Ce disque réunit des compos issues des trois premiers opus de cette formation établie dans l’Ohio, parfois remixées. Un quintette apparemment contaminé par la musique des sixties. Depuis les Beatles (surtout George Harrison) aux Byrds, en passant par les Hollies, les Monkees, Manfred Man, le Move, le Who et j’en passe. En ce qui concerne l’influence des Fab Four, la présence d’un sitar n’y est pas étrangère. Et « Revolver » doit certainement constituer un album de chevet pour le quintet. Mais aussi des bandes passées à l’envers, un peu dans l’esprit de « Magical Mystery Tour ». Ou encore d’un quatuor à cordes. Sur deux plages. Inévitablement on ne peut que penser à « Eleanor Rigby ». Encore qu’« Alluming Martha » hésite entre mélodies ‘sydbarettiennes’ et orchestrations ‘philspectoresques’, alors que « King Of Zorg » puise à la fois chez « Abbey Road » et « Tommy ». Ce revivalisme sixties nous offre également quelques surprises. Et en particulier un hommage au défunt leader de Love. Intitulé « Make like Arthur Lee », il aurait pu naître d’une rencontre entre le Fleetwood Mac de « Oh well ! » et la phase la plus acoustique d’un Jethro Tull. Bref, un album plutôt agréable à écouter, à défaut d’être original. En outre, il recèle en « All in good time », une chanson pop presque parfaite. Particulièrement contagieuse et subrepticement rognée d’un zeste de clavier poussiéreux, elle aurait pu devenir un hit… si le groupe bénéficiait d’un quelconque battage médiatique. On peut toujours rêver…
Dimi Dero est français. Parisien, très exactement. Mais sa musique plaît surtout aux Australiens. Pas parce qu’il chante dans la langue de Shakespeare, mais parce qu’il pratique une forme de garage largement inspiré par les Scientists et Birthday Party. Ce qui explique sans doute pourquoi il a été signé par le label antipodal Off The Hip. Et puis tourne régulièrement au pays des kangourous. En outre, ses collaborations auprès d’artistes aussies sont régulières : depuis Kim Salmon à The Dirty Three, en passant par Mick Harvey, Penny Ikinger ou encore les Drones. Enfin, non seulement Dero drive son propre groupe, mais ce multi-instrumentiste compose et assure la production de ses œuvres.
Pour enregistrer “Sisyphus, window cleaning”, il a reçu le concours d’Ash Wednesday, préposé aux claviers lors des tournées d’Einsturzende Neubauten et des Sacred Cowboys. La musique de Dimi Dero Inc. est tour à tour sauvage, menaçante, lugubre, ténébreuse, marécageuse, fébrile, aride, intense, malsaine et parfois même brutale. Dero y épanche ses ressentiments d’un timbre âpre, mais sophistiqué, dont les inflexions sont susceptibles de rappeler celles de Peter Murphy (Bauhaus) voire d’Alex Harvey, surtout en fin de parcours. Et notamment sur les deux meilleures plages de l’opus. En l’occurrence « I washed your windows clean », morceau construit en crescendo qui s’achève par un final apocalyptique et le bonus track, « Sleep alone », caractérisé par cette ‘lead guitar’ à la fois mélodique, gémissante et chatoyante qui baigne dans ce magma d’électricité blanche en fusion…
Sons and Daughters est né en 2001. A cette époque, Bethel (guitare) and Gow (drums) tournait en compagnie des Zephyrs et d’Arab Strap. Au sein d’un projet en duo. Ils seront ensuite rejoints par Ailidh Lennon, puis par Scott Paterson, et commencent à enregistrer. En 2003, ils concoctent leur premier elpee. Autofinancé il s’intitule « Love the Cup », et paraît sur le label Ba Da Bing Records. Rapidement, ils sont repérés par Domino, où tout commence réellement pour eux. Cette situation leur permet de partager la scène aussi bien avec Morrissey, Throwing Muses ou encore les excellents Franz Ferdinand.
Paru en 2005, « The Repulsion Box » n’avait rencontré qu’un succès mitigé. « This Gift » constitue un chouette cadeau pour le début de cette nouvelle année. Il faut dire que pour enregistrer cet opus, le combo n’a pas lésiné sur les moyens ! Il a ainsi reçu le concours de Bernard Butler (NDR : l’ex guitariste de Suede) à la production.
Dès le début de l’elpee, le son brut digne des meilleures soirées garage donne le ton. « Gift Complex », tube issu de leur troisième essai, constitue d’ailleurs un aperçu très large du style pratiqué par le quatuor de Glasgow. Leur rock bien carré fonctionne à merveille tout au long de l’elpee. On a même parfois envie de pogoter. Le morceau maître allie efficacement les voix d’Adele Bethel et de Scott Paterson, sur un tempo drôlement efficace alimenté par la guitare, la basse et batterie! Rock déjanté, « House In My Head » est encore un titre susceptible de vous lancer dans un pogo. En outre si la guitare est nerveuse, elle alimente une BO fictive, au cours de laquelle, comme lors d’un western, on imagine être à la poursuite des Sioux!
Maintenant, il est vrai que tous les amateurs de garage/rock ne vont pas sauter de joie au plafond. Reprochant même à l’elpee, un certain manque de relief. Personnellement, j’estime qu’il dispense suffisamment d’énergie et de dynamisme pour faire la différence. Maintenant, il est vrai que c’est une question de goût. N’empêche, les nostalgiques de Blondie –et surtout de sa voix– devraient y retrouver leur compte.
D’origine indienne, King Khan est Canadien. Il est d’ailleurs né à Montreal. Outre-Atlantique, il a sévi au sein de différents groupes dont The Spaceshits, Les Sexareenos, King Khan & His Lonesome Guitar et The King Khan & BBQ Show, en compagnie desquels il lui arrive encore de tourner. En 1999, il s’est établi en Allemagne. A Berlin très exactement. Il y a fondé un nouveau projet : King Khan & The Shrines. Les Shrines ce sont huit musiciens dont le percussionniste Ron Streeter, qui a côtoyé Stevie Wonder, et trois cuivres. Une formation qui s’est forgé une réputation d’enfer sur les planches. King Khan aime le r&b, le garage, le funk, le punk, la soul et le jazz. Et sa formation puise manifestement son inspiration aussi bien chez James Brown, les Stones, les Stooges, Miles Davis que les Animals. Rocailleux, le timbre vocal de Khan rappelle d’ailleurs tantôt Eric Burdon, tantôt Leigh Stephens (Blue Cheer).
Son nouvel opus, « What is ?! » ne manque, en tout cas, pas de groove. Et de cuivres. Mais c’est lorsque que les compos s’enfoncent le plus dans le garage sixties qu’elles me font le plus flasher. A l’instar de (How I keep you) outta harms way », de l’intense “I see lights” ou encore de “Take a little bit”, rogné par un clavier vintage. J’épinglerai encore le final, « The ballad of Lady Godiva », dont le psychédélisme est abordé à la manière du fameux « 2000 Light Years from Home » de la bande à Jagger/Jones/Richards. Ou encore l’étrange, déroutant et menaçant « Fear of love », compo qui émargerait au funk/jazz presque free, s’il n’y avait la trame mélodique tracée par des vocaux réminiscents de Marc Bolan. Enfin, imprimé sur un tempo latino récurrent, « 69 faces of love » ne manque pas de charme alors que martelé par un piano, « No regrets » lorgne manifestement vers le rock’n roll des 50’s. Signalons encore la présence d’une compo chantée dans la langue de Molière par le claviériste (NDR : un Bordelais !) Fredovitch : « Le fils de Jacques Dutronc ». Une sorte d’hommage parodique au célèbre chanteur français. Le reste du disque plaira surtout aux amateurs de funk, de soul et de r&b.
Deux ans après leur excellent second essai, « Alchimie », les Rouennais de Bad Joke nous proposent un disque enregistré en public, principalement à Angoulême, fin 2006 début 2007. En une petite heure, le quintet, qui brille par son absence sur les planches belges, balance à l’assistance un délicieux mélange hybride de dub et de hip hop enrichi de quelques pointes de rock et de drum’n’bass. Les incontournables « T-Rex », « Leitmotiv » et « L’œuf Story » prennent dans ce « Live 2006/07 » une dimension encore plus électrique et intense que leur version studio. Ce qui donne une véritable raison d’être au disque ‘live’ d’une formation gagnant à se faire connaître. Petit bémol, cette intensité ne se libère qu’à la seule condition de mettre le son de la sono ou de ses écouteurs au maximum, la qualité de production de ce « Live 2006/07 » se révélant assez moyenne. Les amateurs du Peuple de l’Herbe, d’EZ3kiel ou encore d’Asian Dub Foundation succomberont sans mal aux beats corrosifs de Bad Joke.
Cette formation anglaise est responsable d’une musique mélangeant subtilement rockabilly, swing et blues. Elle compte deux leaders. Tout d’abord le guitariste Martin Vowles, qui a milité chez les Nightporters. Ensuite le chanteur/guitariste Vince Lee, ex-guide de son Big Combo. Les deux personnages sont parvenus à débaucher ; chacun de leur côté, un de leurs anciens comparses. En l’occurrence Al Wallis, le bassiste du Big Combo, et Kevin Crowe le drummer des Nightporters. Depuis 2003, les Wildcards sillonnent les routes. En novembre 2004, ils avaient concocté un excellent album : "On fire!". Et en octobre 2006, ils avaient accompagné le regretté harmoniciste texan, Gary Primich, lors de sa dernière tournée européenne. Le présent elpee est d'ailleurs légitimement dédié à la mémoire de Gary.
La section rythmique ouvre la première plage, "Hang me out to dry". Le tandem est rapidement rejoint par les deux guitares, qui font cracher les deux haut-parleurs. La voix de Vince est convaincante tout au long de cette tranche de rockabilly, marquée par les deux guitares déjantées qui croisent le fer. Une excellente entrée en matière ! "Fool's advice" pénètre au sein de l’atmosphère suffocante des swamps louisianais. La guitare réverbérée de Lee nous plante au cœur de ce décor lugubre. Le tempo reste vif. Vince chante avant que les cordes ne se libèrent pour notre plus grande joie. Ces gars ont manifestement déjà une solide et longue expérience derrière eux. Du vécu, si vous préférez. Et cela se sent. Tout en ne desserrant pas l'étreinte, nos Wildcards s'engagent sur le rythme du calypso. "Hell" porte bien les stigmates de l'enfer. Les cordes de Vince sont loquaces mais ne dérapent jamais. Il ne se réserve, d’ailleurs pas la moindre seconde de répit. Cette plage avait été enregistrée par les Squirrel not Zippers. La reprise de l'intemporel "St James infirmary" accorde une première pause dans le rythme. Bien rendue par la sonorité des cordes, cette marche funéraire est empreinte d'une infinie tristesse. Mais soudain, on assiste à un changement radical d’ambiance. La joie éclate dans les rues de la Nouvelle Orleans. La section rythmique imprime un rythme soutenu. Elle est rapidement rejointe par le duo de guitares. La voix de Lee est exaltée et profonde. Paul Harris a été invité à siéger derrière l'orgue Hammond pour tapisser le décor sonore de la ballade délicate "Lucky, rich and happy". Des flots de swing inondent la déferlante du rythme pour aborder le "Run Joe" de Louis Jordan. A nouveau, l'exotisme du calypso refait surface pour faire revivre ce R&B participatif, dont la naissance remonte à un demi-siècle. Tous les musiciens participent aux vocaux. Les chœurs de ce collectif continuent sur leur lancée en contribuant à l’adaptation de l'irrésistible "Drunk". Caractérisée par son rythme hypnotique, cette compo est signée Joe Liggins. La cover du "Hoodoo preacher" de Gary Primich constitue un des sommets de l'elpee. Tant d’un point de vue musical qu’émotionnel. Il n'y manque que l'harmonica du Texan. Le timbre de Lee est profond et graveleux. Les guitaristes sont au sommet de leur art. Tout particulièrement Vince sur sa Silvertone Espanada. Balisé par les percus, le rythme frénétique évoque les envolées de Howlin' Wolf. Percutant et déjanté, "Raising hell" est un titre assez court. Un rockabilly au cours duquel les cordes métalliques sont indéfectibles alors que la trame des percus est assurée par un Crowe démoniaque. Instrumental, "The future of the blues" s'enfonce encore plus dans la démesure et la folie… D’excellente facture, ce disque s’achève par un blues de l'impossible. Vince chante cette plage contaminée par un rythme cubain. Les percus sont donc complexes. La sonorité dispensée par l'orgue Hammond est étrange. Ce type de compo colle finalement très bien au style des Wildcarts. A cause de leur souci constant de privilégier l’audace et l’expérimentation. Pour la circonstance, les deux gratteurs se lancent dans une dernière épopée magique. On accordera donc le prix de l'originalité à ces Wildcards.
Ex-leader des Test Icicles, la formation ‘hype’ au succès le plus bref de l’histoire du rock, Dev Hynes revient aux commandes de Lightspeed Champion, un projet radicalement différent. L’Américano-britannique de 22 printemps délaisse la dance-punk pour se diriger vers un horizon beaucoup plus folk et un peu moins accessible. A priori déconcertant et laborieux, « Falling Off The Lavender Bridge » est de ces ouvrages qui s’apprivoisent lentement mais sûrement. A condition de ne pas se laisser rebuter par les intitulés des morceaux, presque aussi grotesques que la moumoute du jeune homme (« All To Shit », « Everybody I Know Is Listening To Crunk », « Let The Bitches Die », « Devil Tricks For A Bitch »).
Premier recueil de Lightspeed Champion, « Falling Off The Lavender Bridge » s’ouvre sur le splendide « Galaxy Of The Lost » aux fins accents d’americana. Devonte Hynes s’y paie les délicates vocalises de Emmy The Great, artiste folk britannique dont les chœurs, repartis sur plusieurs morceaux du disque, donnent une profondeur indéniable à l’ensemble. Cette dernière côtoie quelques membres de Tilly and The Wall (« Midnight Surprise » et l’incontournable « I Could Have Done This Myself ») mais également le grand Tim Kasher, chef de file de Cursive et The Good Life, sur l’impeccable « Tell Me What It Worth ».
Les vocalises de Hynes ont beau être proches de celles de Kele Okereke (Bloc Party) et Murray Lightburn (The Dears), Lightspeed Champion s’adresse principalement aux fans de Bright Eyes et The Good Life. Encore plus fort que la mouture originale de ce « Falling Off The Lavender Bridge », son édition limitée recèle quatre reprises qui valent le détour (« Never Meant To Hurt You » des Good Shoes, « Souvenirs » de Patrick Wolf, « Flesh Failures » de la comédie musicale ‘Hair’ et, surtout, le « Xanadu » d’Olivia Newton John). Souhaitons à Lightspeed Champion une carrière amplement plus longue et fructueuse que celle des relativement peu regrettés Test Icicles.
Fondé en 1985, The Goo Goo Dolls pratique aujourd’hui un power pop destiné à la bande FM. Trois faits marquants dans leur carrière quand même : en 1998, la sélection du single « Iris », qui servira de bande sonore au film de Brad Silberling, « La Cité des Anges », un énorme succès récolté pour leur album « Superstar car wash », en 1993, pour lequel Paul Westerberg avait coécrit le tube « We are normal » ; et enfin, l’inclusion du single « Before it’s too late » dans la BO du film « Transformers ». Pour le reste, on ne peut pas dire que la musique du trio new-yorkais ait beaucoup évolué au cours de la dernière décennie, même si leurs chansons sont toujours bien ficelées, soignées et accrocheuses.
Ce « Greatest Hits » serait donc le premier d’une série consacrée aux singles ; cependant, il ne réunit que des compos parues depuis 1998. C'est-à-dire depuis qu’ils ont signé chez Warner Music. Pas de trace donc, de l’époque a cours de laquelle l’expression sonore du combo oscillait entre punk et hardcore. Je vous laisse donc tirer la conclusion qui s’impose…
Le concept même des Detroit Cobras avait de quoi surprendre à la base : un groupe interprétant exclusivement des reprises obscures de rock & roll, de soul et de rhythm’ & blues. Mené par un duo féminin haut en couleurs qui a su imprimer une réelle personnalité à son répertoire, le projet séduit et remporte un succès certain.
Ce « Tied & True » se révèle pourtant moins percutant que de coutume ; la faute à un choix de morceaux un peu trop calmes ? Pourtant, si la Telecaster de Mary Ramirez s’avère un peu moins tranchante, l’ensemble manifeste un sens mélodique aigu et bénéficie toujours de la voix de Rachel Nagy. Basse, rauque et profonde, parfumée au Jack Daniels et aux Marlboro, c’est bien elle qui domine l’ensemble et contribue à la création d’ambiances feutrée et séduisantes.
De ces treize reprises fort bien ciselées, on retiendra entre autres « You’ll Never Change » aux réminiscences Chicago blues –les amateurs d’Otis Rush comprendront– un « Try Love » où Mary Ramirez nous offre des gimmicks que n’auraient pas renié Hank Marvin ou encore l’entraînant « Nothing But A Heartache ». On aurait sans doute aimé que ça décolle un peu plus, mais la finesse du travail est irréprochable.
Pour profiter pleinement de “Shaky Hands”, il faut un brin d’imagination. Juste assez pour s’imaginer perdu en plein hiver. Sous le manteau blanc de la neige, des champs à l’infini attendent le printemps, sagement. Il fait froid, les doigts sont congelés sous la brise, les remuer ne suffit plus à les réchauffer. Au milieu de ces champs trône un chalet providentiel. De la fumée sort de la cheminée, et sa volute dessine des cercles de joie à l’intention du Père Noël. En pénétrant dans le gîte, il y a des bûches et un sapin qui remplissent l’espace avec une poésie de circonstance. Sous le sapin on dénombre très exactement treize cadeaux. Le sapin, c’est le groupe de Portland Shaky Hands ; les cadeaux, ce sont les merveilles qui composent leur premier elpee (éponyme). Dès l’ouverture du premier présent, il vient s’ajouter à l’atmosphère générale du chalet, une odeur de cannelle et de pain d’épices. L’ambiance est plus que plantée, elle se grave au fil des pistes et prend place à travers nos globules. Petite merveille de douceur et d’émotion, « Shaky Hands » est un album magnifique qui se déguste surtout avec gourmandise. De « Whales Sing » en passant par « We Will Rise » ou « Sunburns », il s’opère à chaque morceau un moment magique. Pop/rock dans l’âme, l’album se détache du coté classique du genre, un peu à l’instar de The Shins, leurs potes, voisin de région et partenaire de scène lors de leurs derniers concerts. C’est sans compter que le combo propose des instruments différents (flûte, harmonica,…) et pousse les chœurs bien forts pour reprendre à l’unisson des morceaux incroyables tels que « Why & How Come», « I’m Alive » ou « Host Your Day» ». Les Américains proposent même un cachet folk digne d’un Sam Beam : « Another World Pt.2 ». Oublié le froid, c’est sous le charme d’un craquement de bûche qu’on se délecte de la chaleur de l’instant. « Shaky Hands » est le plus beau cadeau de Noël que vous pouviez recevoir. Et si on ne vous l’a pas offert à l’occasion du 24 décembre, il est grand temps de vous le procurer personnellement. Sans oublier de réclamer l’emballage cadeau. Ils sont logés chez Memphis Industries (The Go ! Team, Arthur & Yu, The Ruby Suns,…), label qui, rappelons-le, possède un vivier de plus en plus productif et de qualité !
Depuis quelques semaines, la discographie du boogie band de Los Angeles a été fort bousculée. Elle s’est enrichie de quelques nouveautés sous la forme de Cd et Dvd, mais également de toute une série de rééditions dont certaines présentent un intérêt évident pour les nombreux fans du Heat. Paru chez SPV, ce double album bénéficie d’un luxueux digipack cartonné. Il réunit "Human condition", paru à l'origine en 1978, et "I used to be mad! But now I'm back crazy", un elpee signé Henry Sunflower Vestine. Peu connu, ce dernier avait été concocté en 1981. A Auckland, en Nouvelle Zélande. Quelques mois à peine après le décès tragique de Bob Hite.
Mais revenons d'abord en 1977. Nous sommes dans les studios Takoma à L.A. Bob the Bear incarnait alors le leader incontestable du Heat. Il se réserve le chant et harmonica. Il est soutenu par son frère Richard, à la basse, Fito de la Parra aux drums ainsi que de ses nouveaux guitaristes, Chris Morgan et Mark Skyer. Ce n'était pas la meilleure époque du combo. Mais si cet opus n’est pas inoubliable, il n'est pas non plus dénué d'intérêt. Il rendait d'abord un hommage au regretté Alan ‘Blind Owl’ Wilson qui avait composé la plage éponyme, aux lyrics largement autobiographiques. Il avait d'ailleurs enregistré cette plage fin juillet 70, quatre semaines seulement avant son suicide. Boogie clean, "Human condition" épingle des échanges de cordes à bon niveau! Blues rock, "Strut my stuff" bénéficie du concours des Chamber Brothers. Aux vocaux. "Hot money" est chanté par Mark Skyer. Bob produit de jolies phrases à l’harmonica, sur cette plage construite sur un riff emprunté au R&B. Hite chante "House of blue lights", un boogie de bonne facture caractérisé par une sortie de guitare très offensive. "Just got to be there" est cosigné par Harvey Mandel. On peut y reconnaître son jeu aérien. "You just got to rock"… émarge au rock'n'roll. Dieu merci ! "She's looking good" baigne dans le blues rock décontracté. Repris en chœur par les Chamber Brothers, devant une excellente slide, "Open up your back door" recèle un refrain contagieux. On a droit à deux bonus tracks. Deux titres enregistrés live. En Australie. En 1985. Tout d’abord "Kings of the boogie". Un morceau issu de l’opus "Live in Australia", auquel ont participé Mike Halby, Ricky Kellog et Ernie Rodriguez. Et ensuite "Refried hockey boogie". Un instrumental de plus de 23' qui bénéficie du concours de Walter Trout.
Bob Hite n’est plus de ce monde. La formation est quand même partie aux Antipodes. Nous sommes en 1981, en plein cœur de la tournée. L'idée de faire enregistrer Vestine commence à germer ; et le Heat au complet se retrouve dans les studios Mascot d'Auckland. Le disque s’ouvre par une version déjantée de "Dust my broom". Ricky Kellog chante et joue agressivement de l’harmonica devant un Vestine ébahi, moulinant à l'infini le riff d'Elmore James. "Searching for my baby" émarge à la soul. Un choix surprenant chez Vestine. L’elpee recèle plusieurs plages instrumentales. Elles témoignent de la bonne forme affichée par Sunflower à l'époque. On a ainsi droit à "Sunflower blues", "Loquismo, la cover du "The stumble" de Freddie King et bien entendu le mouvementé "LSD boogie". Se son timbre uniforme, Ernie Rodriguez chante trois classiques. L’inévitable "On the road again", le dynamique "Let's work together" et "Johnny B Goode". Sur ce dernier, Ricky Kellogg découpe son solo d’harmonica au rasoir. La voix de Mike ‘The mouth’ Halby est ravagée tout au long de "Ninety nine and a half", un excellent R&B exécuté bien dans l'esprit du Heat. Il se réserve également les parties vocales pour "High school dance", une autre surprise soul quasi doowop, et "Kings of the boogie". Ricky ‘Cherry Red’ Kellogg, un ancien du Elvin Bishop Band, interprète l’excellent blues lent "I need a hundred dollars". Son timbre est éraillé mais coloré. Son harmo produit un son étrange. Si cet album ne brille pas par son originalité, il tient bien la route. Et si Vestine était encore en vie, il n’aurait pas à rougir de cette œuvre…
Ce coffret réunit 2 Dvd. Le premier immortalise un set live accordé à Montreux en 1973 ; et sous-titré "Boogie with Canned Heat – The Canned Heat story", le second constitue un documentaire consacré à l’histoire du combo mythique.
Nous sommes au cours de l'été 1973. Au Festival Jazz de Montreux. Pour une soirée ‘Blues’. Le rideau s'ouvre sur le Heat qui démarre en puissance par leur hymne "On the road again". Bob ‘The Bear’ Hite est à l'avant-plan. Il n'est pas trop enveloppé et semble en bonne forme. Il chante et balance ses interventions à l'harmonica. Autour de lui, on retrouve les inévitables Henry Vestine à la guitare et Fito de la Parra à la batterie. Sans oublier son frère, Richard Hite à la basse, James Shane à la guitare et Ed Beyer aux claviers. Le public est nombreux. Les vibrations sont bonnes et la prise de son impeccable. Henry égrène ses notes en guise d'introduction à un blues lent. The Bear s'approche du micro et introduit un grand parmi les grands : Mr Clarence ‘Gatemouth’ Brown. Il a l'air bien jeune. Il épaule sa guitare et se met à chanter d’un timbre chaleureux et rassurant, "Please Mr Nixon". Shane se réserve le premier solo de cordes tandis que Gatemouth glisse au violon. C’est le bonheur complet! Très éclectique, Brown embraie à l'harmonica. Il s’attarde sur cet instrument pour attaquer "Funky", un instrumental vigoureux auquel le public participe largement. A l’époque, Brown était très extraverti. Il se comporte en véritable leader du Heat et délivre ainsi son "About my Oo Poo Pa Doo", laissant même Sunflower s'éclater sur ses cordes, avant de reprendre la manœuvre. Pendant ce temps, Bear semble vivre dans un autre monde, se secouant la carcasse de la tête aux pieds! Clarence termine par "Worried life blues", un classique éblouissant au cours duquel Bob l’hirsute souffle passionnément dans son harmo alors que Brown parcourt son manche avec panache. Le Canned Heat reprend les rennes de son show. James Shane empoigne le micro pour interpréter le classique "Night time is the right time". Hite revient chanter le hit ( ?!?!?!) "Let's work together". Il est excité comme une puce et parvient à faire décoller Vestine. Beyer s’active au piano lorsque Bob chante "Rock and roll music", à la manière de Fats Domino. Shane attaque "Lookin' for my rainbow" de son bottleneck acoustique. Il y partage un duo en compagnie de Beyer. Le concert s’achève. The Bear saisit une Gibson Les Paul et se met à plaquer les accords immortalisés par John Lee Hooker. C’est le signe de départ d'une finale enflammée : "Shake 'n Boogie". La silhouette longiligne de Vestine émerge pour produire son boogie déjanté avant de laisser Fito, bien plus chevelu et barbu qu'aujourd'hui, s'éclater à son tour sur ses fûts!
Le Canned Heat story est découpé en tableaux successifs. Tout d'abord, un hélicoptère survole le site du festival de Woodstock. Nous sommes en 1969. Al ‘Blind owl’ Wilson ne porte pas de lunettes. Il joue de la slide. Le son est puissant. Il introduit le boogie. Larry Taylor est à la basse et, pour la première fois, les cordes sont dévolues à Harvey Mandel.
Le narrateur nous raconte les débuts du groupe à L.A, lorsque Mark Andes se consacrait à la basse et Frank Cook aux drums. Alfredo ‘Fito’ de la Parra va nous guider de sa voix pendant plus de deux heures pour retracer cette aventure extraordinaire. Un documentaire parsemé d'interviews (notamment celles de Skip Taylor, leur premier manager, et de Larry Taylor), de nombreuses photos et courts métrages.
Eponyme, le premier elpee est paru en avril 1967. Il salue le séjour de Larry ‘The Mole’ Taylor à la basse.
Les musiciens du groupe sont jetés en prison. A Denver, au Colorado. Motif : détention de marijuana. Al Bennett, le patron de Liberty, paie 10.000 dollars pour les libérer ; mais en échange, prend désormais 50% de leurs droits d'auteurs. Bennett avait fait la bonne affaire, puisqu’elle allait lui rapporter au moins 2 millions de dollars par la suite!
Fito débarque et remplace Cook avant l'enregistrement du second album : "Boogie with". Vêtu de son incroyable pochette psychédélique, cet elpee recèle le hit éternel "On the road again", un titre au cours duquel la voix aérienne de Wilson et l'harmo de Hite font merveille.
Août 69. C'est le festival de Woodstock. Suite aux disputes incessantes entre Taylor et l'imprévisible Vestine, un nouveau guitariste a été recruté. Ce n’est pas Michael Bloomfield. Il a pourtant été contacté, mais il a refusé l’offre. Harvey ‘The Snake’ Mandel reprend donc ce rôle. Woodstock c'est aussi un hymne célèbre : "Goin' up the country".
"Future blues" est paru en 1970. Al Wilson y lance déjà un cri d’alarme pour la protection de l'environnement. Au passage, on y découvre de superbes extraits de l'émission "Beat club" diffusée sur la TV allemande. Lors de l’interprétation de "Let's work together", Mandel se révèle impérial. La voix de Bear est autoritaire. La slide de Wilson bouleversante. L'histoire de la réalisation de la pochette est épique. Les prises de vue ont été opérées dans le désert, pour recréer les paysages de la Lune. Les musiciens sont vêtus de combinaisons de cosmonaute. Ils plantent le drapeau américain… à l'envers. L’entreprise est couronnée de succès, mais Larry est fatigué. Il quitte le navire et emmène Mandel pour rejoindre le projet de John Mayal, ‘USA Union’.
Taylor parti, Vestine revient et Tony de la Barreda se charge de la basse. Canned Heat et John Lee Hooker célèbrent alors leur première collaboration sur "Hooker 'n Heat". Le roi du Boogie considérait Wilson comme l’harmoniciste le plus brillant de l'époque. Pourtant, ce dernier était de plus en plus déprimé. Et il a fini par se suicider. C'était le 3 septembre 1970. Ce qui n’a pas empêché l’aventure du Heat de se poursuivre. Jusqu' aujourd'hui encore! La suite de cette histoire sur le Dvd…
Il est des soirées entres potes où tout est organisé ; où la moindre activité a été réfléchie, et votée à l’unanimité. Certains apprécient cette discipline du divertissement, d’autres préféreront une spontanéité farfelue qui peut mener aux confins de l’inimaginable. Apparemment Grizzly Bear et ses paires (c’est facile je sais) ont réussi un compromis entre les deux. Intitulé « Friend (EP) », l’album n’a d’epee que le nom. Dix titres c’est un peu long pour le format proposé. Laissons donc de coté cette étrangeté pour nous intéresser au reste du titre de l’album : « Friend ». C’est ce mot-là qu’il faut retenir. Il ouvre les portes à CSS, Band of Horses et Atlas Sound qui en profitent pour produire « Knife » et « Plans », tout droit sortis du précédent album de leurs hôtes : « Yellow House ». Ces covers habilement travaillées témoignent du respect envers les auteurs initiaux, et effacent l’idée de reprises faciles et mercantiles. Le reste de l’album est composé d’adaptations plus ou moins réussies par Grizzly Bear himself, se laissant le loisir de déformer des titres comme « Little Brother » (« Yellow House ») ou « Shift » (« Horn Of Plenty ») à leur guise. « He Hit Me » et « Granny Dinner » apparaissent comme seuls morceaux ‘inédits’ de la galette. N’ayant rien de bien extraordinaire, mais pas décevant pour autant, cet album s’ajoute à la discographie des Américains comme un trou normand. Il ouvre l’appétit pour le prochain plat. C’est bien beau de nous avoir affamés, mais maintenant les gars, aux fourneaux !
Certains le considèrent comme un réformateur visionnaire de la Pop. D’autres comme un représentant en musique d’ascenseur. Adulé ou snobé, Piet Goddaer est un artiste qui a, en tous cas, le mérite de susciter la controverse.
Ce double album tire le bilan d’une période de 10 années au cours desquelles, il a récolté un succès populaire incontestable. A l’échelle nationale, bien sûr. Le premier CD revient sur les morceaux-phares et épingle deux inédits de bonne facture (« Godspeed » et surtout « Genoa Blue »). Le second propose une série de remixes, offrant une seconde vie plus ou moins convaincante, à toute une série de chansons.
Qu’on aime ou pas, force est de constater à l’écoute de ces morceaux que Piet Goddaer est un perfectionniste. Il soigne tant la forme que le fond. Peut-être parfois trop d’ailleurs ; le maniérisme insufflé par le Gantois à ses compos peut même parfois énerver, et les confiner dans une atmosphère vaporeuse, dont la fadeur se teinte parfois de mauvais goût. En témoignent ces effets sonores incessants, qui se contemplent le nombril ou ces horripilants samplers estampillés ‘World Music’ (« Vespertine »). Ainsi, à force de polir ses diamants, le gentil Piet les prive trop souvent de force vitale, et ce malgré d’excellentes idées dont il a le secret.
C’est finalement lorsqu’il tend vers plus de simplicité et se contente d’un minimum de moyens que le Belge laisse enfin l’émotion affleurer. En témoigne le très beau single « Indian Summer ». On attend de pied ferme l’orientation que prendra sa carrière.
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