Les deux premiers titres de « Ton Océan » évoquent un certain Saule. Même timbre, mêmes mélodies légères, mêmes jeux de mots et même humour. Pas étonnant donc que le Montois vienne partager « L’Amour fou » en compagnie de Guillaume Ledent, un sympathique duo pour un des morceaux les plus réussis de l’opus. De l’amour, il y en a beaucoup sur ce cd, comme quand l’artiste parle avec tendresse de la joie d’être parents (« Ma Noceuse » et « 25 à 35 ans »). Mais l’acidité (« Tout va bien », « Pipeau ») et la dérision (« Mac Gyver ») sont aussi au rendez-vous. Si les mélodies oscillent entre airs orientaux, musique des îles, gimmicks rock et rythmes reggae, c’est lorsqu’elles sont les plus dépouillées qu’elles sont les plus charmantes. En effet, la voix douce de Guillaume Ledent, soutenue uniquement du piano (« Paradis ») ou de la guitare sèche (« Roses d’avant ») est l’atout séduction de l’œuvre. Une œuvre qui lorgne manifestement vers des artistes comme M ou Pierre Rapsat. Plutôt plaisant…
Hissez la grand voile, faites rouler les tonneaux de rhum. Marco Polo et son équipage vont affronter les éléments. Le capitaine au long cours a embarqué des marins de qualité, triés sur la pointe de diamant d’une Ortofon. Fruit d’un travail de 3 ans, 18 plages, 23 featurings répartis sur 71 minutes (rien que ça), « Port Authority » laisse des sillages inaltérables, tranchant au fil de l’eau une écume laissée par d’autres artistes moins inspirés et moins bien entourés. L’esprit Old School de cet éternel jeune homme prouve qu’il a compris les origines du son ; car tout est excellemment mixé comme à la belle époque. Les samplers saisissent la parcelle nécessaire pour la répéter sans lassitude. Les vinyles embarqués à bord servent de figure de proue et de support aux excellents scratches répartis sur tout l’album. Pourquoi tout ceci n’est pas étonnant ? Pourquoi la qualité générale ne surprend pas ? Parce que dans le coin en bas de la pochette, il y a un logo : ‘Rawkus records’. Bijouterie musicale new-yorkaise, propriétaire de joyaux taillés dans le roc. Taillés pour tenir la route, les océans et tout ce que le voyage propose comme aventure. Rawkus c’est : Kidz in the Hall, The Procussions, Guru pour ne citer qu’eux, c’est le flair et le goût. En signant Marco Polo accompagné de Kardinal Offishal, Copywrite, OC, Jo Jo Pellegrino… ils savaient que la boussole ne leur fausserait pas la route et qu’ils se dirigeraient vers les bons ports, là ou le public les attend et où les acclamations pleuvront. Donc pour Marco et ses potes : maximum big up ! ! !
Howard est originaire de Detroit. Ce guitariste vit d’ailleurs toujours dans la Motor City. Son blues rock est électrique et puissant. Il tourne régulièrement en Europe flanqué de sa section rythmique : les El 34s. En l’occurrence le bassiste Bob Godwin et le batteur Charles Stuart. Naguère, il a joué en compagnie de l'harmoniciste noir local, Harmonica Shah. Une collaboration particulièrement longue. Les El 34s sont également responsable d’un album : "Brown paper bag". Glazer a écrit les treize plages de ce nouvel opus.
Il ouvre la plaque par le titre maître. Pour la circonstance, le trio est renforcé par l'orgue Hammond de Larry Marek. Howard n'attend guère longtemps avant de mettre le feu aux cordes. Cette plage d'ouverture est très participative. Les Greenfield Street Singers apportent leurs voix à celle du leader. Rock'n'roll bien emballé, "Let's go for a ride" emprunte le célèbre riff de Chuck Berry. Le gratteur est à son affaire. Il s’aventure en solitaire, suivi de ses fidèles acolytes. "Broken down Hotel blues" marque un retour au blues primaire, un morceau imprimé sur un tempo qu'aurait apprécié le géant Howlin' Wolf. Le son de la guitare est écorché. L'homme travaille sans filet, malmenant ses cordes pour créer son univers musical malsain. "Wonder why" constitue le blues lent usuel. Un exercice de style apprécié par Glazer. Ce musicien possède à coup sûr le feeling pour extraire de son instrument les phrases qu'il imagine dans son for intérieur. L'orgue épouse le chant. Les cordes reviennent sans cesse, même au bord de l'épuisement. Elles souffrent mais tiennent le coup face aux outrages que lui fait subir le maître. Le trio hausse le tempo pour aborder "Hanging by a thread". La section rythmique se révèle aussi solide que le métal de Detroit. Dommage que les chœurs féminins édulcorent quelque peu l'ensemble. Composition nerveuse, "Burning ain't no fun" est balayé par une slide gouailleuse, digne de l'albinos Johnny Winter. Blues étrange, presque grave, "Got to get going" mêle cordes acoustiques et timidement électriques. Les percussions semblent hors tempo. Une approche originale que Glazer devrait développer. Sans aucun doute la plage la plus originale. La machine bien huilée poursuit son chemin. "Take me back" se complait au cœur d’un climat torride. "Power" aligne un déferlement de notes triturées, décapantes. Il s’y dégage une énergie assez dévastatrice. Il n'est désormais plus possible de calmer le leader. Il n’en fait qu'à sa tête. Il s'engage dans un nouveau blues poisseux, saturé d'électricité, une compo intitulée "Walking in the rain". Dommage que le timbre vocal soit aussi monocorde car c’est un sacré musicien! Il fait rugir, gémir ses cordes, comme un Hendrix des temps modernes. "Bar fly boogie" prend son envol tout au long (oui, oui, et même bien long) boogie. Probablement une indication du style pratiqué par le combo sur les planches. Efficace, solide, soudée et entraînante, la section rythmique rencontre son moment de gloire! Howard achève cet album de bonne facture en solitaire. Il chante "Next train out", en s’accompagnant de sa guitare Resonator acoustique.
Une chose est sûre, ce sextet belge n’était pas en panne d’inspiration lorsqu’il a composé ce double album ou plus exactement ces deux albums. Car ils sont réunis sous un même box, tout en s’intitulant respectivement « Onze histoires aux fins plus ou moins étranges selon les cas » et « The mysterious walk ». Etrange et mystérieux sont effectivement deux qualificatifs qui collent le mieux à la musique de la formation. On pourrait également y ajouter celui de ‘délirant’ ; et en particulier pour le deuxième cd. En effet, si le premier propose un mélange cohérent et original de folk et de jazz, parfois agrémenté d’une touche de rock, il faut avouer que le second part dans tous les sens ! Beaucoup moins ‘calme’, on y retrouve cependant les mêmes courants musicaux explorés sur le premier ainsi qu’une bonne dose de funk. Le tout s’agrège pour donner naissance à des mélodies empruntant tour à tour des airs de pop-rock, de ballade funky, de B.O. de dessins animés, de sonate moyenâgeuse, de metal ou de rock’n’roll hérité en ligne droite d’Elvis Presley. Tous ces univers se succèdent parfois sur un même morceau, ce qui est pour le moins surprenant, voire déstabilisant !
Malgré le manque d’homogénéité du second opus, toutes les pistes de ce double sont musicalement de très bonne qualité. Les paroles sont quant à elle parfois superflues, même si elles remettent une couche de ‘déjanté’ à l’œuvre, comme quand, par exemple, elles racontent l’histoire de Jean-Pierre et de son penchant pour la charcuterie ! Ces récits sans queue ni tête sont, comme l’indiquent les titres respectifs des deux albums, chantés tantôt en anglais, tantôt en français.
Bref, il faut reconnaître que les six membres de Funk Sinatra sont d’excellents musiciens. Et que leur œuvre est aussi diversifiée que les mondes musicaux dont ils sont issus. Malheureusement, bien que recelant de très séduisants morceaux, elle se révèle trop longue et souffre d’un manque flagrant de cohésion. Notamment entre les deux cd qui la composent. Peut-être aurait-il mieux valu les sortir séparément ?
Que ceux qui n’ont jamais participé à un barbecue foireux me jettent la première rondelle d’oignon ! Ce soir-là, vous n’aviez pas envie de sortir, n’étiez pas spécialement motivé pour partager quelques saucisses et brochettes roussies sur la mémoire d’un charbon se consumant sans passion. L’odeur caractéristique de cette activité rappliquant avec le retour du beau temps, commence petit à petit à vous écœurer. Les brochettes, sans goût, affublées de viandes douteusement marinées et de poivrons sont bicolores après cuisson. Carbonisées et immangeables d’un côté, crues et indigestes de l’autre. Le réceptacle en fonte accueillant cette partouze d’aliments sera abandonné dans un coin du jardin après utilisation. « Check 1-2 » est la métaphore parfaite de cette tranche de vie. Complètement décousu, mal conçu, pompant et écœurant au possible, les anciens membres de The Skidmarks produisent un rock bâtard de mauvaise qualité, inconsistant, sautant de tempo en tempo, sans fil conducteur, sans but. La voix parfois idiote empruntée par Sander (?) est le point de non retour à ce piètre moment musical. Pour vous remettre de vos émotions, octroyez-vous plutôt un VPP (Vin qui Pique et qui Pète), après la mauvaise bouffe, un mauvais vin tiède communiquera plus de chaleur que les soi-disant braises proposées par ces Hollandais. Album à oublier rapidement
Pour enregistrer son sixième album studio, Björk semble avoir voulu faire le point. En proposant un album synthétisant tout ce qu’elle a pu créer à ce jour. Et surtout en revenant à une musique plus accessible. Ce qui ne veut pas dire que l’expérimentation soit absente. Au contraire. Mais cette œuvre suit un fil conducteur très palpable et devrait ravir ceux qui n’ont jamais juré que par « Post » ou encore « Homogenic ». Un fil conducteur qu’on pourrait également comparer à une marche. Marche en avant, marche militaire, marche forcée : une chose est sûre, la section de cuivres (à la limite de la fanfare) trame ce fil. Marche martiale, tribale et païenne, « Earth intruders » ouvre l’opus. Une compo également parue en single. Sur laquelle le collectif congolais Konono n°1 apporte également son concours aux percus. Car, pour concocter ce disque, Björk a bien sûr bénéficié de la collaboration de quelques invités. Antony des Johnsons partage ainsi un duo vocal. Sur deux plages. Soit le majestueux, épique, dramatique et presque funèbre (ces cuivres !) « The dull flame of desire ». Et puis l’introspectif « My juvenile », caractérisé par la présence d’un clavicorde. Timbaland ensuite. Préposé aux rythmes électro et à la mise en forme pour trois compos. Pas la plus grande réussite ! Mark Bell de LFO. Probablement la participation la plus efficace. Ce pionnier de l’électro inocule ses beats à la Autechre tout au long du poignant (ces cuivres !) « Wanderlust », un fragment abordé dans l’esprit d’un certain Thom Yorke. Il a coécrit et coproduit le violent, torturé et possédé « Declaration of independence ». Quelque part entre electro noisy et acid techno, ce morceau aurait pu naître d’une rencontre entre DAF et Front 242. Parmi les autres invités figurent le Malien Toumani Diabaté. On le reconnaît au son très caractéristique de la kora sur le léger « Hope ». La joueuse de pipa (un luth oriental) Min Xiao-Fen sur le délicatement asiatique « I see who you are », malgré un final enrichi de… cuivres… Parmi les compos les plus intéressantes, on épinglera l’inquiétant, voire menaçant (ces cuivres !) « Vertebrae by vertebrae », et enfin le solennel et désenchanté « Pneumonia », un titre partagé uniquement entre cuivres (encore !) et la voix de Björk. Oui, parce que sans sa voix exceptionnelle, Björk ne serait pas Björk.
Vous ne serez cependant pas trop étonnés d’apprendre qu’une partie de cet elpee a été enregistré en Afrique. D’ailleurs son titre ne fait pas seulement référence au physicien italien du XVIIIème siècle qui a inventé la pile électrique, mais aussi au lac artificiel au Ghana, sis sur le fleuve portant le même nom. Vous savez tout. Ou tout au moins presque pour opérer votre choix. Et ma foi, si vous aimez Björk vous ne serez pas déçus… D’autant plus que le digipack est très coloré et plutôt réussi…
Pour concocter son premier opus, Jeremy Warmsley a compilé des chansons issues de ses cinq premiers opus. Une œuvre qu’il a divisée en deux parties, un peu comme sur un vinyle. La première réunit des compos essentiellement acoustiques alors que la seconde s’aventure davantage dans l’électronique. Ou si vous préférez, il y a un peu d’électronique dans la première partie et un peu d’acoustique dans la seconde. Il émarge donc au folktronica. Et lorsqu’on écoute ses chansons, des tas d’artistes ou de groupes nous traversent l’esprit : les Beatles, Bright Eyes, James, The Divine Comedy, Magnetic Fields, Ben Folds Five, Sufjan Stevens, Antony & the Johnsons, They Might Be Giants, Mull Historical Society, Aphex Twin, Ryan Adams, Nick Drake et surtout Rufus Wainwright. Agé de 22 ans ce Franco-britannique tire ainsi parti de tout ce qui lui tombe dans l’oreille pour composer une pop contagieuse, mélodique, tantôt orchestrale, tantôt minimaliste, tantôt ambient. Une musique assez surprenante mais toujours chatoyante qu’il pimente de son timbre vocal falsetto, à la croisée des chemins de Tim Booth et évidemment de Rufus. Fermement établi dans l’âge digital, ce troubadour des temps modernes constitue une des toutes bonnes surprises de ce premier semestre. Il lui restera donc à convaincre en enregistrant un véritable album constitué de nouvelles chansons. Mais vu le talent affiché sur « The art of fiction », le succès est au bout du chemin… Et ce n’est pas une fiction !
A ce jour, Michael a enregistré 6 albums : trois comme chanteur/guitariste chez Dream City Film Club, trois en solitaire. Dont le dernier en date « Ghost in the motorway » est paru chez Glitterhouse. Rien que la chanson maître de l’album vous donne une petite idée du climat qui règne tout au long de l’opus. Elle relate l’histoire d’une victime d’un accident de la route. Histoire fatale, vous vous en doutez. Et la suite se passe de commentaires. Même le titre de l’elpee. Un disque qui ne respire pas la joie de vivre, même si Michael manie avec beaucoup d’habileté l’humour noir. Il passe ainsi en revue, à travers ses compos, des sentiments de culpabilité, de revanche ou de pardon traçant une ligne imaginaire entre le profane et le sacré, entre l’enfer et le ciel, entre la vie et la mort. Il ne faut pas oublier que Michael est irlandais et que malgré son exil aux States, les questions relatives à la religion continuent à torturer son âme. C’est sans doute ce qui fait la beauté et la profondeur de ses chansons qu’il interprète d’une voix rauque, vulnérable et tellement fragile. Musicalement, Sheehy se nourrit essentiellement de blues, de gospel (les chœurs !), de folk et de country tout au long de cet opus pour lequel il a reçu le concours de quelques invités ; et notamment son frère et guitariste Patrick McCarthy, la violoniste Fiona Brice, l’ex bassiste de DCFC Andrew Park ainsi qu’Ed Harcourt. A conseiller vivement à ceux ou celles qui ne jurent que par David Eugene Edwards, Stuart A. Staples, Nick Cave, Tom Waits voire même Johnny Cash.
‘La lumière revient déjà et le film est terminé, je réveille mon voisin il dort comme un nouveau né’ nous chantait Eddy Mitchell. On pourrait en substance dire pareil pour Projection Parallèle: long et soporifique. Présenté sur le thème du cinéma, le concept graphique est certainement la seule réussite de cette plaque bruxelloise (graphisme réalisé par Narco Traffic). Belle pochette donc, photos intérieures très réussies, l’emballage attire. C’est l’intérieur, le fond pour lequel la démarche visuelle n’a plus d’influence; c’est le conduit auditif qui souffre de la qualité. Non pas que l’album soit mal mixé ou que la qualité du son laisse à désirer. C’est carrément l’ensemble du beat et des paroles qui est indigeste. Des textes plats sur du Rn&B bateau, c’est du beau. Ca ressemble à de la mauvaise musique de peep-show, que vous pourriez entendre aussi à travers les vitres ouvertes d’une voiture hypra tunnée et subwoofée avec ‘goût’. C’est Same Same qui produit au sein de sa fraternelle asbl les 14 morceaux + bonus clip dvd (que je n’ai pas eu le courage de regarder). On décèle une envie d’intimité, de témoigner de leurs soucis, leurs questions, leurs croyances. On ne peut pas jeter la pierre aux artistes, on sent qu’ils y croient, et qu’ils sont sincères. L’apparition de leur clip sur MCM, leur passage sur Fun radio, et la tribu d’ados qui les suivent à chaque concert ont de quoi les motiver à continuer –hélas- sur ce chemin. Il y a donc un public –de d’jeunes semblerait-il- pour les écouter et leur témoigner tout leur support. Faudra pas m’en demander autant !
Tabernacle ! Revlà Montag ! Il lui a fallu un an, de janvier 2006 à janvier 2007, pour construire, coller, fragmenter, épaissir, tailler, refragmenter ‘at home’ sa troisième pièce. Au pays de la feuille d’érable, Montag est un poète musical, proposant des univers posés sur du velours, colmatant de sa douceur les brèches ouvertes de la morosité. Comme pour aller plus loin encore, il décide après ses deux premiers albums muets, de l’agrémenter de sa voix. En parfaite harmonie avec l’ambiance proposée, cette dernière résonne à la perfection dans l’univers pop joyeuse de l’artiste. Reverb’ et effets distos pourraient faire peur, tant l’utilisation parfois excessive de ces outils au chant, a tendance à se dénaturer sans goût. Mais pas d’excès ici, tout coule fluidement malgré les machines associées au micro. Pour un premier essai chantant, c’est une réussite. En parfait bilingue, deux morceaux sont interprétés dans la langue de Voltaire (« Alice » et « Plus Grand Que »). Les collaborations sur chaque plage, sont des atouts non négligeables pour l’ensemble de l’album. Et c’est soucieux de la qualité, de la diversité et du partage, que Montag aka Antoine Bédart a une idée saugrenue et altruiste : proposer via son site une boucle de 15 secondes, inspirant artistes, inconnus ou fans à leur envoyer, à leur tour, une boucle personnelle de même longueur pour les remixer ensemble. Et ça marche ! Plus de 70 sons en une semaine en provenance de 15 pays différents viennent remplir son panier musical, le projet de cyber-collaboration musicale intitulé « We Have Sound » est une réussite qui va au-delà des espérances. Tous les envois ont été utilisés et tous les sons sont intégrés au morceau « Going Place ». Nom qui sert aussi de titre à l’album. Générosité, partage, calme et volupté sont les maîtres mots qui résument à la perfection, les émotions gravées sur cet opus. Album à acquérir absolument si ces mots ne vous effraient pas !!
Les Rounders sont issus d'Oklahoma City. Un quintet réunissant Brian Whitten au chant, Ryan Taylor et Michael Stone aux guitares, Stu Williamson aux percus ainsi que Dave Spindle à la basse. La formation du groupe remonte à l’an 2000. A cette époque, elle avait décidé de tourner le dos au Texas blues démonstratif pour puiser ses influences dans celui du Delta et de Chicago. Leur tout premier album, "Little bitty can of worms", est paru en 2003. Le suivant, "Now-a-day songs", en 2004. Ryan Taylor en est incontestablement le leader, puisqu’il a écrit les treize plages originales de "Wish I had you".
"God knows I'm trying" nous transporte immédiatement dans l’univers du Delta du Mississippi (les sonorités !) ; mais un univers contemporain et très personnel. Une plage qui fait déjà mouche. Le titre maître constitue manifestement un des sommets de l'opus. La voix de Brian colle parfaitement à ce répertoire. Bien imprégnées de blues, les guitares tissent un décor très dense et riche. Les cordes adoptent surtout un profil rythmique mais la puissance de feu est peu banale. L'album ne suscite jamais l’ennui et manifeste une grande homogénéité. Les Rounders se sont forgé un style de base qu'ils développent suivant leur inspiration. Parfois, leur musique aborde un profil plus doux et mélodique et prend des accents qui flattent l’oreille. A l’instar de "You know better than that". Les guitares évoquent alors le southern blues rock des Allman Brothers. Signé par les gratteurs, "Through no fault of my own" est un autre sommet de l'elpee. Puissant, menaçant, ses changements de rythme sont marquants. La voix épouse bien le climat entretenu par l’instrumentation ; une instrumentation enrichie par l'harmonica éclaté de Dustin Arbuckle (la moitié du duo Moreland & Arbuckle), invité pour la circonstance. Une véritable claque ! "When it's bad" est également un autre grand moment de l’œuvre. Les guitares s’y révèlent littéralement oppressantes. "Let me talk at you" est taillé dans le même moule, encore que ce fragment se révèle plus rock dans l'assise rythmique, laissant le champ à des guitares déjantées. Les Rounders abordent avec le même bonheur des plages plus country. Et je pense tout particulièrement à "Oh my dear mind", une compo imprimée sur le rythme du chemin de fer. Ou encore "Oh why". Musclé, "When it's bad" déchire. Les guitares sont incisives et envoûtantes. Une plage dont la trame repose sur un drumming tout à fait élémentaire. Le talentueux harmoniciste Dustin Arbuckle revient prêter main forte au formidable "Wait for me". Une compo très participative au cours de laquelle les guitares se libèrent. Et elles profitent de l’aubaine. Blues imparable, "It wasn't my baby" adopte un format classique. D’excellente facture, cet elpee s’achève par un "Goodbye George" qui a emprunté les accents du Delta…
Pour ce troisième album, le petit génie du hip hop anglais (22 ans à peine) accouche de son œuvre la plus pop et dansante à ce jour, toutes proportions gardées. Vous n’y trouverez certes pas de duo en compagnie de Céline Dion mais l’atmosphère générale de « Maths+English » est très éloignée de l’aridité électronique présentée sur le précédent « Showtime ». Dizzee Rascal s’amuse ici à sampler les Arctic Monkeys, produit un duo imparable (et futur tube) en compagnie de Lilly Allen et parvient à faire sonner frais le break ultra pillé du « Think » de Lyn Collins (sur « Pussyole »). Parmi les autres réussites, on citera « Da Feelin’ », sautillant hommage à la drum and bass produit par Shy FX, un des meilleurs dans le genre. Sur l’introspectif « Excuse Me Please », Dylan Mills (le vrai nom de Dizzee) tombe le masque et cesse de rouler des mécaniques. Par contre et dans le rayon éprouvant/inutile, on rangera « Suck My Dick », triste pantalonnade qui parodie les Sex Pistols. A oublier aussi, l’apocalyptique « Sirens » et son déluge de guitares heavy metal. Dans la pure tradition des artistes hip hop qui ont des choses à vendre, Dizzee essaye de nous fourguer, sur « Bubbles », la paire de baskets qu’il a ‘designée’ pour la marque Nike : ‘Nike Air bubbles on my feet looking fresh’… Hormis ces quelques remarques, c’est un disque totalement audacieux et peut-être le dernier sursaut de l’artiste avant qu’il ne se mette à vendre son merchandising à longueur d’album. Sans oublier le flow tout terrain du gaillard.
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