Alors que la Belgique traverse une grave crise gouvernementale, la musique, elle, se porte on ne peut mieux, et personne ne ressent le besoin de régler les nombreux différends entre Flamands et Wallons dans ce domaine. On se réjouit même de voir que nos deux Nordistes préférés de Gand reviennent avec la nette volonté de nous faire oublier ces moments difficiles pour notre pays.
Après le très dansant « Nite Version » commis en 2005, les deux frères Dewaele (Stephen et David) n’ont cessé de multiplier les tournées. Que ce soit au sein de Too Many DJ’s, Soulwax ou Nite Version. Les deux Gantois sont également passés derrière la caméra pour la réalisation de plusieurs projets cinématographiques. Une vie plus que remplie ; mais faute de temps, nos deux gais lurons ne sont pas parvenus à enregistrer un album correct pour Soulwax. Pas grave ! Chez les Dewaele, la musique n’a plus vraiment de secret. Car à la base, il y a Zaki Dewaele, le père, célèbre DJ qui sévit sur les ondes d’une radio flamande. Et donc fatalement, les deux fistons sont bercés par les vieux vinyles de papa. Alors quand Soulwax n’est pas sur les routes, le temps passé à Gand est consacré au studio. Pas le temps de composer non plus ! Mais vu la culture musicale des deux frères et les petites bombes sorties ces derniers temps, ce sont des remixes que le groupe belge le plus exporté nous balance en pleine figure « Most of the Remixes… », un album plus que complet selon Stephen et David et que le groupe accompagné de Stefaan Van Leuven et Steve Slingeneyer, compte jouer en live. Ils nous épateront toujours!
Sur le premier disque, 14 titres ont été remixés suivant une énorme technique qu’eux seuls, sont capables de reproduire. Il faut dire aussi que les chansons n’ont pas été choisies par hasard. Soulwax a le pif pour ce type de sélection et dès « Standing in the way of control », caractérisé par les cris de la très ronde Beth Ditto, on sait directement à quoi s’attendre pour la suite ! Un opus susceptible de vous perforer les tympans de ses décibels surpuissants. Et c’est ça la recette Soulwax. ! De LCD Soundsystem en passant par Klaxons, pas le temps de s’ennuyer. Et c’est lorsque retentit le remixe de Justice « Phantom Pt.II », qu’on se dit que ces petits Belges là, sont d’une habileté à rendre jaloux tous les artistes et DJ’s qu’ils ont remixés.
Le second volet réunit des remixes déjà remis en forme auparavant par le duo à quatre mains le plus énergique du moment : Too Many DJ’s. 19 titres issus principalement du premier disque ; mais enrichis par la touche Dewaele. Robbie Williams, Kylie Minogue, Sugarbabes… On se pose des questions, mais au finish, le résultat est somptueux et le corps danse tout seul. Soulwax est bien plus qu’un groupe ! Au fil des années, ses projets n’en finissent plus d’impressionner ; à un tel point que parfois on a l’impression qu’ils débarquent d’un autre monde. Chaque fois, ils parviennent à nous transporter dans ce Pays de Cocagne où règnent les deux frères couillus. Là où les problèmes communautaires n’existent pas. Là où les pistes de danse permettent de se défouler et où tout un peuple est enthousiaste face au plus beau représentant belge de la musique électronique !
Bedankt Mijne Heren Dewaele
L’inimitable formation de post-rock islandaise revient deux ans après son remarquable « Takk… », les bras chargés de cadeaux potentiels pour cette fin d’année. D’une part, « Heima », un excellent documentaire DVD couvrant une série de performances spontanées, filmées en plein cœur de splendides et insolites décors naturels d’Islande, sous les yeux médusé d’un public involontaire et positivement stupéfait. D’autre part, « Hvarf / Heim », une double plaque indispensable.
La première partie de cette épopée, « Hvarf », qui signifie ‘disparu’ dans la langue de Molière, recèle cinq morceaux studios enregistrés entre 1995 et 2002. Les vocalises de Jónsí Birgisson s’y font aussi célestes et émouvantes que de coutume, notamment sur l’épique « Von » et le passionnant « Hafsól », deux titres que l’on retrouve déjà sur « Von », publié en Islande en 1997 et réédité pour le reste de l’Europe en 2004. La seconde partie de ce dyptique, « Heim », ou « Maison » en VF, est de loin la plus intéressante, exposant les compositions des Islandais sous une nouvelle lumière. Enregistrées sur les terres d’origines de la formation en acoustique et en pur ‘live’ non-bidouillé, les six plages de « Heim » sont chargées d’une telle intensité que l’on frisonne à la moindre note. D’une authenticité bouleversante, elles se savourent encore et encore, inlassablement. Un cadeau de Noël judicieux.
Après l’impact laissé par leur premier missile, intitulé “Sign Of A Struggle”, Marlon Roudette et Preetesh Hirji aka Mattafix, nous reviennent armés d’amour et d’espoir. La bannière au vent, les deux Anglais donnent directement le ton de « Rhythm & Hymns » en faisant parler d’eux sur une action humanitaire au Darfour. Epaulés dans leur mission par Mat Damon, Georges Clooney, Mick Jager, Shakira, Desmond Tutu et Nelson Mandela, c’est ensemble qu’ils donnent vie au projet « Living Darfur ». Ode à l’espoir et à la prise de conscience pour cette partie isolée de l’ouest du Soudan où les massacres n’ont de cesse d’éradiquer la population.
Propulsé radiophoniquement, le single « Living Darfur » fait vite parler de lui, tant sur la qualité du son que son but humanitaire. Tous les bénéfices des ventes seront reversés à Oxfam, Crisis Action et la Save Darfour Coalition. Beau geste ! Surtout que le groupe n’a pas besoin de ce genre de pub pour lancer la vente de son dernier opus. Deux années séparent la première galette de celle-ci. Si on tient compte des dix-huit mois de tournée que le groupe s’est imposé, on peut leur tirer notre chapeau. Nos petits amis sont productifs et font battre leurs cœurs et leurs beats dans un bel ensemble. « Rhythm & Hymns » épouse la même construction que le premier album. Du reggae, un esprit dance hall, une culture hip hop, une voix douce qui s’approche de la soul, des mélodies cousues de douceur et de soif de liberté. Une ballade étalée sur onze plages que l’on s’enfile sans même s’en rendre compte. Les instruments habituels du groupe ont repris leur place : steel-drum, orgue, samples et percus. Ils semblent s’assembler de manière ultra précise. L’apparition de riffs de guitares sur « Got To Lose » vient réveiller en nous l’appel des cordes que nous cherchons constamment sur d’autres albums. On aurait tendance à les oublier tant le voyage proposé est simple et sans violence. Une belle réussite. Mais on aurait cependant espéré un travail plus en profondeur, susceptible de tester d’autres sonorités, de sortir un peu du tracé du premier elpee. Mais ne gâchons pas notre plaisir, « Ryhthm & Hymns » a la classe. La vraie avec le costard à lignes et les pompes vernies, et son écoute nous rend beaux ! En plus ça aide des gens…
Pour son retour aux affaires, le Suédois Christian Kjellvander arrache son folk chatoyant des neiges et délivre dix compositions pour chanter dans les bois entre deux Kinder Country. Sur ce quatrième album, Kjellvander réaffirme son attrait pour la tristesse et la compassion et couche ses états d’âme sur d’impressionnants arrangements. Car, il faut lui laisser, la mise en son est de toute beauté. Guitare steel, piano, banjo, orgues, trompettes, mandoline et autre mellotron entrent dans la cabane de Kjellvander pour orchestrer ses idées noires, mais jamais dénudées d’espoir. Clairement, on n’est pas ici pour s’amuser. Mais bien pour suivre les sombres aventures de personnages fantasmés dans la tête d’un Suédois obnubilé par l’americana. Souvent comparé à Leonard Cohen pour son chant affecté, Christian Kjellvander n’épouse, pourtant, guère tant de sincérité. Pour remettre les choses à leur place, on affirmerait plutôt qu’il barytone tel un James Hetfield en plein trip mélo. Voilà, le problème est là : on a l’impression de vivre un remake forestier du « Mama Said » (sur l’album « Load ») de Metallica, sous les pins, un harmonica et un banjo à la main. Et, au bout du compte, « I Saw Her From Here, I Saw Here From Her » s’écoute comme une longue déambulation éplorée où Christian Kjellvander tient absolument à nous faire chialer. A choisir un songwriter venu du froid, on lui préférera Mattias Hellberg. En attendant des nouvelles de celui-là, on restera bien au chaud.
Initialement publié en 2002 sous l’égide du label ‘Touch’, ce premier album solo de Johann Johannsson a, rapidement, acquis le statut ultime d’œuvre culte. Et qui dit culte dit précieux. Et qui dit précieux dit introuvable –ou presque. Désormais réédité, vous pourrez à nouveau vous délecter de ces grandes orchestrations nostalgiques. Composés pour les besoins d’une pièce de théâtre, les morceaux d’« Englabörn » découlent des expérimentations érudites de son auteur. Mélangées, retravaillées et superposées, ces pièces sonores ont, finalement, trouvé leur propre identité. Les harmonies avant-gardistes de Johannsson sont d’une profondeur abyssale. Noires et sépulcrales, elles traversent les brumes pour nous toucher en plein cœur. Pourtant, « Englabörn » n’est pas un album facile. Mais l’exigence nécessaire à l’appréhender lui confère une dimension mystérieuse, presque mystique : un monde onirique où les éléments entrent en fusion pour répandre une musique résolument moderne.
Il convient donc de s’impliquer et d’écouter ce quatuor à cordes étaler ses (bonnes) vibrations sur un écrin électronique, de se réjouir de l’impact du piano, de l’orgue, du glockenspiel et des percussions. Assez proche de Steve Reich par son travail de composition, Johannsson signe-là un édifiant point de départ discographique. « Englabörn » reste, avant tout, l’album d’un peintre sonore qui n’hésite pas à poser son pinceau sur une immense toile atmosphérique pour y immortaliser ses plus belles compositions. Johann Johannsson est un véritable paysagiste. Et ses vues sont tellement imprenables qu’on n’y revient toujours, fascinés par la pureté des traits et des émotions véhiculés à travers ces esquisses sonores. Du grand art, donc.
Autant le dire tout de suite, l’adage suivant lequel ‘les absents ont eu tort’ n’est pas de mise pour ce concert. Néanmoins, ils ont le droit d’avoir des remords. A cause du supporting act. Turbonegro. Je l’avais d’ailleurs déjà souligné lors de la confection d’un article paru dans les news. En outre, la formation norvégienne s’était également illustrée au dernier Pukkelpop. Le vendredi. En clôture (NDR : voir la review de ce festival signée par l’ami Enzo). Un set quand même difficile à décrire. Une chose est sûre, sa musique nous replonge dans le bon vieux hard des années 80 ; mais la solution sonore est revue et corrigée suivant l’esprit nordique. Une petite touche de punk à la Black Flag en plus. Sans oublier le chouia de truculence, qu’incarne si bien le chanteur. Un véritable Viking qui se produit torse nu tout en dégageant une certaine sympathie. Ne connaissant pas leur répertoire, je ne m’étendrai pas sur leur setlist. Aussi je vous conseille de vous rendre sur leur Myspace, si vous souhaitez en savoir davantage… (http://www.myspace.com/turbonegro)
Marlyn Manson aime se faire désirer. La première partie à peine terminée (NDR : il est alors 20h45 !), un immense drap se déploie pour occulter le podium. Et les aficionados devront attendre plus d’une heure avant le début du ‘main act’. Il est d’ailleurs toujours amusant d’observer ce public. Très éclectique. De vrais fans de métal côtoient ainsi une foule de curieux. De tous les âges. Affichant une diversité de looks et de tenues assez impressionnante. Depuis le ‘bon père de famille’ qui emmène ses enfants (NDR : ce qui peut revenir cher à plus de 40€ la place) à l’ado pré-pubère, en passant par le vieux motard. Et les T-shirts arborés accentuent cette impression. Certains exhibent les derniers groupes métal à la mode comme Nightwish. D’autres, souvent des vétérans, ceux d’Alice Cooper. Des jeunes filles se sont déguisées en sorcières d’Eastwick. Mais on y croise également des cadres dynamiques encore en tenue de bureau… Finalement, en observant cette audience bigarrée, tout en sirotant quelques bières entre ami(e)s, le temps passe assez rapidement, et les lumières finissent par s’éteindre…
Le set s’ouvre par une courte intro au cours de laquelle Brian se livre à une sorte de rituel. La grande majorité des spectateurs n’assiste pas cette cérémonie, car le rideau couvre toujours le devant de la scène. Seuls les mieux placés -à l’avant et sur les côtés- se demandent si au-delà des apparences, Marilyn Manson ne serait pas un peu givré… La toile finit donc quand même par tomber à l’issue de ce prélude, et laisse apparaître un décor digne des cénacles occultes. On a même droit aux cierges. L’image est très importante chez MM. Brian se sert de son micro traditionnel à double fonction (NDR : un couteau de survie en même temps, c’est pratique !) Le contour de ses yeux est maquillé en rose fluo ; et on ne peut pas dire que ce choix passe inaperçu. Grimé de la sorte, on se demande si on est en présence d’un travesti prêt à prendre son service à Pigalle ou un acteur sorti tout droit d’un film d’épouvante de série B. Et du haut de ses bottes à semelles compensées, on peut vraiment affirmer qu’il est tapé ! Finalement, sous cette apparence, on a du mal à imaginer comment il est parvenu à séduire une telle pléiade de jolies nanas. Rose McGowan, par exemple. Mais arrêtons ici la description purement visuelle pour nous consacrer quelque peu au concert. Quoique…
« If I was you vampire » nous plonge immédiatement dans une ambiance propice à l’envoûtement. Dans l’esprit d’une secte, vous m’avez bien compris. « Mobscene » électrise la foule. Flûte, il manque les jolies danseuses de son clip vidéo. Elles étaient pourtant présentes, lors du dernier spectacle accordé au Brabanthal de Louvain. Finalement les titres s’enchaînent d’une façon assez carrée. Le medley opéré entre « Sweet dreams » et le vieux « Lunch box » brise quelque peu ce processus linéaire. Malgré quelques mots prononcés entre les titres et les incursions dans le public, le grand show est attachant, mais pas particulièrement enthousiasmant. A se demander si le spectacle ne serait pas plus adapté à un festival plutôt que dans une salle de grande capacité, comme Forest National (NDLR : lors du Pukkelpop 26, sa prestation a été catastrophique). Le décor est quand même le fruit de prouesses techniques : la chaise de cinq mètres de haut, le stand destiné au discours de propagande politique ou l’avant-scène qui se surélève en plein milieu du concert, en sont les plus belles démonstrations. Il faudra cependant attendre des tubes comme « Rock is dead » ou « The Beautiful People », dispensés en bout de course, pour retrouver chez MM un peu de tonus.
Dans l’ensemble, ce concert a laissé une impression Mi-figue, Mi-raisin. On comprend mieux pourquoi il plaît davantage à la masse de curieux qu’aux vrais fans de métal/indus. D’ailleurs ces derniers prendraient davantage leur pied lors d’un bon st d’Oomph qui n’a pas besoin d’en remettre trois couches pour se révéler aussi brillant qu’efficace…
Setlist :
01) Intro
02) If I Was Your Vampire
03) Mobscene
04) Disposable Teens
05) Tourniquet
06) Irresponsible Hate Anthem
07) Are You The Rabbit?
08) Sweet Dreams/Lunchbox
09) The Fight Song
10) Putting Holes In Happiness
11) Heart-Shaped Glasses
12) Rock Is Dead
13) The Dope Show
14) The Reflecting God
15) Antichrist Superstar
16) The Beautiful People
Organisation Live Nation
Combo britannique fondé en 1969, Uriah Heep a longtemps été considéré comme un sous-produit du heavy rock, un dérivé de Deep Purple, en plus pop. Toujours en activité, et impliquant le guitariste Mike Box (NDR : c’est l’unique survivant de la formation originale), Uriah Heep a connu son apogée entre 1970 et 1978, époque à laquelle il a délivré des pépites telles que « Salisbury », « Look at Yourself », « Demon’s and Wizard’s » ou « Return to Fantasy ». Des œuvres qui ont probablement donné naissance à un style dont aucun média ne parlait à l’époque, et qui défraie la chronique aujourd’hui : le métal progressif. Les ex Spice ont en effet été les premiers à marier des riffs lourds façon Sabbath, à des chœurs grandiloquents soutenus par d’épaisses nappes de clavier. L’orgue Hammond était la marque de fabrique du Heep.
Ce « Transmissions » semble refléter une célébration audiovisuelle du fabuleux chanteur qu’était David Byron, renvoyé du groupe en 1976. A cause de son éthylisme, devenu trop insupportable pour la vie sur la route. Enregistré live durant la tournée de « Return to Fantasy » –la dernière de Byron– la pièce ravira les collectionneurs. Le premier Cd réunit 8 titres, dont les hymnes « Easy Livin » et « Stealin ». Multimédia, le second permet, le temps de cinq morceaux, de visionner un document filmé aux USA en 1975 et de savourer une légende au sommet de sa forme. Le tout est glissé dans un luxueux book de 72 pages où le journaliste anglais Bob Carruthers livre des réflexions et analyse l’ère David Byron avec un sens du détail particulièrement pointu, et une humanité laissant supposer que l’écrivain a été très proche de certains membres du Heep durant cette période aussi riche que chahutée. Un beau document, réservé aux vrais fans !
Sandra Nasic sans ses Guano Apes originels équivaut un peu à une Skin sans ses Skunk Anansie. Sans grand intérêt. La teutonne n’a rien retenu des dernières et désastreuses aventures de son ancienne formation. Elle reprend donc là où cette dernière s’était cassé la gueule et, toute seule comme une grande, présente une première série de titres pseudo-rock’n’roll à faire bâiller un mort. Dans les pages du livret accompagnant le disque, Sandra Nasic pose guitare au bras, comme une véritable rockstar. Preuve que, parfois, auto-persuasion rime à merveille avec leurre. Sans âme, sans relief, sans inspiration, « The Signal » fait tout simplement pitié. Le signal de passer à autre chose ?
Un peu mis sur le banc de touche ces derniers temps, Daft Punk est parvenu à rebondir au moment où la scène électro devient de plus en plus fertile. Il faut reconnaître qu’en ce moment les yeux et les oreilles sont rivés sur des formations telles que Klaxons, Digitalism, Simian Mobile Disco ou encore le team Ed Banger emmenée, entres autres, par Justice, Sebastian mais aussi et surtout Pedro Winter aka Buzzy P. Pourtant, on aurait presque tendance à oublier que ce dernier a été, pendant tout un temps, manager des deux DJ’s masqués les plus célèbres de la planète. Il ne faut pas nier non plus, que tous ces groupes ultra branchouilles sont issus de la génération « Homework », premier opus du duo parisien.
2007 aura donc été l’année de cette vague électro et, un peu comme la cerise sur le gâteau, les pères fondateurs de la ‘french electro’ nous présentent leur dernière perle : « Alive 2007 ». C’est-a-dire une bonne partie du concert accordé au palais omnisport de Paris-Bercy, le 14 juin dernier. Après plus de 10 ans d’absence sur les scènes françaises, quoi de plus normal pour Guy-Manuel de Homem-Christo et Thomas Bangalter d’immortaliser ce moment sur disque ! En présentant « Alive 2007 », Daft Punk passe en quelque sorte un message à toute cette nouvelle génération en leur disant : ‘Hey les gars, on est toujours vivants !’ Mais ils dressent surtout un résumé de leur carrière, longue de plus de dix ans, en 75 minutes.
Tout défile ! Depuis leurs débuts caractérisés par le majestueux « Homework » paru en 1997, en passant par « Discovery » édité en 2001, jusqu’au très contestable « Human After All » commis en 2005. Sans oublier leurs films, dont « Electroma », sortis en Dvd depuis ce 5 décembre. Après la prestation des Klaxons accordée en première partie, les jambes tremblent et le cœur s’emballe. Cette cruelle période de transition vécue entre chaque concert est bien palpable. Quand soudain, s’éclaire, comme sur le plateau de Gizeh, la pyramide des deux Français. Scintillante de mille feux et où on déroule, à l’arrière plan, slogans et images vidéo. Le show commence ! « Robot Rock » enlacé de « Oh Yeah » remue le tout Bercy comme un seul homme. Impossible de souffler, car s’enchaînent ensuite, et à une vitesse impressionnante, onze autres titres mixés en deux, trois ou quatre parties. La machine bien rodée de Daft Punk est lancée. Et lorsque retentit « Around the world » et « Harder Better Faster Stronger », on regrette presque de ne pas avoir réservé notre ticket d’entrée pour ce qui aura été probablement l’évènement de cette année 2007. Même si les fans y verront là, l’album tant attendu depuis une décennie, « Alive 2007 » n’en reste pas moins un disque, alors que l’expérience était à vivre en direct. Fondu dans la masse d’un public hystérique.
Heureusement, l’album existe en version limitée. Et recèle de nombreuses photos et un court clip réalisé par Michel Gondry. Daft Punk boucle par ce disque, une année 2007 riche en émotions et retire son casque pour revenir dans notre monde. Celui des terriens. Un univers qui semble décidemment inconcevable pour eux…
Fans belges, réjouissez-vous, c'est notre Forest national qui a obtenu les faveurs d'Obispo pour l'enregistrement de son dernier live. Et l'enthousiasme des hurlements à chaque sollicitation semble attester la pertinence du choix. De sa tournée Les fleurs du bien, l'apprenti Baudelaire libre comme Picasso laisse un Live en ‘l’ majuscule. Au-delà des ‘Paaasscccaaal’ et des abrégés de philosophie inter-morceaux c'est la générosité d'un chanteur face à son public qui imprègne les sillons. Obispo offre ses "Fleurs" fraîches en bouquets énergiques et revisite ses classiques avec un sourire audible même dans ces audaces les plus regrettables. De l'"Amen" d'ouverture au "Fleurs du bien" dédié à son producteur, décédé cette année, l'homme semble habité sous son bonnet et communique à la foule l'euphorie qui accompagne le départ de vieux démons.
La générosité marque également le livret de son sceau avec de nombreuses photos témoignant d'une scénographie visiblement spectaculaire. Si l'on devait mourir demain, on ne se précipiterait pas sur le disque pour une ultime écoute mais l'album ravira les amateurs de l'artiste.
Msn:
http://sib1.od2.com/common/product/Product.aspx?shop=40&associd=4&catno=OD2DI6236787
i-tunes:
http://phobos.apple.com/WebObjects/MZStore.woa/wa/viewAlbum?id=265789504&s=143446
Vanessa Paradis fêtera ses 35 ans le 22 décembre prochain. Responsable d’un 5ème album, paru le 3 septembre dernier, la native de Saint-Maur des Fossés, dans le Val-de-Marne, est donc partie en tournée pour défendre ce nouvel opus intitulé « Divinidylle », un périple d’une vingtaine de dates à travers la France qui passait par le Zénith de Lille…
La première partie est assurée par l'incendiaire Ben Ricour, mais Vanessa Paradis laisse le feu s'étouffer. Le public est stoïque: après avoir attendu la belle durant des années, il serait mesquin de compter les minutes. Puis quand la chanteuse arrive sur scène, elle frappe fort: un tube? Absolument pas, elle joue la carte d'un "Irrésistiblement" méconnu qui plante le décor note par note. Plutôt que de captiver la foule d'emblée, elle lui offre le temps de faire le tour du propriétaire. Cette coupe style corbeau-mort-en-plein-vol… oh, mais c'est Matthieu Chédid puis derrière… Patrice Renson… et oh… Albin de la Simone, Jérôme Goldet, Olivier Lude… Vraiment c'est coquet chez vous mademoiselle! Leur présence était annoncée mais c'est comme à Noël: on a vu les paquets sous le sapin, on a deviné ce qu'il y avait dedans mais on ne peut pas s'empêcher, une fois le papier tombé, d'être rassuré et euphorique devant l'objet tant convoité.
De chuchotements en applaudissements, les présentations sont faites, les choses sérieuses peuvent commencer avec un endiablé "Divine idylle". Toute menue dans son slim, Vanessa en impose. La maturité a envahi l'artiste jusque dans sa voix, elle pétille et ondule avec une féminité exacerbée. Accrochée à son micro c'est une mini démo de lap dance qu'elle exécute sur le refrain entêtant, repris en cœur par sept mille personnes. L'ambiance est montée de dix crans mais déjà Mathieu Chédid annonce dans le duo qu'il faut changer ‘Les piles’. Et là: le doute. On regarde le guitariste, un peu sous la contrainte puisqu'on ne voit que lui, et la perplexité s'installe. Le soldat rose est talentueux, polyvalent… mais encombrant! A force de digressions ‘chédidiennes’, on perd le fil du concert qui s'englue. Les morceaux sont doux et chaleureux, le "Dis lui toi que je t'aime" est fort mais l'accumulation de ballades se perd dans une salle trop grande. Le public décroche un peu, assez pour hurler sur des morceaux intimistes. Et il faut avouer qu'un ‘Vanessaaaa’ à l'accent chti, ça vous casse la plus subtile interprétation de "Junior Suite".
Difficile de savoir sur quel pied danser, surtout quand la chanteuse relance la schizophrénie avec son interprétation procédée de "La bataille". Morceau tout aussi parfait que le "Joe le Taxi" audacieusement revisité quelques instants plus tard.
Les doutes se dissipent dans les rappels, tardivement mais totalement. On est réconcilié avec le guitariste voleur de projecteurs, doigts de fée obligent. Mais surtout, l'idole est divine, généreuse, touchante. Elle rayonne dans son medley et ses reprises: au terme d'"Emmenez-moi" d'Aznavour, on la conduirait jusqu'en enfer. Et quand, en clôture, elle entonne "Le tourbillon", seule en scène, à capella, l'évidence s'impose: Vanessa Paradis sait s'entourer de musiciens habiles, mais elle n'a besoin de personne pour être éblouissante.
Bien qu’originaire du Mississippi, Billy est un musicien blanc. Il a accompli ses premiers pas musicaux au sein d’un lieu mythique du blues : Clarksdale. Il milite alors chez les Midnighters, en compagnie du guitariste Johnnie Billington et du batteur Bobby Little. Il remonte alors quelque peu vers le Nord, sans pour autant quitter les berges du Mississippi, et s’établit à Memphis, dans le Tennessee. Il peut alors se produire dans ce temple ouvert du blues qu'est Beale Street. Il fonde enfin son Billy Gibson Band en compagnie duquel il a déjà commis quelques albums. Et notamment "Billy Gibson" en 1996, paru chez North Magnolia. Depuis, il s’est investi au sein du label local Inside Sounds. Sur lequel il a sorti "The nearness of you" en 2001, "In a Memphis tone" en 2004, "The Billy Gibson Band" en 2005 et "Southern Livin" en 2006. Il a également participé à la confection de différents albums comme invité. Et notamment le "I smell smoke" de Michael Burks, paru sur Alligator en 2003, "Soft place to fall" de Deborah Coleman, sur Blind Pig en 2000 ; mais également pour des artistes locaux. Dont les Junkyardmen et le Daddy Mack Blues Band.
Edité en 2007, “Live at Rum Boogie Café” a été immortalisé live, en décembre 2004, dans l'un des temples du blues de Beale Street" : le ‘Rum Boogie Café’. Le line up du combo est toujours identique. Trois musiciens noirs. C'est-à-dire le guitariste David Bowen et le bassiste James Jackson, deux personnages qui ont milité chez l’Albert King Band et le drummer Cedric Keel. Billy se produit aussi régulièrement au sein des Delta Cats, un duo acoustique qu’il partage avec son guitariste David Bowen. Ce set live a été enregistré dans l'ambiance de ce club torride. Les plages sont suffisamment longues pour permettre aux quatre partenaires de mettre en exergue leur talent. Bill Gibson est un de ces souffleurs de la génération contemporaine qui semble jouir de deux paires de poumons. Mais non seulement son souffle est terriblement puissant, mais son jeu est loin d’être banal. Nous poussons la porte d'entrée du ‘182 Beale Street’, au milieu d'une impressionnante collection de guitares et autres mémorabilias. Commandons un Boogie Blues Buster et un gator gumbo ou un Memphis platter pour les plus gourmands, avant que n'arrivent les musiciens sur la petite scène, au milieu du public. Dès l'ouverture "What is love?" met le feu aux poudres. La section rythmique est redoutable, expérimentée. Mais ne sommes-nous pas à Memphis? Billy est décontracté mais toujours appliqué. Le "Love everybody", de Willie Foster" émarge au funk ; mais un funk audacieux, marqué par les percussions de Cédric. Billy chante d’une bonne voix, assez proche de celles de Kim Wilson voire de Brian Templeton ; mais dès qu'il en a l’opportunité, sa bouche explose pour sortir des notes d'harmonica par flots. Et franchement, son instrument passe un sale quart d'heure! Les effets sonores se multiplient. L’opus jamais ennuyeux. L’artiste est chez lui à Memphis. Et il tire parti au maximum de cette situation. Cedric lance le Bo Diddley beat pour célébrer "Pretty thing", une compo écrite par Willie Dixon pour Bo. Mais ici, c'est l'autre soliste, en l’occurrence le gratteur David qui se met en évidence. "Home at last" marque le retour au funk. Billy manifeste beaucoup de respect pour ses équipiers. Et le démontre en laissant la part belle à James Jackson, un remarquable bassiste. Le concert se poursuit par "Darling please come home". Imprimé sur un tempo modéré, cette compo est signée par Billy. On reconnaît à peine la version marathon (plus de 16’) du fameux "Bad boy" d'Eddie Taylor. David et Cedric répondent en chœur au chant de Billy avant que n'éclate une partie d'harmo orgiaque. Et cette dernière cède finalement le relais à une très longue envolée de Keel aux percussions. C’est bien lui le ‘bad boy’ ! Billy s’attaque encore à "Early in the morning", un blues lent écrit il y a soixante ans par John Lee ‘Sonny Boy’ Williamson I. Il respecte le feeling du créateur mais s’autorise un intermède aussi amusant que pétillant en mode country & western. Le BGB achève son concert par le "Polk salad Annie" de Tony Joe White, un des plus célèbres titres du pays des swamps (NDR : finalement pas tellement éloigné). David Bowen le chante d’un timbre chaleureux et bouleversant, tandis que Billy se réserve ses derniers billets de sortie. Un excellent album live!
Debbie est devenue une blueswoman notoire. Une réputation qu’elle s’est forgée au fil du temps. Agée aujourd’hui de 55 balais, cette ancienne gratteuse d'Albert Collins a été (ou est encore !?!?!) la compagne de Coco Montoya, longtemps un Bluesbreaker de John Mayall. Elle a débuté chez les Cadillacs de Maggie Mayall, l'épouse du vieux John ; une aventure qu’elle a vécue avant de rejoindre Collins, en 1988. En 1993, elle embrasse une carrière solo et sort la même année, "Picture this". Son opus précédent remonte à 2005 : "All I found". Il inaugurait sa toute nouvelle signature chez Telarc.
"Blues blast" constitue déjà son neuvième elpee. Pour l’enregistrer, elle a reçu le soutien de musiciens renommés ; et en particulier issus de la scène de Boston : le drummer Per Hanson, le bassiste Rod Carey et le claviériste Bruce Katz, trois anciens membres des Broadcasters de Ronnie Earl. Et suivant sa bonne habitude, elle a invité quelques invités prestigieux.
La plaque s’ouvre "A.C Strut". Cet instrumental rend un vibrant hommage à l'inoubliable maître de la Telecaster. On y assiste à une lutte farouche entre les guitares de Debbie et Coco Montoya. Possédées elles émargent au même style. Dans le passé, Coco a été le drummer d'Albert Collins ; et il faut croire que derrière ses fûts, il a bien assimilé toutes les facettes du style de Collins. Debbie apprécie également le Chicago blues urbain. Elle reprend le "My time after a while" de Buddy Guy. Son timbre vocal n’est guère spectaculaire, mais il est empreint de passion. De feeling et de décontraction, aussi. Tout au long de cette plage, Coco s'applique à la rythmique. Charlie Musselwhite opère son entrée en studio. Le sourire aux lèvres et la bouteille d'eau à la main, il participe à l’interprétation de deux titres. En y apportant sa flamme. Le vieux Charlie illumine tout d'abord de sa verve "Sittin' and cryin'". Ses petites phrases concédées à l'harmo semblent, à premier abord, insignifiantes ; mais leur impact est immédiat. Musselwhite offre également une version pétillante de son "Movin' & groovin'" (NDR : issu de son album "In my time") à sa jeune copine Debbie. Son chant est convaincant et fait plaisir à entendre. Le tempo est très vif. La rythmique est chargée de swing. Il en profite pour signer un solo bouleversant sur son harmonica. Musselwhite est au sommet de son art. Sa créativité est impressionnante. Et il est d’ailleurs très difficile de l’arrêter. Tab Benoit figure également parmi les guests. Cet excellent chanteur/guitariste de blues louisianais relève aussi du label Telarc. Il avait déjà collaboré, en 1999, à l’opus "Homesick for the road" en compagnie de Debbie et Kenny Neal. L'occasion était donc belle pour l’inviter à ces sessions. Il est impliqué pour deux grands classiques. Tout d’abord le "Crawling King snake" de John Lee Hooker. Une version passionnelle et dépouillée. Le morceau macère dans un climat poisseux et menaçant : celui du Delta du Mississippi. La voix chaude et généreuse de Tab en rajoute une couche. Le traitement sur les cordes s’opère sur le fil du rasoir. Et le message passe à la perfection. Debbie chante le "Howlin' for my darlin'" de Howlin' Wolf d’une voix sans grande nuance. Heureusement, sa guitare compense largement cette insuffisance. Toujours proche de l’esprit de Collins, son intervention autoritaire ne fait aucune concession. "Like you was gone" constitue, à mon humble avis, une des meilleures plages de ce disque. La rythmique est manifestement inspirée par Jimmy Reed. Le tempo est indolent. Dans un style proche de la Louisiane ; et de Baton Rouge, très exactement. Coco Montoya seconde Debbie au chant. Les sonorités écorchées du talentueux Musselwhite font merveille au sein de cet univers sonore désespéré. Cette situation donne des ailes à Miss Davies. Ses cordes métalliques collent parfaitement à cette ambiance savoureuse. De bonne facture, "When the blues come to die" évolue dans un registre qu'aurait apprécié John Mayall. Tout comme chez les Bluesbreakers, les guitaristes s'échangent de fort intéressantes phrases personnelles. En y ajoutant le panache ! Tab, Coco et Debbie sont toujours au poste lors de la finale instrumentale, "Sonoma sunset". Un titre bouleversant. De plus de dix minutes ! Le climat est ténébreux. Le tempo lent. La tristesse et la douleur sont surtout accentuées par les interventions à l'harmonica de Musselwhite, et entretenues par celles, successives, de Tab, Coco et enfin Debbie…
Alicia Keys est la parfaite copine. Toujours là où on l’attend. Spontanéité, imprévisibilité et innovation ne font pas partie de son langage. Au moins, avec elle, pas de mauvaises surprises. La jeune virtuose du piano reste fidèle à elle-même comme l’atteste le titre de son nouvel essai, « As I Am ». Demandez à son pote John Mayer, invité à pousser la chansonnette sur la ballade « Lesson Learned ». Il vous garantira que son amie ne se sépare jamais de son piano et qu’elle préfère les ballades soul mielleuses (« The Thing About Love », « Superwoman ») aux titres R’n’B up-tempo qui lui vont pourtant si bien (« Wreckless Love », « Teenage Love Affair »). Dans un univers show-biz et un genre musical où le naturel est chassé par des bimbos et autres pouffiasses, il est toujours rassurant de compter quelques irréductibles pour lesquels la musique passe avant l’image. Alicia Keys appartient donc partie à cette dernière catégorie. Mais il est bien dommage de constater que ses compositions se suivent et se ressemblent inlassablement…
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