Peu d'entre vous le savent, mais Martin Pugh était le guitariste de Steamhammer, un groupe anglais issu du british blues boom des sixties. Ce band avait commis un excellent titre en 1969, "Junior's wailing", une chanson qui sera reprise plus tard par Status Quo. Il s'est établi sur la côte ouest en Californie il y a un bon bout de temps et collabore avec Steamin' Stan Ruffo, depuis une dizaine d’années. Ce chanteur/harmoniciste local anime, en outre, un radio show particulièrement populaire : ‘Blues on Tap’. Le duo a concocté ce disque en y collant modestement le sticker ‘Modern blues with reverence for tradition!’
Pour chauffer le public, Martin Pugh s'embarque dans son "MP's Hide Out", une compo largement inspirée par le fameux "Hide away" de Freddie King. Stan lui donne la réplique sur son harmonica Lee Oskar. Les deux amis se plongent ensuite dans le style cher à Slim Harpo, à travers un funk léger intitulé "Just my luck". Une compo caractérisée par quelques bruitages désopilants et abrasée par la voix nasillarde de Stan. Les deux solistes sont très talentueux. Ruffo est également saxophoniste et sa manière de souffler dans l'harmonica en est une parfaite démonstration. Plage instrumentale, "No pork tonight" se révèle aussi atmosphérique que mélodique. Et le rôle des claviers aériens n’y est pas étranger. Stan interprète d’une voix grave "Ruffo's ride", un morceau humoristique. Blues de bonne facture, "Breakfast on Beale" nous ramène du côté de Memphis. Bien en place et d’une grande pureté, le cordes de Martin se dressent face à l'harmonica chromatique de Stan, pendant que l'orgue Hammond donne une coloration locale. Ruffo chante le récréatif "Pot Belly pig". Nous sommes à mi-chemin entre la Louisiane et le Tennessee. Un fragment au cours duquel les six cordes limpides de Pugh se détachent. L’ambiance est de plus en plus porcine. Et dans le cochon tout est bon. "Pork ribs" (un instrumental) s’avère même excellent ! Stan est passé au saxophone et il en profite pour transpercer l'écran sonore. Le titre final est également instrumental. Une longue plage qui porte bien son nom : "Torn pages". Martin Pugh feuillette les pages écornées de son album personnel. Des guitares réverbérées ouvrent la compo dans un style rappelant les dernières années d’existence de Steamhammer, lorsque le combo avait viré du blues rock au hard rock progressif. On distingue même, lors du passage d'un collage à l'autre, le thème de "Junior's wailing". Sans prétention, cet opus reproduit simplement les aspirations de deux instrumentistes qui aiment avoir le champ libre pour développer leurs propres idées…
Tout commence en 2001 à la London’s Westminster University. A cette époque, les deux comparses Mathieu Gendreau et Pieter Van Dessel, ne sont que compagnons de classe. Etudiants en Production Audio, leurs goûts communs pour la pop électronique vont les rapprocher un peu plus encore. La naissance de Plastic Operator prend forme. Malgré tout, les études finies, chacun vaquera à ses occupations professionnelles : ingénieur du son à Londres pour Mathieu, et sound-designer pour le cinéma et le théâtre à Anvers pour Pieter. Le couple ne s’est jamais vraiment séparé artistiquement, et c’est en 2004 que le fruit de leurs efforts apparait sous forme d’une démo 3 titres. Démo remarquée dans le milieu et agréablement accueillie par les blogs musicaux. Les félicitations pleuvent et les e-mails d’encouragement du monde entier débordent de leurs boites mails. Il n’en fallait pas plus pour les motiver et commettre un excellent elpee 11 titres : « Different Places ». Revendiquant des influences qui oscillent de Jean Michel Jarre à Vangelis en passant par Boards of Canada et Daft Punk, ce groupe est responsable d’un mélange vintage/pop electro, base d’un pilier bien stable, voué à progresser vers le haut. Les sons rétro des machines sont alimentés en énergie par des effets rythmiques contemporains. Evoquant tantôt à Ms John Soda, tantôt Telex, soutenu sans être écrasant, rythmique sans être redondant l’ensemble de l’album communique bonne humeur, énergie et envie de bouger. Un album electro/pop frais, idéal en prévision de la canicule prévue pour cet été…
Enregistré à Mexico en 2006, ce Dvd a été immortalisé par David Barnard, un personnage qui a déjà travaillé pour Gorillaz et Björk. Pas d’impro ni de solo, mais simplement un tracklist partagé entre nouveaux titres et compos incontournables dont une interprétation fastueuse du célèbre « Go West », en finale. Un enchaînement de tubes qui pourrait être considéré comme un hymne aux couleurs gay. On retrouve ce mélange de froideur et de chaleur qui caractérise le son et l’image du groupe, sur disque comme sur scène. Une structure cubique lumineuse mobile sert à la fois de piste de danse, d’écran de projection et meuble également la scène. Ce qui explique le titre de ce Dvd. Une flamboyance visuelle kitsch au cours de laquelle les tenues militaires brandissent le ‘rainblow flag’ et les cowboys rivalisent de clinquant.
Mais qui d’autre que notre ami Benjamin, grand fan de la première heure, était le plus susceptible de donner son avis sur la sortie de ce Dvd ? Je vous le demande ? Il se voulait ainsi plus qu’optimiste après avoir parcouru de bout en bout cette mise en boîte du dernier ‘live’ des PSB. Voici donc ce qu’il en pense…
Après avoir enregistré « Performance, Discovery, Nightlife » et « Release Tour », « Cubism » démontre une nouvelle fois la maîtrise scénique manifestée par Neil Tennant et Chris Lowe. En effet, ce film qui relate leur dernière tournée allie parfaitement image et son. Le visuel scénique, complet mais sans excès, atteste une fois de plus que les Pet Shop Boys restent prophètes dans leur art. Basé essentiellement sur les chansons de leur dernier album, en l’occurrence le très abouti « Psychological », « Cubism » se veut une démonstration de savoir-faire de nos deux compères. Leur prestation prend ainsi une noble dimension artistique. N’hésitant pas à rester dans l’ombre, c’est en effet dans la puissance de leur musique et dans la magnificence du vocal que le duo cherche la reconnaissance du public. Après avoir récemment travaillé en compagnie de Robbie Williams et de Madonna, les Pet Shop Boys prouvent une nouvelle fois, par ce Dvd, qu’ils sont incontournables en matière d’électro-pop’.
On l’a bien compris à travers le commentaire de notre ami Benjamin, les fans ne seront pas déçus…
Après avoir écoulé 500 000 exemplaires de son fougueux « A Certain Trigger », la formation britannique avait devant elle une porte béante sur la gloire. Pourtant, l’objectif était ailleurs. ‘Préciser notre identité’, avoue le leader Paul Smith qui, pour rappel, avait été repéré en 2001 par ses futurs compagnons dans un bar karaoké (où il reprenait le « Superstition » de Stevie Wonder). Enfants des Beatles, neveux des Libertines et admirateurs de Franz Ferdinand, nos quatre gars de Newcastle frappent tout simplement un grand coup, en se livrant corps et âme dans cette armada tonitruante de chansons vigoureuses et éclatantes de limpidité. Le single « Our Velocity » ne ment donc pas : on y trouve la force et la grâce que l’album distille tout au long de ses 12 travaux. Un choc à la fois sauvage, fragile et engagé.
Chris Whitley est décédé en novembre 2005, suite à un cancer des voies respiratoires. Il n'avait alors que 45 ans et laisse pour veuve, Hélène Gevaert. Une Belge ! Issu de Houston, ce chanteur/compositeur/guitariste reconnaissait une multitude d’influences musicales, et en particulier le country blues, le blues rock et le rock alternatif. Ce Texan a laissé pour héritage douze albums, dont le premier "Living with the law", était paru en 1991. Sa spécialité ? Réussir des mélanges improbables. Il était ainsi capable de rapprocher Muddy Waters et Howlin' Wolf de Kraftwerk ou encore Elmore James de Kurt Cobain. Jeff Lang est également chanteur, guitariste et compositeur. De nationalité australienne, il s’intéresse davantage à la musique folk. C’est également un fervent admirateur du blues original de Blind Willie Johnson et de Skip James, mais aussi de Bob Dylan, Richard Thompson et Ry Cooder. Il compte, à son actif, une bonne douzaine d'albums. Les deux hommes devaient se rencontrer et, lors d'une tournée accomplie par Whitley en Australie, au début 2005, ils enregistrent cet album, peu de temps avant la disparition de Chris. Le duo se partage les compositions, le chant et les guitares tout au long d’une œuvre qu'on pourrait qualifier d'électro blues-rock. Une musique roots mêlant savamment et délicatement instruments acoustiques et électriques. Une musique audacieuse quoique empreinte d’une grande pureté et d’une grande simplicité. Les reprises exécutées par le duo sont très personnelles, tant les deux artistes s’approprient les compos qu’ils interprètent.
L’opus s’ouvre par "Stagger Lee", un blues traditionnel de plus de sept minutes. Une incursion dans le monde de l'étrange. La voix de Chris est profonde, mystérieuse, poignante. Les guitares accentuent ce climat qui donne froid dans le dos. Constituée de Grant Cummerford à la basse et d’Ashley Davies à la batterie, la section rythmique est impeccable et créative. "Twelve thousand miles" est incontestablement la plage la plus blues. Jeff Lang chante d'une voix plus sereine, presque féminine. Il est assis sur un siège et tient sur ses genoux une lap steel, dont il tire des sons métallique. La plage est superbe. L’elpee recèle deux covers de Dylan méconnues : "When I paint my masterpiece" et "Changing of the guard". Le timbre de Chris est stupéfiant. Il est rejoint par celui plus frêle et surtout sensible de Lang. "Forever in my life" relève du répertoire de Prince. La sonorité de la lap steel transforme ce fragment en trip psychédélique. Dans le domaine de l’écriture, le sublime est atteint par "Rocket house". La voix intimiste, lugubre et énigmatique de Chris pose le décor sonore. Jeff le rejoint pour un duo acoustique. A cet instant, la complexité des deux guitares National carillonne à nos oreilles… Cette voix semble parfois sortir d'outre-tombe. Elle hante l'ensemble de cet opus. L'homme semble au bord du désespoir. Il ne fait aucun doute qu’il souffrait déjà dans sa chair. L’elpee est susceptible de nous surprendre à tout instant. A l’instar de ce "Dislocation blues", caractérisé par cet accompagnement minimaliste et répétitif, comme s’il émanait d’un continent lointain. Jeff gratte son chumbush, un banjo à douze cordes importé de Turquie, pendant que les percussions hypnotiques d'Ashley Davies donnent le change. Chris a écrit la meilleure compo de la plaque : "Velocity girl". L'inventivité et la créativité s’y rejoignent. Une plage aventureuse au cours de laquelle les parties de cordes torturées de Jeff Lang relèvent de la pure magie. L'Australien est bien un musicien extraordinaire. Jeff renvoie l'ascenseur en se montrant également avide d’expérience. Il chante "Underground" soutenu par les deux guitares National amplifiées, responsables de sonorités distordues et tourmentées. Pour notre plus grand plaisir, l’elpee recèle un bonus track. Une plage cachée, si vous préférez. En l’occurrence leur vision (version ?) du classique "Hellhound on my trail" (de Robert Johnson pardi !) mêlé à "Kick the stones". Un album curieux, difficile, mais d'une richesse insoupçonnée et exceptionnelle. Quel dommage que l’un des deux acteurs soit disparu!
Ce supergroupe de hip hop français compte en ses rangs quelques pointures comme Kéry James et des membres de 113 a. Apparemment, ils ont rencontré quelques difficultés pour sortir cette œuvre 100% hardcore et sans concession. Et à l’écoute de « Jusqu’à la mort », on comprend mieux pourquoi. En fait, ces morceaux apocalyptiques et paranoïaques ont dû effrayer plus d’une maison de disques. D’un autre côté il faut avouer que l’uniformité et l’ambiance menaçante de cette galette n’incite pas vraiment à s’y plonger plus de 15 minutes d’affilée. De « On n’a pas fini » à « Thug Life », ces 17 titres qui dépeignent la déliquescence planétaire et plus particulièrement française semblent s’amuser à mettre l’auditeur le nez dans la merde. A part quelques moments plus marrants et positifs comme « Tout est possible », les clichés un peu démagos (comme sur « On n’a pas fini », « C’est la guerre » ou le dansant « Voyous en costard ») évoquent les discours d’un politicien en campagne électorale. Côté musique les beats très électro (souvent confectionnés par Kery James) abusent un peu trop des sons et gimmicks crunk très (trop ?) à la mode aujourd’hui. Idem pour ces synthés ‘grand orchestre à cordes’ omniprésents. Heureusement, les emcees présents ici sont vraiment très bons. Un pouvoir d’évocation très fort (écouter les textes glaçants « Val 2 meurtre », « Thug Life » ou « Microbes ») et une exaltation rappelant le rap mortuaire des Gravediggaz.
Los Strait Jackets, une bande de vieux brisquards farfelus masqués, au service du rock. Dans mon jeune temps, les catcheurs masqués reflétaient ce troublant charisme, cette attirance cachée derrière leurs masques brillants et kitschs au possible. Les muscles camouflés derrière quelques boudins de graisse, les manchettes pleuvaient, les spectateurs huaient l’arbitre, le traitaient de ‘vendu’. Et le match s’achevait par une botte secrète du héros du soir, sous les vivats enflammés de ses supporters. Aux 4 coins du ring campent nos (actuels) lutteurs masqués : Lost Strait Jackets. Prêts à faire parler la poussière et couler la sueur. Comme arbitres, nos héros ont choisi les featurings de Cesar Rosas, Little Willie G et Big Sandy… ‘doooong’ : premier round ! Reprises des grands standards américains des années 60 tels que The Kinks (« All Day and All of The Night »), The Beatles (« Dizzy Miss Lizzy ») ou The McCoys (« Hang on Sloopy »). Pour n’en citer que trois. Le tout arrangé à la sauce rockabilly mexicaine et interprété en espagnol !!! Il est assez rigolo de retrouver ces mythiques chansons sous cette forme et on se prend même à fredonner les refrains en souriant. Les guitares roulent et les percus sont généreuses. Malheureusement, et un peu à l’image d’un burritos, l’excès tue le plaisir. A la longue, l’écoute prolongée commence à fatiguer. Plaisant à petite dose donc, ces catcheurs en costards vous feront vivre un bon moment et passer pour des païens face aux puristes des années 60… Caramba !!
La maturité éclot avec l’âge. Selon ce saint adage, nos vies prennent un tournant quand la conscience va de l’avant. Pour La Rumeur, la maturité n’a rien modifié. Dix ans après leurs débuts, ils font glisser les mêmes pinceaux sur la toile déchirée, comme un symbole du mensonge de notre société. Excellent groupe militant depuis ses débuts, fer de lance d’une subculture, ils nous ont ouvert les yeux sur les réseaux de ‘survie’ qui gravitent et se refusent à plier face à l’ennemi. Des centaines de concerts et 3 albums plus tard, ils alimentent toujours nos suspicions, en commentant la vie de tous les jours quand les lumières s’éteignent et que les ombres rôdent. Conscientisant la manipulation exercée par les mass-médias pour les politiques, ils l’utilisent à leur tour pour dénoncer sans trembler les écoutes, les bavures, la paranoïa des RG (le groupe à d’ailleurs été ‘approché’ par ces derniers). Censurés, en procès avec le ministère de l’Intérieur, les mots gravés dans le plomb sortent des mics et servent à produire des munitions. Ces balles fondues dans l’amertume laissent derrière elles des traces de souffre traçant bruyamment leur chemin dans les villes. Le beat lourd, grave et sombre sonne juste avec les paroles. Un minimalisme percutant, dérangeant et puissant. L’univers acide et suintant des enceintes transfigure le malaise que nous alimentons –malgré nous–quotidiennement, en baissant la tête face à nos illusions. Un album excellent, même si fort sombre, 3ème baril de poudre à mèche courte.
Les acteurs s’improvisant musiciens sont toujours source de légitime appréhension... Préjugé justifié au vu de certaines expériences allant du passable au pathétique (non, non, pas de noms !) Et puis, parfois, un petit miracle émerge au milieu des naufragés. Le cas de Juliette Lewis émarge heureusement à cette seconde catégorie. Dotée de solides capacités vocales, l’ex-héroïne de « Natural Born Killers » dédaigne la soupe calibrée FM dans laquelle beaucoup de ses collègues ont versé pour s’éclater en balançant une dizaine de titres purement rock & roll.
Le résultat de ce second album, tonitruant et diablement efficace, prend à la gorge dès la première plage, le bien nommé « Smash & Grab », et enchaîne les coups d’éclat, entre un « Hot Kiss » pervers, un « Killer » aux relents punk, un « Death Of A Whore » halluciné ou encore le stonien « Get Up » où la donzelle assume ses influences en affirmant « I Feel Like A Rolling Stone » ! Bien entourée par ses flamboyants The Licks, elle s’offre le luxe d’enrôler le jovial Dave Grohl (Nirvana et Foo Fighters pour ceux du fond) qui marque l’enregistrement de son groove lourd, implacable et puissant. Côté production, Dylan McLaren livre un travail très soigné sans pour autant dénaturer le contenu en le rendant moins rock ; l’excellent « Purgatory Blues » en constitue un bon exemple et mérite amplement sa place sur les ondes. Bien sûr, les grincheux diront qu’ils n’ont pas inventé la poudre, mais ce n’est pas le propos : nous sommes face à du rock & roll jouissif, balancé avec fougue et conviction, et c’est suffisamment rare pour être apprécié.
Trente-trois minutes de bonheur sans rien à jeter !
Interactivo est un groupe qui brise le cliché « Cuba=salsa ». « Goza Pepillo » affiche un bon aperçu de la musique écouté par les teenagers cubains, actuellement. On y retrouve des styles spécifiques à la plus grande des Antilles comme la timba, le són ou la rumba, mais aussi du rock, du rap, du funk et du jazz, le tout interprété à la sauce caribéenne. Interactivo rassemble les meilleurs musiciens de la jeunesse havanaise, et nous livre ici un petit bijou, tant au niveau de l’interprétation musicale que de la créativité. 14 titres oscillant du bongo à la boîte à rythmes sans pour autant irriter vos tympans.
Originaire de Lubbock, Joe Ely est un pur Texan, comme l'étaient Buddy Holly, Roy Orbison et Waylon Jennings. Cet artiste émarge à la roots music, une solution sonore issue de la rencontre entre la country et le rock'n'roll, mais impliquant des caractéristiques folk et blues. Compositeur, mais également poète, Joe parcourt les routes depuis plusieurs décennies. Eponyme, son premier elpee date de 1977. Le notoire "Honky tonk masquerade" lui succède un an plus tard, avant de laisser la porte ouverte à bien d’autres œuvres. Il fonde ensuite les Flatlanders flanqué de ses amis et concitoyens Jimmy Dale Gilmore et Butch Hancock. Puis se décide à créer son propre band, en compagnie du guitariste David Grissom. Ce Joe Ely Band entame son existence par l’enregistrement de "Lord of the highway", en 1987. Paru chez Hightone, il étrenne une aventure parcourue d'une bonne douzaine d’opus. Sans oublier, celle qu’il a menée en parallèle en compagnie de Flatlanders reconstitués. L'album a été concocté à Austin (Joe y est toujours établi), sous la houlette de Little Johnny Fader, qui apporte sporadiquement son concours aux percussions.
Amusant et sémillant, "Baby needs a new pair of shoes" ouvre l’album. Une compo imprimée sur un mode très rock. David Holt se réserve les cordes et le réputé Reese Wynans (un ancien musicien de Stevie Ray Vaughan), siège derrière l'orgue Hammond. "Sue me sue" embraie en maintenant le tempo dynamique, dans un style qui peut rappeler à la fois Creedence Clearwater Revival et le Sir Douglas Quintet du très Texan et regretté Doug Sahm. Mais Joe Ely, c'est avant tout Joe Ely. Et il ne faut pas nécessairement le soumettre aux comparaisons. Son roots rock est aussi personnel que… texan. Et il le démontre tout particulièrement sur "Hard luck saint". Il y a quelques années, Bruce Springsteen a participé à la confection d’un album de Joe. Et il est vrai que parfois, il existe des similitudes entre les deux artistes. A l’instar de l'excellente ballade, "Jesse Justice". Mais cette constatation est encore plus manifeste tout au long du superbe "Miss Bonnie and Mister Clyde", une chanson ressentie intensément par l'artiste. L’elpee recèle également quelques ballades texanes. Et je pense tout particulièrement à "Little Blossom", une compo dont la coloration tex mex rock est procurée par l'accordéon. "Up a tree" vire au rock. Mais un rock aux intonations latines entretenues par les cuivres et balayé par la guitare de l'invité Mitch Watkins. Dans la plupart de ses œuvres, Joe reprend une composition de son ami Butch Hancock. Et il ne déroge pas à la (bonne) règle, en adaptant "Firewater", une plage R&B rehaussée par la présence de cuivres. "July blues" est un… blues lent que Joe interprète telle une prière. Les lyrics sont chaleureux. Son vieux comparse, David Grissom, se réserve une intervention marquante sur les cordes. Plus rythmé, syncopé, "So you wanna be rich!" campe un autre blues au cours duquel Gjersoe s'emballe et opère sa meilleure sortie de l'album. Cet opus séduisant s’achève par un nouveau rock bien ancré dans le sud texan : "River fever" ; une plage marquée par le retour de Reese Wynans à l'orgue.
Tout le tabac fait autour de cette petite –c’est vite dit– Nantaise de 27 ans est-il justifié ? Est-il vrai que même certains hommes écoutent et essayent de décrypter les paroles de ses chansons ? Ce troisième album, à mettre à son actif, a-t-il le même impact que les précédents ? A mon humble avis, oui. Les paroles traitent de féminité, d’émotion et de sentiment. Le tout baigne dans une eau au parfum de plaisir et de vérité, attire l’auditeur qui, si ce n’est déjà le cas, se transformera en auditrice curieuse. Ce n’est pas un album pour les Femmes, c’est l’album d’une femme pour les Hommes. Pour ceux qui savent écouter, et se laisser imprégner. Focalisé exclusivement sur le thème de l’eau, symbolique évidente de la femme, la sincérité de l’ensemble des chansons laisse parfois pantois, comme impuissant face à une situation tellement classique. Les textes enveloppent les airs légers, les lestant parfois de clins d’yeux cruels (« Une Tonne », « Voilà », « On dirait que c’est normal »). Tantôt touchantes, tantôt drôles, les treize plages bien fraîches tapisseront votre cœur et vos oreilles en toute simplicité. Rockeuse dans l’âme et au début de sa carrière, la basse collée aux hanches à l’aide de super glu, Jeanne Cherhal surprendra les curieux, amusera les nantis et choquera les puritains. A vous de vous y retrouver.
Belle réussite que ce projet mené par le chanteur-guitariste J. Robbins, ex-Jawbox et Burning Airlines. Passé du label De Soto à Dischord, pilier du milieu indé de la côte Est, il semble avoir trouvé une formule idéale pour ses textes à portée clairement politique (« To The New Mandarins »), magnifiés par les vocaux célestes de la bassiste Janet Morgan (Mme Robbins à la ville) et la rythmique précise et puissante de Darren Zantek (ex Kerosene 454).
Catalogué post-punk –ce qui, je l´avoue, ne signifie pas grand chose pour moi, comme la plupart des sous-genres en ‘post’ ou en ‘core’– le trio trousse un cocktail envoûtant et emballant, entre dissonances, mélodies et puissance rock, à l´image de ce « To The New Mandarins », ouverture imparable surfant entre mélodies tordues, groove soutenu et chœurs ‘kimdealesques’ signés Janet Morgan. La suite est à l´avenant, savamment déstructurée, tutoyant constamment l´inattendu, comme sur l´épileptique « Hug The Floor », ce « Little Empires » à un cheveu du punk ou encore le martèlement sourd de « Unreal Estates », entre grondement de basse et mélodies décalées. « Mercury » parachève l’œuvre, final bâti en forme de lente montée en puissance, enlevé et aérien à la fois. Efficace et surprenant !
Même si la galaxie Wu-Tang a perdu de son éclat au fil des ans, il reste quelques irréductibles pour rendre hommage à la poignée de disques grandioses que le clan a produit au cours des années 90. Etablis à Detroit, les Wisemen sont emmenés par le beatmaker Bronze Nazareth qui a déjà collaboré avec le Wu par le passé. Les productions mélodieuses et gorgées de soul de Bronze Nazareth constituent l’attraction numéro un de ce disque. Elles évoquent immédiatement les travaux de Rza lorsqu’il était au sommet de son art. C'est-à-dire lors de la première vague des pléthoriques albums solos du Clan. Epaulés à l’occasion par Killah Priest, Gza ou encore Vastaire de Cannibal Ox, Kevlaar7, Salute, Phillie sont les emcees du projet et balancent leurs rimes exaltées. L’atmosphère nocturne et hantée tranche fortement avec le ‘bling bling’ à la mode pour l’instant. Sous son approche musicale, « Wisemen approaching » ne propose rien de bien neuf, mais cette œuvre sincère et attachante rappellera aux fans du genre les grandes heures du hip hop newyorkais. Sans pour autant tomber dans l’imitation banale. Le seul bémol procède de la relative uniformité de l’ensemble ; il est donc préférable de le déguster à doses homéopathiques.
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