Les inconditionnels d’AC/DC vont faire des bonds au plafond en découvrant dans les vitrines des disquaires ce très bel objet que constitue « Plug it In », box dvd qui retrace toute la carrière du plus célèbre groupe de hard rock de tous les temps. D’autant plus qu’on annonce la sortie en 2008 d’un nouvel opus signé par les frangins électriques et que les fans trépignent d’impatience depuis l’annonce du successeur de « Stiff uper Lip ». L’objet tombe donc à point ! L’occasion était trop belle ! Des centaines de milliers de frustrés vont se précipiter sur le box, qui, s’il n’est pas dépourvu d’intérêt, flaire néanmoins très sérieusement le pognon facilement gagné.
Plus qu’un simple dvd classique, « Plug » se présente sous deux formes différentes : un coffret double dvd (5 heures de disque) et une édition de luxe comprenant trois rondelles et une foule de gadgets Ayant reçu le format classique de Sony/Bmg (ce qui n’est déjà pas si mal, car les temps sont durs en matière de promo), c’est donc ce dernier que nous allons déballer sous vos yeux ébahis et écarquillés ! Tout d’abord, couleur café italien, l’étui noir est frappé du célèbre logo AC/DC en lettres rouges et en relief. Le pack est de la même facture mais il est illustré de photos argentées des deux chanteurs du combo aussie (Bon Scott et Brian Johnson). Outre les deux rondelles, on y découvre émerveillé deux livrets truffés d’anecdotes, de photos inédites, de copies de backstages, de documents divers, et de tickets des plus célèbres concerts accordés par Angus et sa meute. Notons la reproduction d’un billet d’entrée pour un concert accordé à Forest National, datant de juin 1986. A l’époque on ne déboursait que 500 francs pour se faire décrasser les cages à miel !
La première plaquette passe en revue les 5 premières années de la vie du groupe, et leurs premières prestations en compagnie de l’inégalable Bon Scott. Elle commence très fort par une performance aux premières heures du band à la télé australienne. En 1975. Au ‘King of Pop Awards’. Les frères Young sont à peine reconnaissables, et les boutons d’acné n’étaient pas un problème pour les maquilleuses de l’époque. Dès lors, on se rend compte que « Plug it In » ne s’adresse qu’aux archivistes et aux fans invétérés du plus célèbre groupe australien. Les documents, n’ont pas fait l’objet d’un nettoyage et la qualité d’image et sonore est trop souvent mise à mal. Parmi les meilleurs moments, nous retiendrons la première performance publique de « Highway to Hell » pour la télévision hollandaise en 79 ou encore la version costaude d’un « Do Eat Dog » captée à Glasgow. Les bonus regorgent d’interviews de Scott avant sa tragique disparition, mais on a vite l’impression de tourner un peu en rond…
Le contenu du DVD II est dédié, à juste titre, à la période Brian Johnson. La qualité des documents laisse une nouvelle fois souvent à désirer, malgré l’aspect plus ‘récent’ des 27 titres proposés. Et c’est à l’écoute des morceaux écrits pour Scott chantés par Brian ‘Casquette’ qu’on se rend compte que l’ex chanteur des Geordies a parfois frôlé le massacre lors de certaines de ses interprétations, et qu’il demeure beaucoup plus à l’aise dans le répertoire commençant dès l’excellent « Back in Black ». Il serait inutile de vous énumérer toutes les plages sous-titrées « 1981-2003 », mais nous apprécierons le beau geste de la production qui nous gratifie d’une interview à Bruxelles (ainsi que d’une version live du hit Hell’s Bells), ainsi que de la désopilante intro du ‘Ballbreaker tour’ commise par les affreux Beavis and Butt-head !
En conclusion, « Plug it In » s’adresse à de véritables marteaux (n’y voyez aucun jeu de mot) d’AC/DC et ne constitue pas une pièce indispensable dans votre dévédéthèque. Mais bon, ce groupe est énorme et il ne sera pas aisé de ne point céder à la tentation !
The Autumns est une formation particulièrement populaire aux States. Et leur nouvel album, « Fake noise from a box of toys », devrait confirmer le statut de super groupe de cet ensemble californien. De Los Angeles pour être plus précis. A l’origine, The Autumns avait suscité l’intérêt de nombreuses écuries. C’est d’abord chez le label indépendant Risk qu’ils signeront, y réalisant leur premier opus « The Angel Pool », en 1997. Avant d’atterrir chez Bella Union chez qui on retrouve notamment The Dears et My Latest Novel. Le quintet a également collaboré au film d’Angela Shelton, « Searching for Angela Shelton », pour lequel il a décroché un Golden Globe.
Les véritables aficionados estimeront ce quatrième elpee plus mordant, agressif et tonique, capable d’alterner compos puissantes et douces mélodies. Estimant même leurs idoles métamorphosées et responsables d’une expérience enivrante au sein de laquelle se mêlent guitares frénétiques et vocaux à la fois puissants et angélique. Il faut d’ailleurs reconnaître que Matt Kelly possède un organe étonnant ; son timbre est même assez proche d’un Jeff Buckley voire de Matt Bellamy (Muse). Un Muse qui inspire manifestement The Autumns, même si dans leur solution sonore on y décèle des éléments empruntés à The Stone Roses, Radiohead et… Explosions In The Sky. Pas de mauvaises références en soi.
Maintenant, en prenant du recul, le résultat n’est pas aussi idyllique. Car si porter l’étiquette de groupe populaire aux U.S.A. n’est pas une chose aisée, il faut aussi confirmer. Le succès monte vite à la tête et la suite s’en ressent. Et ce « Fake noise from a box of toys » en est la plus belle démonstration. Le groupe semble finalement en panne d’inspiration et avare d’éclairs de génie. Un opus sans grand relief qui suscite rapidement l’ennui. Suffit pas de choisir les bonnes sources d’inspiration il faut également être capable de les transcender. Et on est loin du compte.
Les pérégrinations du génie Zach Condon se poursuivent de la plus belle manière qui soit. Après nous avoir offert un splendide panorama des Balkans, à peine un peu plus d’un an auparavant, le jeune homme, aujourd’hui installé en France, a emporté un nouveau chef-d’œuvre dans ses valises. « The Flying Club Cup » reprend là où « Gulag Orkestar » s’était achevé, nous entraînant, cette fois, davantage vers l’Ouest européen. Cette seconde carte postale dresse un portrait à la fois romantique et mélancolique de l’Hexagone et de ses environs, à coup d’accordéons, de glockenspiel et autres ‘french horns’.
« The Flying Club Cup » nous transporte instantanément dans les rues de « Nantes » et autres « Cherbourg », à une époque où l’insouciance était de mise. La beauté des mélodies de Beirut n’est pas sans rappeler l’esthétique architecturale de ces lieux circa mid-20e siècle. Une esthétique que l’on peut presque percevoir à travers ces 13 lettres d’amour intemporelles. Sur ce deuxième recueil, Beirut s’offre la compagnie d’Owen Pallett de Final Fantasy, qui, en plus de jouer sur quasi toutes les compositions, pose sa voix sur « Cliquot ». Les vocalises de Pallett, étrangement similaires à celles de Condon, se fondent tellement bien dans le décor que la confusion entre les deux est presque inévitable. Enfin, complément indispensable au disque, le livret de « The Flying Club Cup » contient quelques jolis textes écrits par Ryan Condon, frangin de Zach ; et ils valent le coup d’oeil.
Beirut, jeune artiste des plus accomplis, vise à nouveau nos cœurs et met dans le mille avec une précision déroutante. « The Flying Club Cup » est définitivement un incontournable de cette fin d’année.
Trio de Cardiff responsable des excellents « My Pain And Sadness Is More Sad And Painful Than Yours » (2003), « The Difference Between You And Me Is That I’m Not On Fire » (2004) et, surtout, « McLusky Do Dallas » (2002), McLusky est l’une de ces formations qui n’auront connu qu’une brève carrière avant de s’évaporer dans le gris du ciel britannique, bien trop soudainement. Des cendres de McLusky est né Future Of The Left, à l’initiative d’Andrew Falkous et Jack W. Egglestone auxquels est venu se greffer Kelson L.T. Mathias, ex-Jarcrew. Cette nouvelle configuration, sans être un avatar grotesque de McLusky, s’avère constituer un enchaînement parfait et bien pensé.
Reprenant quelques uns des ingrédients majeurs qui ont fait le succès de leur ancienne formation, Andrew, Egglestone et leur nouvel allié balancent un « Curses » tout en éclats et en fureur. En 37 minutes, le trio réussit à réveiller les morts (« Plague Of Onces », « Real Men Hunt In Packs »), les faire danser tout en emplissant leur gosier inexistant de liqueurs en tous genres (« Manchasm », « My Gymnastic Past », « adeadenemyalwayssmellsgood ») et même leur permettre un court instant d’introspection (« The Contrarian ») avant de retourner gentiment s’allonger dans leur sombre et étroite résidence, en attendant la prochaine sortie nocturne de Future Of The Left. Tout ça ne nous rendra pas McLusky mais c’est un putain de bon début !
Projet parallèle de Tim Kasher, leader des géniaux Cursive, The Good Life dévoile pour la quatrième fois le côté tendre et plus lisse du bonhomme. « Help Wanted Nights » confirme l’amour de ce dernier pour les mélodies à la fois simples et raffinées. Pur produit Saddle Creek, ce nouvel essai nous invite à pénétrer dans le bar des émotions de Kasher. A l’intérieur de l’établissement, les âmes sont apaisées et les sourires amicaux s’esquissent sur le visage de la clientèle venue ici pour l’ambiance chaleureuse plutôt que la bibine. Les soucis, qui y sont interdits de séjour, demeurent à la porte d’entrée, sur laquelle une pancarte poussiéreuse annonce « Help Wanted Nights ». Mais le candidat potentiel découvrira assez tôt la supercherie. A peine un pied à l’intérieur, celui-ci prendra rapidement conscience que le personnel de The Good Life est loin d’avoir besoin d’aide, se débrouillant plutôt bien seul en matière de service et de fidélisation de la clientèle. Entre un délicieux « On The Picket fence », un agréable « You Don’t Feel Like Home To Me » et un exquis « So Let Go », qui n’aurait pas envie de remettre les pieds chez The Good Life, établissement qui fait plus qu’honneur à son nom ?
Si on compte le split cd partagé avec Red Light Sting, paru en 2004, le groupe canadien en serait déjà à son cinquième album. Beaucoup de remue-ménage depuis leur formation, puisqu’après le départ du premier vocaliste, à l’issue de l’EP « Knock knock knock », c’est au tour de Dante DeCaro, le guitariste de se faire la malle. Il a rejoint Wolfmother. Fallait s’y attendre, après la livraison du décevant « Elevator ». Bref, Hot Hot Heat nous devait une revanche. Malgré ce départ, le quatuor de Victoria a décidé de se retrousser les manches. Faut dire que malgré tous les coups du sort qui se sont abattus sur leur tête, le combo n’a jamais baissé les bras ; et manifestement, on ne les a jamais sentis aussi soudés. Paradoxalement, les chansons de « Happiness Ltd » ont été écrites pendant la tournée d’ « Elevator ». Faut croire que la formation a pris conscience de l’échec de cet elpee et en a tiré les conclusions qui s’imposaient puisque « Happiness Ltd » s’inscrit ainsi davantage dans l’esprit du « Make up the breakdown », paru en 2002. Le chanteur/claviériste s’est montré bien inspiré en concoctant des chansons plus audacieuses et surtout convaincantes.
Onze plages figurent sur cet elpee. Onze titres dansants et vivaces qui ont bénéficié du concours de trois producteurs différents pour la mise en forme, dont Butch Walker et Rob Cavallo. Inspiré à l’origine par la new wave ou le power pop et en particulier par des artistes ou des formations comme Elvis Costello, Cure et XTC, Hot Hot Heat, mais aussi le punk funk, HHH semble avoir aujourd’hui élargi son champ d’influences en puisant dans le garage rock. Celui des Strokes, par exemple.
L’opus s’ouvre par le titre éponyme au refrain entraînant et embraie par « Let me in » à la mélodie pénétrante et excitante. Une attaque massive de drums pilonne « Harmonicas & Tambourines » ; elle est tellement puissante que votre rythme cardiaque risque d’en prendre un coup. Pour la ballade « Outta Heart », le groupe a bénéficié de la participation d’un orchestre et d’une chorale. Dans un style que n’aurait pas renié feu Marc Bolan. L’elpee recèle également une nouvelle version « 5 times out 100 », compo qui figurait sur l’EP « Knock knock knock ».
La réaction de Hot Hot Heat est judicieuse. Pourvu que ça dure !
Cinq ans que l’E Street Band n’avait plus enregistré en compagnie du boss. Aussi on pouvait s’attendre à un album très rock et énergique comme seul Springsteen est capable de nous fourguer. Ce n’est pas tout à fait ce qu’il nous a concocté. En fait, passé le premier titre, « Radio nowhere », plutôt enlevé et bien cadencé, l’opus fait la part belle à la pop mélodique hyper léchée. S’il n’y avait l’instrumentation luxuriante et les accès de saxophone, plusieurs compos auraient même pu figurer au répertoire de REM. On a même droit à des arrangements de cordes fastueux sur l’apaisant « Your own worst enemy » et à une chanson réminiscente du New Mersey Sound. Celui d’Icicle Works, très exactement, sur « Girls in their summer clothes » ; Bruce empruntant même les inflexions de Ian McNabb. Surprenant ! Heureusement, le reste de l’opus redresse la barque. Tout d’abord « Gypsy biker » et « Long walk home », deux plages sculptées dans un rock bien carré et hymnique ; voire « Last to die », malgré les arrangements symphoniques assez envahissants. Parcouru par un harmonica et élégamment balayé par une section de cordes, « I’ll work for your love » mêle habilement instrumentation électrique et acoustique. Une très belle chanson aux accents dylanesques. Tout comme le titre maître, une ballade émouvante privilégiant guitare sèche, mandoline et violon. Ainsi qu’un bonus track, au cours duquel Springsteen se fend d’un titre folk épuré, limité à la voix, au piano et à la sèche. Le spectre du Zim n’est pas loin. A moins que ce ne soit celui de Pete Seeger. Il ne faut pas oublier que l’an dernier, Bruce avait consacré l’intégralité d’un album à des reprises de l’activiste new-yorkais. Et aussi bien Bob que Bruce vouent une grande admiration à Seeger, tout en demeurant très engagés dans les domaines écologique, sociologique et politique. « Magic » n’échappe pas à la règle et notamment le bouleversant « Devil’s arcade ». Bruce dit tout le bien qu’il pense des pertes subies par les Etats-Unis en Irak. Construit en crescendo, ce morceau imprimé sur un tempo new wave oscille entre minimalisme et maximalisme. Bref, à 58 ans le boss a encore de beaux restes. Mais à mon humble, avis en choisissant Brendan O’Brien (Pearl Jam, Aerosmith, Red Hot) pour le produire, il n’a pas fait le bon choix.
I-tunes:
http://phobos.apple.com/WebObjects/MZStore.woa/wa/viewAlbum?id=263087969&s=143446
MSN-music:
http://sib1.od2.com/common/product/Product.aspx?shop=40&associd=5&catno=OD2DI6208931
REM est occupé d’enregistrer un nouvel album. Il devrait paraître au printemps 2008. Ce sera son quatorzième opus studio. Pour nous faire patienter, un box vient de paraître. Il contient deux cds et un Dvd. Il immortalise un concert accordé par R.E.M. le 27 février 2005 au Théâtre Le Point de Dublin, en Irlande, dans le cadre de leur tournée ‘Around the Sun’. Intitulé tout simplement « R.E.M. live », ce coffret recèle 22 titres plus ou moins récents dont six compos issus de leur dernier elpee, "Around the Sun", mais également des hits planétaires comme « Everybody Hurts », « Losing My Religion », "I Took Your Name" ou "(Don't Go Back To) Rockville", ainsi qu’un inédit jamais reproduit sur support à ce jour. En l’occurrence « I'm Gonna DJ ». Le concert a été filmé par Blue Leach, un spécialiste du genre, puisqu’il s’était déjà illustré dans cet univers cinématographique pour Depeche Mode et Snow Patrol. Notamment. Afin de choisir la quintessence de leur œuvre pour réaliser le DVD, ce réalisateur a suivi le groupe pendant les 116 dates de leur tournée qui a traversé la bagatelle de 33 pays. REM compte aujourd’hui 27 ans de carrière. Un fameux bail, assurément. Mais le plus intéressant procède de la transposition de leur répertoire sur les planches. Bien plus électrique et excitant que sur disque. Si vous avez déjà eu l’occasion d’assister à un de leurs concerts, vous savez de quoi on parle…
Il est parfois étonnant de constater que, dans la carrière d’un groupe, il arrive que le plus mauvais disque de ce dernier soit également le mieux vendu. « Just Enough Education To Perform », troisième recueil des Stereophonics, figure parmi ceux-ci. Depuis, Kelly Jones et ses deux compères ont publié deux autres recueils somme toute sympathiques mais quasiment snobés par le public (« You Gotta Go There To Come Back », « Language. Sex. Violence. Other ? ») Triste. Les Gallois en sont aujourd’hui à leur sixième essai et, pourtant très correct, il risque logiquement de connaître le même sort que ces prédécesseurs, les Anglais attendant certainement avec impatience que le trio sorte à nouveau une grosse daube…
Après une petite escapade solo, Kelly Jones a retrouvé ses potes afin de concocter un nouveau recueil dans la même lignée que son prédécesseur, « Language. Sex. Violence. Other ? ». Le son est ici légèrement plus lourd et encore mieux travaillé qu’auparavant. Bien qu’ils ne parviennent pas à atteindre le brio de « Word Gets Around » et « Performance & Cocktails », les Stereophonics nous offrent tout de même l’un de leurs meilleurs travaux. Et puis, un peu de mainstream de temps en temps ne peut pas faire de mal…
‘Enfin un disque live de Dominique A qui ressemble à un best of’ titre le communiqué de presse ; et manifestement, on ne peut démentir. A l’instar de Bénabar ou Miossec, Dominique A possédait et possède toujours le talent pour réussir. Mais il a trop injustement été snobé par le grand public, échouant même au port, lors de l’arrivée de la nouvelle vague de ‘chanson française’. Puisse ses « Forces motrices » l’aider à parvenir (enfin) à prendre de l’envergure…
Après plus de 15 ans de carrière, ponctuée par pas moins de 8 albums studio, on peut affirmer que le Français a déjà bien roulé sa bosse. Il est cependant déjà loin le temps du premier opus minimaliste, « La Fossette ». Et que dire de sa progression sur scène, après avoir assisté à un de ses premiers concerts accordés en Belgique, lors d’une soirée d’étudiants montois, dans une salle pourrie (l’Alhambra pour ne pas la citer). C’était en 1992 !
A l’époque, Dominique A était seul derrière sa boîte à rythmes, devant un parterre de fans (dont votre serviteur) clairsemé, mais dégageait déjà une aura incontestable. C’est qu’il a fait du chemin depuis. Et son dernier opus, « L’horizon », pour lequel il s’est entouré de musiciens aussi talentueux que complices de la vie de tous les jours, en est une nouvelle démonstration. Mais venons-en à ce nouvel album. Il réunit des titres issus de pas moins de quatre concerts enregistrés à la Rochelle, Angoulême et Rosporden. La touche finale (mix et master) a été réalisée dans notre bonne vieille capitale dont il est tombé sous le charme. Autre caractéristique, Dominique A aime placer la barre bien haute. Il a donc préféré attendre que ses musiciens de pointe atteignent la cohérence parfaite pour réaliser son projet. Cette maîtrise se ressent dès le titre d’ouverture « L’Amour», une plage remise au goût du jour. Et se confirme sur « Le Courage des oiseaux », souvent repris, notamment de façon énergique par nos René Binamé. D’ailleurs cette version ‘live’ n’est pas très loin de celle de nos punks belges. L’artiste est exigeant et intègre. Il ajoute d’ailleurs, dans son communiqué, qu’‘une version live doit optimiser ou surpasser la version originale ; et que si un artiste n’a rien à ajouter à un morceau, ce n’est pas la peine de le reprendre sur scène’. Les titres s’enchaînent et les ambiances se déchaînent. Pour « La Peau », la clarinette et le saxo entraînent l’auditeur dans une atmosphère brumeuse, voire ténébreuse, avant de le faire remonter à la surface. L’intonation du chant passe d’un style Gainsbourg sur « Exit » à celui d’un Léo Ferré sur « Marina Tsvetaeva », un inédit tout comme pour « Revoir les choses ». Les aficionados les plus fidèles n’ont donc pas été oubliés, puisque outre ces bonnes surprises, l’elpee recèle quelques raretés dont « Empty white blues » ou « Le Commerce de l’eau ».
L’horizon de Dominique A est donc très large mais aussi profond. Sa musique est toujours un peu mélancolique, pour ne pas dire nostalgique. Mais là où un Miossec finit par nous lasser sur ses amours manqués, son frère de sang n’a pas son pareil pour continuer à capter notre attention. Et l’auditeur ne s’ennuie jamais à l’écoute de ce live, qui peut très bien s’apprécier d’une seule traite. Durant une heure et treize minutes, vous pouvez rester confortablement assis et vous plonger dans l’ambiance de ce live, à acheter les yeux fermés.
Attendus au tournant par les fans et les critiques depuis l’excellent « Set Yourself On Fire », les échappés de Broken Social Scene (oui, encore…), Amy Millan et Torquin Campbell alias Stars, reviennent avec une troisième galette à la hauteur des attentes. Après la douce intro de « The Beginning After The End », le duo nous plonge instantanément dans son univers pittoresque, où le texte est tout aussi substantiel que la mélodie. « In Our Bedroom After The War » captive naturellement et pousse, pour ainsi dire, l’auditeur à abandonner toute activité afin de se concentrer sur la beauté et la richesse des splendides mélopées que sont « The Night Starts Here », « My Favourite Book », « Personal », le titre éponyme ou encore le radicalement obsédant « The Ghost Of Genova Heights ». Un recueil qui aurait pu être parfait si le duo avait omis le trop ‘cardiganesque’ « Bitches in Tokyo » et le geignard « Barricade ». Un faux-pas mineur qui n’entache cependant aucunement l’excellence de ce quatrième recueil. On en oublierait presque l’abominable effort solo d’Amy Millan paru l’an dernier.
A hurler leur mal-être et leur révolte, il y a fort à parier que les membres de Kill The Young souffrent d’être jeunes et attendent plus de reconnaissance malgré le manque flagrant d’expérience. Leurs pères, attentifs aux messages qu’ils distillent à travers les 13 plages, auront certainement un rictus moqueur et laisseront de côté les messages enfantins, prétextant un ‘Il faut que jeunesse se fasse’. Pourtant signés sur un label français (Discograph), les frères Gorman son devenus des stars du rock par la force des choses, l’Angleterre idolâtrant assez vite les jeunes rockeurs nationaux. A l’exercice de ‘l’album du tournant’ (le deuxième), flotte un parfum suranné ; et là où Arctic Monkeys, The Libertines ou The Rakes ont prouvé par la seule force des bras leur statut d’artistes talentueux, le trio finit par lasser tant l’innovation est absente. Tantôt énergiques, tantôt romantiques, ces vilains garçons cachent un cœur d’or. Ils fabriquent en famille les calicots qu’ils afficheront à l’issue d’un combat gagné depuis belle lurette, semblant nous dire : ‘On va tout révolutionner !!’ Ce n’est, à mon avis, pas en gueulant leur incompréhension et en dénigrant le manque de dialogue que l’on attirera le crédit. C’est donc un peu lassé que je parcours des titres comme « Saturday Soldiers », « She’s Got Il All » ou « Dial’s for Saviour ». J’ai même l’impression d’avoir pris un train en retard. Mais je me permets une réflexion issue de mon esprit de trentenaire : affublé d’un nom de groupe pareil et vu leur motivation pour poursuivre leur chemin, ils auront l’air malin et un rien pervers ces vieux-jeunes, dans dix ans (NDR : s’ils tiennent jusque là !) J’espère qu’à leur tour, ils essayeront de comprendre les nouveaux-jeunes qui hurleront notre (et leur) côté vieux jeu.
Le productif label Pias (An Pierlé, Editors, MSTRKRFT,…), recèle quelques valeurs sûres et propose ici en toute confiance, la quatrième expérience studio pour les petits Français du Peuple de l’Herbe : le dénommé « Radio Blood Money ». Ce petit Peuple fait tourner depuis 10 ans (le premier album est paru seulement en 2000) tout ce qu’ils possèdent : platines, revendications, cordes, synthés, trompettes et certainement un nombre non négligeable de têtes et de pétards. Ce dernier opus ne change pas trop des autres, et il faut le dire, n’apporte rien d’extraordinairement innovant. Toujours le même mélange de Hiphop, Jazz, Dub et Jungle qui entre en fusion au fil du débit incessant d’une expression libérale sur la consommation d’idées et de psychotropes. Malgré tout, Psychostick, Spagg, N’Zenzy, Pee, les acteurs, déroulent sur cet album, des beats plus jazzy et laissent un peu en retrait le côté jungle. Ce dernier opère quelques incursions (« History » « Goes, Dopebeats », etc.) et enflamme tout sur son passage. Moment adéquat choisi par JC001, le dernier membre du groupe, pour poser son organe vocal, de ce ton grave et sensuel qui le caractérise, apportant une touche africaine et un groove qui sert de nœud à l’emballage de l’album. Les éternelles intros, piquées à de vieux films ou documentaires, devenus désormais la marque de fabrique du groupe, viennent jalonner comme à leur habitude les 12 plages de manière caustique. On peut considérer « Radio Blood Money » conçu sur un axe qui le partage en 2 parties. La première se rapprochant plus des précédents albums, la deuxième un peu plus introspective tendance electro, conscientisant d’éternels problèmes de société. Même si l’ensemble fait un peu potache et que l’esprit fumiste règne par l’absurde, les revendications et les textes restent crédibles et placent Le Peuple de l’Herbe à la tête d’un mouvement de consommateurs conscients et loin d’être débiles.
Dix huit titres sur la nouvelle compile consacrée à Robert Zimmerman. Evidemment, il est toujours subjectif d’imaginer avoir concocté le meilleur ‘best of’ d’un artiste auteur de plus de 600 titres et d’un peu plus d’une quarantaine d’albums. Fatalement, il y aura toujours un mécontent pour contester cette sélection. Personnellement, j’estime qu’elle tient la route. Bref, celle-ci reprend “Blowin' In The Wind”, “The Times They Are A-Changin'”, “Subterranean Homesick Blues”, “Mr Tambourine Man”, “Like A Rolling Stone”, “Maggie'S Farm”, “Positively 4Th Street”, “Just Like A Woman”, “Rainy Day Women # 12 & 35”, “All Along The Watchtower”, “Lay Lady Lay Knockin' On Heaven'S Door”, “Tangled Up In Blue”, “Hurricane”, “Make You Feel My Lov”, “Things Have Changed”, “Someday Baby” et “Forever Young”.
Un bonus cd propose une version du “Most likely you go your way (and I'll go mine)” de Mark Ronson et la version originale du Zim. Producteur notoire aux Iles Britanniques, Ronson est reputé pour ses remixes de classiques du rock qu’il traduit en hits pour les pistes de danse. Pensez au "Stop Me If You Think You've Heard This One Before" des Smiths. Il a, en outre, bossé en compagnie de Lily Allen et d’Amy Winehouse. C’est la première fois que Dylan autorise un remixe d’une de ses chansons.
Ces deux titres feront l’objet d’un concours à partir du week-end prochain. Des 7inches à gagner. SonyBmg vous offrira donc cinq vinyles reprenant ces deux titres. Une opportunité offerte à nos internautes, à l’occasion de la sortie du ‘Best of’ de cette légende vivante.
http://phobos.apple.com/WebObjects/MZStore.woa/wa/viewAlbum?id=263463251&s=143446
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Youtube:
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