Triste constat. The Mountain Goats, l’œuvre du fertile John Darnielle nous revient presque deux ans après « Get Lonely », délivrant un « Heretic Pride » qui peine à convaincre. Celui que l’on pensait inépuisable semble être arrivé au bout de ses ressources.
Pourtant coproduit par l’ingénieux John Vanderslice, ce nouveau recueil laisse transparaître un Darnielle soucieux de vivre avec son temps, négligeant l’introspection de « Get lonely » au profit d’un mid-tempo peu engageant. Les vocalises de l’interprète sont plus nasillardes que jamais. Dès ses premières notes, cet « Heretic Pride » s’essouffle. Dans ces conditions, impossible d’apprécier des morceaux tels que les irritants « Sax Rohmer #1 », « Lovecraft In Brooklyn » ou encore le titre éponyme.
Sauvé de justesse par des compos plus spontanées, comme « Tianchi Lake » et « In The Craters On the Moon », « Heretic Pride » semble néanmoins l’œuvre la plus dispensable de la discographie de Darnielle et ses Mountain Goats. Le responsable de pas moins de seize disques, albums et EP confondus, nous avait pourtant habitués à mieux. Dommage…
Issu du cerveau, perpétuellement en ébullition de Damon Albarn, le projet Gorillaz a vu le jour en 1997. Bénéficiant de la collaboration de Jamie Hewlett, Cass Browne, Simon Tong et Niho Hatori entre autres, il met en place un groupe virtuel que l’on ne présente plus. Quand un ogre à l’appétit féroce comme Albarn et à qui Midas à transmis son don, décide de frapper fort, il vaut mieux se mettre à l’aise pour prendre les claques inévitables susceptibles de tomber. Après avoir commis « Gorillaz » en 2001, « G-Sides » en 2002, « Demon Days » en 2005, cette tribu d’allumés nous propose, « D-Sides », son dernier elpee. Un double ! En principe, ce serait le dernier concocté par la formation, sous son concept actuel. Je dis bien, en principe ; car rien chez ces lascars, rien n’est à prendre au sérieux, tant le ‘groupe fantôme’ se complait à apparaître et disparaître à sa guise. Les membres du combo auraient déclaré récemment, que Gorillaz allait muter et proposer quelque chose de neuf et de détonant. Personnellement, je pensais que c’était déjà le cas. A vrai dire, je me suis gouré fortement.
Sans être condescendant, « D-Sides » est purement génial. Il collige des morceaux pas encore exploités, destinés aux flip sides (mais qui méritent manifestement de figurer sur la face opposée) et des remixes inédits sulfureux. Le box est scindé en deux galettes distinctes. La première de ces sucreries aligne des morceaux inédits comme « 68 State » (sorti uniquement sur la version Japonaise de « Demon Days »), « Highway », « Rock It »,… En tout, 13 plages savoureuses dessinant, sans surprise, un arc en ciel reflété directement par les enceintes. C’est après avoir effectué un incroyable plein d’énergie incroyable, que le deuxième cd est placé dans le lecteur. Et –oooh pas de surprise– un coup de maillet fini de nous achever en deux temps, trois mouvement. Epinglant 9 remixes, dont le « Feel Good Inc » opéré par Stanton Warriors, « Dare » repris deux fois, la première par DFA, la deuxième par Soulwax, « Kids With Guns » par Hot Chip, « El Montana » par Metronomy,… on ne résiste pas longtemps avant de succomber sous l’émotion. Il serait idiot d’attendre la fin de cette chronique pour vous décider à vous ruer chez votre disquaire, afin d’acquérir cet album indispensable à votre collection. Pour ma part, ‘respect’ est le seul mot que j’arrive encore à prononcer après son écoute.
Tout comme Autechre, Chris Clark, a toujours illuminé de son doigté magique le label londonien Warp. Autre point commun, Chris Clark, devenu Clark depuis « Body Riddle », cultive, comme ses compatriotes de la péninsule anglaise, cette obsédante manie de vouloir scruter les horizons les plus étranges et les plus dérangeants de l’univers électronique. Depuis son exil sur les terres berlinoises, Clark ne cesse de fouiller les sonorités typiquement germaniques, minimalistes, froides mais surtout techniques. Valeur sûre et montante de la scène électro, Clark est un des rares producteurs à pouvoir concentrer un tel déluge de sonorités afin de créer une atmosphère glauque et malsaine.
Son quatrième opus, « Turning Dragon », nous projette dans une nouvelle dimension, une dimension susceptible de révolutionner les dancefloors. Et ici, pas question de se planter, car la danse s’opère sur le fil du rasoir, et la moindre chute risque d’être fatale. Il faut des nerfs solides et un corps résistant pour pouvoir aborder ce dragon qui n’attend qu’une seule chose, vous cracher ses flammes brûlantes à la face. Et des titres tels que « New Year Storm », « Volcan Veins » ou encore « Penultimate Persian », en sont les plus belles illustrations. Mais pour affronter ce véritable cauchemar électronique, il faut avoir l’esprit libre de toute pensée obscure, car le climat entretenu tout au long de cet opus est sombre, blafard, pathétique. Clark pousse même le machiavélisme à communiquer une sensation de tension et d’agressivité mentale. Le son schizophrénique de l’Anglais Chris Clark est même susceptible de créer la dépendance, jusqu’à vous en rendre malade. Dangereux, ce « Turning Dragon » entretient la confusion des cerveaux et vous pénètre jusqu’au plus profond de votre conscience. (NDLR : Au secours !)
Après « L’amour parfait » et « Menteur », Bruno Caliciuri revient avec un « Espoir » fidèle à ses premiers travaux. Entouré de Scott Colburn (responsable du dernier opus d’Arcade Fire) et Mathias Malzieu (Dionysos) à la production, Cali conte une nouvelle fois ses mésaventures amoureuses (« Paola », « Sophie Calle n°108 ») et énumère ses déceptions politiques (« Resistance », « Pas la guerre ») aux travers de textes riches, parfois piquants (« Je me sens belle »), parfois touchants (« Giuseppe et Maria »).
Bien qu’il soit fidèle à ses travaux précédents, Cali perd néanmoins quelque peu de son authenticité, la patte des deux producteurs se révélant extrêmement perceptible sur certains titres. Ainsi, « Je ne te reconnais plus », bidouillé par Mathias Malzieu et fredonné en compagnie d’Olivia Ruiz, première dame de ce dernier, aurait aisément pu être tiré de la discographie de Dionysos. Il en va de même pour « 1 000 cœurs debout », réalisé par Colburn et résonnant comme un artéfact du « Neon Bible » d’Arcade Fire. Hormis ces faux-pas qui n’en sont pas réellement, la formule étant efficiente, « L’espoir » de Cali est, en bref, un exercice certes attendu mais également captivant et sincère.
Il est de ces rares disques qui suscitent une adhésion sans faille. « The Mandé Variations », du génie malien Toumani Diabaté, mérite de plein droit l’accession à ce club très restreint. Le nouveau disque du maître de la kora délaisse l’exubérance du Symmetric Orchestra et se concentre sur l’intériorité et la méditation. Huit très longues plages semi-improvisées où la kora de l’homme emplit magnifiquement l’espace ; des notes très basses aux aiguës cristallines, l’instrument légendaire de l’empire mandingue produit des sonorités étonnantes qui l’apparentent à un orchestre symphonique. On passe de la pure mélodie de « Elyne Road » (nouvelle version de « Djarabi ») à des improvisations (« Si Naani ») qui rappellent la musique classique mais aussi le jazz de Yusuf Lateef et John Coltrane, les bouffées d’angoisse en moins. Le très beau « Ali Farka Toure » rend hommage à son compère guitariste décédé l’an passé. Rappelons que les deux Maliens avaient déjà touché les étoiles sur « In The Heart Of The Moon », pur moment de grâce atteint il y a quelques années. « The mandé Variations » en est la suite spirituelle et on n’hésitera pas à la qualifier de chef-d’œuvre.
« Hold On Now, Youngster… » était attendu comme le messie par les critiques, les bloggeurs et autres accrocs de MySpace. Les campagnards gallois se sont donc hâtés à l’écriture de leur premier recueil, tout en gardant la ligne de conduite adoptée sur leur EP « Sticking Fingers Into Sockets ». Une sage décision qui permet aux singles « Don’t Tell Me To Do The Math(s) » et l’entêtant « You! Me! Dancing! » de côtoyer 10 nouveaux morceaux tout aussi respectables et à la hauteur de ce qu’on attendait des sept Campesinos.
« Hold On Now, Youngster… » s’ouvre sur les enthousiasmants « Death To Los Campesinos! » et « Broken Heartbeats Sound Like Breakbeats », évoquant un mariage impromptu entre les vocalises hermaphrodites d’Architecture In Helsinki et les instrumentations les plus surexcitées d’Arcade Fire. Los Campesinos! envoient ensuite une série de ritournelles du même acabit, dont un « My Year In Lists » bref mais efficace, un « We Are All Accelerated Readers » dévoilant la facette plus posée et réfléchie de la formation ainsi qu’un « Sweet Dreams, Sweet Cheeks » euphorisant.
L’ensemble forme une galette jouissive qui devrait immanquablement se traduire par un interminable échange de bonne humeur entre la foule et le septuor, lors des festivals de cet été. Reste à voir si l’on se souviendra encore de ces bons moments d’ici quelques mois.
Pour enregistrer leur troisième opus, Rogue Wave a reçu le concours d’une bonne trentaine de collaborateurs, dont le producteur Roger Moutenot (Yo La Tengo, Sleater Kinney, Elvis Costello), le chanteur/guitariste/compositeur Matthew Caws ainsi que John Vanderslice. Ces deux derniers ont ainsi beaucoup participé à la confection des harmonies vocales, parfois dignes de Crosby, Stills, Nash & Young, voire de Simon & Gardfunkel, même si le timbre et les inflexions de Zach, le leader, évoquent régulièrement ceux de Robert Pollard (Guided By Voices). Une constatation que partage Gram LeBron, guitariste et claviériste du combo, à l’issue d’une interview, qu’il nous a accordée tout récemment (NDR : voir rubrique ad hoc).
Une chose est sûre, les 12 compos de cet opus ne manquent pas de charme. Sculptées dans la pop contagieuse, elles peuvent même lorgner vers les Fab Four (cette patin de drums et la tonalité de guitare sur « Lullaby » ainsi que « Cheaper than therapy » !) et même Big Country (l’hymnique « Fantasies » caractérisé par une guitare-cornemuse !). Plus étrange, « Phonytown » emprunte le rythme syncopé du Clash avant de s’élever dans les strates du Floyd circa « Dark side of the moon ». Les claviers sont légion, mais n’étouffent jamais l’espace sonore. Un dosage parfait qui leur permet même de flirter circonstanciellement avec l’électronique. Et en particulier sur « Like I needed », hanté par Todd Rundgren, à moins que ce ne soit par New Muzik. Bref, un chouette album dont les lyrics traitent aussi bien du suicide que d’écologie ; mais surtout des sentiments profonds éprouvés par la formation : leurs espoirs, leurs craintes, leurs succès, leurs tragédies, leurs moments de tristesse et de joie…
Le deuxième opus du trio anversois Triggerfinger est un véritable plaisir pour les oreilles. Pas de prise de tête, mais 8 compos qui vous donnent envie de taper du pied (NDR : à moins que vous ne préfériez secouer la tête) et dont les mélodies sont terriblement contagieuses. Exceptions qui confirment la règle : la reprise du « No teasin’ around » de Billy ‘The Kid’ Emerson. Un morceau que Ruben interprète seul. En finale. Il la chante en s’accompagnant à la guitare. Et puis les 7’40 de « Lines » Un slow blues comme on n’en entend plus guère aujourd’hui. Leur « Since I’ve been loving you », si vous préférez. Parce que l’influence du Led Zeppelin est bien présente sur plusieurs morceaux. « Scream » (ce bottleneck, ces soli de guitare et ce final apocalyptique !) et l’échevelé morceau maître notamment. Et puis, celle du ZZ Top, également. Comme sur le boogie « Is it ». Plus curieux, le refrain de « Short terms memory love », me rappelle quelque part « Ebony eyes » de Bob Welch (NDR : un ex Fleetwood Mac »), et sur l’une ou l’autre plage on y relève également des traces de Screaming Trees voire de Tea Party, même si le groupe s’en défend. D’ailleurs, si vous souhaitez en savoir davantage sur Triggerfinger, je vous invite à lire l’interview que Monsieur Paul et Ruben Block ont accordée à Musiczine, il y a une quinzaine de jours.
En concert :
Le 18 avril à Ath, dans le cadre du Ath Rock 2009.
Cette compile est consacrée aux dix premières années d’existence d’Eels. Enfin, la quintessence de son œuvre réalisée entre 1996 et 2006. C'est-à-dire sélectionnée parmi ses six albums. Tous les hits sont bien présents, mais aussi les compos les plus incontournables. Vingt-quatre en tout. « Novocaine for the soul », « Last stop : This town », « Mr. E’s beautiful blues”, “Flyswatter”, le bouleversant « I like birds », “It’s a morher#|!@r”, etc. Le tout enrichi par la cover du “Ger ur freak on” de Missy Elliot” et le remix de “Climbing to the moon”, opéré par Jon Brion.
L’opus recèle également un Dvd réunissant dix clips on ne peut plus classiques, dont le « Cancer for the cure », non inclus sur la partie audio, et un enregistrement live de « Dirty girl » opéré au Town Hall de New York, en compagnie d’un quatuor à cordes.
Bref, un recueil qu’on conseillera surtout à toutes celles et tous ceux qui souhaitent découvrir le talent de l’auteur/compositeur/interprète et multi-instrumentiste Mark Olivier Everett alias « E ». Un deuxième volume intitulé « Eels Useless Trinkets : Bsides, soundtracks, rarities and Unreleased 1996-2006 » devrait suivre. Il épinglera inévitablement des raretés et des flips side et puis un Dvd partagé en six clips immortalisés lors du festival Lollapalooza, en 2006. A suivre donc. Il serait peut-être aussi judicieux, qu’un jour, un label se penche sur la période pré-Eels d’Everett. En l’occurrence ses deux elpees parus en 1992 et 1993, « A man called (E) » et « Broken toy shop ». Histoire de mieux comprendre le parcours de ce talentueux artiste, qui n’a pas été épargné par les épreuves de la vie ; épreuves dont il s’est cependant servi comme inspiration…
Quartet allemand, Velvetone est réputé pour son roots rock, une solution sonore née d’un cocktail de rockabilly, de soul, de R&B et de country. A leurs débuts, ils s’inspiraient de Robert Gordon, Link Wray et les Paladins. Leur premier album remonte à 1998. Intitulé "Vari-O-Sonic", il était paru chez « One Million Dollar Records ». Edité en 2001, "Dark blossom" marque leurs débuts sur Crosscut, un elpee suivi par "Switchback ride", en 2004. Le line up réunit Ray Devaryo au chant, Tammo Luërs aux guitares et à l’orgue Farfisa, Andy Merck à la basse et Steff Ulrich aux drums. Un invité : le pianiste Edwin Hettinger.
Le groupe opère son entrée en douceur par "Desperate heart". On imagine presque être en présence du Roxy Music de la bonne époque. Sans saxophone, ni synthés, mais Devaryo aurait bien revêtu son costume de Brian Ferry. Il est un rien plus paresseux, mais s’appuie parfaitement sur la riche panoplie de cordes de Mr Lüers. Tempéré, "The kooler " est caractérisé par une rythmique hypnotique appuyée par les cordes de Tammo. La musique baigne dans un climat captivant. On a envie de remuer, de danser. Tammo joue de la lap steel sur "Lil' bad thing". Il apporte des accents métalliques à ce pur rockabilly. "It ain't right" évolue dans le même créneau. "Hot rod killer" lorgne même vers les Stray Cats, tout en prenant soin de conserver cette spécificité qui n’appartient qu'à l'univers de Velvetone. De son orgue, Tammo inocule des sonorités surannées à "Mighty hand". Le rythme galope, alors que la voix de Ray reste imperturbable, se confinant dans son registre, tout en canalisant l'atmosphère Velvetone. Adoptant un tempo plus syncopé, "Smuggle" se rapproche du R&B. A moins que ce ne soit le bayou rock louisianais. A cause des courtes notes qui s’échappent des cordes. La formation réserve également un espace à la country. A travers quelques bien jolies ballades. A l’instar de "Guess things happen that way". On pourrait penser à Johnny Cash, si Ray possédait sa voix grave et uniforme. "Seven" ensuite. Un rien plus nerveuse. Une démarche assez comparable à celle que défendait Dan Stuart chez Green On Red. Balayées de guitares inquiétantes, cette plage est excellente. Véritable petit joyau, "Limbo" repose sur une rythmique travaillée. Un morceau guidé par les percussions de Steff. La tonalité de la guitare est légèrement réverbérée. Le tempo lancinant. Les chœurs envoûtants se détachent de ce climat dont un écho lugubre semble provenir de cette lune blafarde. Cette rythmique implacable nous invite à pénétrer dans le monde du rock'n'roll revu et corrigé par nos Teutons. Les cordes entretiennent un son sale, pourri tout au long de "Paycheck". Evoluant à une cadence hypnotique, "Hurt me no more" nous invite au déhanchement. Lüers nous entraîne au sein d’un monde lysergique à l’aide des sonorités libérées par les cordes déjantées, aventureuses, de sa guitare hyper amplifiée ; mais toujours en adoptant un même schéma : des plages assez courtes. La voix monocorde de Devaryo continue à se traîner tout au long "Go on home" ; mais cette impression d’indolence n’exclut pas l’un ou l’autre changement de rythme inattendu. L’opus s’achève par le titre maître : "Yip – Yip!", un exercice vocal accompli lors de ce rockabilly amusant et sautillant. La musique de Velvetone est très personnelle, c’est le moins que l’on puisse dire…
Sleeping Dog, c’est le projet solo de Chantal Acda, une chanteuse/compositrice/multi-instrumentiste néerlandaise, établie en Belgique. « Polar life » constitue le deuxième opus de Sleeping Dog, un disque qui fait suite à « Naked in a Clean Bed », paru en 2006. Pour la circonstance, elle a de nouveau travaillé en compagnie d’Adam Wiltzie (Stars of the Lid), un personnage qui a aussi et surtout forgé sa carte de visite en bossant pour Mercury Rev et les Flaming Lips. Il s’est chargé des arrangements et des orchestrations de cordes ainsi que joué des claviers, dont le mellotron. Daniel Johnston, le chanteur/compositeur de Centro-Matic, est également de la partie, même si sa collaboration n’est pas créditée sur la pochette.
Chantal possède une superbe voix, pure, cristalline, rappelant parfois le timbre de Liz Fraser (Cocteau Twins), sans jamais en épouser les inflexions. Elle joue du piano (surtout), mais aussi de la guitare sèche, un mini vibraphone, du glockenspiel, des percussions, du banjo, du melodica et bien sûr divers claviers. Au sein de l’univers visionnaire de Sleeping Dog, Chantal parle de chiens (of course !), de chats, de chevaux, de sa maternité récente (son interprétation a cappella de « Letter one »). Elle dépeint également des paysages énigmatiques, brumeux, automnaux (« Ardennes ») mais aussi chargés de contrastes comme sur « The sun sinks in the sea », une chanson inspirée du poète islandais, Sigurbjörn Einarsson. Sa musique est minimaliste, intimiste. On a parfois l’impression qu’au sein de son cocon, tout tourne au ralenti. Mais son univers sonore ne manque pas de charme et s’achève même par une version très réussie du « If only » de Sophia…
The Death Set est une formation issue de Baltimore qui vient de signer chez Counter Records, filiale du label Ninja Tunes. Et son Ep « MFDS » prélude un premier opus intitulé « Worldwide », dont la sortie est prévue pour le mois d’avril prochain.
A l’écoute des différentes compos de ce disque, on pense tour à tour à Los Campesinos ! pour le côté festif et plutôt anarchique (NDR : en ‘live’, ils opèrent une rotation entre drummers issus des USA, du Canada ou encore d’Angleterre ; ce qui alimente inévitablement la confusion) du trio, à The Go ! Team, comme sur « Negative Thinking », titre caractérisé par ses phases électro dynamiques et spasmodiques ; et même aux Ramones. A l’instar de « Heard It All », une compo d’1’05 découpée dans les accords basiques. D’ailleurs, en général les plages sont assez courtes et guère élaborées. En résumé, rien de vraiment excitant ni d’euphorisant sur cette plaque intitulée MFDS (NDR : traduisez : MotherFuckingDeathSet). Ce qui ne veut pas dire que l’opus sera de la même trempe. Une raison pour rester attentif à sa sortie. Surtout qu’on le décrit déjà comme un elpee aux tendances nettement plus punk electronica… A suivre donc !
En 2005, Peter Murphy, Daniel Ash, David J et Kevin Haskins décident de reformer Bauhaus et partent en tournée mondiale. Pas de nouvel album en perspective, mais un Dvd compilateur (« Shadow of Light/Archive ») réunissant les clips majeurs du quatuor de Northampton. A l’issue de ce périple, la formation met un terme à son aventure. Mais avant de se séparer définitivement, la formation entre en studio pour enregistrer un opus ultime : « Go away white ». Un disque enregistré en 18 jours au Zircon Skye. A Ojai, en Californie.
A l’issue de la première écoute, une constatation s’impose : les arrangements et la mise en forme ont été bâclés. Pas que les compos soient médiocres. Le disque en recèle même quelques unes de bonne facture ; mais en y apportant la touche finale nécessaire, elles auraient pu se révéler excellentes. Maintenant en enregistrant sans overdubs ni mixing, le groupe courait le risque de surfer sur l’imperfection. Bref, ne gâchons cependant pas notre plaisir, puisqu’on retrouve la voix si particulière, gémissante presque ‘bowiesque’ de Peter Murphy (NDR : a contrario, sur « Undone », on se rend compte à quel point sa manière de chanter a pu déteindre sur Perry Farrel, lorsqu’il militait chez Porno For Pyros), les digressions de noise ou les accès de funk blanc dispensés par la guitare de Daniel Ash ainsi que la ligne basse tour à tour dub, mélodique ou propulsive de David J. Sans oublier ce climat lugubre, sinistre (ce glas qui hante « Saved » !), tourmenté, incantatoire, emphatique, menaçant voire tribal (« Endless summer of the damned ») ou de mauvaise augure (le vaporeux « The dog’s a vapour » composé en 1998, lors de leur première reformation) qui constitue la marque de fabrique du style gothique de Bauhaus.
“Go away white” laissera perpétuellement un goût d’inachevé dans le cœur des aficionados de cet ensemble insulaire mythique. Une raison de plus pour aller réécouter leurs quatre premiers albums. Et pour les profanes, comprendre que Bloc Party et The Rapture n’on rien inventé. Enfin que Smashing Pumpkins, Hole, Nirvana, Korn, Tool, Nine Inch Nails, Marilyn Manson, Franz Ferdinand ainsi que Jane's Addiction se sont, chacun à leur manière, manifestement inspirés de Bauhaus…
Chris Rea avait accordé, il y a quelque temps, une tournée d'adieu, une décision qu’il avait prise pour des raisons de santé bien compréhensibles. Il nous avait gratifiés, en 2006, d'un coffret de douze albums. Intitulé "Blue guitars", il s’était quand même vendu à plus de 150.000 exemplaires. Et bien, le vieux Chris a décidé de dépendre sa slide qu’il avait mis au clou et de repartir en tournée. Apparemment il semble avoir repris du poil de la bête, puisque non seulement son périple passera par chez lui, en Angleterre, et aussi en Europe, mais comme il ne fait pas dans la demi-mesure, il a concocté un nouvel opus : "The return of the Fabulous Hofner Brothers". Un œuvre qui retrace l'aventure d'un groupe instrumental de la fin des fifties : les Delmonts. Une formation qui deviendra au cours des années 60 un blues band répondant au patronyme des Hofner Blue Notes. Le projet inclut un livret musical de 80 pages, deux vinyles et trois CDs.
Le premier cd est consacré aux Delmonts. La musique est exclusivement instrumentale. Les guitares sont réverbérées, un rien trash. Et des titres légers et pétillants comme "Jimmy Bond", "BB was a commanche", "Theme from the Pink guitar" ou encore "French football", en sont la plus belle illustration. On a même parfois l’impression de nous retrouver à l’époque des Shadows ou des Ventures… Le coffret reproduit l'image d'une vieille pochette défraîchie. L'exemplaire promo qui a été fourni se résume à cd audio et nous propose trois extraits de chacun des albums ainsi qu'un CDrom destiné à fournir un maximum d'informations sur les extraits du livre et les albums. Du disque des Delmonts, on retiendra les tendres épisodes d'une époque révolue, caractérisée par le son des guitares Hofner et l'orgue Farfisa. A l’instar du très divertissant et rythmé "Dirty new town", de l'amusant "The power of love" et du bluesy "BB was a comanche", une compo empreinte de douceur mais surtout dont la sonorité et le doigté sont tout simplement dignes d'un certain BB King!
Mais c'est bien chez les Fabulous Hofner Bluenotes que Chris Rea a commencé à être apprécié. A cause de sa voix rauque, au bord de la rupture, mais tellement expressive et voluptueuse. Du deuxième cd, se détache "Rock and roll tonight", un blues rocker contagieux et aux éclats de guitares bien de notre époque. Authentique et profond, Chris nous rejoint pour "Legacy blues". Son timbre vocal est plus proche, plus grave. Il nous envoûte tout au long de cette ballade pleine de douceur. Minimaliste, la guitare nous rappelle le grand Peter Green. Rea caresse ses cordes ; mais quand il s’arrête, elles laissent une sensation de vide et de douleur…
Sur son dernier Cd, il concède un cri d’amour. Son charme et sa tendresse séduisent. Des sensations éprouvées tout au long du nonchalant "Blues for Janice", proche du Dire Straits de Mark Knopfler. Excellent blues, "Because it's you" est un morceau complet. La mélodie est superbe, le chant généreux et les claviers judicieux. En outre, ce morceau développe les plus belles lignes de guitare blues de l'ensemble! Serait-ce dû aux cris désespérés de la slide ? Une chose est sûre, "Twister inside" nous entraîne dans un monde particulièrement lugubre, effrayant. Chris y synthétise tous les éléments qui forgent sa personnalité musicale. N'hésitez pas à investir quelques dizaines d'euros pour vous procurer la production artistique de ce tout grand bonhomme !
Il se produira ce 11 mars à la Lotto Arena d'Anvers, lors de sets successifs. Tout d’abord en compagnie des Delmonts, et puis des FHB.
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