L'affriolante chanteuse californienne nous propose son huitième album. Elle aime les plumes. Et le démontre sur la pochette de l’elpee. La guitare aussi. Ce qui explique pourquoi la diva a reçu le concours d’une bien belle brochette de gratteurs. Candice Louise Kane parvient, en outre, a bien mettre sa voix en évidence dans un univers sonore éclectique, au sein duquel styles et d'atmosphères oscillent entre blues, soul, ballades et rock'n'roll!
L’opus s’ouvre par la cover du "My country man" de Big Maybelle. Une version jump qui bénéficie du concours du maître incontesté du style : Mr Junior Watson. Pour la circonstance, il retrouve son ancien compagnon des Mighty Flyers, Bill Stuve. Et sa contrebasse fait mouche. Dave Alvin est venu apporter son concours à "Back to my old friends". Il y a 25 ans qu’elle connaît le natif de Californie ; avant même que notre activiste féminine ne se mette à chanter. Le charismatique leader des Blasters se réserve la steel guitare et rejoint la slide de Bob Margolin. Cette conjugaison de cordes exhale un savant parfum. Miss Kane à la pêche ! Elle poursuit par "When I put the blues on you", un blues rocker très musclé entretenu par les cordes électriques de Margolin et de la frêle rouquine Sue Foley. La pureté de la voix sied à merveille à "I'm not gonna cry today", une douceur manouche au cours de laquelle Jeff Ross se mue délicatement en Django. Et l’exercice est brillant ! Le "Idone gone over it" de Guitar Slim adopte un profil Chicago blues. Sue Foley est de retour. Et Billy Watson à l'harmonica, également. Malgré la présence d’un éventail impressionnant d'invités, la formation de base a quand même son mot à dire. Elle implique Bill Stuve, dont nous avions déjà parlé, son fils Evan Caleb à la batterie et Heine Andersen à la guitare. Candye chante "Goodbye my heart", une ballade soul signée Caleb. Sa voix est convaincante. Cette plage est caractérisée par la présence de son autre fils, Tommy Yearsley II, à l'orgue Hammond. "I'm my own worst enemy (dedicated to my friends and adversaries on the Blues list)" ne me botte pas trop. A cause de son style Tamla Motown entretenues de chœurs spécifiquement féminins. Le swing marque son retour lors du léger et pétillant "Fine brown frame". Kid Ramos s’y réserve les cordes acoustiques. Quelques mois plus tôt, Candye était encore en tournée européenne. Lors de ce périple, elle en avait profité pour s’enfermer dans un studio d'Amsterdam, en compagnie de la mignonne guitariste slave, Ana Popovic, pour y enregistrer "I'm lucky". Le style est très Popovic. Son solo est parfaitement ciselé et subtilement travaillé. Bob Margolin est producteur. Cet ancien membre du Muddy Waters Band a accompli de l’excellente besogne sur cet elpee. Il est parvenu à mêler subtilement les différents styles, alternant le plus souvent les plages électriques et acoustiques. A propos de cordes non amplifiées "Jesus and Mohammed" est un véritable régal. Bob Brozman et Jack Tempchin s’y révèlent de brillants instrumentistes. Ce dernier avait, notamment, bossé pour les Eagles. Avec bonheur ! Quel plaisir de retrouver sa partenaire des premières années ; en l’occurrence la pianiste Sue Palmer. Elle nous réserve son style boogie woogie tout au long de "Club of the foolish hearts". La nostalgie et une pointe de tristesse dans la voix, Kane chante encore le tendre "We're long ago and far away", une plage caressée par les accords empreints de douceur de la basse acoustique de Stuve et traversée par les cordes inspirées de Margolin. Cet excellent album s’achève par "Crazy little thing". Un rock'n'roll trépidant réminiscent des des fifties. Pour la circonstance, un guitariste de poids soutient la charmante Candye : Sir Popa Chuby…
Depuis que Robert Pollard a décidé de mettre un terme à l’existence de Guided By Voices, en 2004, il n’a pas chômé. Et pourtant, il faut être un fan inconditionnel pour suivre son parcours discographique. Circus Devils est un de ses projets, qu’il avait amorcé en 2001, flanqué des frères Tobias. Et le trio en est déjà à son cinquième album : « Sgt Disco ». Un elpee expérimental découpé en 32 titres qui oscillent entre 35’’ et 4’10. La formation y pastiche autant les artistes -entre autres, Bowie (circa « Outside »), Tom Waits, Humble Pie, Ministry, Todd Rundgren, Terry Riley, Captain Beefheart, le Who (NDR : la voix de Roger Daltrey, surtout), Eyeless In Gaza, Throbbing Gristle et le Genesis de l’Archange Gabriel, une des influences majeures de Pollard- que les styles, et en particulier le grunge, le blues rock, l’électro country, le punk, le métal, la prog, l’indus, la lo-fi (la sienne !) et j’en passe. Mais en y injectant une sensibilité distincte : celle de Pollard, bien sûr. Des titres tour à tour capricieux, avant-gardistes, de mauvaise augure, minimalistes, étranges, torturés, incantatoires, obsessionnels, envoûtants, spectraux ou épiques, mais aussi très souvent complexes. Parfois un peu trop. Mais dans l’univers de plus en plus opportuniste de la pop, il n’en a que plus de mérite.
“On avery island” constitue le tout premier elpee de Neutral Milk Hotel. Il est paru en 1996. En fait à cette époque, cette formation était le projet exclusif de Jeff Mangum ; même si lors des sessions d’enregistrement, il avait reçu la collaboration de Robert Schneider (Apples in Stereo, Marbles), Rick Benjamin de Perry Weissman 3 et Lisa Janssen de Secret Square. Ce n’est qu’après la sortie de cet opus, que N.M.H. est devenu un véritable groupe, concoctant par ailleurs un second et remarquable album intitulé « In the Aeroplane Over the Sea » (réédité par Domino en 2005), deux ans plus tard. « On avery island » ressort aujourd’hui enrichi de deux morceaux qui figuraient sur le single « Everything is », c'est-à-dire le morceau maître et sa flip side « Snow song pt.1 ». Enfin, uniquement dans son édition prévue pour l’Europe, car les membres du combo n’ont toujours pas autorisé l’inclusion de ces bonus tracks. Depuis le début du nouveau millénaire, Mangum s’est plutôt montré discret. On sait qu’il a collaboré à différents projets dont celui de Chris Knox, en Nouvelle-Zélande, monté sur les planches lors d’un concert d’Olivia Tremor Control, en 2005, et que l’an dernier le label Elephant 6 a anticipé l’annonce d’un come-back. Qui ne s’est toujours pas concrétisé. Elephant 6, c’est ce fameux label qui a engendré toute une série de formations barrées qui valent leur pesant d’hallucinations sonores (voir : http://www.elephant6.com/bands.html). On ne va cependant pas trop s’attarder sur cette écurie, mais parler quand même un peu de ce « On avery island », dont le psychédélisme lo-fi (du fuzz folk !) semble manifestement avoir influencé des ensembles comme Arcade Fire, Decemberists, New Pornographers, Of Montreal, Animal Collective et même Wilco. Douze morceaux et deux bonus tracks figurent sur cette plaque : ils sont le fruit de l’imagination débordante et visionnaire de Jeff Mangum. Mélangeant instrumentation acoustique et électrique, N.M.H. y consomme autant la guitare que le xylophone, les cuivres, les cloches, le banjo, les boucles, le violon, l’orgue, le Casio, les enregistreurs à bandes, et j’en passe. Toute une pléiade d’instruments qui sert de fil conducteur à des mélodies sinusoïdales, austères, désespérées, funèbres, spectrales, hypnotiques, dérangées ou tendres, entretenues par la voix énigmatique de Jeff Magnum.
Collectivement ou séparément, les membres de Tuxedomoon sont aujourd’hui responsables d’au moins cent albums. Et on ne compte plus leurs multiples collaborations dans le monde du théâtre, du film, de la danse et de la littérature. Bref, pour fêter leur 30ème anniversaire d’existence, le groupe devait frapper fort. Et il y est parvenu. En décidant de sortir un box en même temps que leur nouvel opus, « Vapour trails ». En édition limitée, cependant. Sous-titré "77o7 tm", il contient 4 disques dont trois audio et un Dvd. C'est-à-dire, leur elpee flambant neuf, un cd contenant des archives non reproduites sur support à ce jour, un cd live enregistré début 2007 et un Dvd de 160 minutes.
« Unearthed: Found Films » est un Dvd découpé en sections distinctes, parmi lesquelles on épinglera « Ghost Sonata », une musique destinée à un opéra sans paroles qui n’a jamais été joué et traduit ici en court-métrage. Toute une série de vidéos ("A Thousand Lives By Pictures"), un documentaire immortalisé en tournée ("Mythical Puzzle") et des expérimentations vidéo live commises fin des seventies, début des eighties ("Jet Wave" and "Colorado Suite") complètent le tableau. Des documents exceptionnels qui démontrent le cheminement incroyable opéré par cette formation mythique. A cet égard, si vous souhaitez un guide pour suivre le fil de leur histoire, je vous invite à lire ou à relire l’interview que Musiczine leur avait consacrée en 2003 (http://www.musiczine.net/fr/index.php?option=com_alphacontent§ion=2&cat=12106&task=view&id=1327&Itemid=36).
« Unearthed: Lost Cords » réunit 15 titres jamais enregistrés à ce jour, dont une majorité de versions démo. Des morceaux commis entre 1977 et 1997, parmi lesquels j’épinglerai le superbe « Atlantis » (NDR : une flip side datant de 85) ainsi que l’insolite et exotique « Brad's Loop ». Mais le reste vaut son pesant de surprises.
« 162o7 (39°N 7°W) » est donc le ‘live’ immortalisé début de cette année. Douze fragments parmi lesquels, on éprouve un immense plaisir à écouter « Luther blisset » et ses cuivres conjugués à la perfection, l’énigmatique « Still small voice », le semi-cabaret « Baron Brown », un « Triptych » plongé dans la musique de chambre contemporaine, le latino, intimiste et douloureux « Muchos colores », le classique « A home away » et en final le punk cérébral « The beast », finalement tellement proche du Wire des débuts.
Mais venons-en enfin au nouvel opus, « Vapour Trails ». Partagé en huit plages, je dois avouer qu’il n’est pas facile à digérer. L’expérimentation y est encore une fois très présente, et plusieurs écoutes sont indispensables avant de commencer à pouvoir s’en imprégner. D’ailleurs, je dois humblement avouer, ne pas encore être parvenu à me familiariser complètement avec la solution sonore de deux ou trois titres. Et en particulier « Dark temple », sorte de mélange improbable entre lounge jazzyfiante et électro-acoustique ténébreuse. « Waddin in to love », également. Presque soul, mais dans l’esprit de Tuxedomoon. Et enfin « Big olive », sorte de fusion jazz/funk/punk. Hanté par les accords sinistres d’un piano bar, il aurait pu relever du répertoire de Pere Ubu. Les cinq autres fragments adoptent un profil plus ‘classique’ tout en demeurant, bien sûr, avant-gardistes. Depuis le filmique et de mauvaise augure « Muchos colores », chanté dans la langue de Cervantes par Blaine Reininger à l’insolite « Epso meth lama », au cours duquel chœurs soviétiques ( ?!?!?) et electro ambient hypnotique (Tangerine Dream ?) baignent dans un climat arabisant enrichi d’un piano bar (NDR : rien que ça !) « Still small voices » épouse cependant un format plus rock, et lorgne manifestement vers le notoire « Heroes » de Bowie, alors que cuivré à la manière de Miles Davis, « Kubrick » trempe dans une sorte de post rock contemplatif et cauchemardesque. Reste donc « Dizzy » dont la boîte à rythmes torrentueux tapisse un univers sonore né d’une fusion entre le jazz, le rock et le psychédélisme. Toute une analyse qu’il est nécessaire de placer dans un contexte propre à Tuxedomoon. C'est-à-dire de musique intemporelle.
Bref, pour tout aficionado de Tuxedomoon, ce box est indispensable à sa collection.
On aime bien Two-Star Hotel. Paru deux ans plus tôt, leur premier album de ‘plastic avant-rock’ épileptique laissait augurer le meilleur pour la suite de leurs aventures. Hélas, « Sweat & Glitter » déçoit quelque peu. L’approche s’est faite plus pop que sur le disque précédent mais la production manque d’audace et le son est beaucoup trop gentil pour un groupe capable de se frotter au meilleur du rock’n’roll en concert. On sent que l’influence est proche de Devo et The Hives, mais les Liégeois n’arrivent pas à égaler leurs illustres modèles. La faute à un accent disgracieux au chant ; mais également au manque de radicalisme du mixage et de la prise de son. « Waking in Line » en est probablement la plus belle illustration. Cette petite tuerie en ‘live’ a perdu son charme après traitement au laser. Et le reste du disque souffre du même syndrome. Pas mal de bonnes idées sont ainsi gâchées par un conditionnement sonore un peu trop chirurgical et antiseptique.
'Du huitième album de la joyeuse troupe galloise des Super Furry Animals, on est assez triste d’émettre la constatation suivante : ni mauvais ni vraiment bon'. C’est ce que soulignait la chronique d’un de nos confrères des Inrocks. Et je partage entièrement ce point de vue. « Hey Venus! » manque manifestement de culot. Enfin, celui dont on aurait pu rêver. Super Furry Animals a beau être un excellent groupe de scène, on a l’impression que leurs compositions sont constamment issues du même moule. Pourtant, les premières chansons de « Hey Venus! » trempent dans une pop savoureuse ; et notamment « Show Your Hand », fragment qui aurait pu relever d’un elpee d’Harry Nilsson. Malheureusement, on reste assez vite sur sa faim. Les plages suivantes ne parviennent jamais à décoller, même si le thème principal de l’œuvre tient bien la route. Et sert de ligne de conduite. Il dépeint le parcours d’une jeune femme qui imagine changer son destin, en quittant la campagne pour la capitale ; cependant, son aventure n’est pas aussi idyllique qu’elle aurait espéré… On flashera quand même sur le remarquable artwork, dont le combo est coutumier ; mais c’est largement insuffisant pour changer la donne. Pour votre info, il a été réalisé par l’artiste japonais Keiichi Tanaami. On ne peut qu’espérer une revanche digne de leur prestigieux passé. A l’instar de « Rings Around the World », qui avait marqué le début du nouveau millénaire, de son empreinte.
Le nouvel album de Shivaree « Tainted Love : Mating calls and fight songs » aligne onze reprises de compos partageant un même thème : les blessures de l’amour. La chanteuse de Virginie a adapté ici des chansons d’artistes aussi divers et variés que Chuck Berry (« I wanna be your driver »), R.Kelly (« Half on a Baby ») ou encore Gary Glitter (« Hello Hello I’m back again ») et même Michael Jackson (« Don’t Stop Till You Get Enough »). En outre, Benjamin Biolay a participé à la production de quelques morceaux. Ambrosia Parkley nous pond ici un album parenthèse plutôt fade, dont on ne comprend pas l’utilité. Quand on sait que la belle a accouché de chefs d’œuvre aussi intemporels que « Goodnight Moon » (NDR : final de la compile « Kill Bill 2 »), on ne comprend pas comment elle a pu se fourvoyer dans une telle entreprise ? On pourrait faire preuve d’indulgence car l’album a été conçu pendant la grossesse de la chanteuse. Impossible de dire s’il y a une corrélation entre l’un et l’autre mais le résultat est en tout cas une grosse déception.
Le trentième anniversaire du King n'en finit pas d'être célébré. Ce projet ambitieux bénéficie d’une luxueuse présentation sous la forme d’une solide pochette cartonnée. L’opus offre, en outre, une partie audio, une partie vidéo et enfin un livret de 80 pages.
Le volet audio a été enregistré au sein des légendaires studios Sun, à Memphis. Dix plages. Des enregistrements remontant aux débuts d'Elvis, c'est-à-dire entre 1954 et 55. C'est "That's alright Mama", le tout premier single sorti en juillet 54, qui amorce les hostilités. Sa flip side, "Blue moon of Kentucky" embraie et ouvre la voie à "Good rickin' tonight" et "I don't care if the sun don't shine", sortis à peine deux mois plus tard. Puis à "Milkcow blue boogie" et "You're a heartbeaker", parus en janvier 55, "Baby let's play house" et "I'm left you're right, she's gone", en avril 55; et enfin le fabuleux "Mystery train" et "I forgot to remember to forget", en août 55. Ce sont bien les cinq premiers 45 tours commis au cours de la première année de carrière du King qui sont ici réunis. Le début d’un fabuleux parcours. Huit autres titres ont été immortalisés ‘live’ en 1956. Lors de célèbres shows : l’Ed Sullivan, le Milton Berle et le Steve Allen. Des classiques. Et notamment "Don't be cruel", "Hound dog", "Ready Teddy", "Heartbreak hotel" et "Blue suede shoes". Des rock'n'roll légendaires. Mais déjà des plages empreintes de tendresse qui cristalliseront, plus tard, le succès éternel d'Elvis, à l’instar de "Love me tender'" ou de "Love me", soutenu par les chœurs des Jordanaires.
Pour la partie vidéo, on y retrouve six plages tirées de l'Ed Sullivan Show en 1957 et d'un concert de 56, au cours duquel il interprète notamment "Money honey", "Shake, rattle & roll" et "Tutti Frutti". Il nous reste encore le livret, format CD, dont les 80 pages retracent la biographie d'Elvis. Le tout illustré par de superbes et nombreuses photographies en couleur (NDR : et de qualité, je le répète !). Depuis cet été 1953, lorsque le jeune rocker, âgé alors de 18 ans à peine, fait son entrée dans les studios Sun, sur l'Union Avenue à Memphis, jusqu'à cette sombre matinée du 16 août 1977, lorsque cette légende nous quittait pour toujours. Un témoignage de grande qualité.
Cette formation est originaire du nord-est de l'Angleterre. Au fil du temps, elle est devenue la plus prestigieuse en matière de blues. Outre-Manche, bien sûr. Paul Lamb est un harmoniciste remarquable. Largement inspiré par Sonny Terry il a débuté chez Smokestack Lightning, en 1979. Le patronyme s’est transformé en Barfly puis en Blues Burglars, un combo responsable d’un elpee en 1986, "Breaking in", paru chez Red Lightnin. A cette époque il avait d’ailleurs effectué ses premiers pas en Belgique. Au Banana Peel, très exactement. Le patronyme va ensuite encore transiter du Paul Lamb Blues Band au Paul Lamb & the Kingsnakes. Sous cette dernière formule, le collectif signera son premier opus éponyme. En 1990. Sur le label Blue Horizon ressuscité pour la circonstance. Un disque suivi, en 92, par "Shifting into gear", édité sur le label belge Tight & Juicy (NDR : hello Jeroen!)
Près de dix albums plus tard, Paul Lamb & The King Snakes propose un enregistrement opéré live en septembre 2006. Au Tivoli Theatre. A Wimborme, dans le Dorset. Le dernier opus était sorti également, il y a moins de cinq ans. C’était également un disque immortalisé en public : "Live at the 100 Club". Mais depuis, les changements de personnel ont été déterminants. Chad Strenz est revenu au bercail. Et c'est un réel bonheur ! Le chanteur des Kingsnakes a sévi à l'époque glorieuse du groupe. C’est à dire entre 1991 et 1999. Fidèle compagnon des premières années à la guitare, John Whitehill a été remplacé aux cordes par le jeune espagnol Raul de Pedro Marinero. Il était déjà impliqué sur le dernier opus studio, "I'm on a roll" ; un elpee paru en 2005, chez United Producers. La section rythmique est constituée de vétérans du british blues : Rod Demick à la basse et Sonny Below aux drums. En y ajoutant Ryan Lamb, le fils de Paul à la guitare, pour une partie du concert, il ne nous reste plus qu’à laisser la formation monter sur les planches du Tivoli Theatre.
Le répertoire est partagé entre solides compos de Paul (dont trois issues de l'album précédent) et canons du blues signés par ses maîtres. Dès l’entame, Paul attaque son "Crazy for me", un titre rompu aux tournées. Imprimé sur un Bo Diddley beat, il s’adapte parfaitement aux changements de rythme. Le timbre vocal de Chad est idéal pour accompagner Lamb et Raul, un gratteur original et créatif. "Money world" est un swamp blues particulièrement apprécié par la bande à Lamb. Les lyrics y sont personnalisés. Ecrits par Paul, il stigmatise ce ‘monde de l'argent’ privilégié par Tony Blair. Il y signe son premier solo de bravoure. Ces deux plages figuraient sur l'album "Take your time and get it right", un disque sorti en 2000. Lamb et Strenz signent "Adopted child". Tout au long de ce blues lent, Paul est passé à l'instrument chromatique. Il y excelle à la manière d'un certain William Clarke. Bouleversant dès l’introduction, Chad se révèle divin au chant. Des flots de sensibilité inondent les notes dispensées par Raul de Pedro. Les rythmes exotiques des îles de l'Atlantique envahissent le "Far far away" de Chad Strenz. Et en particulier le cha cha cha, dont s’inspire le très latino Raul. Paul annonce l'arrivée de son fils Ryan. Préposé à la guitare, il participe à la suite du concert. Paul attaque une cover du notoire "Things I used to do" de Guitar Slim. Le soldat Ryan y exécute déjà une brillante sortie. "Sweet sweet woman" est imprimé sur tempo enlevé. Paul commence à dispenser ses ‘whoopee’ rituels et se lance dans un divertissement d'harmo auquel le public participe largement. Lamb adore Sonny Terry. C'est avec une pointe d'émotion qu'il se rappelle leur rencontre dans les années 70. Il lui rend un vibrant hommage sur le "You better mind" de Terry et McGhee, un country blues rarement adapté aujourd’hui. C'est à souligner. Il poursuit par une reprise du "Easy Rider" de Ma Rainey et Leadbelly. La machine est parfaitement huilée. Elle peut baliser la fin du set lors de la énième version du standard de Muddy Waters, "Got my mojo workin". Le combo y manifeste une cohésion irréprochable. "Mr Lanb's jump" permet de présenter une dernière fois les acteurs au public. Lors du rappel, Paul et Chad se partagent un duo. Au chant, à la guitare et à l’harmo lors de l’interprétation du célèbre "I got a woman" de Ray Charles. Après avoir dressé les oreilles, je vous invite à ouvrir les yeux afin de poser le regard sur un nouveau Dvd consacré à Paul Lamb, édité sur le même label allemand, et intitulé "A journey through the blues … with an harmonica".
A l’énoncé de son nom, peu de sourcils se lèvent. Roisin Murphy, c’est qui ça ? Non connais pas… s’entend-t-on souvent répondre. Même sa photo peut laisser perplexe, tant l’ange blonde est loin de l’image qu’elle transmet artistiquement. C’est au niveau des cordes vocales que se place la meilleure de ses cartes de visite. Mais oui, je connais cette voix. Ben tiens, c’est la voix de Moloko… ah ouaiiiiss…
Débutante du travail en solo, c’est déjà le deuxième opus que l’artiste vient nous proposer, « Ruby Blue » constituant sa première expérience en solitaire, après s’être séparée du groupe Moloko. Il était paru en 2005. « Overpowered », son deuxième enfant, vient flinguer les dance floor, en baladant ses beats clubbing à gogo. Et c’est là la grosse différence entre les deux albums. Deux ans de travail, de recherche, et Roisin se détache à la javel, de l’esprit jazz trip hop de « Rudy Blue » pour enflammer les soirées paillettes et boules à facettes. C’est lors de son retour à Sheffield que la transformation s’est apparemment opérée. S’imprégnant d’écoutes de morceaux disco, et sous les bons conseils de son ami Parrot que Roisin entre en studio en compagnie d’inconnus dont elle apprend au fil des enregistrements à tisser les liens qui donneront naissance à « Overpowered ». Sur une base electro, les influences 80’s semblent charger chaque morceau afin de lui inoculer son cachet et son âme.
D’entrée de jeu, la chanteuse pose fièrement sa voix sur le titre maître. Un beat bien entraînant est soulevé par des effets électro, mixés eux-mêmes sur du son purement disco. La sauce prend directement. Elle prend tellement bien, qu’au fil des treize morceaux, la qualité baisse et on recherche vainement le boost du début d’album. De tempos entraînants, on frôle la dance cheap, voire même la house de grandes surfaces. Même si la voix de Roisin vient à la rescousse pour essayer de sublimer l’instant, le résultat est loin d’être probant. On aurait préféré une courbe ascendante capable de nous conduire vers le bout de la nuit, sans nous en rendre compte. Mais malheureusement, l’énorme flamme du début perd de la prestance et finit même par pratiquement s’éteindre sur la fin. L’oeuvre reste malgré tout très sympathique dans son ensemble, et devrait facilement et idéalement servir de fond sonore pour une soirée un peu ‘punchy’ entre amis.
La folk lo-fi vient de se dénicher une nouvelle déesse. A peine âgée de 23 ans, Alela Diane n’a rien à envier à ses grandes sœurs. Armée d’une guitare, de sa voix et d’occasionnels banjos et autres chœurs, elle propose sur son premier essai treize morceaux dépouillés, d’une beauté à tomber par terre. La mélancolie des vocalises de la demoiselle, la simplicité des mélodies ainsi que l’obscurité et la richesse des textes prennent aux tripes dès « Tired Feet », plage d’ouverture qui annonce instantanément un grand disque. « The Rifle » et le splendide morceau éponyme assurent ensuite la relève pour nous noyer dans un désespoir presque jubilatoire. Celui-ci n’aura d’ailleurs de répit que grâce aux notes allègres du magnifique « Pieces Of String », où l’espoir prend vie sous la forme d’une chorale d’enfants. Plongé dans une exquise torpeur, on se laissera aller à frissonner sur la moindre note des exquis « Something’s Gone Awry », « Sister Self » et les poignants « Can You Blame The Sky ? », « Heavy Walls » et « Oh! My Mama ». Jamais la mélancolie n’aura été aussi attirante. « The Pirate’s Gospel » est définitivement l’un des essentiels de 2007.
Les frères White avaient surtout privilégié, au cours des dernières années, leur side project, The Brakes. Ces Britanniques (Brighton) viennent de réactiver leur véritable groupe : The Electric Soft Parade. En concoctant tour d’abord un troisième album, "No need to be Downhearted", paru en avril dernier. Et puis en partant en tournée. Leur périple passait par le Botanique de Bruxelles. Malheureusement, c'est dans les caves du Bota que leur set s’est déroulé. Le climat intimiste de leur musique aurait mérité la belle Rotonde, mais cette dernière était déjà occupée par nos compatriotes du collectif ‘Massacrés belge’. Aussi, c'est balayé par les courants d'air venant du bar et parmi les fauteuils rouge et feutrés et que le spectacle s’est déroulé.
La première partie est assurée par un étrange bonhomme. Son look androgyne me fait penser au chanteur de Simply Red, Mick Hucknall. Encore qu’il porte un chignon pas possible. Sa voix est puissante et surprenante. Il est accompagné par une bande son produite par un laptop. Son ami, à l’allure tout aussi équivoque, le rejoint un peu plus tard pour rendre un hommage à James Bond en interprétant le célèbre « Gold Finger »…
Paru en 2003, le deuxième opus d’Electric Soft Parade (« The American Adventure ») n'avait pas confirmé le succès du premier (« Holes in the wall »), un elpee sorti en 2002. De bonne facture, le troisième baigne dans une sorte de psychédélisme soft. Il était donc intéressant de voir et surtout d’entendre le résultat de la transposition live. Alternant climats empreints de quiétude et compos plus enlevées, le groupe accomplit une prestation sans faille, mais également sans éclat. Ni fièvre, d’ailleurs. Et le public plutôt cool semble écouter la prestation d’une oreille distraite. Certains n’écoutent même parfois plus rien du tout, préférant tailler une bavette avec le voisin. Faut dire que côté communication le groupe se montre très réservé. Très poli, également. A l’instar de la musique. Petits mouvements de têtes repérés dans le public lors de "Start Again" ou "Silent to the Dark" ; mais manifestement les spectateurs auraient espéré davantage de punch de la part de la formation. Et la formation aurait sans doute souhaité davantage de réaction de la part du public. Bref, l’un ne va pas sans l’autre. Mais manifestement, ça ne bouge pas autant que chez le projet alternatif de Thomas et Alex White…
(Organisation Botanique)
Tiens, c’est curieux, cette formation n’est pas insulaire, mais yankee. De Californie, plus exactement. Et nous vient du côté de San Francisco/Los Angeles, pour être plus précis. En outre, elle est née en 1998, pas au milieu des eighties. Pourquoi ces réflexions ? Parce que Film School pratique une noisy pop réminiscente de Slowdive, Pale Saints, Jesus & Mary Chain, Ride et surtout de My Bloody Valentine. Colm O’ Coisog, le drummer de la mythique formation dublinoise est d’ailleurs venu leur filer un coup de main, sur le titre final, « What I meant to say », une plage croustillante imprimée sur un tempo new wave. Bien sûr, Swerverdriver militait dans ce style musical, mais c’était en quelque sorte l’exception qui confirmait la règle.
Film School, c’est avant tout Greg Bertens. Chanteur/guitariste/compositeur, il a décidé d’élargir son projet à un groupe lors de la confection de son premier elpee, « A brillant career ». C’était en 2001. Depuis, le line up a subi de multiples modifications, enregistrant ainsi l’arrivée de la talentueuse bassiste/vocaliste Lorelei Plotczyk (dont les interventions aux quatre cordes sont riches et mélodiques) et enregistré quelques Eps, singles et deux albums : un éponyme et ce « Hideout ». Treize plages partagées entre trois brefs interludes instrumentaux et dix compos qui font la part belle à la noisy pop. C'est-à-dire une musique atmosphérique, traversée d’harmonies vocales limpides, éthérées, diaphanes, et sublimées par les cordes de guitares bruitistes et mélodiques à la fois. Des paysages atmosphériques ténébreux, délicats, parfois enrichis d’arrangements somptueux, comme chez And Also The Trees (« Lectric », « Florida ») à moins que ce ne soit dans l’esprit de Cure (les guitares discordantes et le synthé nébuleux de « Two kinds »). Des paysages empreints d’intensité, de charme et d’esthétisme qui devraient faire le bonheur de tous les shoegazers, dont les batteries doivent être à plat depuis que ce type d’électricité se fait plus rare…
Derrière ses airs de petite fille sage, Annie Clark, alias St. Vincent, est une conquérante. Non contente d’avoir accompli ses premiers pas dans le monde du show-business au sein des Polyphonic Spree ou encore auprès de Sufjan Stevens et du compositeur avant-gardiste Glenn Branca, elle propose un premier ouvrage plutôt insolite. Peu accessible, « Marry Me » est un brouillon réfléchi. Dotée d’une voix sans pareil -on aime ou on déteste, sans demi-mesure, Annie Clark aligne onze compositions aussi variées que déconcertantes, revendiquant une certaine liberté artistique. La jeune femme refuse donc toute limite et s’obstine à briser les barrières au sein desquelles la musique folk s’est enfermée ces dernières années, créant ainsi un univers authentique, voire un genre à elle seule. Une bien belle initiative. Malheureusement, sa créativité sans bornes tend aussi bien vers le sublime (« Paris Is Burning ») que l’insupportable (« Your Lips Are Red », « The Apocalypse Song »). Dès lors, les efforts de St. Vincent pour sortir des sentiers battus tombent un peu à plat et à « Marry Me », sa charmante proposition, on se voit tristement contraint de répondre ‘je passe mon tour’…
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