Deuxième tentative d’ensorcellement de la part de Beach House, deuxième mission accomplie. A peine quelques mois après la sortie de son œuvre d’introduction, le duo montre, comme il l’indique lui-même, toute sa « Devotion » aux notes délicates et éthérées ainsi qu’à la pop psyché. Alex Scally et Victoria Legrand, propriétaires de cette demeure balnéaire, délivrent à nouveau une succession de plages hantées par le fantôme de Nico.
Dès le frottement de caisse annonçant l’ouverture de “Wedding Bell”, les convives plongent, bon gré mal gré, dans un océan de bien-être dont ils n’émergeront que longtemps après les dernières notes de “Home Again”, titre sonnant la fin du voyage avec une justesse prodigieuse. Les invités auront, entre-temps, croisé la route d'étranges peuplades sous-marines ainsi que de nombreuses autres inquiétantes et indistinctes formes de vie. Le voyage à vingt mille lieues sous les mers aura par ailleurs atteint des sommets de beauté à plusieurs reprises (« Gila », « D.A.R.L.I.N.G. » et « Some Things Last (A Long Time) », cover d’un classique de Daniel Johnston). En quelques mots, le second séjour proposé par Beach House est à la fois si apaisant et curatif qu’il devrait être remboursé par la sécurité sociale.
Arsenal a écrit la bande sonore de l’émission télé « de Poolreizigers ». Paru il y a quelques mois, ce disque immortalise cet exercice de style sur cd. Treize titres instrumentaux qui délaissent les ambiances ensoleillées entretenues habituellement par le groupe, pour favoriser des titres qui lorgnent vers la ‘new wave’ des années 80, Cure et New Order en tête. Pas de quoi ressusciter Ian Curtis, juste de la musique d’accompagnement à l’ambiance froide (logique, c’est une émission sur le Pôle Nord). Les guitares regorgent d’écho et de delay comme au bon vieux temps, la rythmique claque comme si on était au premier concert des Simple Minds et les synthétiseurs ‘vintage’ se taillent la part du lion : Korg, Moog et Juno 103. Verdict : anecdotique et réservé aux fans. A la tienne, Robert ! (Smith)
Cet album est paru l’an dernier, mais il vient seulement de bénéficier d’une distribution officielle en Belgique. Il est le résultat des élucubrations de deux jeunes Américains. Andrew VanWijngarden et Bert Goldwasser. Issus de Brooklyn, très exactement, ils sont apparemment experts en recyclage. Pour enregistrer cette œuvre, le duo a reçu le concours de Dave Fridmann (Mercury Rev, Flaming Lips) à la production. Et inévitablement, on sent son empreinte tout au long de cet « Oracular spectacular ». MGMT (prononcez Management) tapisse les 10 plages de synthés eighties. Souvent dans l’esprit des Berlin Blondes. Mais sa musique est le fruit d’un savant cocktail opéré entre glam, psychédélisme, disco, funk blanc, new wave, folk, électronica, indus, prog, noise, pop et space rock. Et la liste n’est certainement pas exhaustive. D’ailleurs, aux références susvisées, le fait de citer des noms comme Bowie, le Genesis de l’Archange Gabriel, les Bee Gees, Grandaddy, Stackridge, Ween, LCD Soundsystem, Suicide, les Sparks, Of Montreal, Prince ou encore Hall and Oates ne peut que davantage noyer le poisson. On a même droit sur « Handshake » à un morceau particulièrement étrange; sorte de conte merveilleux abordé à la manière de Mew. Une constante : les vocaux falsetto. Souvent reverb. Et les arrangements très soignés. Quand à la plupart des lyrics, ils traduisent les rêves de star des deux Newyorkais.
Si vous souhaitez voir le concert mega d' MGMT du 6 mars au Paradiso à Amsterdam, cliquez sur le lien suivant : http://www.fabchannel.com/mgmt_concert
Vidéoclip: http://www.youtube.com/user/mgmtmusic
iTunes:http://phobos.apple.com/WebObjects/MZStore.woa/wa/viewAlbum?id=264720008&s=143446
Tunng est un collectif à géométrie variable qui ravive le fantasme de la pure création musicale où chacun laisse libre cours à son inspiration ; et ce « Good Arrows » évolue au gré d’un ‘on-ne-sait quoi’ pourtant terriblement harmonieux. La ligne mélodique se trouve, se perd. Une voix féminine disparaît puis refait surface. Un cuivre surgit et s’évanouit aussitôt. La mélodie revient de nulle part avant de s’éclipser, à nouveau, dans un silence plus ou moins long…
Aucun morceau ne cherche à dissimuler son humeur versatile tout en restant profondément bienveillant. Et si la réalité de la production a certainement été bien plus règlementée, le génie de Tunng est d’avoir rendu cet ajustement si fluide et nonchalant qu’on se laisse porter par la surprise, dupe et à la merci de cet enchaînement de style toujours renouvelé. Un imaginaire kaléidoscopique où les sensibilités s’épanchent à travers autant de vocalises délicatement juxtaposées. Ainsi ébauché, l’ensemble se teinte d’une émotion sise à mi-chemin entre le folk et l’électronica. Les guitares acoustiques côtoient les manipulations numériques, un xylophone mélodieux est rompu et promptement acheminé en sons synthétiques saturés type Earlies, des handclaps à la Wolf Parade s’inclinent devant des bruits de verre brisé et autres sonorités improvisées qui maintiennent toujours en haleine et éveillent à souhait les imaginations débordantes. De quoi s’agit-il cette fois ? D’épingles dans un pot de confiture ? De flûte de pan à distorsion ? En tout cas, un carillon, une sirène, des rires surgis de nulle part. Mais toujours, ces incursions sont livrées à point, de sorte que l’incongru se fond dans la chaleur des voix et des instrumentations.
Une petite merveille en forme de boîte de Pandore. Jamais chaos n’avait été aussi accueillant. Comment ne pas se laisser séduire lorsque l’imprévisible s’éprend de douceur?
Après avoir illustré de nombreuses bandes sonores de mangas (Ghost In The Shell, Cow-Boy Be-Bop…) et milité au sein d’Elva Snow en compagnie de Spencer Cobrin (ex-batteur de Morrissey), Scott Matthew nous présente enfin sa première œuvre éponyme. Une œuvre très attendue par les (a)mateurs du film « Shortbus » de John Cameron Mitchell, au sein duquel il apparaît et pousse la chansonnette à trois reprises. Intelligemment réinterprétés et réorchestrés, les morceaux originellement destinés au long métrage (« In The End », « Upside Down », « Surgery ») s’entremêlent ici de manière gracieuse à une série de compositions folk aux textes aigres-doux (« Amputee », « Prescription », « Abandonned »).
L’Australien, manifestement enclin à la dépression et au chagrin, accompagne ses auditeurs à travers les méandres de sa vie sentimentale, en s’accompagnant d’un ukulélé tout en poussant des vocalises qui rappellent à la fois David Bowie et Elvis Costello. Paradoxalement, malgré une écriture sombre, il se dégage de l’œuvre un élément d’espoir. Un peu comme si l’interprète déclarait haut et fort vivre une existence merdique, tout en assumant celle-ci et en étant conscient de la relativité de sa condition. Dans l’ensemble, « Scott Matthew » est un premier recueil troublant qui, à la manière d’un calmant, s’immisce progressivement dans le système nerveux jusqu’à en devenir indispensable. Une bien belle introduction.
Depuis 1996, les Radar Bros. décrochent un petit morceau du soleil de Los Angeles pour l’étaler délicatement sur chacune de leurs compositions. « Auditorium » n’échappe pas à la tradition. Pour la cinquième fois de leur carrière, les faux frangins délivrent une solide collection d’hymnes à la nature. Un « Auditorium » en plein air, où la liberté est une valeur fervemment défendue. Fredonnant les merveilles de leur nouveau recueil, les Radar Bros. enchantent un public très légèrement vêtu et heureux de l’être. Pieds nus sur la pelouse, les adeptes de la formation se meuvent alors entre la faune et la flore, sans se soucier un seul instant du reste du monde. Comme s’ils vivaient les meilleurs instants de leur vie.
Le slowcore libérateur d’« Auditorium », évoquant un Pink Floyd circa « Breathe », recèle douze remarquables morceaux se mariant à merveille au retour du printemps. Cette production irréprochable marque un retour aux sonorités de « And The Surrounding Mountains » (2002), l’un des meilleurs disques du trio, devenu quartet depuis l'intégration définitive de Jeff Palmer, le guitariste de tournée. Si on l’imagine illustrer à merveille la b.o. d’un petit film indépendant, c’est surtout en fond sonore de longues promenades sous le soleil que cet « Auditorium » pourrait illustrer tout son potentiel.
We Are Scientists, version 2.0. Deux ans après « With Love And Squalor », les scientifiques de Brooklyn sonnent l’heure du retour, en oubliant toutes leurs promesses. Eux qui, de leurs féroces coups de grattes, déclaraient la guerre à la morosité de la manière la plus efficace qui soit. Depuis, un membre du trio, Michael Tapper (batterie), a claqué la porte du labo, emportant sous sa veste toute l’inspiration du désormais duo. Sans conviction apparente, la nouvelle mouture de la formation s’extirpe pour la seconde fois de leur antre pour présenter leur nouveau pamphlet. Pourtant pleines de bonnes intentions, les formules distillées sur « Brain Thrust Mastery » peinent à séduire. Les effets de « Nobody Move, Nobody Get Hurt » et « The Great Escape » se sont estompés pour laisser place à des rythmes quelconques, rébarbatifs et, par conséquent, prévisibles. Excepté un « Lethal Enforcer » délicieusement eighties et un « Chick Lit » dont le riff de guitare sonnera étrangement familier aux fans de Breakwater et Daft Punk, l’ensemble de ce nouvel essai est indigne d’une formation dont on attendait beaucoup. Le chiffre porte-bonheur de We Are Scientists ne sera manifestement pas le 2...
Que les fans de Motorpsycho ne s’y trompent pas. Bien que leur nom soit emprunté à une chanson des Norvégiens, Taïfun distille une power pop lorgnant vers l’emocore des premiers jours au moment où l’on s’y attendait le moins. Le titre « Snow Turns To Sleet » ouvre le bal sur une touche de douceur assez bienvenue avant de laisser place à des « Cop Cars » ou « Silence The Facts » plutôt énergisants. Quelques bémols cependant. Bien que les mélodies soient en majorité ‘nickel’, l’ensemble manque cruellement de travail au niveau des vocalises. Même des « Torpedo » et « Collective Mind » aux riffs assez accrocheurs finissent par lasser. Car maltraités par des chants peu harmonieux et un mixage assez moyen. Des éléments que Taïfun peut manifestement rectifier, comme en témoigne « Snow Turns To Sleet » et son bel arrangement. Allez les mecs, encore un peu de travail et on repassera vous voir…
Le moins que l’on puisse écrire, c’est que la sortie de ce double Cd/Dvd s’adresse avant tout aux fans de Muse. Bien sûr, les mauvaises langues vont se délier et reprocher au trio de tirer un peu trop sur la corde. Et pour cause. Après 3 Dvd ‘live’ (dont « Hullabaloo » et « Absolution tour ») et 4 albums studio, on peut dire que le band cultive le sens du marketing ! Au niveau promotion, rien n’a été laissé au hasard, non plus : medias, projections en avant-première dans les cinémas de métropoles, etc. Néanmoins, ne gâchons pas notre plaisir. A l’écoute et la visualisation de ce show titanesque, planté au sein d’un stade qui ne l’est pas moins, on a de quoi être impressionné. Les aficionados la première heure risquent même d’être étonnés du parcours opéré par Muse en une dizaine d’années, devenant par la force des choses (ou cette force obscure du marketing dont on vous parle ci-dessus), l’un des grands groupes pop/rock incontournables, au même titre que Placebo et autre Radiohead.
Hormis la galerie photo très moyenne, le Dvd ne recèle pas de bonus. Pas question d’interview ou de reportage no plus. Uniquement le concert. Mais bon, en 1 heure 40 pour 20 titres, il n’y a pas de quoi faire la fine bouche.
Le CD est plus… compact. Il est découpé en 14 titres. Justifiée sur le Dvd (NDR : à cause de l’entrée en scène toute en couleurs), l’intro traîne en longueur et finit par devenir pénible à supporter. Heureusement, “Knights of Cydonia”, “Hysteria” et “Supermassive black hole” embraient pour le plus grand plaisir de nos oreilles. La déferlante de tubes épingle entre autres “Starlight” et “Time is running out ». Et lors du final, “Take a bow” provoque une véritable onde épileptique. Matthew James Bellamy semble au sommet de sa forme. Souvent comparée à celle de Thom Yorke, sa voix haut-perchée est en démonstration. Pourtant, lors de cet exercice de style, elle peut devenir irritante. Il y manque cependant quelques plages pourtant incontournables. Pas de “Bliss” ni de “Citizen Erased”, pourtant bien disponibles sur Youtube lors des mêmes concerts accordés au stade de Wembley le 16 et 17 juin 2007. Quant à “Feeling Good”, il figure bien sur Dvd, mais pas sur le cd.
Comme je le précisais, ce Dvd devrait combler les inconditionnels. Mais également le grand public, qui dispose ici bonne opportunité de (re-)découvrir ce groupe. A l’instar d’« Absolution », ce Cd/Dvd constitue d’ailleurs une excellente entrée en matière pour pénétrer l’univers de Muse. Et pour que votre info soit complète, sachez que le titre de cet opus live fait référence aux pièces principales du décor de la tournée : d’immenses soucoupes relevant d’un programme d’études scientifique américain, baptisé Haarp.
The Black Keys, les génies du blues rock contemporain, passent à la vitesse supérieure. Jusqu’ici reclus dans leur petite cave, Dan Auerbach et Patrick Carney ont décidé de balancer leurs vieilles habitudes aux oubliettes pour désormais voir les choses en plus grand. A l’origine, l’immense Danger Mouse (responsable du fameux « The Grey Album » et, surtout, autre moitié de Gnarls Barkley) les avait contactés, pour collaborer à un projet imaginé par Ike Turner. Malheureusement, suite au décès de ce dernier, le duo a dû interrompre les sessions.
Auerbach et Carney sont néanmoins rapidement retombés sur leurs pattes et ont décidé de poursuivre leur collaboration en compagnie du producteur. En résulte un « Attack & Release » parfaitement jouissif. « All you ever Wanted » et « I Got Mine », les deux plages introductives, nous plongent dans l’univers classique des Black Keys avant d’embrayer sur « Strange Times » et « Psychotic Girl », affichant les premiers symptômes du renouvellement. Dès les premières notes de ces morceaux, on identifie la griffe Danger Mouse, omniprésente sur tout le reste de cette surprenante nouvelle œuvre. S’enchaînent alors chœurs, piano, orgue, banjo, handclaps et autres sonorités, jusqu’ici étrangères au travail du duo.
Sans rien altérer de l’ouvrage des deux grands musiciens, les arrangements du producteur donnent une dimension particulière à ce cinquième disque. Classique instantané, « Attack & Release » et sa collection de tubes constituent un nouveau départ dont on attend d’ores et déjà l’étape suivante avec impatience…
Jason Collett, Amy Millan et Stars, Feist, Emily Haines et Metric, Apostle Of Hustle, Kevin Drew… La liste des projets parallèles engendrés par Broken Social Scene ne cesse de s’étendre, parfois pour le meilleur, parfois pour le pire. « Here’s To Being Here », le quatrième ouvrage de Jason Collett se situerait aux portes de la seconde option.
Après « Roll On Oblivion », une introduction à la Josh Rouse, voire David Gray, le Canadien s’embourbe dans une série d’imitations parfaitement exécutées. Sans le moindre souci d’originalité, Collett marque vigoureusement son amour pour la douceur des mélodies de Rouse (« Waiting For The World »), les vocalises de Bob Dylan (« Sorry Lou », « Nothing To Lose »…), et les intonations de son pote Hawksley Workman (« Henry’s Song »). A l’instar de ses travaux précédents, « Here’s To Being Here » est un irritant melting-pot d’influences qui finit par lasser au bout de quelques morceaux. N’a pas le talent de Dylan qui veut…
Alléluia. La quiétude est de retour. Par cette atmosphère douce et éthérée, Alison Goldfrapp et Will Gregory retournent vers les débuts glorieux de « Felt Mountain ». Leur nouvel album signe une tendance au folk envoûtant et psychédélique, à des années lumière des formes électroclash glamour de « Black Cherry » et des beats dancefloor de « Supernature ». Ces deux albums qui avaient laissé perplexes et séparé définitivement les amateurs de Goldfrapp entre un avant et un après irréductibles, sont ici balayés d’une voix adoucie et d’une instrumentation épurée. La gravité de Cat Power sans la dramatisation, l’harmonie des vocalises de Meg Baird sans la lente récurrence. Frissonnant et intense, parfois hanté, « Seventh tree » se peuple d’envolées cinématiques d’inspiration Ennio Morricone (« Clowns »), d’apogées trip-hop puisée dans les meilleurs moments de Massive Attack (« Little Bird »), voire de pop souriante presque candide (« Happiness » et « Caravan girl »). Un joli assemblage de perles aux humeurs dégradées, successivement éclaircies puis assombries. « Eat yourself », onirique et apaisé, fait tomber toutes les résistances. Non, la créativité de Goldfrapp ne naît pas seulement d’une émotion torturée ou d’un beat radiophonique irrésistible. « Seventh tree » fait la part belle à la simplicité de vocalises doucereuses couchées sur un lit mélodique haut perché, sans perdre le glamour peut-être désormais l’unique invariant de la discographie de Goldfrapp.
Vincent Delerm : un être désabusé et solitaire, à la limite de la misanthropie? Détrompez-vous, l'homme a plein d'amis, et des amis qui chantent en plus. Lors de son passage à la Cigale, ce portraitiste de société s'est offert chaque soir un mini-karaoké entre potes, sur des airs qu'il affectionne.
« Madame, c'était bien » est entre autres mis à l'honneur. Parce que oui, Vincent Delerm aime Reggiani et Bourvil. Méfiez vous du tranchant de l'album, car décidément il guillotine les préjugés sur le chanteur parisien. Inconditionnels de ce narrateur de notes, ne tremblez pas pour autant. Quel que soit l'air d'origine et le tempo, l'interprète ne s'allège pas de son phrasé caractéristique.
Si le coup de soleil qu'il se prend dans les bras de Valérie Lemercier ne risque pas de faire rougir Richard Cocciante, certaines reprises parviennent à réinventer la force d'origine. En binôme et sur piano appuyé, « Quoi » (avec Cali) tient la route. Et quand la malicieuse Irène Jacob déploie son exubérance souriante sur « Désir, désir » même Delerm semble se dandiner de plaisir. Premier rôle masculin d'un casting soigné –Souchon, Charhal, Bénabar, Renaud, Biolay et passons-en– l'artiste gagne en vitesse, en potentialités. Et si les prestations font rarement oublier les originaux, des arrangements intimistes naissent de nouveaux équilibres qui méritent d'être écoutés.
Du haut de ses 26 printemps et de sa gueule d’ange, Adam Green cache derrière lui une espèce de nonchalance qui a le don d’agacer certains musiciens. Véritable génie de la musique, cet ancien membre des Moldy Peaches, n’en est pas à son premier coup d’essai, depuis qu’il a entamé sa carrière solo. En 2002. Son cinquième opus, « Sixes & Sevens », fête le retour de l’été : ça sent bon le soleil et les plages de sable fin. Vingt titres courts, mais qui nous laissent tout le temps de respirer le bon parfum des vacances !
Dès l’entame du disque, le Newyorkais pose avec beaucoup d’aisance, ses ondes vocales douces sur des compositions toutes différentes et curieusement sans ordre préconçu. Variant d’une pop rétro dans laquelle il excelle en manifestant un humour très particulier (« Twee Dee Dee »), en passant par la folk sans prétention (« Drowning Head First ») et même le jazz de saloon (« Rich Kids »)! Branle-bas de combat donc pour ce « Sixes & Sevens » au cours duquel un impressionnant arsenal d’instruments a dû être réquisitionné. On retrouve ainsi des cordes, du piano et même une flûte de pan.
Parfois confus, on fait l’impasse et on se délasse à l’écoute de ce très beau cinquième album. En six années, ce jeune précoce aux revendications anti-folk, prouve être devenu davantage qu’un crooner à la voix incomparable, mais surtout un songwriter et musicien de talent. A son âge, on pourrait très bien dire qu’Adam est un artiste comblé. Espérons que ce raconteur d’histoires continuera à nous procurer toujours autant de tendres moments de musique.
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