The Mekons fête en 2007 ses trente années existence. Une formation dont l’esprit punk a toujours contrasté avec leur musique manifestement influencée par le folk urbain. Mais un folk très alternatif, à l’origine purement amateur qui s’est métamorphosé et surtout forgé une identité propre au fil du temps. Une constante : les lyrics. Engagés, ironiques et impertinents. A une certaine époque, ils avaient même pris pour cible, une certaine Margaret Thatcher. Mais, il y a quinze ans, le collectif a décidé d’émigrer aux States. Ce qui explique sans doute pourquoi leur musique s’est progressivement teintée de folk appalache.
Pourtant, pour enregistrer ce « Natural », la formation née à Leeds a décidé de retourner en Angleterre. Quelque part dans la campagne chère à William Wordsworth. Instrumentalement, l’agressivité inoculée sur les elpees « Out of our heads » en 2002 et « Punk rock » en 2004 semble s’être largement évaporée. En résulte 12 compos pastorales, ténébreuses, énigmatiques, très susceptibles d’animer une soirée autour d’un feu de camp. Le violon, l’harmonica, l’accordéon et la guitare sèche trament le décor sonore. Et lorsque les percus adoptent un profil afro, elles s’intègrent parfaitement au climat légèrement jazzyfiant. Le tout hanté par des chœurs participatifs. Et ce ne sont ni les quelques interventions de guitare électrique ou les clins d’œil au surf (« Diamonds ») au reggae (« Cockermouth ») ou au blues (« Shocking curse bird ») qui changeront quelque chose. Malheureusement, l’ensemble manque singulièrement de punch ; et je dois avouer qu’hormis le remarquable titre d’entrée, « Dark Dark Dark », ce disque m’a royalement pompé l’air…
Ayant sévi entre 1978 et 1983, The Undertones s’est reformé en 1999, mais sans leur chanteur Feargal Sharkey, remplacé par Paul McLoone. Cette formation issue de Londonderry, en Irlande du Nord, avait sorti, été 1978, un Ep intitulé « Teenage Kicks », considéré aujourd’hui comme un des objets les plus mythiques et surtout les plus recherchés de l’histoire de la new wave (NDR : le vinyle était inséré dans une feuille de papier pliée en six). En outre, ce titre était considéré par feu John Peel, comme une des ses trois chansons préférées.
Ce single trois titres précède la sortie d’un opus portant le même nom que le single. Le groupe semble, en tout cas, perpétuer la power pop rafraîchissante, juvénile, excitante et insouciante qui avait fait son succès un quart de siècle plus tôt. Et les mélodies sont toujours aussi contagieuses. Mais malgré le talent de compositeur de John O'Neill, il y manque la voix vibrante de Feargal. Et ceux qui ont connu le line up original, savent ce qu’il représentait en tant qu’identité du groupe. On verra lors de la sortie de l’album…
A boire et à manger sur le cinquième album de Devendra Banhart dont il partage la production en compagnie de Noah Georgeson. Les sessions d’enregistrement de cet elpee se sont déroulées à Topanga Canyon (NDR : voyez le topo : sur un flanc des montagnes de Santa Monica, face à l’océan Pacifique) en compagnie de son groupe au grand complet. Dans une maison transformée en studio pour la circonstance. Un endroit fréquenté à différentes époques par Emmylou Harris, Taj Majal, Joni Mitchell, Mick Fleetwood, les Doors et même Neil Young (pour concocter « After the gold rush »).
Sur les 16 titres que partagent les septante et une minutes de cet opus, un bon tiers manque franchement d’inspiration. Trois plages semblent même avoir été composées sous un état de somnolence avancé. S’il n’y avait quelques traces de piano sonore pour nous tenir en éveil, on tomberait ainsi facilement dans les bras de Morphée. Berceuse enrichie de chœurs et de cordes, « Freely » pourrait ainsi facilement faire le bonheur du répertoire de charme d’Henri Salvador. Quand à sa tentative d’incursion dans le funk à la Prince (« Lover ») et le reggae aussi lisse que filmique (« The Other woman »), on ne peut pas dire que ce soit une réussite.
Mais venons-en au reste. C'est-à-dire le meilleur. Dont une majorité de compos psyché folk vaporeuses teintées de latino. Depuis la ballade « Cristobal », caressée par les accords d’un charango que se réserve le producteur, à la finale « My dearest friend », étoffée par la présence d’un quatuor à cordes. Deux titres au cours desquels il adopte la formule du duo. Le premier en compagnie de l’acteur Gael Garcia Bernal. Le second de Vashti Bunyan, que Devendra avait sorti d’un silence de 30 années en l’invitant déjà à participer aux sessions d’enregistrement de « Rejoicing ». Banhart est toujours aussi hanté par Caetano Veloso et il le démontre à nouveau. Notamment sur deux sambas paresseuses. D’abord « Samba Vexillographica », au cours de laquelle Chris Robinson des Black Crowes se charge du charengo argentin ; et ensuite « Carmensita », davantage laid back, mais surtout nourrie aux congas.
Devendra adapte son timbre et ses inflexions vocales en fonction des chansons. Et puis, il s’exprime tantôt en espagnol ou en anglais. Mais aussi en portugais (le tendre et délicat « Rosa ») et en hébreu. Sur l’étonnant « Shabop shalom », une plage aventureuse caractérisée par des chœurs doo-wop réminiscents des 50’s (NDR : Nick Valensi, le guitariste des Strokes, en fait partie). Il y récite un conte surréaliste au cours duquel il clame audacieusement avoir écrit les manuscrits retrouvés dans la Mer Morte (NDR : ben oui, regardez-le, c’est pas la réincarnation de Jésus ?) D’ailleurs, il poursuit ce faux évangélisme en immergeant « Saved » dans le gospel. Devendra développe également parfois une perspective féminine à travers ses mélodies. A l’instar de « Bad girl ». Et malgré la présence d’une slide, cette ballade évoque en mon fors intérieur un certain « Don’t let me down » des Beatles. Si son approche du tex mex opérée sur « Tonada Yanomaminista » est assez réussie, la meilleure compo du disque est manifestement « Seahorse ». Une très longue plage qui démarre lentement, croise le jazz (Dave Brubeck ?) avant de glisser vers un pysché garage plus que probablement inspiré par les Doors et surtout le Grateful Dead. Un petite perle musicale lustrée par un clavier ‘manzarekien’ et une flûte pastorale.
Les enceintes crachent un décor de salle de concert miteuse et enfumée. Ça sent le houblon et la sueur macérés. Sur scène, trois frères au chaud dans leur crise d’adolescence éternelle ; peu importe la justesse pourvu que maman déteste.
Pour ce troisième album, les Jarman, habitués des arrière-salles, signent chez un major. Conséquence ou hasard de calendrier, des guests se greffent à la fratrie. Alex Kapranos (Franz Ferdinand) assure la production et Lee Ranaldo (Sonic Youth) accompagne "Be Safe" d’un ‘spoken word’ proche du bruit de fond agaçant. Le groupe reste néanmoins fidèle à son approche bordélique et ses rythmes un peu crétins. Ryan n’hésite pas à balancer ses vérités longuement réfléchies tel le ‘A girl’s need/just don’t agree/with men’s needs’ de "Men’s needs". Ce qui fait sourire et renvoie à des souvenirs de soirées philosophico-alcoolisées (surtout alcoolisées d’ailleurs). Mais le pire c’est que ces ‘idiots’ parviennent à transformer ces élucubrations en tube potentiel. La profondeur des textes du trio n’a d’égal que leur respect de l’autre sexe. Mais la réflexion sur notre place dans l’univers est réduite à passer au bar offrir une bière au féminisme névrosé, le temps que ces trois-là nous sortent des oreilles. Nous, pour l’instant, on gigote, on trouve leurs morceaux naïfs, crasseux et parfois navrants mais on se fait avoir par leur énergie et on gigote.
En 1977, Lou Reed décide de graver “Metal machine music”, un véritable suicide commercial qui deviendra le point de départ de la musique dite industrielle. Tout au long des quatre faces de cet opus, il s’enfonce au cœur d’expérimentations bruitistes nées d’un mélange de musique électronique et de feedback. Et le résultat est aussi déroutant qu’insoutenable. Faut dire qu’à l’époque, la toxicomanie du New-Yorkais est à son comble ; et dans sa folie destructrice, il est déterminé à aller plus loin que Varèse et LaMonte Young.
Depuis, il y a eu Throbbing Gristle, Wire, SPK et bien d’autres. L’indus a même flirté avec la pop ou le rock. Le 17 mars 2002, Zeitkratzer a décidé d’immortaliser cette œuvre ‘live’. Et en acoustique. Dix musiciens dont le saxophoniste avant-gardiste Ulrich Krieger, un Berlinois qui a notamment bossé en compagnie de Lee Ranaldo (Sonic Youth), ont donc exécuté cette partition au MaerzMusik Haus der Berliner, sous la direction de Reinhold Friedl. Un concert au cours duquel Reed a apporté son concours à la basse. Pour un morceau. Il en résulte une version audio remixée aux studios Asphodel de Londres et une en Dvd, enrichie de quelques bonus dont une interview de Lou d’une durée de 25 minutes. Bref, si cette adaptation sous forme classique de « MMM » gagne en accessibilité, elle n’en en est pas moins toujours aussi difficile à écouter…
Rescapé de la formation initiale de 2000, Fred Thomas (ex Flashpapr et Lovestick) est le moteur indéniable qui hante les studios depuis sept ans et cinq elpees pour les bienfaits de Saturday Looks Good To Me. Passionné par la recherche sonore, cet aventurier de l’indie rock découpe en fragments nets et précis la douceur et l’éventuelle platitude d’une composition pop/rock pour la recomposer exsangue de morosité et indéniablement bourrée d’énergie revitalisante. Croisement improbable entre Unkle Bob et Bloc Party, le groupe entraîne l’auditeur et l’hypnotise pour le confronter ensuite à un riff de guitare bien lourd comme sur “When I Loose My Eyes”, par exemple. S’enchaîne ensuite “Make A Plan” ballade tranchée par la disto électronisée d’une guitare volante. Piégée par la sensibilité et le sarcasme de certains textes, “Fill Up The Room” parvient à se sortir du tourbillon de la crainte par un pied de nez salutaire. A l’instar d’“Edison Girl”, plage légère et intimiste de l’album. La voix candide et enveloppante de Betty Marie Barnes apparaît sur “Hands In The Snow”, une compo dont la formule pop nous communique un frisson. Il nous parcourt même rapidement l’échine. Elle confirme les émotions que nous pressentions pour l’album. Dommage que cette vocaliste ne fasse son apparition qu’à ce moment. Mais peut-être est-ce là une démarche tout à fait consciente. Une démarche qui nous éviterait de nous contenter juste de l’écoute de l’album, alors que c’est de charme dont il est ici question.
Au rang des filles bien sous tous rapports, Scout Niblett agite sa guitare et électrise nos sens. Cette fille aime la vie, les amplis qui grésillent, les riffs qui cisaillent les tympans. Mais tout cela ne dure qu’un temps. Car, si habituellement Scout Niblett s’accompagne de son seul batteur pour nous secouer l’échine, le nouvel opus change la donne et pose le ton. « This Fool Can Die Now » dispose des atouts nécessaires pour donner naissance à l’album emblématique d’une discographie sans faute. D’abord, les quatorze titres de ce nouveau disque imposent une improbable tripartite, une association de luxe composée de trois redoutables personnalités : Steve Albini, Bonnie ‘Prince’ Billy’ et Scout Niblett. Ensemble, ils accouchent d’un album apaisé où la rage ressurgit de temps à autres, mais brutalement, telle une incontrôlable convulsion (écouter « Your Last Chariot »). Ensuite, sur ce cd, Scoutt Niblett parvient à canaliser ses émotions et les chanter à l’unisson en compagnie de ce bon vieux Will Oldham. Et, souvent, c’est très touchant. La quiétude vient ainsi caresser l’œuvre de notre écorchée. Elle s’offre même deux reprises osées : une version épurée du « Comfort You » de Van Morrison et une émouvante réinterprétation du thème du film « River of no Return ». On quitte ce disque sous le charme, persuadé que, pour Scout, nous serons toujours prêts.
L’an dernier, The Great Crusades avait commis « Four Thirty », un superbe album qui mêlait lubriquement blues, punk, americana et rock’n roll. Ce quartet était ainsi parvenu à opérer un croisement hypothétique entre Sreamin’ Jay Hawkins, Captain Beefheart, les Replacements, les Bad Seeds et les Godfathers.
Le sixième opus de ce quartet chicagolais m’a quelque peu laissé sur ma faim. A cause de ces quelques ballades mid tempo surannées qui vous donnent l’envie de zapper. Et puis de ces titres qui hésitent entre blues et rythm’n blues insulaire. Dans un registre un peu trop sixties, réminiscent des Animals et même de Yardbirds. Heureusement, le timbre vocal de Brian Krumm est toujours aussi éraillé, rauque, probablement ravagé par le whiskey, campant un hybride entre Joe Cocker, Tom Waits, Don Van Vliet, Nick Cave, Stuart Staples (Tindersticks) et Bruce Dickinson (Iron Maiden). Bien sûr, « Demolishin a bottle of wine » ne vole pas plus haut qu’une cover de Joe Cocker. Mais une bonne moitié de l’opus tient quand même la route. Tout d’abord deux fragments imprimés sur un tempo punkabilly. Soit « On a fast moving train ». Me rappelant le célèbre climat entretenu par le « Who do you love » de Bo Diddley, alors que les riffs de guitare lorgnent manifestement vers « Heartbreaker » du Led Zep. Et l’énigmatique « Why’d you have to do this to me ? ». Une plage imprimée sur un tempo tribal, implacable, et balayée de riffs de guitare terriblement incisifs. Deux autres compos abordées dans l’esprit de feu Alex Harvey, ensuite. Tout d’abord « Broken umbrella ». Complexe elle alterne intermèdes acoustiques, investis d’un violoncelle, et envolées électriques nourries aux cordes de guitare cinglantes, déferlantes, vivifiantes. Et enfin, « The bucket of blood ». Un paso doble de 6’50 exécuté dans un esprit parfaitement cabaret. Hormis « Sex sells (So I’ll see you in hell) », caractérisé par ses riffs meurtriers, son tempo frénétique et coulé dans une mélodie contagieuse, le reste manque de punch ou est trop prévisible. Un mini elpee aurait suffi.
Quatre ans après avoir commis « Dark Island », les vétérans de la scène post/rock expérimentale sont de retour pour un onzième album. Une formation britannique toujours emmenée par la chanteuse Rosie Cuckson, la véritable âme du groupe.
Tout au long des quatorze titres de cet opus, on baigne au sein d’une ambiance feutrée, visionnaire, envoûtante, complexe (NDR : les mauvaises langues diront un peu trop), fruit d’un mélange d’électro, de pop et de jazz. Xylophone, flûte, cuivres, guitares et orgues se fondent parfaitement dans l’ensemble. Mais lorsqu’un morceau nous embarque, on ne sait jamais où il va nous emmener.
« The Empty Quarter » amorce l’opus. Une compo désenchantée qui sied bien à l’image du groupe. Cette atmosphère perdure tout au long de « Salt and Sand », moment choisi Rosie Cuckson pour poser son timbre vocal lugubre, rappelant, par son intonation, celui de feu Nico, la femme fatale du Velvet Underground. Entrecoupé par quelques séquences instrumentales, cet elpee recèle quelques excellentes plages. A l’instar du magnifique « Beluga », au cours duquel, l’intrépide voyageur ouvre, en quelque sorte, une boîte à musique aux sons épurés, tout en éprouvant un sentiment de solitude et de mélancolie. Un sentiment de brève durée, l’aventure bifurquant par « Blind Tiger », une étape dont l’ambiance trip-hop flotte sur les mêmes ondes que Portishead ou encore Jay-Jay Johanson.
Pram explore de nouveaux territoires aux frontières difficilement franchissables. Lugubre et parfois fantasque, « The Moving Frontier » est à déconseiller si vous avez les idées noires. Usant de beaucoup de lyrics cryptiques, Pram parvient néanmoins à nous transposer dans un univers unique en son genre. Un voyage que l’on ne regrette cependant pas ! Plus intimiste et lent, « The Moving Frontier » constitue sans aucun doute l’œuvre la plus énigmatique commise par cet ensemble insulaire, à ce jour. Une chose est sûre, il confirme la bonne forme actuelle du sextet issu de Birmingham.
Vandal X pratique du noisecore matiné de punk rock et saupoudré de métal marécageux. Ce n’est pourtant qu’un duo, belge de surcroît, mais il parvient à faire plus de bruit qu’un quatuor noisy classique. La formule est simple : une voix, une batterie, une gratte et des samples. Le résultat est, pour le moins, décoiffant !
« Instant Dislike » constitue déjà le quatrième opus de ces admirateurs de Jesus Lizard, en compagnie desquels ils partagent quelques affinités musicales, cela saute aux oreilles ! Après avoir travaillé auprès de Steve Albini sur l’album « Songs From The Heart », écumé tous les clubs de Belgique et de Hollande et assuré les premières parties de combos aussi disjonctés que Tomahawk, Ministry, Fugazi ou même Alec Empire, le duo limbourgeois est à nouveau d’attaque pour terroriser les salles de concert. Fort de ce nouvel opus qui enchantera ses fans, et d’un nouveau contrat singé chez Vlas Vegas records, Vandal X est déjà sur les routes à l’heure où vous lirez ces lignes. Treize nouveaux titres poisseux, violents, malsains, bruyants et non dénués d’un sens de l’humour qui lui est bien propre. L’intro de « Like you Not » est la pire tirade d’insultes et de grossièretés (en deux langues svp !) de toute l’histoire du rock belge ! Bref, Vandal X est en pleine forme et il hurle pour le faire savoir.
Flashback: en 1977, Neil Young bosse sur un nouvel elpee. Il a déjà un titre : « Chrome Dreams ». Mais le tracklisting est tellement éclectique, que cet opus ne verra jamais le jour. Cependant, la plupart des chansons (« Like a hurricane », « Powderfinger », etc.) seront reprises sur des elpees ultérieurs. Sauf trois titres qui ouvrent son nouvel opus solo. Tout d’abord la ballade folk bucolique « Beautiful bluebird » et le moelleux « Boxcar », titre de country rock parcouru par un banjo vivace. Deux plages qui auraient pu figurer sur « Harvest » ou encore « Harvest moon ». Mais le troisième morceau de cette œuvre est véritablement une de ses pièces maîtresse : « Ordinary people ». Passons sur les lyrics qui sont d’une autre époque ; mais ne retenons que l’essentiel : la musique. Un hymne solide, sonique de 18’13, au cours duquel la section de cuivres et la guitare de Neil font merveille ; l’intensité électrique rappelant ni plus ni moins « Cowgirl in the sand ». Epoustouflant ! Le reste de la plaque nous réserve encore quelques bonnes surprises. Oui, bien sûr, concède également quelques titres dispensables. Comme « Shining light » dont les accords de guitare ‘surf’ me rappellent ‘Interlude’, le mollasson « The believer » ainsi que le slow countryfiant « Even after » (NDR : heureusement que Ben Keith vient relever le niveau de sa slide. On ne montera pas trop en épingle « Dirty old man », morceau de post grunge au cours duquel Young se débat pour faire émerger sa voix au-dessus de mêlée, ni le titre final « The way », pourtant enrichi par la présence de chœurs des Young People de New-York City. Une chanson de Noël, à la limite. Par contre, « Spirit road » remue littéralement les tripes. A cause de l’électricité dispensée et puis du tempo irrésistible. Neil a déterré la hache de guerre ! Les notes arrachées de sa six cordes vous pénètrent et vous envoûtent comme à la plus belle époque du Crazy Horse. Et puis dans un registre semblable, mais sous une forme légèrement funkysante, « No hidden path » consume lentement son intensité blanche. Probablement une des meilleurs compos de Neil écrites à ce jour au cours du XXIème siècle. Et parce que ce « Chrome Dreams II » recèle trois titres cinq étoiles qui couvrent 39’16 du compact disc, je vous le recommande vivement…
Ben Ricour, alchimiste des mots et sorcier des rythmes est de retour. Après son ‘Aventure’ plutôt solitaire, il s'est joliment entouré pour son second album, ‘Ton image’. Albin de la Simone, Thomas Bloch et autres talents ont mis les pieds dans ses ballades, de hasard en envies…
"Je ne voulais pas faire de collaborations à tout prix. C'est venu comme ça, au fil des rencontres. Au départ, il devait y avoir un truc avec Olivia sur l'album (NDR : Olivia Ruiz), mais ça ne s'arrangeait pas bien, c'était compliqué… et j'ai horreur de ce qui est compliqué. En ce qui concerne Mickaël de Mickey 3D il y avait un réel désir de collaboration. Pour -M-, c'était totalement imprévu. Il est passé au studio et je crois qu’il a été électrisé de se retrouver une gratte dans les mains, du coup il m'a fait un truc très psychédélique." Et quand une improvisation chédidienne rencontre l'univers de Ben Ricour, ça donne ‘5 minutes’, un rendez-vous manqué, une aventure qui se termine à bout de souffle pour ne jamais finir à court d'idées. Une des nombreuses versions de ces passions, omniprésentes dans l'album: "J'aime m'adresser à une seule personne dans mes chansons. Cette proximité est indispensable". De l'amour donc ; forcément aventureux, entier, brûlant. Du sexe aussi, à la fois extension et genèse: "C'est un peu devenu une tradition. J'ai l'impression que quand on introduit du sexe dans les chansons on y met automatiquement de la légèreté. Puis il y a l'idée de tout lâcher, c'est cette évasion qui me plait."
Ces fugues hors du temps s'attaquent aux frontières dans ‘1/4 de sang,’ réflexion sur la filiation adressée à sa mère, Eurasienne arrivée en France à 14 ans: "C'est venu tout d'un coup, dans mon évolution. Petit, on m'appelait le Chintock, j'ai la trentaine et en grandissant on repense à tout ça. Puis je sens ce côté en moi, je mange asiatique et je ressens des choses qui m'interpellent." L’Asie fantasmée dans le regard, il évoque le Vietnam qui l'intrigue et l'appelle: "Je n'y ai jamais mis les pieds, je n'ai jamais rencontré ma famille là-bas, mais je pense que cette chanson va me permettre d'y aller. Je vais peut-être partir pour une tournée en septembre. J'espère…"
Impossible de parler de ‘Ton image’ sans évoquer la problématique écologique. Délicate déclaration d'amour à la nature, aveu de culpabilité et crainte de l'impuissance qui échappent à la moralisation: "Plus j'avance et plus je me dis que c'est important. Le premier album était déjà très nature, mais plus dans la description. Là j'ai vraiment la trouille pour la planète. Si j'ai l'occasion de faire quelque chose pour l'aider, si j'ai l'opportunité de faire des concerts, des actions, je n'hésiterai pas. Tout le monde veut réagir mais on est déjà tellement occupé d'essayer de s'en sortir soi même qu'on en oublie où l'on vit. On a quand même troué la couche d'ozone… c'est dingue!"
De l'amour, du sexe, des petits oiseaux… Résumé comme tel, l'album a de quoi laisser perplexe. Pourtant la force de ses ballades résulte de cette capacité de sublimer, par l'emprunt de chemins de traverse. Ben Ricour parvient à surprendre en tirant parti du trop entendu. Les pieds dans la neige, courant derrière un train, il se plait à apparaître là où nous ne l'attendions pas, tout en restant à distance raisonnable: "Je veux rester accessible, même si, la prochaine fois, je me lancerai peut-être dans quelque chose de plus barré…" Il échappe aux tournures alambiquées des chanteurs prétentieux faute de mieux et livre, sans même chercher d'accords compliqués, des titres énergiques d'une profondeur aérienne. Alors quand, les traits de papier glacé, il lance en interview "Avant, j'ai été électricien, plombier. A force de m'être retrouvé sur différents chantiers, je pense que je pourrais carrément construire une maison, monter les murs,… " On ne s'étonne pas outre mesure tant la richesse du personnage est perceptible au premier contact. Il suffit qu'il ajoute: "J'adore le contact avec les matières, le toucher", pour qu'on retrouve la sensualité qui transpire des textes, de la voix subtilement rauque et que ce parcours atypique devienne l'évidence même.
Auteur, compositeur, interprète, cet artiste polymorphe prête à l'occasion sa plume à d'autres chanteurs, le temps d'émotions partagées: "Quand on écrit pour soi, on est en permanence dans le doute, poussé à extraire des choses de soi. Quand c'est pour quelqu'un d'autre, j'ai l'impression d’accomplir le travail d'un peintre. Il faut coller le plus possible à la personne qu'on a devant soi, c'est très intéressant." Outre sa présence auprès de Florent Pagny pour « Abracadabra », il a caressé de ses pinceaux ‘J'traine des pieds’, un des succès peps d'Olivia Ruiz. Une autre toile en vue? "Là, j'entame ma tournée, puis elle vient de terminer la sienne et je sais qu'il faut parfois plusieurs mois pour reprendre un contact complet avec la réalité. Mais si elle me redemande de bosser pour elle, j'y retourne avec plaisir. D'ailleurs, j'ai déjà une super chanson pour elle. Elle est fascinée par l'univers des Rita Mitsouko et ce que j'ai écrit c'est vraiment une Ritasong qui lui irait bien."
Sa tournée, il va la débuter, seul et impatient, avant d'être rejoint par ses musiciens: "Les concerts, c'est mon environnement. L'album est un peu un prétexte même si j'aime beaucoup le travail en studio. J'ai hâte de repartir sur la route, de redevenir un performer. En plus les musiciens sont des amis de longue date, on va pouvoir créer une confiance et se fabriquer une famille. On débutera dans des clubs, j'aime beaucoup cette idée de repartir de zéro." L'album quant à lui sortira le 26 octobre.
‘Dans la vie, il y a le mot aventure, pourvu que ça dure, pourvu qu'on soit d'accord pour ne pas abandonner...’ Telle était l'invitation du premier album de Ben Ricour. Et c'est avec plaisir qu'on la poursuit son aventure de quotidiens extraordinaires en réglant nos horloges biologiques à « L'heure d'hiver ». Guidé par la voix décalée de cet artiste polymorphe, on se sent bien entourés pour emprunter sa folie douce puisque Patrick Renson, Olivier Lude (coréalisation), -M- et Albin de la Simone sont de ce voyage.
Le disque est teinté d'une saison qui l'inspire, de ces automnes consommés qui donnent envie de s'évader, à l'est de notre soleil par exemple: vers le Vietnam natal de sa mère et son « 1/4 de sang ». De ces après-midi blancs qui poussent au rapprochement aussi, à la recherche de chaleur: de rythmes ‘enrobants’ en bras accueillants. Poussés à une exaltante langueur dans l’érotique « Tu es attendue » on se retrouve hors d’haleine, poursuivant un train qui quitte la gare en faisant définitivement dérailler une belle rencontre (« 5 minutes »). La force est là, entre autres, dans la construction de ces mini-récits. A chaque plage son scénario, une construction cinématographique d'un film qui s'offre le luxe d'exister sans image. Les ambiances happent et génèrent un suspense schizophrène, coinçant le malheureux qui s'est laissé prendre entre l'envie de connaître l'issue et celle de courir à contre sens, pour s'éloigner de la dernière note.
Sur ce second album, qu’il qualifie de ‘plus mûr, plus corsé’ et plus proche de l’homme qu’il est aujourd’hui, Ben Ricour offre une continuité innovante à sa séduisante dernière « Aventure ».
Regardez le clip de « L’Heure d’Hiver »
http://www.youtube.com/watch?v=w-i6kQLB80U
http://www.dailymotion.com/jeansanteuil/video/x38zu6_ben-ricour-lheure-dhiver
http://www.wat.tv/playlist/660434/video/684431/attitude-ben-ricour-heure.html
La soirée du 25 octobre 2007 s’annonçait festive. En effet, Le Peuple de l’Herbe et Asian Z se produisaient ce soir-là dans le cadre de l’Audi Jazz festival, à l’Orangerie du Botanique. Les premiers étaient venus présenter et défendre leur dernier album « Radio Blood Money », les seconds m’étaient complètement inconnus et éveillaient en moi une curiosité amusée.
En surfant sur leur site, l’univers d’Asian Z m’a semblé farfelu, volontairement immature et particulièrement cocasse. Deux heures avant le concert, Spagg du Peuple de l’Herbe me confiait lors de l’interview : ‘Tu connais Asian Z, ils passent avant nous ? Tu vas voir c’est assez particulier, moi j’adore !’ Cette phrase est venue tout naturellement aiguiser ma curiosité à leur égard.
Sur le coup des 20h, la foule venue en nombre s’agglutine à l’entrée. Juste le temps de déposer mon sac et mes affaires au vestiaire. ‘Bad done’, le vestiaire est fermé. Et je suis forcé d’entrer dans la salle avec tout mon barda. J’essaye de dénicher une place près de moi pour les déposer, je sors l’appareil photo, mon carnet de notes, et je regarde se dérouler devant mes yeux ébahis un spectacle complètement délirant monté par cinq Japonais.
Asian Z plaque ses chansons sur fond de karaoké. Les titres sont projetés sur un écran placé dans leur dos. Les paroles reproduites en japonais, en phonétique et leur traduction en français clignotent entre des images et des phylactères dignes d’une bd. Nous sommes pongés en plein univers manga. Tels des samouraïs, la posture fière et le verbe fort, la pop/rock un rien eighties d’Asian Z enrobe le spectacle, et propulse une énergie sympathique et communicative. Il faut lire ces traductions pour essayer de suivre. On y parle de poils, de ‘rasage de chatte’, de trous du cul poilus, d’alcool à outrance, etc. Deux minuscules danseuses japonaises se dandinent derrière le chanteur, levant les bras et sautant sur une chorégraphie apprise par cœur. Le public derrière moi prête plus attention aux textes qui défilent, et se marrent en lançant des ‘rhooo’ à tout va. Je crois que, comme moi, il se demande si tout ça est bien sérieux. Manifestement, ils en ont tout l’air. De nombreux ados postés aux abords de la scène se fendent la poire et se délectent de la prestation. Hurlant pour un rien, tels des groupies de la première heure. Une ambiance ‘bon enfant’ se trame ; et après 9 chansons les Japonais (quoique Lyonnais d’adoption) prennent congé de la salle.
21h00. Les roadies s’affairent, les instruments et l’univers des prochains acolytes s’échafaudent. ‘Le Peuple de l’Herbe’ me gueule dans l’oreille un jeune chevelu, ‘mais ouais vieux !!’ lui rétorque son camarade. Ces deux énergumènes seront collés dans dos et à mes oreilles tout le long du concert, répétant sans cesse ces deux phrases énervantes au possible. C’est recta, à chaque coup je me tape un voisin de concert débile. Mais ces deux-là, c’est le pompon.
21h10. Le bruit des hélices d’un hélico vient ouvrir le jardin où Le Peuple de l’Herbe (‘mais ouais vieux !’) semble impatient de jouer. La batterie de Psychostick trône au centre. A l’arrière. A gauche, Dj Pee a les yeux rivés sur le laptop et ses platines. A droite Spagg se consacre aux claviers et à la basse. Une basse, qui fait pour la première fois son apparition sur scène, lors de cette tournée. Plus à droite encore, N’Zeng s’occupe aussi bien des claviers, de la programmation, du chant que des cuivres. Le décor est fidèle à l’univers graphique de la pochette du dernier opus ? Nous sommes embarqués dans une machine de guerre aux reflets métalliques. Nous nous dirigeons vers une ville perdue où un groupuscule d’irréductibles hisse le pavillon de la révolte. « Viva La Revolucion » ouvre les festivités Conséquence : le public s’enflamme autant que les artistes. Très vite JC001 débarque sur les planches, le pas chaloupé et la casquette vissée jusqu’aux oreilles. Sa voix caverneuse débite un flow mortel, et se lance aussi dans des ‘beat box’ vraiment excellents. Le tout sans postillons. Ce qui est une prouesse et nos objectifs lui sont reconnaissants. En vraie bête de scène, JC001 est souvent accompagné par N’Zeng ou/et par Sir Jean. Ce dernier est d’ailleurs accueilli en guest star par un public déjà conquis. La participation de Sir Jean sur le dernier elpee a des effets positifs sur le groupe qui l’a du coup embarqué dans ses valises. Tel un chef de tribu, il balance ses tresses et son dynamisme est propulsé par l’élément fédérateur du groupe : la trompette. Car si star il y a ce soir-là, c’est bien elle. Scintillante de mille feux, elle souffre contre les joues tendues de N’Zeng. Cet instrument nous rappelle un peu le sens du festival et le pourquoi de sa présence en ces lieux: le jazz. Ce dernier se dissipe assez vite entre les morceaux trip hop/dub/jungle du groupe, mais n’est jamais complètement enterré. Les nouveaux titres de « Radio Blood Money » ont un peu de mal à tenir l’énergie que diffusent les morceaux plus anciens des précédents albums comme « PH Theme », « Dawg Beat » ou « Cow Boy ». Le public semble ne pas avoir encore imprimé, complètement dans sa mémoire, les derniers titres. Il faut dire que l’album n’a que deux mois d’existence ; et ce sont ses premières transpositions scéniques. A l’instar du morceau « Plastic People » plus agressif dans sa conception, « Radio Blood Money » est plus tranché. Le temps sera nécessaire pour sa digestion. Malgré tout, des compos telles tels que « Judge Not », « History Ghost » ou « Traces » passent bien la rampe. On pourrait regretter le manque de freestyle ou d’impros lors du set, juste pour sentir mieux encore, l’unité et le sens d’équipe que les Lyonnais développent tout le long de leur prestation. Tout est bien huilé, bien calé, bien calculé. Il n’empêche qu’une ambiance surchauffée reste bien présente et les 75 minutes de concert s’écoulent à toute vitesse.
Au premier rappel, le groupe nous gratifie d’un quart d’heure supplémentaire, mais ne semble pas encore fatigué. C’est à l’issue du second, d’une durée de 10 minutes, qu’il décide de prendre congé de l’audience. 100 minutes : c’et le timing de cette soirée. On en a eu pour notre argent. D’ailleurs, l’énergie transportée par le public le long des couloirs, en se dirigeant vers la sortie, est la preuve qu’elle s’est collée à nous, et que nous continuerons à la diffuser un bon moment encore. Je rentre chez moi content mais encore surexcité. C’est que c’est tenace Le Peuple de l’Herbe, mais ouaiiiiis vieux …
(Organisation Botanique)
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