Ce qui est remarquable chez Mark Hummel, c'est son énergie et son esprit d'entreprise. Depuis 1991, il organise sans relâche des événements baptisés Harmonica Blowouts, au club Ashkanaz. A Berkeley. Lors de ces spectacles, il invite sur la même scène plusieurs souffleurs de talent. Ce double CD retrace les meilleurs moments de ces rencontres, depuis 1993 jusqu'à 2007.
Et tout d’abord, hommage au regretté William Clarke. Une session chargée d'émotion. Accordée en 1993. Pour la circonstance, le grand William est soutenu par ses musiciens dont le jeune Rusty Zinn aux cordes. Trois titres sont ici restitués. Tout d’abord le long blues lent "Lonesome bedroom blues". On y ressent le mal-être éprouvé par le musicien en tournée, forcé de loger dans les chambres banales des Motels 6. Il joue de l'harmonica chromatique à la manière de son maître, Georges Smith. "Stretch my money", ensuite. Un shuffle brûlant au cours duquel Bill est au sommet de son art. Et enfin "Chrome jumpin". Le swing libéré par l'instrument chromatique est aussi irrésistible que redoutable.
Deux autres grands musiciens disparus figurent également sur ce projet. Sam Myers nous a quittés le 17 juillet 2006 et Paul Delay le 7 mars de l’année suivante. Nous retrouvons Paul Delay pour trois plages. En 2003. "Blues and trouble" est illuminé de sa voix puissante, élimée. Il est épaulé par le génial Junior Watson à la guitare. Tout au long du slow blues, "Can't stand your evil ways", Paul nous communique une fameuse dose d’émotion. Dans son style si personnel. A en attraper des frissons. "Mean old Frisco" se révèle plus complexe. Il bénéficie ici de la participation du sorcier des cordes, Junior Watson.
Deux plages ont été réservées au géant texan Sam Myers. "I don’t quit getting sloppy drunk" et "Sweet home Chicago". Deux prises immortalisées au Sierra Nevada Brewery de Chico. En 2002. Son cher ami Anson Funderburh est bien entendu de la partie.
Carey Bell repose également au paradis des bluesmen. Il s’est éteint le 6 mai 2007. L'ex-souffleur du Muddy Waters Band nous communique son Chicago blues au Moe's Alley de Santa Cruz. En 2004. Steve Freund se charge des parties de guitare et Willie ‘Big Eyes’ Smith siège derrière les drums.
Et la suite du programme ne manque pas d’allure, non plus ; puisqu’on y remarque la présence des noirs Lazy Lester, Billy Boy Arnold et Johnny Dyer ainsi que des blancs James Harman, Rick Estrin, Magic Dick et Lee Oskar. Sans oublier notre maître de cérémonie, Mark Hummel.
C'est sans surprise que ce dernier ouvre le bal lors d’un instrumental percutant intitulé "Harpo-Ventilating". Il est épaulé par ses Blues Survivors : Charles Wheal à la guitare, Steve Wolf à la basse et Marty Dodsonaux aux drums. Ses fidèles compagnons –depuis neuf ans– ont été rejoints par le pianiste/gratteur Bob Welsh, pour la circonstance.
Sexagénaire, Lee Oskar est originaire du Danemark. Il a milité chez le groupe multiracial de funk rock, War. Comme harmoniciste. Et à ses débuts, il avait donc partagé la scène musicale auprès du chanteur Eric Burdon. Lee est également chef d'entreprise. Responsable de la fabrique d’harmonica. Si, si, un modèle diatonique baptisé ‘Lee Oskar’. Probablement le plus vendu dans le monde. Il donne la ligne de conduite à deux instrumentaux. Tout d’abord le tendre "In a sentimental mood", une plage au cours de laquelle il entre en symbiose avec le piano de Welsh. Puis "Lee's blues". Lee étale toutes ses capacités techniques et sonores tout au long de ce très long blues atmosphérique.
Richard ‘Magic Dick’ Salwitz, le souffleur du J Geils Band, refait régulièrement surface en ‘live’. Il n’a rien perdu, ni de sa verve, ni de son punch originel. Et il nous en fait une parfaite démonstration sur le très énergique "Pontiac blues", un fragment au cours duquel l’intervention de Charles Wheal aux cordes est percutante. Solide Chicago shuffle, la cover du "High temperature" de Little Walter célèbre une parfaite complicité entre Wheal et Bob Welsh.
Johnny Dyer fêtera ses 70 ans, cette année. Il est originaire de la Stovall Pantation, à Rolling Fork, dans le Mississippi. Tout comme un certain Muddy Waters, d’ailleurs. Mais il s’est établi, il y a bien longtemps à Los Angeles. Secondé par Rusty Zinn, le vieux musicien noir chante "You're sweet".
James Harman est considéré comme un des meilleurs harmonicistes issus de la West Coast. Il interprète le dynamique "Extra napkins". Junior Watson reste dans son ombre. Enfin, juste le temps de sortir de sa réserve, suivant son habitude… La classe!
Rick Estrin campe, sans aucun doute, un des meilleurs disciples du mythique Sonny Boy Williamson II. Le désormais leader des Nightcats lui rend ici un vibrant hommage tout au long de "Getting' out of town". L’exercice de style et le dialogue opérés sur l'harmonica sont impressionnants. Billy Boy Arnold nous réexpédie à Chicago lors d’un "Sugar Gal" caractérisé par l’excellent travail sur l'instrument chromatique et sur le piano de Welsh.
Enfin, le Louisianais Lazy Lester nous balance son inévitable "Sugar coated love". Tout en rythme, ce blues notoire macère dans les swamps marécageux. Ceux du Sud profond. Mark Hummel referme cette superbe collection par une relecture de l’immortel "Summertime". Quelle propagande pour le blues joué à l’harmonica !
La dernière visite d’Oasis à Forest National remonte à 2005. Après avoir accompli une traversée du désert de plusieurs années, le groupe bénéficie d’un soudain regain d’intérêt depuis la sortie de « Dig Out Your Soul », leur dernier album. Lorsqu’un ami m’offre une place pour assister au concert du célèbre groupe de Manchester, je suis à la fois surpris et dubitatif. Sans cette initiative de sa part, pas de concert… 40 euros… un peu cher pour un admirateur occasionnel. Fan du groupe il y a plus de 10 ans, lors de la sortie de leurs deux premiers et inoubliables opus, le reste de leur répertoire m’est passé totalement au-dessus de la tête. En outre, j’avoue avoir toujours été un ardent défenseur de Blur au détriment du gang des frères Gallagher. A l’époque, pas question en effet de ne pas se positionner par rapport à la guerre médiatique livrée entre Damon Albarn et la fratrie mancunienne. A ma grande satisfaction, mon choix initial a d’ailleurs été confirmé par la carrière des deux groupes. C’est donc en traînant ces quelques a priori négatifs que je me suis rendu à ce spectacle. Et en me frottant les mains, rien qu’en pensant pouvoir descendre en flammes ce groupe totalement passé de mode…
L’absolue méconnaissance des derniers disques du groupe accentue mon manque de motivation à l’heure fatidique. De plus, je ne suis pas un adepte convaincu de la salle bruxelloise. Mais un cadeau ne se refuse pas… Dès 20h, le concert débute. Un groupe relativement méconnu se produit en première partie : Twisted Wheel. Un trio originaire de Manchester, comme ses illustres ainés. Leur set permet de passer agréablement le temps. L’assemblée est encore clairsemée. De facture classique, leur rock doit encore s’affiner, et en particulier leur sens mélodique, si le combo souhaite un jour jouer en tête d’affiche, au sein d’une salle de pareille capacité.
Lors de la montée sur les planches des stars anglaises, il y a 8 000 personnes dans l’hémicycle. C’est d’ailleurs sold out depuis un bout de temps. Difficile d’imaginer pourtant qu’Oasis possède une telle base de fans en Belgique ! Le public est jeune, la relève est donc assurée !
Dès les premières notes, je suis rassuré… si la musique n’est pas à la hauteur de la situation, une chose est sûre, le son est plus que correct. Petite surprise… au fur à mesure des morceaux, que je ne connais absolument pas, la magie opère. Faut dire que le début a été mené tambour battant. Et la présence de l’explosif « Rock n’ Roll Star », dans leur tracklisting, n’y est pas étranger. Les chansons issues de « Dig Out Your Soul » donnent envie de découvrir l’album. Liam chante peut-être nonchalamment mais sa voix possède cette classe naturelle toute anglaise. En retrait, Noël dirige le groupe de main de maître et surclasse son frère lorsqu’il passe derrière le micro. Mon esprit replonge quelques années dans le passé. Certains titres touchent directement leur cible… Oasis joue ce soir devant un public conquis qui le lui rend bien. Visuellement, le show est classique mais efficace.
En fin de parcours, le combo nous dispense alors ses magnifiques hymnes « Don’t Look Back in Anger » et « Supersonic ». La communion avec le public est alors à son paroxysme. En guise de rappel, le gang des frangins Gallagher nous réserve trois titres dont une très belle version de « Champagne Supernova ». Ils quittent la scène, convaincus d’avoir renforcé leur capital sympathie. Et ils on raison. Le duo indomptable ne se limite donc pas de proférer des déclarations excessives et arrogantes…
22h30… les lumières se rallument. Je remercie mon ami pour son invitation. Obligation pour moi de lui renvoyer l’ascenseur ! Tâche qui risque d’être ardue…
Feu Arthur Russell a forgé sa notoriété au sein de différents projets dans le monde de la musique ; mais jusqu’à présent, on ne lui connaissait guère d’aptitudes dans le domaine du songwriting pop-folk. A contrario, il jouissait même d’une grosse réputation dans l’univers de la house, un style marqué par son célèbre violoncelle. Sorte de figure tutélaire de la scène électro new-yorkaise, il constitue également une influence majeure pour de nombreux artistes contemporains. Afin de permettre la découverte de la face cachée de cet artiste, Audika (et Rough Trade en Europe) a (ont) décidé de dépoussiérer la compilation « Love is Overtaking Me ». Arthur Russel fait l’objet, il est vrai, depuis quelques temps, de nombreuses rééditions de son catalogue.
« Love is Overtaking Me » constitue donc une collection de 21 démos jamais publiées par le compositeur durant sa carrière. Elle réunit des collaborations opérées en compagnie des producteurs John Hammond (Billie Holiday, Bob Dylan), Jerry Harrison (Talking Heads, The Modern Lovers) ou Rhys Chatham. Ces chansons ont été enregistrées entre 1970 et 1991 et sont l’œuvre des divers projets au sein desquels Arthur Russell a milité ; et en particulier The Flying Hearts, The Sailboats, Turbo Sporty ou Bright & Early. C’est Chris Taylor des Grizzly Bear qui s’est chargé du mix et de la remasterisation, alors que la sélection des morceaux a été confiée à Tom Lee, le partenaire musical de Russell, Steven Knutson (du Label Audika à l’origine du projet) et par Ernie Brooks des Modern Lovers.
Cet elpee rassemble des chansons pop-rock fragiles, souvent peu mises en forme (NDR : paradoxal pour un si bon producteur…) et qui n’évoluent jamais très loin de l’univers de Nick Drake voire d’Elliott Smith. Mais par contre, à une distance respectable de son habituel univers avant-gardiste. L’ensemble est certes un peu lourd et touffu (pas moins de 21 chansons) mais recèle de véritables moments de grâce tels « Maybe She » ou « Your Motion Says ». Il s’agit donc d’une nouvelle preuve de la courte (il est mort du Sida en 1992, à 40 ans) mais au combien riche carrière du génie new-yorkais ! Une très belle porte d’entrée pour pénétrer dans son autre monde sonore…
A l’autre bout de la Manche, le rock semble plus brut. Ceux qui ne s’en lasseront pas, s’en délecteront. Surtout quand le reste de la scène britannique s’égosille dans l’électrique ou ne s’effiloche pas dans l’émo-complainte. Ralfe Band dénote agréablement par son blues-folk imparfait. Le précédent « Swords » (2007) avait déjà fait une entrée discrète mais classieuse, rappelant les libertés prises par la country bohême des Decemberists. Cette fois, l’exploration est plus acoustique qu’à l’accoutumée. On se laisse aisément porter par ses mélodies scandées dans la chaleur de l’évidence (« Platform boy »), ses périples instrumentaux assumés dans la longueur (« Big head » et « Attics »), ses petites merveilles dans la droite lignée des Calexico (« Mirror face ») et ses formes lascives en piano-cabaret (« Queen of Romania »).
« Attic Thieves » constitue un album éclectique à l’image de la polyvalence de ses têtes pensantes. Et pour cause, Oly Ralfe s’investit avec autant d’aisance dans le monde du documentaire et de la vidéo, tandis que son partenaire Andrew Mitchell enchaîne délicatement cordes et percussions. Ajoutez que « Attic Thieves » a été enregistré au fur et à mesure de contributions apportées par des invités… surgis de nulle part (contrebasse, trombone, mandoline, violon, trompette). Bref, de ce fourre-tout, on est séduit par son résultat délicieusement bancal. Sauf lors de la deuxième partie de l’album, qui s’essouffle dans une errance sans point final. Des faiblesses récupérées par la douceur bienveillante de « Lost like gods » où accordéon et piano se donnent la réplique en sous-vêtements de soie. Assez pour tendre l’oreille vers cette boîte de Pandore et lui soutirer des promesses pour le futur.
Pour les néophytes, il n’est pas superflu de vous refaire un peu l’historique de cette formation. Cranes a été fondé par Alison Shawn et son frère Jim. Au beau milieu des eighties. Le choix de leur nom a été guidé par leur environnement ; c’est-à-dire les affreuses grues qui se dressaient à l’époque dans le port de Portsmouth, ville dont le groupe est originaire. Le succès n’apparaîtra cependant qu’en 1992, lorsque The Cure, séduit par leur rock gothique, va les inviter à assurer la première partie de leur ‘Wish Tour’. C’est à cette époque que la formation va commettre ce qui constitue encore aujourd’hui le meilleur elpee du groupe : « Forever ». Deux ans plus tard, « Loved » reçoit également des échos favorables de la critique. Mais dès le début de notre nouveau siècle, les problèmes commencent à s’accumuler. Plusieurs membres de groupe tirent leur révérence. Et pour corser le tout, le combo entre en conflit avec sa maison de disques, Dedicated. Un désaccord qui va forcer les Cranes à créer leur propre label, Dadaphonic…
Le précédent opus, « Particles and waves » remonte à 2004 ; et on ne peut pas dire qu’il ait frappé les esprits. Et comme leurs prestations scéniques se révélaient de plus en plus inégales, leurs fans les plus fidèles avaient vraiment le droit de se plaindre. Pourtant, en octobre dernier (voir la review du concert), le combo était parvenu à ranimer quelque peu la flamme du feu sacré. Dès lors on était en droit d’espérer une confirmation de ces excellentes dispositions. Sur ce nouvel elpee sobrement intitulé « Cranes », par exemple.
On ne peut cependant pas dire que le début de l’opus soit particulièrement rassurant. Intitulé « Diorama », l’intro est plutôt répétitif et sans grand intérêt. Et la suite n’apporte guère de surprises, hormis la présence plus marquée de l’électro. Notamment tout au long d’« Invisible ». Maintenant, il faut reconnaître que cet aspect plus synthétique parvient à se fondre naturellement dans l’électricité éternellement grinçante des guitares.
Heureusement, les Cranes peuvent toujours compter sur l’organe vocal d’Alison. Ce timbre fragile, angélique, juvénile, qui communique un charme inégalable à leur musique. Une raison et peut-être encore la seule raison pour aimer ce groupe, contre vents et marées. Et pour la circonstance, elle se pose délicatement sur l’électro minimaliste ou les riffs sombres. De quoi continuer à énerver les détracteurs et à ravir les aficionados, soit-dit en passant.
Paru dans le plus strict anonymat, cet album risque cependant de ne rencontrer de succès qu’auprès des fans de la première heure (NDR : ce qui n’est déjà pas si mal me direz-vous). Quant aux futurs concerts des Cranes, ils continueront à attirer les fidèles trentenaires… dans des salles intimistes à-moitié vide…
Malgré son handicap (NDR : il est paraplégique), Vic Chesnutt peut définitivement être qualifié d’hyper productif. Moins d’un an après avoir sorti un splendide « North Star Deserter » et accordé un concert remarquable au club de l’AB, il nous propose un excellent opus baptisé « Dark Developments ».
Une chose est sûre ; l’artiste sait toujours s’entourer. Sur son précédent elpee, il avait reçu le concours de Guy Picciotto (Fugazi), Geneviève Heistek (Hangedup) et Silver Mt. Zion. Pour concocter ce nouveau cd, il a invité des citoyens d’Athens (Géorgie-USA). En l’occurrence ceux de la formation Elf Power. Un groupe issu du collectif Elephant 6, au sein duquel on retrouve, entre autres, Of Montreal et Apples In Stereo.
Une fois de plus, Vic Chesnutt nous propose de l’accompagner pour accomplir une longue balade, émaillée de surprises. « Mistery » ouvre l’opus. Une plage tout à fait conforme au folk ténébreux pratiqué par notre songwriter. Mais très vite, les événements se précipitent. « Little fucker » nous conduit, dans une décapotable, sur la route 66. Les riffs psychédéliques entretiennent ce dépaysement. Enthousiastes, on se met instinctivement à taper du pied. « And how » est cependant la plus belle réussite de cet elpee. On est ici précipité dans l’univers US reedien. Et plus particulièrement de la grande époque « Berlin ». Trois minutes de pur bonheur. Que les fans de Neil Young devraient également apprécier. « Teddy Bear » recèle également son lot de découvertes. Ce morceau démarre sur un tempo reggae, avant de s’électrifier et de s’achever sur une touche dub. Sans pour autant se départir d’une richesse émotionnelle à fleur de peau. Vic prend toujours un soin particulier à soigner les lyrics de ses compos. Teintée d’humour, « Bilocating Dog » en est la plus belle illustration ; une chanson que Vic chante d’un ton grave, au beau milieu des chœurs.
« Dark developments » est un petit chef-d’œuvre. Mais pour pouvoir être apprécié à sa juste valeur, il est nécessaire de s’armer de patience. De l’écouter d’une oreille avertie et attentive. Les changements d’intonation et de rythmique ainsi que les variations de chœurs sont susceptibles de déconcerter. Mais les mélomanes qui auront fait le pas ou tout simplement les aficionados de Vic Chesnutt seront récompensés. Et comme votre serviteur, ils n’hésiteront pas à hisser cet elpee comme une des plus belles réussites de la cuvée 2008.
James Yuill est un personnage à double face. D’un côté, il est passionné par la génération des artistes qui soignent à la fois les lyrics et les atmosphères. Pensez à Nick Drake, Radiohead ou encore Sufjan Stevens. De l’autre, le Londonien s’intéresse beaucoup aux beats affutés d’Aphex Twin, des Chemical Brothers ou encore ceux de l’inventeur de la frenchtouch 2.0, Jackson And His Computer Band. A premier abord, on pourrait imaginer que la combinaison de ces deux courants est une mission impossible. Mais dès que les premières ondes sonores de « Turning Down Water For Air » retentissent, James Yuill démontre qu’il est bien à la hauteur de la situation. Evidemment, les beats proposés par le Briton évoluent à des années-lumière de ceux dispensés par Daft Punk ; mais il faut reconnaître que la rencontre des deux genres a été opérée aussi subtilement qu’intelligemment. Surtout pour un premier essai!
Pourtant, après avoir écouté le premier titre de l’elpee, « You Always Do », on imaginait être en présence d’un nouvel artiste de néo-folk. Heureusement, la suite des événements va se révéler beaucoup plus audacieuse. Et dès « Left Handed Girl » ou encore « No Pins Allowed », la magie va opérer entre électro et cordes de guitare acoustiques. Une combinaison magnifiée par le timbre savoureux de James Yuill. Paru sur l’excellent label Moshi Moshi qui fêtera bientôt ses 10 ans d’existence, « Turning Down The Water For Air » constitue une première et excellente surprise pour l’année 2009. Et cet artiste, un personnage à suivre de très près. Remarquable !
Bien qu’il ait été réquisitionné par Fleet Foxes, Josh Tillman garde le contrôle de sa carrière solo et publie ce qui sera très probablement l’album de la révélation. A 27 ans à peine, le jeune singer songwriter fait déjà preuve de la maturité d’un vieux sage. « Vacilando Territory Blues », son cinquième essai, vient se greffer à une discographie tout à fait irréprochable. Moins intimiste que ses travaux précédents, cet opus reste cependant fidèle à la personnalité de ce dernier.
Tillman s’accompagne ici de Casey Wescott et Christian Wargo, deux de ses collègues de Fleet Foxes. Ils présentent ensemble une série de treize perles folk divinement harmonieuses, teintées de neurasthénie (« Barter Blues », « Master’s House ») mais également de limpidité (les splendides « Firstborn » et « James Blues ») et d’allégresse (« New Imperial Grand Blues », « Steel on Steel »). Même en abandonnant la dominance acoustique de ses opus antérieurs, J. Tillman marque un nouveau sans faute. « Vacilando Territory Blues » est, sans conteste, un disque providentiel qui s’écoute en boucle et se passe de commentaires. 2009 s’annonce bien !
La cible préférée des tabloïds ne se laisse pas démonter. Britney Spears remonte la pente, lentement mais sûrement. Celle qui s’est pris plus d’une gifle de la part des critiques spécialisés au début de sa carrière a redéfini son public cible et gagné ainsi le respect de ces derniers. « Circus », le successeur de « Blackout », est au même titre que celui-ci un petit plaisir coupable relativement décent et marque les dix ans de carrière de la chanteuse. La pop imprégnée de beats electro de Miss Spears jouit d’une production impeccable et évite, de justesse, la grandiloquence. Des morceaux tels que « Kill The Light », « If U Seek Amy », « Circus » ou l’excellent « Lace and Leather » sont autant de tubes en puissance.
Pourtant, bien que la plupart des compos et les vocalises de la jeune femme soient plus agréables que sur ses premiers travaux, ce sixième opus manque de témérité et n’évite pas la guimauve (« Out From Under », l’irritant « My Baby ») et une certaine platitude (« Shattered Glass », « Unusual You », « Blur »). « Circus » est un bon divertissement dont on ne gardera en mémoire que quelques morceaux choisis. Le reste, on l’a déjà oublié.
Vêtu d’un long manteau d’hiver, Venus nous invite à partager un ultime voyage hypnotique à travers un double album exceptionnel. Sobrement intitulé « Venus », il est sorti le 6 décembre 2007. Une œuvre d’adieu composée de deux volets : « Venus Studio » et « Venus Live ». Elle retrace dix ans de carrière et d’aventures de l’un des groupes les plus singuliers de la scène indie belge.
« Venus Live », enregistré le 23 mars 2007 lors d’un concert mémorable à l’Ancienne Belgique, nous livre les derniers souffles de la formation bruxelloise. Accompagné de nombreux invités et amis (Françoise Breut, Lio et Antoine des Girls in Hawaii, John et Mika de Ghinzu, Sacha Toorop…), Marc Huygens revisite l’ensemble de son répertoire et nous convie à partager ses émotions teintées de nostalgie.
A travers ce live, Marc Huygens quitte la planète Venus sous les lumières rouges de la scène et transforme ce dernier concert en une grande fête d’adieu. Tel un narrateur, un maître de cérémonie, il raconte Venus : ‘J’ai quelque chose à vous dire : après 10 années de voyage interstellaire, d’aventures exotiques, de concerts hypnotiques, d’épisodes chaotiques et de fous-rires éthyliques, j’ai choisi de m’éclipser vers d’autres aventures intergalactiques. Mais avant que Venus ne sorte définitivement de son orbite, et pour fêter ces 10 années magiques, nous avons décidé de partager avec vous une dernière nuit très, très électrique…’.
Ce premier volet présente un visage kaléidoscopique composé de 17 fragments. Les multiples facettes du groupe y sont explorées. Passant de compositions calmes et introspectives (« Wanda Wulz », « Mother’s voice, Kallenovsky »...) à des morceaux plus fiévreux et électriques (« Here & Now », « Love & Loss », « Perfect Lover »...), l’émotion traduite en son et vêtue de cette habituelle théâtralité, touche par sa sincérité. Sans oublier des morceaux qui frissonnent encore (« Amsterdam ») ou d’autres qui interrogent sans cesse les diversités musicales (« She’s So Dico », « Bass Shivering Bass »…). Venus nous livre en puissance un large éventail de sa pop-rock baroque et sulfureuse.
« Venus Studio », ultime elpee, se présente sous forme de ‘best of’ et propose dix ans de studio résumé en dix-sept fragments soigneusement choisis par le leader du groupe. De ces fragments, deux prismes : le « Sud » de Nino Ferrer et « Bachelorette » de Björk.
La révolution Venus se termine alors pour s’ouvrir vers de nouveaux horizons. Après un an de silence, Marc Huygens, accompagné de Françoise Vidick (batterie, chant) et d’Anja Naucler (violoncelle), nous invite à découvrir son nouveau projet minimaliste Joy. Le trio se produira en première partie d’Elysian Fields le 7 mars prochain sur les planches de l’Orangerie du Botanique.
Venus Live…Venus Studio : le rideau rouge tombe !
Bien que jouissant d’un statut international (NDR : ce qui ne l’empêche pas d’être toujours aussi adulé sur ses terres gantoises), Soulwax a aussi tracé la voie à une scène électro belge bien racée. Les parrains de ce mouvement comptent aujourd’hui parmi leurs héritiers Goose, Shameboy et plus récemment The Subs. Un trio électro hard tech dont le titre du premier album, « Subculture », fait référence au dancefloor populaire ‘Culture Club’ qui a vu naître la génération New Beat. Malheureusement, si la musique des Nordistes ne manque pas d’énergie, les influences sont beaucoup trop manifestes (Philippe Zdar de chez Cassius, Laurent Garnier et Boysnoize évidemment). En outre, ce disque souffre d’une grosse carence en originalité. Beats très lourds, montées en puissance, breaks et à nouveau grosses montées techno. Ce schéma électro a tellement été ressassé depuis les années 80 qu’il risque fort de laisser de marbre les amateurs de techno. Malgré une recherche certaine au niveau de la mise en forme, ce « Subculture » se contente de suivre les traces de Soulwax ou encore Boysnoize. Et le plus bel exemple nous vient de « Papillon ». Les basses y sont tellement lourdes et la rythmique répétitive, que le morceau finit par agacer. Il y a même un remixe de « Breathe » de The Prodigy. Mais il n’arrive pas à la cheville de l’original. Bref trop gratuitement bruyant, cet opus provoque rapidement la lassitude. Dommage !
Pourtant, malgré la critique négative de leur elpee, il faut reconnaître que le combo belge parvient à faire parler la poudre en ‘live’. Et il l’a démontré sur les pistes du Pukkelpop, Dour, le Social Club à Paris ou encore du Razzmatazz à Barcelone, qu’il est parvenu à embraser. Mais, un peu à l’instar de Justice, on a l’impression que The Subs s’égare dans un univers sonore trop impersonnel pour vraiment convaincre. Espérons simplement que leur aventure ne se résume pas à un feu de paille…
Sébastien Sanseverino aime la musique populaire. Il ne s’en cache pas, et parvient même à y mettre un P majuscule. Ce fan de Django Reinhardt et de la musique manouche, n’a de cesse de s’agiter sur le corps de sa guitare pour inviter les foules à danser. Pour faire monter d’un cran l’ambiance d’un bal ou faire taper du pied en cadence. Notre snobisme urbain, aurait vite fait de ranger l’artiste dans la catégorie des ‘gentils mais on ne va pas en faire des pataquès’. Laissons donc de côté notre soi-disant noblesse musicale, pour essayer de s’imprégner de l’univers de ce farfelu chantant. A peine entré dans le monde du Napolitain d’origine, on se prend l’envie de légèreté et de fiestas impromptues.
Sous la chaleur des cordes, et les alignements de textes comico-satiriques, l’artiste à déjà produit trois albums studio : « Le tango des gens » (2001), « Les Sénégalaises » (2004) et « Exactement » (2006). Un double album live « Live au théâtre Sébastopol » avait suivi en 2005.
Trois ans plus tard, Sanseverino nous revient, une double galette enregistrée en public dans la sacoche. Cette œuvre épingle des morceaux issus des trois albums studio, ainsi que des reprises des Wampas, d’Yves Montand ou François Béranger. Si en tournée, Sanseverino est accompagné d’une armada de musiciens, il décide ici de déballer sa joie de vivre sur scène, uniquement en trio. Essentiellement jouées à l’accordéon, les 20 pistes (+ 1 vidéo) de « Sanseverino aux bouffes du Nord » apportent un cachet résolument tango, musette et caricoles à gogo, qui propulsent Yvette Horner, Aimable ou André Verschueren au sommet des références. Si la simple vue du piano à bretelles vous horrifie ou que les premiers accords qui en sortent vous filent de l’urticaire, il serait préférable d’éviter l’écoute de ces disques. Si par contre vous n’êtes pas réticents aux flonflons et blagues de potache, ils devraient parvenir à vous faire passer une après-midi fort sympathique. ‘La simplicité décourage. Elle ne s'acquiert qu'à force de détachement’ nous disait Blondeau. Cette citation prend toute sa valeur dans le cas qui nous occupe. Détachement, simplicité et légèreté sont donc les mots clefs à retenir avant de procéder à son écoute.
Les illustrations de certaines pochettes sont parfois très trompeuses. Les apparences font alors naître des appréhensions qui se révèlent, par la suite, tout à fait absurdes. Et « Entanglements » en est le plus beau témoignage. Le troisième ouvrage de Parenthetical Girls nous rappelle gentiment à l’ordre. Et pour cause, on imaginait, de prime abord, que sa musique allait osciller entre noise et autres expérimentations. L’habit ne fait pas le moine. Les Washingtoniens le prouvent en réunissant onze titres entremêlant l’ingéniosité des travaux de Beirut ou Final Fantasy et l’élégance d’un Rufus Wainwright ou d’un Divine Comedy.
Quelques notes au piano, quelques accords de violons, une voix plaintive –mais pas trop– et Parenthetical Girls parvient à amadouer l’auditeur en quête de délicatesse, même si l’impression d’avoir déjà entendu telle ou telle mélodie de cet « Entanglements » continue de vous poursuivre, toute la durée de la plaque. Ce qui n’empêchera pas le mélomane d’apprécier pleinement la beauté des arrangements du quatuor et plus particulièrement ceux d’un « Unmentionables » agréablement jazzy et de « Windmills Of Your Mind », très jolie adaptation des « Moulins de mon cœur » de Michel Legrand. « Entaglements » démontre en un peu plus d’une demi-heure que derrière les pochettes les plus laides peuvent parfois se cacher de bien belles surprises…
Ecrit par la chanteuse suédoise Robyn, « Keep This Fire Burning » avait déjà fait l’objet d’une adaptation en 2005, signée Beverley Knight. Et puis la Scandinave avait également réalisé une toute nouvelle version de ce titre, lors de la réédition de son album. Aujourd’hui, c’est désormais sur le team Outsiders qu’il faudra compter pour enflammer vos soirées électro les plus pathétiques. Remixé essentiellement par les maîtres de l’écurie Loaded, Freemasons, le disque des Anglais a pourtant bénéficié du concours de la voix sensuelle d’Amanda Wilson. Mais au bout du compte, le morceau est loin de cracher des flammes ; et on a l’impression de l’avoir entendu plus de mille fois. Une plage de dance caractérisée par la ligne de basse ‘rebondissante’ tracée sur fond de beats électro très simplistes. Déjà présent cet été sur les dancefloors moites des plus grosses soirées, ce titre est à fuir si vous êtes pointilleux en matière de clubbing ; car seuls les ringards ont le droit de se déhancher sur cette répétitive rythmique qui n’a rien de jouissive. En outre, cette plaque inclut d’autres versions remixées (WAWA, Christian Fischer, Jean Mawell ou encore Topaz Floored Bassline) dont aucune ne sort du lot. Et vu le style de la chanson, on peut très bien comprendre pourquoi !
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