de l’atmosphère au sein de laquelle cette solution sonore baigne. Maintenant, il faut aussi préciser que cette comparaison n’est qu’indicative, car le combo orange n’arrive pas à la cheville du mythe yankee. D’abord à cause de la voix de son chanteur, Jelle Schrooten. Dont les inflexions et le timbre peuvent rappeler Maynard James Keenan, mais en plus lisse et monocorde. Et puis parce que si leur mélange de rock, de métal et de post hardcore new-yorkais, pimenté d’une pointe d’emo, peut parfois accrocher, il est un peu trop classique pour convaincre. En outre, il manque de passion. De folie aussi. Et même d’émotion. Paradoxal pour un ensemble qui revendique une certaine sensibilité émo. Les différents instrumentistes maîtrisent pourtant bien leur sujet. Mais pour quelqu’un qui a cessé d’écouter du métal depuis au moins dix ans, je ne vois pas trop qui ce type de musique sombre et dépressive pourrait encore intéresser… Et je doute fort que les aficionados de Tool, qui attendent impatiemment la sortie d’un nouvel elpee de leur groupe favori, se contentent d’un tel sous-produit…
Depuis la séparation de Guided By Voices, Robert Pollard multiplie les projets. En solitaire, chez Circus Devils, Psycho & the Birds, The Takeovers et la liste est loin d’être exhaustive. A laquelle il faudra désormais ajouter Boston Spacehips, un trio au sein duquel on retrouve le guitariste/bassiste/claviériste Chris Slusarenko (NDR : il était du dernier line up de GBV) et le drummer John Moen (NDR : ex Decemberists, Dharma Bums, Elliot Smith Band).
“Brown Submarine” constitue donc leur premier elpee. Probablement le disque le plus structuré de Pollard depuis le split de GBV. Faut dire que certaines de ses dernières expérimentations étaient parfois tirées par les cheveux. Et fatalement, on y retrouve ce sens mélodique hypnotique, étrange, contagieux, très caractéristique chez la défunte formation de Dayton. Sans oublier le timbre vocal savoureux de Bob, souvent comparé à un Roger Daltrey qui aurait chopé l’accent du Midwest. Boston Spaceships, c’est un peu comme si GBV était parvenu à se renouveler. A cause de cette fraîcheur stimulante reconquise. Et le recours à la guitare sèche de Robert, n’y est pas étranger. Une sèche qu’il gratte le plus souvent, laissant le soin à Chris d’y injecter parcimonieusement l’électricité. Ce qui ne l’empêche pas épisodiquement ce denier de se libérer. Et en particulier sur le solide rock « Winston’s atomic bird », le percutant « Zero fix », le presque métallique, marécageux, « Still in Rome » et en fin de parcours une plage intitulée « Psych threat », lors d’une jolie envolée psychédélique. Les compos intègrent même un zeste de violon (NDR : le titre maître) et de cuivre (« Ready to pop »). Sans quoi, le reste de l’opus est partagé entre ballades plus pop ou imprimées sur un mid tempo. Ce retour en forme de Pollard est finalement une bonne nouvelle !
Steve est un harmoniciste qui jouit d’une certaine notoriété au sein des milieux branchés. Né à Londres, il vit aujourd'hui à Hambourg. A la fin des années 70, il avait déjà séjourné en Allemagne, en compagnie de son jug band, Have Mercy. Au fil du temps, il a acquis une solide réputation. Faut dire que sur son instrument de prédilection, c’est un crack ! Si le blues est manifestement la source principale de son inspiration, il n’hésite pas à la colorer élégamment de folk, jazz, country, funk et soul. Il se produit régulièrement sur scène, outre-Rhin, flanqué du groupe Blues Culture et du guitariste Abi Wallenstein. Il a longtemps partagé un duo avec le guitariste Chris Jones. Ensemble, ils ont d’ailleurs commis quatre albums chez Acoustic. Malheureusement ce gratteur américain est décédé en 2005.
Pour ce nouvel opus, Baker a constitué un nouveau tandem. Il a choisi pour partenaire Dick Bird, un autre chanteur/guitariste. Ils se connaissent depuis trente ans et ont partagé l’aventure Have Mercy. L’elpee privilégie essentiellement l’acoustique. La paire est régulièrement soutenue par Martin Röttger. Il joue des drums sur une plage. Et par le bassiste Martin Wichmann. Vieux pote, Henry Heggen participe à deux plages. Il a aussi été impliqué dans l’aventure du Have Mercy. Ce Floridien s’est établi, il y a bien longtemps en Allemagne, où il s'est éclaté dans de fort bonnes formations comme les Blammers et B Sharp! Il milite aujourd’hui chez les Crazy Hambones.
Notre duo débute en force par "I'll never let you go", un blues tonique imprimé sur un rythme très enlevé. Une reprise d’un des pionniers du Delta blues, Tampa Red. Baker et Bird interprètent dans un même style le "Cool operator" de Tampa Red. Plus de 6' de bonheur! Steve signe "Glad I got you", une fort jolie ballade empreinte de douceur. Dick chante passionnément cette plage soulignée par une ligne musicale tracée par des accords d’harmonica de toute grande classe. Un régal ! Leur ancienne formation, Have Mercy, renaît en quelque sorte de ses cendres lorsque Steve, Dick et Henry Heggen empruntent les accents d'un jug band sur l’entraînant "King Kazoo". Impossible de résister à cette musique simple, directe, destinée à être jouée au cœur même du public. D’ailleurs, on en a des fourmis dans les jambes. Au début des années 70, la formation britannique Mungo Jerry s’était illustrée en pratiquant un style très semblable. Souvenez-vous d’ailleurs de leur hit "In the summertime". Le message passe aussi bien la rampe, quand ils s'attaquent au répertoire des bluesmen originels d'avant-guerre. A l’instar du "Fishing blues" d'Henry Thomas. Bird est irrésistible sur ses cordes acoustiques. Du "Hair parted in the jungle" de Washboard Sam, également, exécuté en jug band, bien sûr. Et enfin de la cover du "Sliding delta" de Mississippi John Hurt. Slow blues classique, "Too long" opère un trait d’union entre le delta blues et Chicago. Une rencontre exaltante entre la musique à bouche et le bottleneck. Martin Wichmann ramène sa basse près des caisses de Rottger pour soutenir notre duo, qui chante le "Nine pound hammer" de Merle Travis, à tue-tête. Mais leurs compositions tiennent tout autant la distance. Et "No doubt about it" en est une belle démonstration. Instrumental redoutable, "Harmonica stomp" met en exergue la virtuosité de Baker à l'harmonica. L’opus s’achève tout en douceur, par un arrangement de "Great dreams from heaven", une compo écrite par Joseph Spence, un guitariste légendaire issu des îles Bahamas.
Greg Weeks, c’est le leader de la formation Espers. Mais parallèlement à cette aventure, il milite chez The Valerie Project et poursuit différents projets. Dont un en solitaire. Qu’il accomplit depuis 1998. « The Hive » constitue donc déjà son quatrième elpee solo. Un disque qu’il a enregistré dans son home studio, à l’instar du précédent opus d’Espers, « II ». Un studio qu’il a équipé de machines analogiques. Outre celles à la pointe de la technologie, dont il disposait déjà. De manière à communiquer davantage de chaleur à sa musique. Et puis, il a acquis un mellotron d’époque. Un instrument qui l’a toujours fasciné. Ce qui explique sans doute pourquoi, parmi ses influences majeures on retrouve Robert Wyatt. Et manifestement, tout au long de cet album, le spectre du mythe britannique plane. Il y a d’abord le falsetto de Bob. Différent de celui du maître. Plus monocorde. Mais falsetto quand même. Et puis le climat au sein duquel baigne la musique de ce disque. Une musique atmosphérique, languissante, envoûtante, mélodique, mélancolique. Moins jazzyfiante, quand même. Une exception qui confirme la règle, « Donovan ». Un morceau chargé de swing. Et puis, il y a de la guitare sèche, de la flûte, un chouia d’ocarina et des instruments de synthèse. Probablement un peu de guitare électrique aussi. Bref, l’ensemble tient bien la route. Même la cover anachronique du « Borderline » de Madonna se fond dans l’ensemble. Pour que votre info soit complète, sachez que Weeks a personnellement mis en forme cette œuvre. Et il faut avouer, qu’en matière de production, c’est un crack !
Lorsque Travis sort son premier album en 1997, on ne peut que tomber sous le charme de leur musique à la fois énergique, électrique et mélodique. Même Oasis se proclame fan du groupe. Ce qui explique sans doute pourquoi la presse britannique va comparer leur « Good Feeling » au « Definitely Maybe » de la bande aux frères Gallagher. Et puis, on ne sait pas trop pourquoi, la formation écossaise va s’évertuer à rechercher la pop song parfaite. En oubliant ce qui avait fait sa marque de fabrique. Bien sûr, des hits comme "Why Does It Always Rain On Me?" ou encore “Sing” vont faire un malheur dans les charts. Et des groupes comme Keane, Coldplay ou encore Starsailor vont reprendre leur concept originel à leur compte. Et Travis alors ? Ben, il continuera bien à sortir des disques ; mais il sera incapable de se remettre en question et deviendra un autre groupe de
« Ode to J. Smith » constitue donc son sixième opus. Un elpee au cours duquel le combo écossais s’est enfin réconcilié avec la fée électricité. Enfin, sur la moitié de l’opus. A l’instar de « Chinese blues » contaminé par un son sale et hanté un piano omniprésent. Du titre maître déchiré entre angélisme et agitation. Du vivifiant « Something anything », une plage très rock, caractérisée par ses rythmes contrastés. De « Broken mirror », réminiscent de Radiohead circa « The bends ». Malheureusement, sur la seconde partie de l’album, l’intensité faiblit. Il y a bien encore ça et là quelques nappes de brouillard d’électricité. Mais aussi et surtout des ballades (« Quite free » aurait même pu figurer au répertoire de Coldplay !), des berceuses mélancoliques ou allègres. Un clin d’œil adressé aux Thrills (« Last words »). Mais plus rien de vraiment transcendant.
Derrière Marryssale, se cache un personnage répondant au nom d’Alain Sindera. Avant de se lancer dans une aventure en solitaire, ce Lillois avait milité au sein de différents groupes rock locaux. Faut croire qu’il s’est senti pousser des ailes en cherchant à expérimenter sa propre musique. De tendance électro, même si manifestement, il n’a pas encore renié ses premières influences (NDR : notamment Dandy Warhols, Stone Roses ou encore Jesus & Mary Chain). Très rapidement, à l’écoute de cette démo, on se rend compte que la combinaison des deux styles ne fait pas très bon ménage. En outre, l’aspect indus de ses compos n’est pas de nature à nous remplir d’optimisme. Au contraire ! Cette musique projette même, en notre for intérieur, des images de paysages du Nord, tristes et maussades. Marryssale se réserve toute l’instrumentation. Mais il ne parvient jamais à rendre la solution sonore homogène. Et on attend vainement l’étincelle… qui ne se produit jamais. A mon humble avis, ce jeune artiste aurait tout intérêt à chercher des collaborateurs et à se concentrer sur un seul instrument. Mais vu le boulot qui reste accomplir, je crains fort que la route soit encore très longue.
Ils avaient fait une apparition très remarquée lors de la soirée ‘All Access’ des Nuits Botanique en mai dernier aux côtés de I’m From Barcelona ou encore We Are Scientists. Cette fois, c’est au tour de la Rotonde d’être investie par les délires sonores et visuels de of Montreal. La promo de « Hissing Fauna, Are You The Destroyer ? » à peine achevée, le quintet d’Athens remet le couvert, à guichets fermés. Entre paillettes et provocation.
La première partie était assurée par Casiokids, formation norvégienne d’electro-pop. Le risque de se planter en attestant qu’il s’agit d’une formation dont on entendra beaucoup parler dans les mois qui suivent est moindre. En effet, Casiokids jouit d’un bon petit buzz naissant sur la toile et honore celui-ci en assénant au public des beats irrésistibles extraits de « Fuck Midi!! », publié en 2006, ainsi que de leur second opus, à paraître d’ici peu. Séance de rattrapage en compagnie de Soldout le 19 février à l’AB.
Quelques instants après la fin du set de Casiokids, un drôle de personnage apparaît sur scène. Un chef d’orchestre à la tête de tigre, tiré à quatre épingles, donne le signal de départ. Pas de doute, nous assistons bien à un concert d’of Montreal. Kevin Barnes et ses acolytes suivent de près et entament un set tonitruant devant un écran projetant des bizarreries animées. Barnes joue aux Bowie, remet le Glam au goût du jour et se montre presque à la hauteur du mythe. of Montreal retrace les dernières années de sa carrière et présente son petit dernier, « Skeletal Lamping », de manière très théâtrale. Sur scène se succèdent des ninjas, de gros bouddhas dorés et approximatifs, le diable en personne ou encore Barnes dans un cercueil.
Mais le clou du spectacle nous est venu du rappel. Le chef d’orchestre à la tête de tigre se mesure alors à un Superman celle de Branchiosaure lors d’un combat courtois, aussi improbable que l’ensemble des costumes ayant défilés tout le long de la soirée. Quelques minutes plus tard, le quintet réinvestit les planches de la Rotonde et achève un spectacle des plus psychés et éclectiques par « Ever Fall In Love », honorable reprise des Buzzcocks. Le Glam est loin d’être enterré.
Organisation : Botanique
Kashmar est considéré comme un des meilleurs harmonicistes californien. Il est loin d’être un débutant ; pourtant, sa carrière n’a réellement démarré que depuis peu. C’est-à-dire depuis sa signature chez Delta Groove. En 2005. Lors de la sortie de "Nickels & dimes". L’année suivante, il embrayait par "Wake up and worry" ; et en 2007, il rejoignait l’équipe des Mannish Boys pour concocter "Big plans". Mitch avait fait ses premiers pas au début des années 80. A la tête des Pontiax. Cette formation avait même édité un elpee en 98 sur le label belge Blue Sting : "100 miles to go".
Le 24 août 2007, Mitch se produit sur la scène du festival Labatt Blues. C’est à Edmonton, au Canada. C'est ce concert qui a été immortalisé sur cet opus. Pour la circonstance, il est épaulé par le batteur Tom Lackner (NDR : un ex-Pontiax !), le bassiste Steve Nelson, le claviériste Jimmy Calire et le redoutable guitariste de blues et de jazz, John Marx. Ce dernier a longtemps côtoyé feu William Clarke ; et William, appréciait beaucoup Kashmar…
Le quintet ouvre l’elpee par "I got no reason", un titre de west coast blues au cours duquel les musiciens affichent leurs racines jazz. John Marx y est brillant aux cordes. Calire se réserve le piano d'abord, avant de glisser à l'orgue. Dans un style très proche du regretté William Clarke, Kashmar est tout bonnement époustouflant. Une solide entrée en matière pour chauffer ces remarquables musiciens. Cette plage ouvrait d'ailleurs son dernier album studio. Chicago blues shuffle, "Dirty deal" est extrait de son remarquable opus intitulé "Nickels & dimes". Bien en rythme, proche d’un Jimmy Reed, son traitement des tonalités aigues est étonnant. Il dédicace "Whiskey drinkin' woman" (NDR : c'est du vécu assurément) à son ex-compagne. Au cours de ce blues lent, il épanche tout ce qu’il a sur le cœur. Il n'a pas du rire tous les jours auprès de cette épouse alcoolique. John Marx est admirable. Il est imprégné par ce blues jusqu'au bout des ongles. Mieux connu sous le titre "Evil gal blues", "Evil man blues" marque un retour au swing et au rythme. Signée Lionel Hampton, cette compo figurait au répertoire de Bessie Smith. Pour la circonstance, c'est Jimmy Calire qui tire son épingle du jeu. Claviériste, mais également saxophoniste notoire, Calire a milité, au cours des sixties, au sein de Risins Sons, de Raven et surtout d’America. Pianiste de bebop et hard bop, fondateur des Jazz Messengers, Horace Silver a écrit "Song for my father". La version ici proposée se résume à un long exercice de style dans l’univers du jazz ; un exercice destiné à mettre en vitrine les différents solistes. "Sugar sweet" renoue avec le Chicago blues. Une composition de Mel London, qui a aussi écrit "Messin' with the kid". Mitch épouse le style percutant de James Cotton. Calire assure au piano. La plage atteint un très haut niveau. Le "You're the one" de Jimmy Rogers évolue dans un même registre. William Clarke et Kashmar s’appréciaient beaucoup. Il n’est donc pas surprenant que Mitch lui rende un vibrant hommage en interprétant le "Lollipop Mama" de Roy Brown, une compo qui figurait au répertoire du grand Bill. A cette occasion, Marx en profite pour se rappeler ses belles années du passé ; mais le plus surprenant c’est qu’on croirait être en présence de Clarke, tant la voix et le style de Mitch sont proches. Même Calire est intenable lors de ce morceau. Kashmar interprète encore "Wake up & worry", c’est-à-dire le titre maître de son elpee, paru 2006. Enfin, le combo clôture ce remarquable concert par "Castle rock", un instrumental jazz au cours duquel les cinq musiciens se mettent successivement en évidence…
Très largement inspiré par les légendaires bluesmen de Chicago, Sonny Boy Williamson I et II ainsi que Little Walter, Rick Estrin est considéré comme un des plus grands souffleurs californiens contemporains. Il a accompli une longue et brillante carrière aux côtés de Charlie Baty, au sein de Little Charlie and the Nightcats. Depuis le départ de son compagnon gratteur, il a repris les rennes du combo, soutenu par le même backing group. C’est-à-dire le redoutable guitariste Kid Andersen, le bassiste Lorenzo Farrell et le drummer J Hansen. Il est désormais devenu l'authentique leader de Rick Estrin and the Nightcats.
La paternité de ce nouvel opus lui est cependant attribuée. En solitaire. Rick est peut-être confronté à quelques problèmes contractuels pour pouvoir reprendre le patronyme du combo à son compte. Et comme la demande de ses nombreux aficionados, de le voir sortir un nouvel opus, était de plus en plus pressante, il a probablement décidé de ne plus attendre avant d’éditer cet "On the harp side". Une œuvre qu’il avait, en outre, promis de la focaliser davantage sur le Mississippi saxophone.
Rick ouvre l’elpee par un instrumental issu de sa plume : "Headin' out". Déjà un concentré de son talent, largement inspiré ici par Little Walter. Il enchaîne d’ailleurs par une compo signée par ce dernier, "Tell me mama", en s’appuyant sur une rythmique du chemin de fer. Il n’oublie d’adresser l’un ou l’autre clin d’œil à ses maîtres. Tout d’abord sur la cover du "Fattening frogs for snakes" de Sonny Boy Williamson II, et puis sur celle du "Tell me baby" de John Lee Sonny Boy I, en adoptant une démarche manifestement plus country. Il est particulièrement à l'aise dans le répertoire de Rice Miller, Sonny Boy II. Et incarne, sans aucun doute, l'harmoniciste de ce nouveau siècle, dont le style se rapproche le plus du mythique bluesman. Et c’est d'ailleurs sans surprise qu'il s'attaque encore à d'autres compositions de Miller. A l’instar du saisissant "Don't lose your eye". Tel un fantôme, il souffle de manière saccadée devant la seule basse acoustique de Ronnie James Weber. L'émotion est à son paroxysme. Il transpire une sensibilité à l'état pur. Il est seul pour interpréter les six minutes de "Getting' out of town". L’exercice de style est difficile ; et pourtant, Rick nous en met plein les oreilles. Près de 6' de bonheur ! Avant de reprendre quelque peu son souffle ( ?!?!?) sur le léger shuffle "Keep it to yourself".
Estrin signe également quelques plages instrumentales. "Blues for Doe", tout d’abord. Un blues lent dominé par l'instrument chromatique. A cet instant, son esprit est manifestement tourné vers George ‘Harmonica’ Smith. Rusty Zinn se réserve alors les parties de guitare. "Porn bred", ensuite. L’approche est résolument contemporaine, légèrement funky, un climat entretenu par le piano électrique ‘Wurlitzer’ de Kid Andersen. "The scissorbill" baigne au sein d’une atmosphère swing jazz, atmosphère alimentée par les cordes du Kid. Tout comme le final "Dog on dog", un morceau entraînant et percutant.
Sa lecture du "Gangster blues" d'Eddie Burns, est excellente ? Il chante d’un timbre distinct. Le tempo est enlevé. Il semble ravi de souffler son bonheur. Il est au sommet de sa forme. "Big and fat" lorgne du côté du Chicago Westside. Sa prestation sur l'instrument chromatique est impeccable. Il accorde, pour la première fois, un billet de sortie à son excellent partenaire, le Norvégien Kid Andersen, aux cordes. A contrario "The lotter blues" macère dans le Chicago southside. Les guitares d'Andersen et de Zinn ainsi que le piano de Welsh le talonnent de près. Andersen est passé à la slide, lorsqu’il s'attaque au répertoire de Muddy Waters. En l’occurrence sur "Too young to know", la flip side de "Long distance call", un single datant de 1951. On ne peut qu’être admiratif en écoutant le classique "Harlem nocturne". Il y a de l’émotion, de la sensibilité et un plaisir de jouer qui évoquent un certain Toots Thielemans. Il nous réserve, une dernière fois, une compo sculptée dans son blues le plus pur, lors d’un duo acoustique partagé en compagnie d’Andersen, sur "Murmur low", une compo écrite par Arthur ‘Big Boy’ Spires. Un album brillant réalisé par un musicien exceptionnel…
Sammy Davis est né le 28 novembre 1928. A Winona, dans le Delta du Mississippi. A cette époque, de nombreux bluesmen s’y sont révélés… Il émigre cependant en Floride. Il y rencontre le guitariste Earl Hooker. Dès 1952, ils décident d’enregistrer ensemble. C’est également l’époque à laquelle Sammy opte pour le sobriquet de Little Sam Davis. En 53, il part pour Chicago où il supplée régulièrement Little Walter au sein de son backing group, les Mighty Aces. Fin des sixties, il s'installe à Poughkeepsie, dans l'état de New York. Mais en 1970, son épouse disparait prématurément. Aussi, il se retire du monde musical. Une absence qui durera pendant vingt ans.
Sam n’est jamais parvenu à se forger une grande notoriété. Pourtant, il a côtoyé des stars prestigieuses du blues comme Albert King, Muddy Waters, Pinetop Perkins ou Jimmy Reed. En 1995, il édite un elpee, sous son propre patronyme, sur le label Delmark. Intitulé "I ain't lyin'", cet elpee lui permettra de décrocher l’award du "Comeback artist of the year" auprès du magazine Living Blues. Un retour qu’il avait néanmoins déjà opéré depuis quelque temps, en rejoignant le groupe Midnight Slim. Impliquant les frères Scribner, deux musiciens de couleur blanche ; soit le guitariste Fred Scribner et le drummer Brad.
« Ten years and forty days » constitue le second opus du combo. Il était paru en 2001, sur un label indépendant. Ne bénéficiant alors d’aucune distribution officielle, il suscite enfin un regain d’intérêt. Ce qui explique pourquoi il n’est chroniqué qu’aujourd’hui. Pour la circonstance, Sam est soutenu par le Midnight Slim, c’est-à-dire les frères Scribner susvisés, le bassiste Jack Geisenheimer et le pianiste Neil Eisenberg.
Son "Fine lookin' woman" ouvre l'album. Le timbre vocal de Sammy surprend par sa finesse. Un chouia élimé, il est irréprochable. Il lui colle même à la peau, et nous rappelle certains bluesmen originels. Son jeu d'harmonica est clair, concis et très caractéristique. Il est talonné par les cordes de son ami blanc, Freddie Scribner. Une excellente entrée en matière, qui s’inscrit parfaitement dans le cadre du Chicago blues. Signé Guitar Slim, "Done got over" évolue à un excellent niveau ; une plage toujours largement inspirée par le blues de la Cité des Vents. Tout comme "I'm going", un morceau au cours duquel Scribner s’autorise une sortie parcimonieuse aux cordes. Changement de cap pour "Since you been gone". Sammy se révèle un vocaliste étonnant et très inspiré tout au long de cette bien jolie ballade soul. Imprimé sur un tempo mesuré, "Hear my train coming" est une compo particulièrement originale. Davis chante d'une voix nonchalante face aux cordes réverbérées de son gratteur. L’atmosphère chaleureuse et contagieuse du Chicago southside enveloppe le notoire "Forty days and forty nights", un titre issu de la plume de Muddy Waters, ainsi que la cover du "Early I the morning" de Sonny Boy Williamson I, dont la version effleure notre sensibilité à fleur de peau. Le "Saturday night fish fry" de Louis Jordan véhicule les accents swing du R&B des années 40 et 50. L’émotion de Davis est profonde, lorsqu’il interprète seul, en se limitant à sa voix et à son harmonica, le "Fat rat" de Big Mama Thornton. Un feeling qu’on retrouve tout au long du country blues acoustique "The claw". Un frisson nous parcourt encore l’échine, quand il se réserve seul aux vocaux, le soul blues primaire mais fragile, "She's not another woman"!
Little Sammy est un petit bonhomme au look toujours très élégant. Habituellement, il est vêtu d’un costume trois pièces de teinte bleu éclatant et porte une cravate rouge. Il est, en outre, coiffé d’un chapeau melon de couleur noire. Davis affiche aujourd'hui 80 ans et milite au sein de la formation de Levon Helm, l’ex-chanteur et batteur du Band. Victime d’une insuffisance cardiaque, Sammy a dernièrement été hospitalisé. Souhaitons-lui un prompt rétablissement.
Gary est un bel homme. Souriant, musclé, il a été sapeur pompier à Los Angeles, garde-forestier, agent de sécurité sur les plages du Pacifique, cowboy dans un ranch et… bluesman itinérant. Ce Californien a découvert le blues en écoutant le vétéran John Jackson ; quelque part en Virginie, où le vieux noir travaillait également comme fossoyeur. Gary est entré en studio, pour la première fois, afin d’accompagner un autre ‘Piedmont’ bluesman, John Cephas. Il avait alors participé à la confection de quatre titres.
Gary est le fondateur de ‘Harmonikids’, une organisation dont l’objectif fondamental est de soigner les enfants par la thérapie de l'harmonica. Il a ainsi apporté son soutien personnel aux enfants victimes du tsunami en Indonésie et de l'ouragan Katrina, en Louisiane. Il leur a offert des harmonicas et leur a appris les premiers rudiments pour pouvoir interpréter l’une ou l’autre chanson. Il s’est produit un peu partout dans le monde, aussi bien dans des formules électriques qu'acoustiques.
Flanqué des Sugar Daddys, il avait commis son premier elpee, "Throwing heat", en 2003. Pour concocter ce second opus, Allegretto a reçu la collaboration de ses musiciens, mais également de plusieurs invités de marque. Pour la plupart des amis. Et notamment, Ivan Neville, Miss Janiva Magness, John Cephas et Doug McLeod… L'album est partagé entre plages acoustiques et compos largement amplifiées. Gary signe douze des quatorze fragments.
Gary souffle dans les aigus pour introduire "She speaks to me". Le rythme est calqué su celui de Jimmy Reed. Sur ce titre, il est épaulé par ses musiciens : le guitariste Tommy Kay, le pianiste Steve F'Dor, le bassiste Paul Eckman et le drummer David Kida. Une entrée en matière aussi brillante qu’engageante. "Bad man" adopte un même profil. Un excellent niveau qui persiste tout au long de "Somerset", caractérisé par des accents empruntés au country blues. Notamment grâce à la complicité presque fraternelle entretenue entre l'harmo et la guitare National Resonator de Doug McLeod. Rocker, "Good to go" est un morceau tout à fait remarquable, au cours duquel le piano de F'Dor se montre insatiable pendant que l'harmo flâne en totale liberté. L’approche acoustique recèle des richesses insoupçonnées. Et tout d’abord "Four days late", une ballade imparable évoquant le drame vécu par la Nouvelle Orléans, lors du passage de Katrina. Ivan Neville siège derrière l'orgue Hammond. Son timbre vocal est divin. Et que dire de celui de la charmante Janiva Magness ? Ce duo est soutenu par Rich Del Grosso à la mandoline et David Jackson à l'accordéon. Gary et Janiva se partagent un autre tandem sur "Risk of love" ; Neville se militant aux claviers pendant que Kay se libère sur sa slide. Ian Espinoza (NDR : il a sévi chez les Blasters) gratte et chante "Never the same", un morceau très country blues. John Cephas apporte son concours à la guitare sur quatre plages. Il se réserve le chant pour "Hurry down rounder". Le partage en compagnie de Gary tout au long de "Saddle my pony", une chanson particulièrement grisante. La connivence affichée entre John et Gary rappelle son habituel partenaire Phil Wiggins. Balayé par le banjo et le violon, "Settle down blues" baigne à nouveau dan un climat cowboy. L’elpee recèle deux reprises. "Back to Memphis", tout d’abord. La voix légèrement lasse colle parfaitement à cette version tonique, imprimée sur un tempo très rock'n'roll. Ensuite, le "Mind your own business" de Hank Williams. En duo. Avec pour partenaire Cephas. D’excellente facture, cet opus s’achève en compagnie du même duo. Mais sous une forme instrumentale. Un "John's kitchen rag" cuisiné à la sauce piedmont.
Suivant les dernières infos, Gary Allegretto vient de sortir un nouvel elpee de tendance acoustique. Davantage folk roots voire Americana. Son titre ? "Harmonicowboy". Un surnom qui lui avait été attribué lorsqu’il bossait comme garde-forestier dans l'Arizona, le Colorado, le Nouveau Mexique et le Wyoming!
Sven est considéré comme le BB King suédois. Pas trop difficile, dès lors, d’imaginer la popularité dont il jouit, chez lui, en Scandinavie. Ce vieux briscard affiche déjà 56 années à son compteur. Il y a déjà plus de trois décennies qu'il fréquente l’univers du blues. Avant d’opter pour la musique à bouche, cet artiste s’était forgé une solide réputation de chanteur, de guitariste et de compositeur.
« Hollerin' up a storm » constitue son tout premier elpee exclusivement consacré à l'harmonica ; un instrument pour lequel il s’est passionné au début des années 60, à l'écoute de Sonny Boy Williamson II et de Big Walter Horton. Sa première formation répond au patronyme de Telge Blues. Elle a été fondée en 1972. Et est responsable d’un premier opus. Paru en 1975. Il a ensuite sévi chez les Blue Fire. Puis les Four Roosters, un combo impliquant Knut Reiersrud. On leur doit "Chicago Blues meeting". En 1983. Un disque enregistré au sein des studios Chess à Chicago. Au cours des années 90, il milite chez le Blues Express. Une aventure ponctuée par l’enregistrement de plusieurs elpees. Sa carrière solo, il la guide depuis une dizaine d'années. De sa discographie récente, on retiendra cependant la compile "Soul of a man", une synthèse de son œuvre. Un opus édité en 2004. Tout comme "Moving in the right direction". Et puis "Southern soul agenda", millésimé 2006.
Pour enregistrer cet elpee, Sven a bénéficié du concours d’une fameuse brochette de musiciens. Et notamment le guitariste Anders Lewen (NDR : il a sévi chez Knock Out Greg & Blue Weather), le pianiste Frederik von Werder, le bassiste Urban Hed et le drummer Johan Svensson. En résumé, tous les invités sont suédois.
La voix de Sven est excellente. Elle est aussi bien taillée pour chanter le blues que le R&B. Elle est puissante, chaleureuse, ample et modulable. Dès les premiers accords de "Judgement", la puissance de feu libérée par l'ensemble impressionne. A cause des accès jump de Lewen. Des accords de piano sautillants dispensés par Von Werder. Du chant autoritaire aussi. Mais surtout des interventions irrésistibles à l’harmo. Une emprise naturelle. Qui s’est forgée au fil de l’expérience. Une expérience acquise en se produisant, pendant de nombreuses années, dans les salles, joints, cabarets et clubs suédois. La cohésion du combo est remarquable. Inspiré par Sonny Boy Williamson I, "Too old for the city" en est une parfaite illustration. Sven explore des tas de styles différents. Et sa compétence n’est jamais mise en défaut. Signé par son ami Allen Finney, "Ain't no hurry to go home" nous entraîne au cœur de la Louisiane. Sax ténor et baryton illuminent un style cher à Guitar Slim. Les rythmes syncopés, proches de la Nouvelle Orléans, agitent le titre maître. Le piano est étincelant et la guitare d'Anders sublime. "Middle ground" libère une fameuse dose d’émotion. Le chant est grave, intense, passionné ; mais semble mu par une force tranquille. Seule sa guitare soutient l’expression sonore. Un hommage évident à John Lee Hooker! Brève plage instrumentale, "The shoeshine" est empreint de réalisme. Autre fragment de west coast jump, "Close talker" suinte de swing. Un nouvel élan de bravoure procuré par les cordes de Lewen, pendant que la patte de Rice Miller pénètre dans le jeu de Sven. "Why don't you like your job" est inspiré par le R&B californien. Celui de Jimmy Mc Cracklin et Johnny Guitar Watson. Les cuivres apportent de l’épaisseur à l’expression sonore. "Fallin' apart" lorgne vers le Chicago blues classique. Celui d’Eddie Taylor et de Jimmy Rodgers, pour être plus précis. Au menu simplicité et efficacité ! Anders Lewen est toujours dans le coup ! Il se met dans la peau de T-Bone Walker pour affronter le nerveux et cuivré "Parade square Jamboree". De toute grande classe, cet opus s’achève dans une ambiance digne du Paul Butterfield au sommet de son art. Le relief manifesté dans le jeu de l'harmo ainsi que les interventions aux cordes et au piano en sont les plus belles illustrations…
Helge Tallqvist nous vient de Finlande. Il est vrai que la Scandinavie est une véritable pépinière d’excellents bluesmen. Ses débuts discographiques remontent à 1984. Un disque enregistré au sein du groupe Gyan Dookie & Telecaster Combo. Pour le voir graver un elpee sous son propre patronyme, il faudra cependant attendre 1995, lors de son aventure vécue en compagnie du Deep Blue Divers. Et après "Hitsville hop", patienter jusque 2002, pour que le collectif HT & DBD donne une suite à ce premier essai. Il sera baptisé "Somethin' blue". Il apporte ensuite sa collaboration à Groovy Eyes, où il rejoint son ami guitariste Side kick Johnny.
Et c’est sous cette formule qu’Helge commet "Plays George ‘Harmonica’ Smith". En 2005. Un opus qui bénéficie enfin d’une distribution correcte. Suffit de lire le titre pour bien comprendre que nous somme en présence d’un hommage rendu par Tallqvist à son idole et influence majeure, George ‘Harmonica’ Smith. Il vénérait le vieux souffleur de Chicago (NDR : oui, c’est exact, il avait depuis élu résidence à Los Angeles). Il le connaissait personnellement. Une rencontre provoquée en son temps par son ami, le regretté William Clarke, auquel participera aussi son compatriote –harmoniciste lui aussi– Pepe Alqhvist ! Lorsqu'en 1982, Smith se produit en concert à Stockholm, Pepe et Helge rappliquent au triple galop pour enfin faire la connaissance de cette légende vivante. Début août, invités par Smith, les deux Finnois s'embarquent pour Los Angeles. Ils ne le reverront jamais plus. Le grand souffleur noir s'était éteint le 2 octobre 1983, à l’issue d’un malaise cardiaque. Mais il était parvenu à inoculer le virus de l'instrument chromatique à notre ami Helge, qui vient donc de réaliser son vieux rêve en lui rendant cet hommage.
Au menu, treize plages, dont sept compositions signées George Smith et six chansons issues de son répertoire. Tourmenté, "Hawaian eye" ouvre l’elpee. L'instrument chromatique est bien maîtrisé par Mr Tallqvist. Il lui insuffle force et passion tout en s’appuyant sur les cordes aux sonorités étranges et réverbérées de Jussi Jo Raulamo. Raulamo chante d'une voix paresseuse, mais étonnante "Travelling south", une compo issue de la plume de Mike Vernon (NDR : ce célèbre producteur anglais est également le fondateur du label Blue Horizon, pour lequel Smith a enregistré). Sidekick Johnny joue sur sa slide tout au long de ce remarquable morceau, baignant au cœur d’un climat musical fort personnel. "Tight dress" est un des sommets de l’elpee. Les musiciens sont particulièrement soudés. Rien n’est laissé au hasard. La section rythmique dispense un swing naturel et léger. Helge a convié son vieux pote Pepe Ahlqvist. Le tandem rivalise de puissance sur leur instrument chromatique. Pepe est toujours de la partie pour "Nobody knows". Il chante ce superbe blues lent. Georges Smith s'était révélé aux yeux et surtout aux oreilles du monde en 1954. Lors de la sortie d'un single chez RPM, réunissant "Telephone blues" et "Blues in the dark". Ces deux titres se succèdent ici tout naturellement. Jussi Jo assure les vocaux sur le flemmard, mais passionné "Telephone blues". Les courtes phrases dispensées par Helge oscillent constamment entre flux et reflux. La sensibilité y est tellement exacerbée qu’elle vous communique des frissons ! Instrumental, "Blues in the dark" est une véritable perle. Rod Piazza, un des meilleurs élèves de Smith, l'avait repris en son temps. Il avait même donné le nom à un des elpess de ses Mighty Flyers. Pas une seule faille n’est à relever sur cet opus. On ne compte pas les grands moments. Dont j’épinglerai encore "You don't love me", caractérisé par ses guitares rythmiques en osmose, "I want a woman" balayé par son swing subtil et "Misty in C" dont la beauté immaculée ne peut que troubler l’esprit. Je vous conseille vivement cette œuvre. Elle est enrichie d’un booklet très complet, emballée au sein d’un boîtier métallique et, en prime, recèle une interview de George Smith accordée en août 1982.
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