Trente-deux ans que les Fleshtones dispensent leur garage/rock aux quatre coins de la planète. Un peu plus de trois décennies qu’ils pratiquent la même musique, sans se soucier du temps et des modes. Pourtant, au cours des dernières années, on les avait quelque peu perdus de vue. Et pour cause, ils avaient beau continuer à sortir des albums ou se produire en concert, leurs labels successifs se souciaient de leur promo comme un poisson d’une pomme.
Heureusement, en 2003, ils atterrissent chez Yep Roc. Et rapidement concoctent « Do you swing ». Mais faute de distributeur motivé, le disque reste dans les starting blocks. « Take a good look » semble enfin bénéficier d’un meilleur support. Et ce n’est pas usurpé, car ce « Take a good look ! » est tout bonnement excellent. Douze titres aussi excitants les uns que les autres qui ne durent jamais plus de 3 minutes. Soit une bonne demi-heure de groove et de fun. Des compos qui s’inspirent inévitablement du punk des sixties (pensez aux compiles « Nuggets », donc aux Sonics), mais aussi aux Stones époque « Sticky fingers ». On a même droit sur « Back to school » à un clin d’œil adressé au « Gimme some lovin’ » du Spencer Davis Group, et sur « Love yourself », au « Gloria » du Them. Plus curieux encore, « This is time Josephine » semble hanté par les Kinks, alors que sur le titre maître, Peter Zaremba déclame à la manière d’Eric Burdon, lorsqu’il sévissait chez les Animals. Parce qu’en général le timbre de Peter est plutôt rauque et chaleureux. Un Peter qui apporte régulièrement de petites touches d’harmonica ou de farfisa à cette solution sonore qui vous communique instantanément l’envie de danser et de faire la fête. Et j’imagine que ces titres doivent faire un tabac lorsqu’ils sont sur les planches. Pas pour rien que leur show est considéré, par les spécialistes, comme le meilleur au monde. Et si les Hives et les Strokes prétendent incarner leurs héritiers naturels, les maîtres sont toujours bien les Fleshtones. D’ailleurs, s’ils passent près de chez vous, ne les manquez sous aucun prétexte. En attendant, je vais appuyer sur la touche replay de ce « Take a good look ! ». Rock’n rollllllllllllllllllllllllllllllll…
Quel bonheur de retrouver le quintet le plus fidèle à lui-même de toute l’histoire de la pop-punk ado. L’évolution n’effraie pas ces gaillards puisque le terme leur est tout simplement inconnu. Après nous avoir gratifiés en 2004 d’un « Still Getting Any… » à donner des boutons d’acné à un mort, les Canadiens de Simple Plan nous reviennent nous servir une nouvelle marmite de leur soupe indigeste.
De juvéniles morceaux pop surproduits tels que « Save You » et « When I’m Gone » aux ballades inécoutables « What If » et « No Love », ce troisième essai éponyme est tout simplement un instrument de torture auditive pour tout quidam qui se respecte. Le ridiculissime « Generation », tentative désespérée de renouvellement, suffit seul à décourager le plus curieux des mélomanes. Ce « Simple Plan » est à réserver aux plus jeunes. A condition qu’ils soient sourds.
Il est loin le temps de « High/Low » et de son méga tube « Popular » ! Un temps où le trio était injustement perçu, au mieux, comme un ‘one hit wonder’, au pire, comme un vulgaire ersatz de Weezer. Douze années, trois essais et quelques changements de labels plus tard, la bande à Matthew Caws s’installe chez City Slang et dévoile un cinquième ouvrage agréablement séduisant.
Introduit par « See These Bones », potentiel carton radiophonique, « Lucky » marque une nouvelle étape dans la maturation de Nada Surf, entamée sur « Let Go » en 2002. Les onze pépites pop de cette plaque lorgnent résolument du côté de Fountains Of Wayne (« From Now On » ou l’entêtant « Beautiful Beat » ou Death Cab For Cutie (« Weightless », « I Like What You Say »). Ben Gibbard, leader de ces derniers, joue par ailleurs aux special guests sur le morceau « See These Bones », au même titre que Sean Nelson chef de file d’un exemple parfait de one hit wonder, Harvey Danger (souvenez-vous, l’obsédant « Flagpole Sitta »). Au niveau des collaborations, le trio ne s’est rien privé, faisant appel, outre les deux artistes précités, à Ed Harcourt, Martin Wenk (Calexico) ou encore John Roderick (The Long Winters).
Loin d’être impressionnant, « Lucky » n’en est pas moins une succession solide et marquante de compositions pop rock joliment écrites et interprétées avec une passion apparente. Une chose est sûre : Nada Surf a vaillamment survécu à l’épreuve du temps. Une chance !
Agé de 54 ans, ce New-yorkais est considéré comme un artiste complet et génial. Un esthète de la guitare acoustique. Sa musique embrasse une multitude de styles : le blues, le jazz bien entendu, mais aussi le manouche, le swing, le calypso et la world (NDR : de l'Inde, du Japon, des Iles Hawaii, des Caraïbes et issue de bien d'autres endroits de notre globe).
« Post-industrial blues » s’ouvre par "Follow the money". Constituée de Jim Norris à la batterie et de Stan Poplin à la basse, la section rythmique est très présente. La voix de Bob est assurée. Trois guitares National illuminent cette entrée en matière. Mais la technique de Brozman est déjà stupéfiante. "Look at New Orleans" est une plage beaucoup plus atmosphérique. D’abord mielleuse, la voix de Bob libère toute sa colère. Il hurle son amertume devant le sort des déshérités de la Nouvelle Orléans, après le passage du typhon Katrina. Les cordes se détachent comme autant de braises dans ce climat lourd et lugubre. Au cœur de cette solitude ultime, Bob chante le blues du vieil homme ("Old man's blues"), armé d'un banjo à sept cordes aux accents tranchants. Une constante : la finition et l’excellence de la production de cet opus. Si Brozman se révèle un brillant multi-instrumentiste, il accorde une attention toute particulière à ses vocaux. Bien posés, ils s’intègrent parfaitement à son répertoire. "Airport blues" et "Green river blues" exhalent un subtil parfum d'avant-guerre. "Crooked blues" révèle toute la puissance des cordes. Signé Redd Evans et Joe Ricardel, "Chafafa" est une gourmandise amusante et curieuse. Un plat composé de trois différentes variétés de chou. "Lonely children" campe, à première écoute, une ballade empreinte de charme. Mais rapidement, elle laisse la place à un sentiment de tristesse que Bob éprouve en pensant aux orphelins qui peuplent la terre. Flux et reflux de cordes balaient l’espace sonore : glabama grec, guitare hawaïenne, chaturangui, guitare slide indienne à 22 cordes… Toutes ces sonorités différentes apportent une richesse à l’ensemble. Mais si la mise en place est complexe, elle est surtout majestueuse. D'une voix fatiguée et caverneuse, il interprète le terrible blues des trois familles ("Three families blues"). Cette plage ne respire pas la joie de vivre. Elle évoque les sentiments des émigrés, déçus du rêve américain. Mais aussi des militaires qui assistent à la disparition de leurs camarades dans une guerre aussi inutile que meurtrière : celle de l’Irak. Des compatriotes blessés dans leur peau, leur cœur et leur esprit! "Slow motion blues" constitue sans doute le meilleur blues de cet elpee. Un cri d'amour et de désespoir. Une compo saturée d'intensité, au bord de la rupture. Le disque recèle également une cover plutôt surprenante du "People are strange" des Doors. A nouveau caractérisée par la diversité instrumentale, que se réserve le même artiste, elle est soulignée par la conjugaison des voix entre Bob et de Haley Sage. La plaque se ménage quelques plages instrumentales. Tout d’abord, "Let's get it boy!", un fragment parcouru par les sonorités aigues d’un ghandarvi indien à 14 cordes. Et puis ravissant et fragile "Strange ukulele blues", un morceau irradié par les cordes hispanisantes d'un… ukulélé (of course !) Bob Brozman est à nouveau l’auteur d’un opus franchement brillant!
Vous vous en doutez, Uncode Duello nous vient d’Italie. Un duo qui, à l’aide d’une multitude d’instruments entretient une bastonnade sonore jusqu’à épuisement total. Mais attention, là ce n’est point de la touchette ! Match officiel ; et c’est sur leur botte natale que les deux comparses, Paolo Cantù et Xabier Iriondo, ont organisé leur duel sanguinaire nommé « Ex Aequo ». Parfois aidés de leurs amis tout au long de ce foutoir total digne d’un match de catch, les deux lascars manient aussi bien les instruments qu’un Hulk Hogan célèbre pour ses clés de bras lors de sa glorieuse époque. Guitare, batterie, piano, clarinette, électronique, sitar, tout y passe pour un résultat aventureux, mais parfois intéressant dans sa structure. Tour à tour ravagée, énervée, intense ou d’un calme extrême. Et finalement, l’œuvre ne provoque jamais la répulsion. Le recours à la langue maternelle pour les textes, confère aux compos une originalité supplémentaire, outre l’expérimentation instrumentale.
Maintenant, avouons que cet « Ex Aequo » est un album extrêmement complexe et technique. Il faut d’ailleurs être très réceptif à ce type de kaléidoscope sonore pour pouvoir l’apprécier. Et à la limite revendiquer un statut de grand-prêtre de la noise. Pour un profane, il s’agit purement et simplement de masturbation intellectuelle. Pas la peine de confronter les antagonistes, le résultat final du match est connu d’avance : « Ex Aequo » !
Un peu moins d’un an après la sortie de « Zeitgeist », elpee qui célébrait leur come-back, et entre deux tournées (l’US et l’européenne qui passait par Forest ce 19/2), Billy Corgan et le reste de sa bande ont concocté cet Ep 4 titres. Aux USA, il est disponible uniquement via iTunes, l’artwork étant accessible gratuitement sur le site officiel du groupe. En Europe les aficionados peuvent se procurer le CD, au design audacieux, mais aux couleurs harmonieuses. Le contenu est tout autant surprenant.
Avouons-le tout de suite, les deux premiers titres ne sont guère emballants. En écoutant « Rose March », on se dit vraiment que les Pumpkins ne sont plus ‘Smashing’ mais plutôt ‘Rolling’. Il y a toujours ce timbre de voix si typique de Billy Corgan, mais sans véritable finition, on se demande ce qu’a bien pu foutre le personnel en studio. A moins qu’il se soit effacé afin de permettre à Billy de mener la danse de bout en bout. L’auditeur est d’ailleurs en droit de se demander où sont passés les arrangements si bien ficelés de « Zeitgest »
« Again, again, again » porte bien son titre, tant ce deuxième morceau semble tout aussi léger, voire bâclé serait-on tenté d’écrire. Il lasse et même irrite sur la longueur. Heureusement « Pox » exhale une petite bouffée d’air frais. Sur fond de guitare acoustique tendre et entraînant, tapissé à la manière des Californiens de Swell, Billy vient déposer sa voix plus douce et plus maîtrisée. Et cet Ep finit quand même sur une bonne note. En l’occurrence par « Sunkissed », une chanson diffusée sur les bonnes ondes radiophoniques. Et il faut croire que le groupe a envie de marquer le coup, en tournant définitivement la page du noisy/grunge des 90’s. Certains salueront ce virage en le qualifiant de rafraîchissant. D’autres, nostalgiques de la période « Gish » ou de l’incontournable « Mellon Collie and the Infinite Sadness » crieront au ‘grand n’importe quoi’. Reste à voir si ce n’était qu’une aventure sans lendemain ou si le prochain elpee des citrouilles sera du même acabit…
Dans l’obscurité de leur labo, les savants fous de Numbers ont laissé tomber les joyeusetés de leurs précédents travaux pour s’adonner à une tâche bien plus laborieuse et risquée. Désormais le trio défie les lois de leur discipline, grattant, distordant et synthétisant de la plus obscure des manières chacun des ingrédients de leurs étranges formules. « Now You Are This », résultat de leurs expérimentations, éveille chez les sujets de Numbers des pulsions animales insoupçonnées. Bien que la chimie n’opère pas toujours de façon effective, elle atteint parfois une dimension volcanique (« The Mapping of E8 », « I Want To Believe » et surtout « New Life »).
Quatrième recueil du trio originaire d’Oakland, « Now You Are This » constitue l’œuvre la plus aboutie de la formation et enchantera les fans de Black Dice ou Erase Errata. Hallucinations auditives garanties.
Epinglant les plus grands succès du guitariste mexicain, cet « Ultimate Santana » se concentre sur les années 70 et les années 2000, période qui a vu le come-back de notre homme grâce à quelques duos populaires (et un peu faciles) partagés en compagnie de Wyclef, Michelle Branch, Steven Tyler ou Jennifer Lopez. L’opus réunit les travaux les plus accessibles de Santana, c’est-à-dire des ballades latin-rock un peu kitsch très loin des délires cosmico-jazz explorés au cours des seventies. Une recette musicale un peu systématique (ballade langoureuse + soli de guitare) déclinée en 17 titres susceptibles d’enchanter ceux qui veulent entendre « The Game of Love » (en deux versions dont une chantée par Tina Turner), « Black Magic Woman » ou « Oye Como Va », sans être obligé de changer de cd.
I-tunes: http://phobos.apple.com/WebObjects/MZStore.woa/wa/viewAlbum?id=265590975&s=143446
MSN: http://sib1.od2.com/common/product/Product.aspx?shop=40&associd=4&catno=OD2DI6223204
Groupe formé en parallèle à Godspeed You ! Black Emperor par son guitariste Michael Moya, Hrsta prend ici une direction radicale, et bienvenue. Délaissant depuis un moment une écriture post-rock certes subtile mais éprouvée, la formation semble avoir enfin conquis une voie personnelle et troublante. Du flou initial, entrelacs de guitares en échos et orgues désespérés, émergent au fil des écoutes des perles mélodiques définitives, magnifiquement pensées et produites.
« Entre la Mer et l’Eau Douce », est l’instrumental qui ouvre le voyage sur quelques notes d’orgue bouleversantes, dont les cliquetis viennent rythmer la complainte. Ce morceau ne pourrait mieux porter son titre, oscillant à l’image du disque entre douce torpeur et déchaînement émotionnel, entre rivière tranquille et océan déchaîné. « Beau Village » et « The Orchard » sont deux bijoux de poésie lugubre, à la construction à la fois complexe et minimaliste, reposant sur une guitare folk hypnotique rehaussée de sons divers, de notes épurées d’orgue ou de contrebasse. La voix de Michael Moya, identifiable entre mille, est androgyne et envoûtante, d’une sensibilité à fleur de peau. Elle pourra énerver certains mais en mettra d’autres à genoux. Après un second instrumental en apesanteur (« Tomorrow Winter Comes »), Hrsta nous surprend par une ballade acoustique néoclassique (« Haunted Pluckley »), et surtout « Hechicero del Bosque ». Ce morceau, beau à pleurer, accueille enfin une batterie pour se diriger d’une complainte fantomatique, incantatoire, fière et triste, vers des contrées post-rock, dont la tension est subtilement gérée.
La grande force de Hrsta repose sur sa façon de combiner respirations et apnées, notes tendues et silences habités, que peu d’artistes semblent pouvoir égaler. Je pense notamment aux albums solo de Mark Hollis et aux derniers de Talk Talk ou aux deux premiers opus du collectif Silver Mount Zion, avant que le chant et l’électricité ne reprennent le dessus, et sans le côté chorale baba cool.
L’ensemble garde un niveau exceptionnel, jusqu’au final, un « Holiday » décharné repris aux Bee Gees, qui nous laisse à la lisière de cette forêt éprouvante, fatigués mais conquis. Ce final s’inscrit à merveille dans l’ambiance de fin du monde d’un album ultime et splendide, faisant de Hrsta, à l’instar de Do Make Say Think, les représentants actuels les plus excitants du mythique label.
Après presque deux années d’absence, le baroudeur Cass McCombs revient nous faire part de son humeur déprimée et sensible à travers son nouvel opus : « Dropping The Writ ». Un album touchant ! Qu’on le veuille ou non, ce Californien d’origine explorateur et voyageur insatiable de nouvelles contrées, possède ce don de nous captiver par son talent de songwriting. Véritable conteur, il est depuis presque 5 ans, une référence de la scène folk au même titre que Sufjan Stevens ou encore Grizzly Bear.
Influencé par Elliott Smith et joueur de guitare précoce, Cass McCombs sort dès 2002, « Not the Way EP » suivi de son premier elpee « A ». A eux deux, ces disques racontent les nombreuses destinées entreprises par ce solitaire et les évènements du 11 septembre 2001 au même moment où il avait posé bagage à New York. Son second essai, « PREfection », paraît en 2005. Un album post 11 septembre, enregistré très rapidement au cours du mois glacial de février, dans le Michigan.
Pour son dernier opus, le talentueux artiste est retourné sur sa terre natale de Californie et, toujours entouré de ses amis musiciens, il nous délivre un album enregistré en partie chez lui et en studio. Véritable trésor voguant entre folk et americana, « Dropping The Writ » a de quoi susciter l’attention pour tous ces voyageurs en quête de pureté sonore.
« Lionkiller », titre le plus anecdotique, tape fort. A cause de son rock psychédélique où une mélodie énergique amène un orgue très 60’s. C’est le coup de massue sur la tête qui vous envoie définitivement dans un autre monde. « Pregnant Pause » introduit ce voyage qui s’annonce être le plus merveilleux. Porté par la voix incomparable de Cass McCombs sur une guitare fluide et harmonieuse jusqu’à « That’s That ». Pure merveille qui vous bascule à jamais dans le monde très énigmatique de ce superbe artiste. Vous ne vous en relèverez jamais !
Magnifique tant sur le plan musical que lyrique, « Dropping The Writ » est indispensable pour vos évasions. A tout moment, Cass McCombs parvient à surprendre et à inévitablement vous entraîner avec lui. A écouter d’urgence !!!
Tout droit sortis des valises de Macha Makéïeff et Jérôme Deschamps, Moriarty possède toutes les caractéristiques du groupe farfelu. Pour info, Makéïeff et Deschamps, sont les maîtres des ‘Deschiens’, cette troupe d’acteurs complètement à la masse, qui sévissaient, entre autres, sur les ondes aux belles heures de Canal +. Réunissant cinq personnes issues de pays différents (USA, France, Inde,…), le combo à clairement l’ambition, lui aussi, de faire macérer son blues folk –parfois légèrement teinté de country– dans un univers tout à fait déjanté. Afin, sans doute, de rendre hommage à leur ‘parrains’. Autour de la Diva (Rosemary Standley), gravitent harmonica, guitare folk, valises cabossées, chamoisettes et autres ustensiles hétéroclites tout aussi inutiles acoustiquement qu’indispensables au décor. Ce conglomérat incertain, se transforme vite en une succulente pièce de théâtre baroque, où les talentueux acteurs se complaisent à redéfinir un univers particulier. La qualité des compositions croise l’humour, la légèreté et la douceur, tout en rehaussant à la perfection la sublime voix de la Diva. Les cinq –faux– frères et sœurs Moriarty (Rosemary, Charles, Stephan, Thomas et Arthur Moriarty) se délectent de cette capacité à tourner à l’infini dans une valse onirique. Ils y parviennent sans même nous inoculer le tournis où la nausée. Un album que l’on s’enfile d’une traite et en traversant en même temps, une bulle énorme de rêve.
Ne pas confondre The Drones, obscure formation punk ayant sévi à Manchester à la fin des 70’s et The Drones, groupe australien né au début du XXIème siècle, qui a émigré en Europe, à l’instar des Triffids, des Go Betweens, de Nick Cave et de Dirty Three, en 2005. Mais du band originel, il ne reste plus que le chanteur/guitariste Gareth Liddiard. Un personnage dont le timbre vocal rocailleux colle parfaitement au style de leur musique. Au fil de leur histoire, on ne compte plus les changements de line up. The Drones pratique une sorte de psyché/rock/blues/garage rappelant surtout Green On Red, même si le groupe revendique pour influences majeures le Velvet Underground, Bad Brains (NDR : du côté des doigts de pieds, sans doute), Birthday Party, Suicide, Neil Young, Van Morrison, Bob Dylan et Nina Simone…
All Tomorrow Parties, leur label, leur a demandé d’inaugurer toute une série d’EPs (dont 1 000 exemplaires seront édités sous la forme d’un double vinyle), au cours desquels les artistes ou formations issus de la maison de disques, seront invités à interpréter quatre compos : une ancienne, une récente, un emprunt et quelque chose ayant un rapport avec la couleur bleue. Le quatuor aussie a ainsi choisi un extrait de son premier opus « Here come the life » (« Cockeyed lowlife of the highlands ») qui figurait également sur un 7 inches paru en 2002, un titre issu de leur dernier opus, « Gala Mill », paru en 2006 (« I don’t ever want to change »), une cover de Charles Aznovour (« I drink ») et un blues figurant dans le tracklisting de l’elpee « Wait Long By The River and the Bodies of Your Enemies Will Float By » (« Shark fin blues »), édité en 2005.
Depuis l’an dernier, la musique à tendance ‘balkanique’ ou ‘tzigane’, terme plutôt réducteur, a réellement le vent en poupe. Du moins, beaucoup plus qu’auparavant. Les projets se multiplient et les valeurs sûres s’installent confortablement dans le paysage médiatique. En Belgique, un seul coup d’œil à l’agenda 2007 et 2008 de l’AB suffit à le constater. Stefan Hantel, alias Shantel, profite du mouvement pour présenter son troisième ‘véritable’ recueil. Après la publication de deux albums sous la coupe de !K7 records, deux compilations sous l’appellation « Bucovina Club » et sa participation au projet « Electric Gypsyland » de Crammed Discs, l’Allemand (!) présente un ouvrage dans l’air du temps invitant à la fête et aux déhanchements les plus exotiques. Un peu à la manière de Basement Jaxx sur le sympathique « Hey U », extrait de l’horrible « Crazy Itch Radio ».
Shantel marie à la perfection le son des cuivres à une légère nappe d’electronica. Difficile dès lors de résister à l’envie de monter sur sa chaise pour remuer son corps dans tous les sens. De par son interprétation exécutée aussi bien en anglais, qu’en turc, grec, serbe ou roumain, « Disko Partizani ! » est un incontestable appel à la diversité. Il faut cependant être particulièrement friand du genre pour pouvoir apprécier les subtilités de cet essai qui pourrait irriter les autres par son aspect longuet. De plus, certaines des vocalises parcourant ce « Disko Partizani ! » peuvent parfois s’avérer difficilement supportables. Il s’agit donc d’un recueil s’adressant essentiellement aux fans des sonorités est-européennes et méditerranéennes, prêts à secouer du bassin durant des heures.
Duke Robillard est un des guitaristes contemporains les plus notoires. Très populaire chez nous, il est à la tête d’une discographie très abondante et largement distribuée. Il a été, rappelez-vous, l'un des fondateurs du big band de Rhode Island : le Roomful of Blues. En 1967. Lorsqu’il quitte cette formation, fin des années 70, il est remplacé par Ronnie Earl. Il monte alors le Legendary Blues Band en compagnie des musiciens de Muddy Waters. Puis devient le leader des Pleasure Kings. En 1984. Depuis, il a sorti un nombre impressionnant d'albums. Toujours caractérisés par cette touche personnelle, mêlant blues, jazz et swing. Il même sévi chez les Fabulous Thunderbirds de Kim Wilson, début des années 90. Son dernier elpee, "World full of blues", est paru en juin dernier sur le label canadien Stony Plain (distribué par Dixiefrog). Mais c'est d'une autre œuvre dont il est ici question ; puisqu’elle est distribuée via son propre site web. Des plages concoctées au cours de ces 15 dernières années, et qui ne sont jamais parues en CD.
Cette collection s’ouvre par une version dépouillée de "Pony blues". Duke n'est soutenu que de sa seule section rythmique. C’était lors d’une audition destinée à recruter un nouveau bassiste, en l'occurrence John Packer, l’heureux lauréat. Cette adaptation sobre met en exergue le drumming complexe de Marty Richards. "I'm sticking with you baby" est issu de la même session. Un puissant shuffle à la BB King. Un titre que Duke avait écrit à l'époque de Roomful of Blues, alors qu’il était au sommet de son art. La cover du "Gypsy woman" de Muddy Waters respecte le style originel. Un morceau imprimé sur un tempo tout en retenue. Mark Braun siège derrière le piano pendant que Jerry Portnoy nous illumine de ses interventions claires et concises à l’harmonica, tout en véhiculant un maximum de feeling. Duke signe "World radio theme". C’est le titre générique d'un radioshow populaire dans le Kentucky. Enrichi par les cuivres de Doug James, Dennis Taylor et Al Basile, le fragment baigne au sein d’un climat manouche. "I'd rather drink muddy water" a été composé par The cats and a Fiddle, au cours des années 30. Cette version est savoureuse. Duke et Gerry Beaudion se partagent un duo pour la plage surannée "Minor for McDonough", un titre jazzyfiant absolument délicieux. Instrumental puissant et très électrique, "The change is on" sert aux retransmissions des play-offs de la NBA à la TV. Duke, Marty Ballou et Marty Richards s’y libèrent. Inspiré par T-Bone Walker, "The return of Duke's mood" immortalise une session improvisée opérée en studio, et sous la formule du trio, lors de l'enregistrement de l'album "Guitar Groove-a-rama". Blues destiné à un big band, "I'm in cahoots with you" était resté à l’état de projet. En fait, le contrat commercial n’avait pas abouti. Un titre agréable à écouter. Matt McCabe s’y réserve le piano, alors que la section de cuivres de Roomful of Blues densifie l’espace sonore. La cover du "I live the life I love" de Willie Dixon est excellente. Du Chicago blues qui swingue. L'atmosphère est très décontractée. Bruce Katz se consacre au piano, Doug James et Gordon Beadle aux cuivres. La version instrumentale d’"Exalted lover" est à nouveau très dépouillée. La guitare/synthé de Duke reproduit des parties de trompette, de clavier et de sitar. La reprise du "Something to remember you by" de Guitar Slim constitue un remarquable exercice de style exécuté en live. Il date quand même d’une bonne dizaine d'années ; mais c’est un véritable festin! Signé Larry Davis, "I tried" figure au répertoire du Savoy Brown depuis déjà près de 40 ans. Duke nous en propose une adaptation saignante et irréprochable. Ce titre puissant devait figurer sur l'album "Duke's blues". Mr Robillard s’y montre à la fois offensif et direct, comme toujours. Ce recueil s’achève par la demo de "Pony blues". Essentiellement acoustique, elle est interprétée à la manière d'Howlin' Wolf ! La sortie de ce premier volume est tout à fait judicieuse. Elle s’inscrit dans l’esprit de ce que Kim Wilson avait édité, il y a peu!
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