C’est à un tout grand artiste de l’histoire du rock’n roll qu’est consacrée cette compile. Né en 1936, Roy est décédé en 1988, terrassé par une crise cardiaque. A l’instar d’Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins ou Johnny Cash, il avait entamé sa carrière au cours des 50’s. Comme chanteur de rockabilly. Sa première chanson, « Ooby dooby », décroche un succès sur un label local. Et va lui permettre de signer chez Sun. Il obtient ainsi son premier tube international. Car des hits, Roy en a commis une bonne douzaine. De nombreuses ballades. « In dreams », par exemple, qui figure sur le disque. Un répertoire au sein duquel il pouvait mettre en exergue ses prouesses vocales. Il ne faut pas oublier que son registre lui permettait de chanter sur trois octaves. Sans oublier ses classiques comme « Mean woman blues », « Only the lonely » et bien sûr l’intemporel « Oh, pretty woman ». Orbison n’était ni un rebelle, ni un agitateur. Il était même gêné de son succès. Il avait alors décidé de ne plus se produire sur les planches ni d’enregistrer pour lui ; mais de composer pour d’autres artistes. Avant de se raviser. En 1965, suite à un accident stupide de motocyclette, son épouse perd la vie. Pire encore, en 1968, ses deux fils périssent dans l’incendie de sa maison. Il va alors vivre une longue traversée du désert. Ponctuée par une lourde opération du cœur, en 1978. Mais deux ans plus tard, il refait surface. Et en 1986, il est embarqué dans l’aventure des Travelling Wilburys, en compagnie de Bob Dylan, George Harrison, Jeff Lynne et Tom Petty. Un titre, « Not alone any more » épingle cet épisode. Le recueil recèle une rareté immortalisée ‘live’ : « (All I can do is) dream you » datant de 1987. Un morceau qui démontre qu’il n’avait pas besoin des artifices studio pour jouer en public. Décembre 1988, il décède donc inopinément alors qu’il venait d’achever un opus de nouvelles chansons. « Mystery girl » paraît le mois suivant et recèle le remarquable « You got it », signé par Jeff Lynne et Tom Petty. Trois ans plus tard, un opus posthume réunissant des maquettes sera publié « King of hearts ». Sur lequel figurent « Crying » (en duo avec kd Lang) et « I drove the night ». Et pour votre info, sachez que ce « The best of the soul of rock and roll » fait également l’objet d’un boxset réunissant 4 disques.
Nigérienne exilée en Allemagne, Nneka publie son second ouvrage, « No Longer At Ease », l’album de la révélation. Précédé par l’excellent single « Heartbeat », ce nouveau recueil est une introduction bien fournie (16 morceaux) à un univers mêlant sans complexe Hip Hop, Soul, Rock et l’Afrobeat à la Fela Kuti. Injustement comparée à Lauryn Hill, Nneka fait partie de ces artistes qui gravent leurs travaux d’une évidente passion ainsi que d’une certaine honnêteté. Et originalité, surtout ! Assurément, la jeune femme bouillonne d’inspiration. Elle étale celle-ci tout au long d’un recueil qui fait souvent mouche mais souffre également de ce foisonnement d’idées incontrôlées. Les principales faiblesses de « No Longer At Ease » sont en effet un manque de cohérence et une durée qui peut s’avérer contraignante. D’autant plus que quatre ou cinq extraits de l’ensemble auraient pu en être soustraits sans porter atteinte à l’âme de l’œuvre.
Nneka n’a cependant rien à envier à ses grandes sœurs américaines, Erykah Badù en tête. Car malgré ses longueurs, « No Longer At Ease » est un deuxième recueil fouillé, passionnel et résolument ancré dans les racines africaines de son interprète. Nneka Egbuna est un nom à retenir, si ce n’est déjà fait.
Retenu par plusieurs publications et autres webzines comme l’une des meilleures œuvres de l’année 2008, « The Hawk Is Howling », la sixième œuvre de Mogwai, est effectivement de celles que l’on souhaiterait avoir écouté en temps et en heure pour les tops de fin d’année. Une critique dithyrambique s’impose donc. Histoire de se racheter. Précédé par le single « Batcat », mariage retentissant du Post-rock et du Heavy Métal, « The Hawk Is Howling » est une collection de dix morceaux qui marque un retour aux sources. Les Ecossais ont par ailleurs opté pour la production d’Andy Miller qu’ils avaient délaissés durant une bonne décennie. Entre morceaux éthérés et tourmentés, cette nouvelle brochette irréprochable est un cadeau inespéré pour les fans de la première heure. Il concilie en effet la splendeur de « Young Team », l’intensité de « Rock Action » et l’ambition de « Happy Songs For Happy People » tout en se débarrassant des défauts de « Come On Die Young » et des mimiques adoptées sur les plus récents « Mr. Beast » et « Zidane : A 21st Century Portrait ».
Mogwai se réinvente également à travers des morceaux plus singuliers, tels que « The Sun Smells Too Loud », « Daphne And The Brain » ou l’émouvant « Scotland’s Shame ». Une écoute prolongée de « The Hawk Is Howling » révèle une subtilité encore plus prononcée qu’auparavant dans le travail de la formation. Le quintet est parvenu à se surpasser et éradique les pyrrhonismes engendrés par un « Mr. Beast » qui avait divisé fans et critiques. Mogwai a donc recouvré son grade de premier de classe. Une position parfaitement méritée.
Cette jeune chanteuse/compositrice finnoise vient d’enregistrer son premier album sous son propre patronyme. A ce jour, elle avait commis deux elpees au sein du groupe TUB Quartet : Red shoes diary » en 2004 et « Twelve o’clock tales » l’année suivante. Evidement, lors des sessions d’enregistrement, elle a reçu le concours de toute une panoplie de collaborateurs qui se partagent une belle brochette d’instruments : notamment à vent (clarinette, saxophone, trompette, flûte, etc.) ; mais aussi de la basse, des guitares, des percus, du banjo, du piano, des claviers, des drums, etc. Insolites également. Dont une harpe miniature (autoharp) que se réserve cependant Marie. Sans oublier les effets électroniques et les arrangements (NDR : de cordes surtout).
Les trois premiers morceaux de l’elpee ne sont guère convaincants. Ils sont, à la limite, soporifiques. Il faut attendre « Marie Antoinette » pour que cette œuvre commence enfin à perdre la tête. Ou plus exactement permette de découvrir le véritable potentiel de cette artiste. Dont la voix limpide, brumeuse, douce, épouse parfois les inflexions de Björk ou de Sharleen Spiteri (Texas), mais sans en avoir le timbre. Mais le plus intéressant procède de l’apport des chœurs. Impressionnants a capella sur le titre maître et « Save up », ils peuvent devenir angéliques, complètement ‘cartoonesques’ (« It is easy ») ou épouser des harmonies dignes d’Abba (« Catching a star »), une compo dont la mélodie rappelle également le célèbre quatuor suédois, même si la structure du morceau est plus proche de la prog. Car finalement, la plupart des morceaux de cet opus sont assez complexes. Puisant, outre la prog, aussi bien dans le jazz, la pop, la country (l’excellent « Midwest country ») que le trip hop. Bref, un disque dont une première écoute peut laisser de glace ; mais qui au fil des écoutes se révèle aussi mystérieux qu’intriguant…
The Fireman est un projet monté par Youth, le bassiste/producteur de Killing Joke, et Paul McCartney, dont le premier elpee, exclusivement instrumental, est paru en 1993 (“Oceans ship forest”). Un second opus va même suivre en 1998 (« Rushes ») ; un disque sur lequel il y a bien des parties vocales, mais elles sont constamment triturées par les effets électroniques. Bref, il faut bien reconnaître que ces deux œuvres sont plutôt passées inaperçues.
« Electric arguments » se révèle, comme son titre l’indique beaucoup plus éclectique. Et la voix de Macca est ici nettement distincte. Surtout en première partie de l’opus. Depuis le blues rocailleux, virulent (NDR : il s’en prend à son ex-femme Heather Miller) « Nothing too much just out of sight », dont certains accents peuvent rappeler « Helter Skelter » au ‘philspectoresque’ « Dance ‘til we’re high », en passant par la ballade acoustico-jazzyfiante « Two magpies », qui aurait pu figurer également sur le « Double Blanc », le très pop et hymnique « Sing the changes », le lancinant « Travelling light », un morceau imprimé sur un rythme de valse, le rock carré « Highway », le récréatif « Light from your lighthouse » et l’hypnotique « Sun is shining ». Des titres plutôt sympas mais qui ne cassent quand même pas la baraque. La deuxième partie de l’œuvre s’aventure davantage dans l’ambient et les expérimentations électro. Il y a même des beats sur « Lovers in a dream ». Il faut cependant attendre le tout dernier et très long morceau (NDR : 10 minutes !) « Don’t stop running » pour retrouver une mélodie plus pop, nonobstant un tempo plus lent et un climat atmosphérique. Avant qu’un titre caché ne nous replonge dans l’ambient. Anecdotique !
Produit par Kurt Ebelhäuser de Blackmail, "Harmonia" constitue le second opus de la formation allemande Earthbend. Un trio dont la démarche est fort comparable à celle de Motorpsycho. Ce qui peut se comprendre, quand on sait que les deux combos puisent essentiellement leurs influences dans les sixties et les seventies. Nuance, chez Earthbend, on a parfois l’impression de se farcir un Thin Lizzy qui se serait mis à la prog. André Kunze (guitare, chant), Tilo Hustan (drums, piano) et Christian Heinrich (basse, orgue) ne sont pas des manchots. Et leurs compétences instrumentales sont au-dessus de tout soupçon. Maintenant, il faut reconnaitre que leur musique est un peu datée…
Il faut le reconnaître, Dido, de son vrai nom Florian Cloud De Bounevialle Armstrong, ne profiterait peut-être pas du même succès que celui dont elle jouit actuellement si ce n’était pour les petits pistons qui l’ont amenée là où elle en est aujourd’hui. Après avoir fait ses premières armes en compagnie de son frangin, Rollo, au sein de Faithless en 1995, l’Anglaise cède un sample de son titre « Thankyou » à Eminem en 2000. Celui-ci en fera tellement bon usage sur le méga-carton « Stan » que les ventes de « No Angel », le premier ouvrage de la demoiselle publié en 1999, décollent du jour au lendemain. Quelques nouvelles collaborations avec Faithless plus tard, elle publie « Life For Rent » qui connaîtra à peu près le même succès que son précédent elpee.
Cinq ans plus tard, Dido publie « Safe Trip Home » dont le mot clé est manifestement « Safe ». Bien qu’elle se soit entourée de pointures (Brian Eno, Jon Brion, Citizen Cope, Mike Fleetwood), la blondinette ne surprend pas. Les onze extraits de ce nouvel opus s’inscrivent dans la droite lignée de ses travaux précédents. Malgré une production ultra bien léchée, « Safe Trip Home » souffre d’un manque de soubresauts, si bien que l’on aimerait secouer l’interprète, lui coller une gratte à la main et la forcer à se lancer dans un Heavy Metal de derrière les fagots.
Il faut reconnaître cependant que Dido ne déçoit pas. Ses petites pastilles Pop sont toujours les plus impeccables qui soient. De plus, l’écriture est loin des clichés du genre et certains extraits parviennent même à faire taper du pied (« Us 2 Little Gods », le single « Don’t Believe In Love » ou « Let’s Do The Things We Normally Do », proche d’un Psapp). Le résultat se traduit par un « Safe Trip Home » pas désagréable pour un sou et s’écoulant d’une traite sans que l’auditeur ne ressente un quelconque ennui. Une gentille petite plaque, sans prétention, aucune.
Membre des défunts Love Nut et Myracle Brah, Andy Bopp a décidé d’embrasser une carrière solo. Fin guitariste et aventurier folk, cet originaire de Baltimore revient donc sur le label Rainbow Quartz pour présenter ce « This Guitar Kills Singer Songwriters ». Réputé pour la confection de ses mélodies psyché, abordées dans un esprit power pop, il a donc décidé d’opérer un virage à 180°. On est donc ici bien loin de son précédent projet Myracle Brah. Tout simplement parce que tout au long de cet opus, il se contente de chanter en s’accompagnant à la guitare. Malheureusement, la plupart des compos manquent d’énergie et finissent par lasser. On doit même reconnaître que sur les 12 morceaux, 11 souffrent de cette carence. Depuis l’intro « Whisper Softly » à l’adynamique « This Guitar Kills Singer Songwriters » (NDR : qui n’a strictement rien de tuant, je vous l’avoue) en passant par les moroses « Hello » ou encore « Hearts On Fire ». Pourtant, Andy Bopp est considéré comme un excellent vocaliste dans l’univers contemporain de la folk. Mais, l’Américain aurait gagné à enrichir –même légèrement– son expression sonore de l’un ou l’autre instrument, histoire de pimenter des chansons, pourtant très bien écrites.
Si Andy Bopp est manifestement une personnalité intéressante dans l’univers du folk, on ne le sent visiblement pas encore prêt à s’y aventurer sans bénéficier de l’aide de l’un ou l’autre collaborateur. Et cet elpee démontre bien que ce type de projet est finalement trop lourd à supporter pour ses frêles épaules.
Meilleur ami d’enfance d’un autre Mathieu, le très doué et médiatisé –M–, …Mathieu Boogaerts a fait ses premières armes musicales en sa compagnie au sein du groupe Tam-Tam. C’était au cours de son adolescence. Leurs chemins musicaux se sont par la suite séparés. Face à la technicité et l’opulence des chansons de –M–, ce sont plutôt les qualificatifs de ludique, naïf ou d’épuré… que l’on avancerait afin de décrire sa musique. L’influence de ses nombreux voyages, et notamment de ses séjours en Afrique, sont directement perceptibles à travers ses chansons. Les rythmes ont une importance toute particulière dans son univers.
Après avoir été remercié par Island, il y a quelques années, Mathieu Boogaerts est finalement parvenu à s’épanouir chez Tôt ou Tard. Cette structure a compris qu’il importait de laisser à cet électron libre suffisamment de liberté. Car sans être un virtuose, Mathieu joue de tous les instruments sur ses albums et y apporte son côté ‘bricolo-inventif’ ayant peu de pareil dans la chanson française actuelle… si l’on excepte peut-être le vétéran Dick Annegarn ou son ami Albin De La Simone.
Même si sur la longueur l’album pourrait paraître monotone, au fil des écoutes les trouvailles incessantes de l’artiste vous réjouiront sans hésitation. C’est minimaliste… mais sans jamais sombrer dans la facilité ! S’il n’atteint pas le niveau de « Michel », son précédent elpee, « I Love You » (enregistré à Bruxelles) figure assurément dans son podium de tête. Petite pépite d’album funky en diable il mérite plus qu’une oreille attentive. En près de dix ans de carrière, Mathieu Boogaerts s’est créé une place bien à part dans la chanson française… Tout en fraîcheur ! Quoique vu le froid de canard de ces dernier jours… Une chose est sûre, cet opus est très susceptible de vous réchauffer les jambes et la tête… En outre, son accent anglais vaut à lui seul le détour !
Universal a donc décidé de ressortir l’unique album de Blind Faith. Blind Faith était né de la rencontre entre Steve Winwood qui venait de quitter Traffic, Eric Clapton le dieu de la guitare et Ginger Baker, le virtuose des drums, tous deux ex-Cream, ainsi que l’ancien bassiste de Family, Rick Grech. Un quatuor alors annoncé comme le futur Supergroupe. Jimmy Miller, le producteur des Stones avait même été choisi pour mettre en forme leur premier opus. Qui ne va pas récolter le succès escompté. Pourtant, il recèle plusieurs morceaux absolument remarquables. Et je pense tout particulièrement à la cover du « Well all right » de Buddy Holy. Ou encore des superbes « Presence of the Lord » et « Can’t find my way home ». Finalement, c’est la pochette qui fera parler le plus parler d’elle. Affichant une jeune fille impubère au torse nu, elle sera interdite en Grande-Bretagne. Pourtant, les musiciens disposaient de tout le potentiel pour se forger une notoriété incontournable. Des instrumentistes exceptionnels, un chanteur (Steve Winwood) à la voix éthérée, belle et envoûtante. N’empêche si ce disque ne mérite pas de figurer parmi les albums culte, il demeure un classique que tout collectionneur doit posséder dans sa discothèque. Ah oui, j’allais oublier, l’elpee n’est ressorti qu’en vinyle. A low price. Mais le plus intéressant procède du coupon inséré dans la plaque qui vous permet de télécharger l’œuvre en MP3.
Franchement, en lisant la biographie et les différents articles consacrés à Binario, je m’attendais à recevoir la claque de l’année. De découvrir un groupe susceptible de rivaliser avec CSS ou Bonde Do Role. D’autant plus que le line up est constitué de sept musiciens dont deux drummers et trois guitaristes. Et nous vient du Brésil. On avait donc le droit d’imaginer une musique excitante et criblée de percus. De type samba ou bossa nova. On est loin du compte. Et si on en recèle quelques traces, elles constituent l’exception qui confirme la règle (« Experimental (Catnip) ») ou sont bien étouffées. En fait, cet opus nage dans un jazz-funk-rock-prog-electro alambiqué. Encore que régulièrement, l’électronique prend le pas sur les autres instruments (NDR : joués par d’excellents musiciens, il faut le souligner) en essayant de nous faire croire à des envolées psychédéliques. Il y a bien quelques vocaux chantés en portugais, mais ils ne parviennent pas davantage à donner de l’impulsion à la solution sonore de ce combo qui reconnaît pourtant pour influences majeures Radiohead, Velvet Underground, Can, Kraftwerk, Zappa et Miles Davies. Et manifestement ; c’est évident pour les deux derniers artistes cités…
Hector Zazou est donc décédé dans la nuit du 7 au 8 septembre. A l’âge de 60 ans. Mais avant de tirer sa révérence, il avait réalisé une dernière expérimentation dans l’univers de la musique world : « In the house of mirrors ». Il est ainsi parti avant la sortie de cet elpee.
Des expérimentations, Hector en a opéré une multitude. C’était d’ailleurs le fil conducteur de sa carrière. Souvent en mélangeant tradition et modernité. C’est-à-dire musiques du monde et électro. Et tout d’abord la musique africaine dont il a été le premier à réussir cette fusion en compagnie de Bonny Bikaye. C’était déjà, il y a un quart de siècle.
Son album posthume, il l’avait enregistré en Inde. A Mumbai, très exactement. Il y avait reçu le concours du quartet Swara. Des musiciens indiens et ouzbeks qui se partagent tambûr (un luth à long manche), l’oud, de violon, la flûte et la slide guitare indienne. Mais également de collaborateurs plus conventionnels. Tels que le trompettiste norvégien Nils Petter Molvaer, le pianiste de flamenco Diego Amador, le violoniste hongrois Zoltan Lantos, le percussionniste Bill Rieflin (NDR : actuellement batteur de R.E.M.) et le flûtiste espagnol Carlos Nuñez. Si le titre de cet opus fait référence à la galerie de glaces de La Dame de Shanghaï, la musique propose une approche élégante de la musique classique d'Asie. Zazou a ajouté à la solution sonore de subtils bidouillages pour lui donner une texture plus contemporaine, même si manifestement elle émarge totalement à l’ambient…
Yasushi Yoshida nous vient du pays au soleil levant (NDR: fallait pas être devin pour s’en douter). D’Osaka, très exactement. Il est surtout connu pour avoir composé des bandes sonores destinées aux séries télévisées ("Walk Alone in Arktos", "Mr. Hyohichi Kohno Walked to the North Pole", etc.) et au théâtre. Mais c’est également un multi-instrumentiste, même si ses instruments de prédilection sont le piano et la guitare. Et un ingénieur du son qui s’intéresse autant à la musique classique, au jazz et à la world qu’à la musique électronique. Son précédent opus baignait d’ailleurs dans l’ambient. Pour cet elpee, on n’en est pas plus éloigné. Simple différence, si l’électronique est toujours bien présente, les drums, la guitare, le violon, le violoncelle, la basse, la scie musicale, le saxophone et la clarinette sont également de la partie. Une constate : le piano trame toute l’œuvre. Le résultat embrasse un format post-classique qui pourrait servir de bande sonore pour un film mélancolique voire dramatique. Mais privé de tout support visuel, ce disque suscite rapidement l’ennui…
Rencontre avec ce jeune emcee hyperactif dont le premier album officiel est paru après une multitude de passionnants projets underground encore téléchargeables gratuitement sur le net. Veence Hanao est passionné par les beats innovants de Madlib et du défunt Jay Dee mais aussi par des fines plumes de la chanson française comme Gainsbourg. Ce qui donne un mélange musical audacieux et prometteur qu’on vous enjoint à découvrir au plus vite !
Pour « Saint-Idesblad », tu t’es passé des beats de ton fidèle complice Noza. Qu’est-ce qui t’a amené à vouloir assurer les parties musicales et les paroles ?
J’ai bossé pendant des années en compagnie de Noza ; et il y aura certainement encore d’autres projets en commun. Ce gars est super talentueux. Simplement, sur celui-ci, j’avais besoin d’être seul dans ma bulle, de m’évader quelque temps, et d’aller au fond de mon univers. Aussi bien pour le fond que pour la forme. Je pense que cette envie se ressent à l’écoute du disque. C’est une ‘tranche de vie’, témoignage plutôt très personnel, relativement ‘fermé’ en ce qui concerne les possibilités de conception. Quant à l’aspect purement pratique, la plupart l’ignore, mais il y a des années que je produis des sons (depuis mon premier groupe SLK). Par exemple : « Midi Pile » sur Autumn I, « Photo de classe » sur Autumn II, « Anal Sex » sur le projet de Claud’French… J’ai senti qu’il était temps que je le fasse.
« Manège » me fait un peu penser à « Where’s my Mind ? » des Pixies, c’est un hommage ou le pur hasard ?
Un pur hasard ! On me l’a fait remarquer à mon retour à Bruxelles, quand l’album était bouclé. Cette allusion ne m’inquiète pas. Au contraire, cette histoire me fait marrer. Puisqu’on m’a déjà posé la question, c’est bien ma voix, et pas un sample grossier. Par contre, le hasard fait bien les choses, si l’on observe que mon premier projet solo s’ouvrait sur un sample de Tyler Durden (du film « Fight Club ») et que « Where’s my Mind » des Pixies a été utilisé pour le climax de ce même film. Etrange…
Pour le clip de « Manège », on te voit déambuler à la Foire du Midi, comment s’est passé ce tournage ?
Très bien ! Et relativement à l’arrache, comme on aime. Toute l’équipe (Florent Sauze – Eve Duchemin) était sur la même longueur d’ondes. On voulait un clip ‘cinéma/docu humain’ dont le grain sente la vraie vie plutôt qu’un clip de ‘graphiste/studio’ trop parfait, tourné sur fond vert, comme beaucoup le sont aujourd’hui. On l’a tourné au feeling, freestyle, caméra épaule, let’s go. On a arpenté la Foire comme si on filmait un docu et ils ont pris les images que la vie nous donnait, plusieurs soirs d’affilée, dont la clôture, le dernier jour, afin de capter le départ des forains. On pensait qu’on nous ferait chier davantage, mais les gens ont été cool. Notre plus gros obstacle, finalement, aura été ma réticence à monter dans certaines machines infernales. J’ai un putain de vertige.
Comme pour le projet « Autmun », le jazz est omniprésent dans « St Idesbald ». Il contribue à l’atmosphère sombre et enfumée de l’album. Dans quels disques puises-tu la matière sonore ? D’où te vient la passion pour cette musique ?
Passionné, c’est un grand mot. J’écoute autant de jazz que de chanson française, de rap ou d’électro. C'est-à-dire en petite quantité (rires). En fait, j’ai un rapport bizarre à la musique. J’ai accroché au jazz et à la soul grâce à des sons Hip Hop signés Jay Dee, Pete Rock, Mos Def, Talib Kweli, Madlib ou même Oxmo, Rocé et consorts. C’est un domaine que j’explore depuis des années. En essayant de savoir ce qu’ils avaient samplé. Puis d’écouter un peu la racine, et au-delà, les grands noms qui m’avaient déjà, c’est vrai, un peu giflés (rires) ! C’est donc un contact indirect. A la base, je suis de formation classique. A 12 ans, stop, j’ai bouffé du Hit Box, comme tout le monde. Puis du rap, comme beaucoup. Puis toujours du rap, mais plus le même. Et ça m’a fait du bien d’écouter un autre genre de Hip Hop. Le jazz et la soul m’intriguent particulièrement, c’est vrai, car ils me renvoient des images, des ambiances, des sensations. Atmosphère sombre, mouais. Enfumée, à mort. Hallucinée, un peu. En quelques notes tu te retrouves dans un film. Le jazz, j’ai l’impression qu’il permet de pleurer en souriant. Ou l’inverse, je ne sais pas. Quant aux disques dans lesquels je puise, bah je fonctionne par heureux/malheureux hasard, m’aventurant dans des vieux bacs, soldes de braderies, brocantes et vieux greniers …
Le grand absent musical du disque, c’est le rock. C’est un genre qui te passionne peu ?
Il y a des choses énormes, mais dans le rock actuel, j’ai du mal, je ne sais pas. C’est peut-être parce qu’en Belgique, l’establishment culturel rock m’a saoulé. Mais j’écoute cependant certains trucs.
« Saint-Idesbald » est un disque où tu saccages et sabotes les formats ‘chanson’. Est-ce que tu as déjà essayé de démarcher les grosses radios de la bande FM pour obtenir quelques passages ? Quelles sont les réactions ?
Et dire que j’ai fait quelques efforts (rires). « Manège » et « Force et Honneur », non (rires) ? Non, sérieusement, il est trop tôt pour que je puisse répondre à cette question. Nous sommes occupés de négocier.
On sent un certain désabusement dans ce disque. Qu’est-ce qui t’inspire ce dépit ? La précarité à laquelle est (souvent) condamné un artiste en Belgique ou la ‘robotisation’ de la société, dont tu parles dans les « Robots » ?
Tout ! Oui, la robotisation, l’abrutissement, la culture imposée, nos références prises pour vérités, nos médias, le côté ‘carotte devant l’âne’, les œillères qui en découlent, la difficulté voire l’impossibilité de se soustraire à ce régime sans passer pour un branleur, un malade ou un danger… Les émissions « Next » ou « Parental Control » diffusées en journée devant des gosses qui n’ont pas nos grilles de lecture ; de quoi devenir crétins et on le cautionne. Le mec lucide en vient à se sentir anormal de n’être pas intéressé par la même chose que les autres, de ne pas vouloir une caisse, un écran de 3 mètres, une baraque, un jardin, un i-Pod… Paraît que j’suis un con parce que je ne veux rien foutre de mes journées sinon de la musique. ‘Je n’ai envie de rien, suis-je normal ?’ Je ne comprends pas pourquoi je devrais passer ma vie à la gagner. On la vit quand alors ? Mais la peur l’emporte. La notion de sécurité est bien ancrée. Salaire, pouvoir d’achat = outils de survie modernes. La peur de tout perdre. L’individu est vraiment un tube, cette fois. Bosser/acheter, gagner/jeter. Poursuivre un idéal vendu. Bouffer, chier. ‘On ne va pas refaire le monde’ ! Et tout paraît normal. Je ne suis pas pessimiste, mais réaliste : il n’y a plus rien ! En tous cas, pas de ce côté-là. Il reste des petits plaisirs du quotidien humain. Je pense qu’une discussion de comptoir vaut toujours mieux qu’un samedi devant Arthur. Rencontrer des gens, le dialogue, les barres de rire, les regards codés, décodés, pas ceux qui fuient en rue, les moments spontanés et privilégiés, les échappées, les filles, le cul, une bonne bouffe, la peau grillée sur du poulet, une Duvel (rires). Non mais c’est sérieux… Il reste l’humain derrière les machines. Dur à trouver, mais il doit être là quelque part.
Est-ce que la multiplication de projets dans le collectif d’artistes que vous formez (Festen, Autumn, Claud’French, Carl) ne crée pas une confusion dans l’esprit des gens qui essaient de vous suivre ?
Bah, au pire ils se disent que les différents projets sont issus de la même ‘famille’ ; mais je trouve que chacun d’entre eux est assez bien identifié et identifiable. C’est la raison pour laquelle on leur a attribué un nom différent. Jusqu’ici, iles étaient underground et touchaient des gens relativement initiés. Sans quoi ils n’auraient pas eu vent de nos activités. Sinon, ouais, faut un peu creuser (rires). C’est possible qu’il y ait une confusion, mais cette situation ne nous tracasse pas. On fait ce qu’on veut et ce qu’on aime, et je pense que les gens ne sont pas cons. D’ailleurs, il aurait été pire de tout regrouper sous une même appellation. Ici, chaque projet a son nom et sa couleur. A ce propos, en faisant abstraction de mon album, un nouveau verra le jour en 2009 : DAWNZONE (Teme Tan et moi-même). On finalise, c’est une méduse, c’est pour bientôt.
Vous n’avez jamais pensé à enregistrer un disque en impliquant tout le collectif, à la manière du Wu-Tang dans les années 90 ?
Je pense que cette idée nous a traversé l’esprit… mais elle n’a pas fait long feu (rires). Plus sérieusement, on aime bosser en binôme ou en trio, mais sinon, c’est trop compliqué. Nos personnalités sont trop complexes et trop chiantes.
Tu es un des rares Mc francophones belges à toucher d’autres personnes que le public hip hop de base. Baloji a pas mal puisé dans la soul et le funk pour pondre un disque très ambitieux et James Deano a privilégié l’humour. C’est quoi ta recette ?
Je ne sais pas. Il n’y a pas de calcul. Heureusement pour l’intégrité de ma démarche. Je n’ai pas cherché à quitter le rap –j’estime d’ailleurs que ce n’est pas le cas– pour un plus grand public. Simplement, je tiens à être fidèle à ce que je suis, sans démagogie, sans me plier aux modes et pressions de mes différents environnements. Résultat, je suis au carrefour de plusieurs intentions. Je veux pleurer et rire, faire du son et du texte, gueuler et chuchoter, parler de robots ou de sexe, que ma musique me fasse du bien, ne soit pas commandée, que mes textes soient des tranches de vie et qu’il se passe un échange.
A l’inverse, comment es-tu perçu dans les sphères de ce que tu appelles le ‘rap social’ ?
Ca dépend. Il y a des mecs fermés, et d’autres pas. J’ai d’excellents rapports avec certains groupes de la scène belge. Pour d’autres, par contre, je fais du rap institutionnalisé, bourgeois, récupéré. C’est leur avis. Qu’est ce que je peux y faire ? J’ai moins d’envie et d’énergie à leur donner pour m’expliquer ou les clasher qu’auparavant... Pour moi, ce sont les rappeurs clichés que je vois à la télé qui ont été récupérés. Pas moi. Les faux clashs, les fausses cailles, le rap français qui fait des pompes et qui roule en berline, ça, pour moi, c’est du rap récupéré qui surfe sur la vague ! Mais à l’époque, quand je parlais de ‘rap social’, et que je disais qu’il me saoulait, je parlais plutôt d’une sorte de rap pseudo militant pas mûr, bidon, sans revendications réelles. Celui qui pataugeait dans un amateurisme décrédibilisant pour tous ou d’un rap d’éducation permanente, où on fait croire tout et n’importe quoi à des gars qui rappent depuis 3 mois.
Tu es accompagné par Teme Tan sur scène. C’est une formule que tu vas développer/élargir à d’autres musiciens pour cet album ?
C’est une question qui me saute à la gueule chaque matin quand je me réveille. Pour l’instant, la formule fonctionne très bien ainsi. Et j’ai du mal à me dire que j’arriverai à faire entrer quelqu’un d’autre dans la bulle de l’album… Pour l’instant, en tous cas.
Imagine qu’on te propose 1 featuring pour un artiste français. Tu ne peux en choisir qu’un. Qui choisis-tu entre Oxmo Puccino, Abd Al Malik et Rocé ?
Sans aucune hésitation, Oxmo Puccino. Il a bercé une période-clé de ma vie.
Tu vas tenter de faire sortir cet album en France ?
On a un peu démarché, mais je suis relativement hors format et apparemment ‘pas facile’. Et la musique, en France comme partout actuellement, fonctionne par étiquettes et par images. Si ça se passe bien en Belgique, oui, on essaiera d’aller plus loin. Mais chaque chose en son temps.
Quelles sont tes ambitions/objectifs pour cet album ?
Ce n’est pas très précis, mais on va s’investir à fond : le faire tourner un maximum, gagner en visibilité, aller plus loin que pour les précédents. Essayer, effectivement, de dépasser un peu nos limites, et accorder de bons concerts… La scène, c’est un des objectifs principaux.
Sur certains titres de « St Idesblad », tu es à la limite du chant. T’as jamais pensé à chanter sur tes disques et abandonner progressivement le rap ?
Une nouvelle fois, c’était totalement involontaire. L’adaptation s’est produite super naturellement, sans calcul. Arrêter le rap, ou choisir un camp, je ne prendrai jamais une telle décision. Ca sort comme ça sort. Effectivement, je me suis surpris, sur plusieurs morceaux, à pousser la chansonnette. Ca m’a plu. Hors de question de me mettre un filtre et des barrières. Donc on verra où cette évolution mènera.
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