Pourquoi Keith ? ‘Pourquoi pas Keith ?’, vous répondront Oli Bayston (chant), Mark Nicholls (guitare), John Waddington (basse) et Johnny Winbolt-Lewis (batterie). Pur produit de Manchester, le groupe en connaît ses légendes : The Smiths, Stone Roses mais aussi New Order et Happy Mondays. D’emblée, le single « Back there » prouve que le groupe a bien digéré ses influences et annonce les atouts de Keith : une section rythmique qui surfe sur la vague Madchester et la voix d’Oli Bayston qui, non sans rappeler celle de Morrissey, s’impose amplement, soutenue de temps à autre par des chœurs impeccables. Catchy, bien ficelé (ces gars-là sont des bosseurs), « Red thread » serait, selon les Mancuniens eux-mêmes, un « best of » réunissant les titres du premier EP (où figurait déjà l’imparable « Hold that gun ») et de nouvelles compositions. Le tout est cohérent, étonnamment cohérent même au vu de l’éclectisme qui s’en dégage. Car « Red Thread » puise, entre autres, parmi brit pop (mais sonne années quatre-vingt), Northern soul (la ballade « Gunshot revelry » aurait pu être signée par Badly Drawn Boy), indie (« Down below ») et psychedelia (l’obsessionnel « You »). Et au milieu coule « The Miller », ce morceau étrange qui débute sur des percussions aztèques avant de flirter avec l’avant-garde de Brian Eno. Au final, il ne s’agit pas d’un chef-d’œuvre mais simplement d’une collection de bonnes chansons qui, comme « Mona Lisa’s child », feront bouger le cul des nostalgiques de l’Hacienda. Frénétisme oblige…
Bande originale d’un film qui n’existe pas, le deuxième album de cette formation de Portland confirme la bonne impression qu’elle nous avait laissée sur l’album « Spirit in Stone », sorti il y a quelques années sur le même label. « Gutterfly » plonge l’auditeur au sein de l’atmosphère seventies des polars ‘blackploitation’, en vogue à l’époque. Un casting prestigieux (George Clinton, Oh No, Vernon Reid, Smif’N’Wessun, Fishbone et quelques autres) qui s’applique à rendre une trame éclatée sur des beats très efficaces où les orgues, cuivres et les guitares lascives apportent une forte dimension mélodique. Car la mélodie est le point fort des Lifesavas, que ce soit sur le dansant « Double Up » (produit par Oh No), la belle ballade de « No Surprise », le funèbre « Dead Ones » ou encore le funk caribéen « A Serpent’s Love » au cours duquel ISH (Digable Planets) pose les rimes. A signaler aussi, la belle intervention de George Clinton sur « Night Out » narrant l’histoire d’un contrôle de police qui tourne au vinaigre et la nuit subséquente. Bref, beaucoup de bonnes choses et peu de déchets. Un disque vivement conseillé.
Olabelle ! Un bien joli nom de famille pour ce sextet new-yorkais qui s’efforce de relire l’histoire pour mieux la réinterpréter. Les mélodies traditionnelles s’offrent donc un lifting dans le salon d’Olabelle, coiffeur contemporain et typiquement américain. Le folk, le blues, le gospel et, au final, toute la souffrance de plusieurs générations noires américaines sont au centre des préoccupations de nos six musiciens. Vu d’ici, on frôle l’épure nationaliste. Toujours est-il que ce premier album éponyme s’ouvre sur un morceau du feu de Dieu : « Before This Time », un titre originellement composé par Bessie Jones et Alan Lomax. Le gospel suinte des baffles, on se met à taper dans les mains, à lever les yeux au ciel. On commence sérieusement à croire au miracle. Mais il faut déchanter. La suite du disque abandonne le gospel à ses champs de coton et part à la rencontre de sonorités convenues. Et si les voix féminines s’enlacent aux cordes vocales des mâles, copulant pour mieux nous bercer, on finit par s’endormir. Pas chiant, non. Mais pas forcément captivant, le répertoire revisité aurait, dans certains cas, mérité le repos éternel. Revisiter sans perdre l’authenticité : mission difficile. Impossible ?
Highway to helle. Enfer et damnation, chroniquer ce genre d’album n’est pas chose aisée. Difficile aussi d’exprimer la sensation exacte qu’il procure, l’auditeur non-averti capitulera vite devant la tâche, tant la complexité électronique de ces Frenchys est proche du malaise. Conglomérat de bruits expérimentaux, les sons semblent sortir de nulle part, se fracassant sur la montagne de notre confort auditif. Dérangeant au possible, les Sister Iodine produisent 13 plages dénuées d’un quelconque sens de la mélodie. Influencés par Sonic Youth ou The Ex, ils n’en ont gardé que l’acide pour dessiner au creux de nos conduits auditifs, un sinueux chemin froid et chaotique. Le trio n’est pas à son coup d’essai, les deux précédents albums avaient déjà l’ambition de perturber la ligne claire en la faisant littéralement exploser. Atypique, arythmique, la fragmentation de ce dernier album dilue cris de détresse et guitares larmoyantes avec cynisme. Tel du papier de verre sur une blessure, il écorche un peu plus la partie sensible et effrite nos zones saines. Un album qui demande patience et oubli de soi.
John Turner est né au Texas. A Port Arthur, très exactement. Il y vit toujours. La notoriété de ce drummer éclot en 1968, lorsqu'il intègre le groupe de Johnny Winter. Il y rejoint le bassiste Tommy Shannon (futur Double Trouble) et le saxophoniste/claviériste Edgar Winter. Il participe ainsi à la confection des elpees "Johnny Winter", "Second Winter" et "The progressive blues experiment". Il émigre ensuite à Austin. En compagnie du même Shannon pour y fonder Krackerjack, et engagent un certain Stevie Ray Vaughan, alors débutant. John devient alors insatiable. Il retrouve à nouveau Johnny Winter pour concocter "Third degree" (paru chez Alligator), puis collabore à différents projets ; et en particulier ceux ce Paul Orta, Mike Morgan, Lazy Lester, Alan Haynes ainsi que des Français Benoit Blue Boy et Big Dez. Pour réaliser cette plaque, il a reçu la collaboration d'amis texans. Pour la plupart méconnus.
Le titre maître ouvre l’opus. John chante. Il est soutenu par son ami Paul Orta à l'harmonica. Et John Edery à la slide, pour le riff célébré par Elmore James. Il attaque ensuite le célèbre "I hear you knockin" de Jay Miller, le spécialiste du swamp louisianais. Paul Orta chante d’un timbre nasillard. Il est épaulé par les cordes d'Edery, le leader du House Rockers Band, une formation texane. Issue de Beaumont, très exactement. "Bridge City blues" baigne au sein d’une ambiance très louisianaise. Un fragment adapté du "St Louis blues" de W.C Handy. Floyd Moore chante d'une voix grave et fascinante. Roger Ward (un inconnu !), le "Good understanding" de Willie Dixon. Le tempo est très enlevé. L'harmonica d'Orta décolle. Il est rapidement suivi par le piano de Mark Solis. Puis par les guitares du même Ward et de Little Ray Ybarra (il drive les Blues Sonics !) Edery, son "Beaumont Blues". Il laisse délirer ses cordes sur un motif rythmique emprunté à "Spoonful". Nous sommes au Texas, non loin de la frontière mexicaine. Uncle John, "Hey senorita" dans la langue de Cervantès. Une compo caractérisée par ses rythmes exotiques bien syncopés. Paul, un swamp blues intitulé "Really is hurtin' thing". La guitare de Little Ray s'adapte très bien au sein de ce climat malsain. Le son réverbéré est bien typique de la Louisiane. John, encore un dernier titre : "T Bone intentions". L'harmo d'Orta se plaint pendant que les cordes de Tonky de la Pena s'enivrent au cœur de ce décore sonore. Le "Honest I do" de Jimmy Reed opère un nouveau retour du côté de Baton Rouge. La voix chaleureuse de Floyd Moore mène les débats. L'harmo se démène et monte dans les aigus. La guitare réverbérée de Little Ray emprunte des sonorités particulièrement bayou tout au long d’"I'm gonna keep what I've got", un morceau digne des meilleures plages de Creedence Clearwater Revival. Roger Ward shoute de son timbre abrupt, "She's nineteen years old", un slow blues signé Muddy Waters. La slide est très incisive. En finale, Paul Orta chante "Hurricane Rita", un excellent shuffle à la texane. Little Ray se déchaîne avec bonheur sur ses cordes. Il y est au sommet de son art. Bref, un elpee qui réunit de très bons moments.
On ne s’est toujours pas remis du coup de boule encaissé à l’écoute de « Talk Like Blood » que débarque « The days and nights of everything anywhere ». Tout a long de cet album, 31 Knots renforce un peu plus encore son statut de défricheur sonore, voire de ‘camoufleur’ de bonheur. Car, une chanson de 31 Knots, c’est toujours un tube en puissance. Mais un tube plombé d’assauts distordus, souvent salvateurs. Ici, la formation de Portland ne change pas ses habitudes, conservant toute sa rapidité, sa fluidité et sa virtuosité. Sur “Man Become Me”, les doigts de Joe Haege sprintent sur le manche de la six cordes telles les pattes d’une araignée engagée sur la finale olympique du 100 mètres. La bête tente d’établir les bases d’un nouveau record du monde. Et forcément, dans le stade, personne ne s’emmerde. Si les mélodies punk-pop de 31 Knots empruntent les chemins escarpés d'un prog-rock mathématique, on n'est pas loin d'un mauvais lancé de boulet à la Mars Volta. La musique de 31 Knots demeure d’une complexité déconcertante. Techniquement risquée, voire insensée, elle parvient pourtant à nous toucher de plein fouet. Radicalement. Comme un éclair, cet album vient nous foudroyer, sans même nous laisser le temps de respirer. 31 Knots est une collectivité d’aventuriers sans peur, des types déterminés à gratter loin, très loin. Quitte à percer l’exosphère pour mieux se perdre dans l’espace.
Ce type est un mutant. Pas ses musiciens, non, eux ce sont juste des tueurs. Des machines à swing imparables qui démarrent au quart de noire et ne lâchent pas les morceaux avant le retour des lumières. Mais lui, c'est un mutant. Parce que partir à donf' sur une rythmique béton, présenter ses vingt musiciens qui défilent au micro le temps de quelques mesures solo bien senties, finir la chanson et balancer un speech de bienvenue totalement délirant sur un (son) débit de mitrailleuse bégayante, j'ai jamais vu.
Bon, replaçons le contexte. Sanseverino, bien que toujours digne fan de Django, a néanmoins décidé d’enregistrer son dernier album (et par conséquent cette tournée) en invitant un peu plus de monde que par le passé. Un peu plus de watts, aussi. De la petite formation contrebasse + batterie + 3 sèches rythmiques + sa sèche à lui, on passe à contrebasse + batterie, deux grattes électriques, clavier, et... cuivres. Huit au total (4 saxos, un trombone, 3 trompettes).
De quoi remuer quelques popotins donc, et ça fonctionne très bien. Suite à la fracassante entrée en matière, un long blabla d'introduction donc, tapant sur l'atmosphère hyper-fliquée de Monaco (les gars de la sécurité, équipés de la panoplie costard/oreillette/micro dans la manche ne bronchent pas), les artistes pro-Sarkozy, et s'alarmant de la présence de gamins dans le public, ce qui pourrait l'empêcher de dire trop de grossièretés.
Sa virtuosité vocale sur "Il se la pète", doublée d'une énergie communicative achèvent de propulser le concert à sa vitesse de croisière : pied au plancher.
Même une jolie chanson d'amour comme "Mathilde" contient trop d'énergie retenue pour faire -un tant-soit-peu- retomber la température. D'autant qu'avant de l'entamer, Sanseverino aura eu le soin de préciser que les jeunes amoureux peuvent tenter leur première pelle sur celle-là, ‘un peu comme le caméléon qui s'approche discrètement et sort sa langue chplaf".
Encore quelques vannes adressées au public, puis une autre démonstration de l'agilité de la langue du bonhomme sur "Démolissons les mots", marquée entre autre par un discours bien senti (mais guère compréhensible) prononcé dans l'embouchure même de l'un des saxos.
Vient ensuite un ‘Triptyque musical’ dont les chansons s'étalent sur ses trois albums et narrent les aventures d'André. Sur la deuxième, il descend carrément dans la salle faire un tour (un vrai grand tour hein, pas juste serrer trois pognes au premier rang).
Histoire de prouver qu'il est vraiment à l'aise dans le rock et pas seulement dans le jazz manouche, une petite reprise de Willy Deville : « Italian Shoes ». Sauf qu'il traduit les paroles en direct. OK, juste le premier couplet, pour permettre au reste puisse groover un peu quand même ; mais on ne peut qu'apprécier l'effort. Un petit arrêt dans « Les embouteillages », et le concert se termine par "A l'enterrement de ma grand-mère". A réveiller une morte.
Petit retour vers le style du précédent opus pour le premier rappel ou seule une petite formation acoustique entame « La maison sur le port », "La cigarette" et "La voisine des oiseaux". Il s'éclipse à nouveau pour revenir quelques minutes plus tard... vêtu d'une robe de soirée qui serait sûrement fort seyante sur une silhouette autre que la sienne. Une casquette en cuir complète un look ‘Cabaret’, pour chanter "J'ai un homme dans ma vie", à la fin de laquelle il quitte à nouveau la scène, non sans laisser complètement glisser sa robe au sol sur le trajet, provoquant l'hilarité de la salle. Pendant qu'il retrouve une tenue plus adaptée, ses musiciens continuent de se faire plaisir : soli de batterie puis de piano, du pur jazz semblant être leurs racines premières. Retour des derniers cuivres : ils manquaient à l'appel ; et pour ceux qui pensaient finir sur un morceau plus tranquille, le "Take the A train" de Duke Ellington, mené (jeu de mot obligé) à un train d'enfer, conclut le concert.
Impossible de ne pas être entraîné par l'énergie débordante de Sanseverino et de son groupe. La virtuosité sans esbroufe, le plaisir de jouer, difficile d'y trouver à redire.
Tracklist :
Ma Fleur
Exactement
Les Ouvriers
Comment séduire une femme mariée
La Valse à Peggy
Il se la pète
Mathilde
Démolissions les mots
André
André 2
André super star
10 jours avant Paris
Italian Shoes
Les Embouteillages
A l'enterrement de ma grand-mère
La maison sur le port
La Cigarette
La Voisine des Oiseaux
J'ai un homme dans ma vie
Swing du nul
Take this fuckin train
Etablie dans la région de Philadelphie, Gina est encore très jeune. Elle fêtera d’ailleurs ses 22 printemps en juin 2007. Elle est atteinte par le virus de la musique depuis qu'elle est haute comme trois pommes. C’est en écoutant Bobby Bland que l'envie irrésistible de goûter au blues et à la soul music l’envahit. Elle n’est alors âgée que de 14 ans. Non seulement cette chanteuse est passionnée, mais, en outre, sa soif d’écrire lui procure énormément d'attention et d'affection de la part de musiciens déjà attitrés. Elle vient donc de concocter son premier album, un disque partagé entre huit de ses compositions et trois reprises. Et sous la houlette d’un autre jeune talent déjà confirmé, Dave Gross.
L'album s’ouvre par "That's a pretty good love", un R&B franc et direct très proche du style de Mr Ray Charles. Mais abordé à la manière d'une chanteuse type de ce genre musical : Big Maybelle. La voix de Gina est puissante, quoique affichant beaucoup de réserve. Elle conduit avec panache cette ouverture très cuivrée. La guitare de Dave Gross est omniprésente. Gina signe "I ain't crazy", un excellent blues imprimé sur un tempo modéré, à la texane. Assurée par le bassiste Scot Hornick et le drummer Mike Bram, la section rythmique se révèle très efficace. Gross décoche une flèche meurtrière sur les cordes. Le solo est énergique, digne des seigneurs ; et en particulier Ronnie Earl et Duke Robillard. Karel Ruzicka Jr déploie beaucoup d'énergie sur son ‘honky sax ténor’. Miss Sicilia chante le "Try me" d'Esther Phillips. Elle injecte beaucoup d'émotion tout au long de cette ballade. Très suggestive, elle est sculptée dans le blues lent. Son timbre est clair, précis, vivifiant : une révélation ! Karel essuie des larmes de bonheur à l’aide de son sax, pendant que piano et orgue se fondent dans le décor sonore. Le swing envahit "One of many". L’apparition de l'harmonica chromatique de Dennis Gruenling, un des fleurons de la côte Est des Etats-Unis n’y est pas étranger. Il signe ici une brillante envolée. "Pushover" appartient au répertoire d'Etta James. Couverte d’accents pop et soutenue de chœurs féminins, cette ballade ‘soul’ rythmée, séduisante et amusante est ici très bien restituée. Toutes les autres compos sont issues de sa plume. "Rest of my days" nous rappelle les lentes ballades popularisées par un Otis Redding au sommet de son art. Arthur Neilson est guitariste. New-yorkais aussi. Mais c’est surtout le gratteur attitré de Shemekia Copeland. Il se réserve ici les cordes. Susceptible de véhiculer une dose d’émotion assez conséquente, le vocal tendre de Gina me fait ici penser à la longiligne louisianaise Marcia Ball. Cette situation semble largement inspirer Dave Gross dans son jeu rythmique. Le titre maître monte en puissance lorsque la vocaliste extériorise sa colère. Caractérisée par sa sonorité réverbérée, la guitare semble sortie des bayous louisianais. Blues cabaret savoureux, "Set my heart on fire" évolue sur un tempo très lent et un ton désespéré. Pour la circonstance, Dave Gross se fait très TBone Walker sur ses cordes. Lance Ong égrène de courtes phrases sur son piano, au bout du studio, tandis que Matt Stewart enflamme sa trompette inspirée par l'heure tardive. Pour notre plus grand bonheur, Dennis Gruenling revient illuminer de son talent "There lies a better day". Gross peut alors jouter à haut niveau et produit sa meilleure sortie de l'album! Bien jolie ballade country, "That much further" est bercée moderato par le rythme d'une valse. Gina chante clairement au milieu des sonorités entretenues par la mandoline d'Arthur Neilson et le violon de Mazz Swift. Et pour ajouter à la couleur locale, Dave a choisi une guitare ‘baritone’ au son grave et réverbéré. Gina achève cet opus de bonne facture par "When my ship comes in", une plage baignant au sein d’un climat similaire, même si pour la circonstance, gospel et musique spirituelle viennent enrichir la solution sonore. Le futur de cette chanteuse est manifestement chargé de promesses…
Qui ne connaît pas Blonde Redhead ? Qui n’a pas vécu sur terre ces 10 dernières années ? Que vous ayez accroché au groupe ou fredonné un de leurs airs, ce trio a dû passer à un moment ou à un autre par votre vie. Dans la négative, il est grand temps d’y remédier. Habitués aux mélodies puisées dans l’intimité, les New-yorkais ont décidé d’adopter un son plus ‘abordable’ par la communauté ‘tout public’. Passant du label Touch & Go Records (Butthole Surfers, Calexico, CocoRosie,…) à 4AD (Pixies, Beirut, TV On The Radio,…), ils y préservent leur talent. La guitare et la batterie des frères Pace subliment, comme à leur habitude, les cordes et la voix de Kazu Makino (toujours aussi charmante qu’à ses débuts). Amadeo Pace, la rejoint souvent afin d’exprimer, lui aussi, au travers d’une grille de micro, toute la douceur de son timbre suave. On est certes loin de l’époque de « In an Expression of the Inexpressible » –4ème opus du groupe– où l’évasion complète dominait l’atmosphère souvent étrange du groupe. Mais dès les premières notes de « 23 », on se sent en terrain connu. Le cachet n’a pas changé de couleur, les écritures ne se sont pas délavées, juste un peu transformées. On viendrait à regretter un tantinet l’envie d’expérience qui exaltait les précédents albums ; mais justement, après tant de recherches, tant de chemins parcourus n’ont-ils pas eu envie d’accrocher au mur un tableau plus accessible ? Ou peut-être est-ce là, à contrario des expériences musicales actuelles, un bond vers l’avenir. Les puristes seront peut-être un peu déçus, les autres certainement ravis. Un album bien à sa place, très juste et entraînant.
Ce chanteur/guitariste est originaire de l'Iowa. Il fêtera bientôt ses cinquante ans. Il s’est cependant établi à Missoula, dans le Montana, depuis belle lurette. Son premier album, "Clearcut case of the blues", est paru en 2004. Le line up de base de la formation implique uniquement Mike et sa section rythmique. En l’occurrence, le bassiste Larry Hirshberg et le drummer Brandon Zimmer. La bande à Bader réunit manifestement des noms bien germaniques! Mr Mike a écrit les onze plages de son elpee. Il nous invite à découvrir son univers très personnel, au cœur d’un blues mâtiné de R&B, zydeco, reggae, funk, etc. et vivifié par des tas de rythmes différents.
Caractérisé par ses tempi syncopés, "Wrong name woman" nous propulse dans le monde musical de la Nouvelle Orléans, mais revu et corrigé par Bader. Le piano de son ami, Tom ‘T-Bone’ Giblin (qui collabore aux projets de Lonnie Brooks et Mighty Joe Young) marque bien le rythme. Le timbre de Mike est un peu rude, mais l’artiste est doué à la six cordes. Il libère ses notes sur le fil du rasoir. Son style est assez personnel. Les changements de rythme sont légion ; et lorsque le tempo s'élève, Tom passe du piano à l'orgue. Une excellente entrée en matière ! "Matches my feelings" démontre le potentiel du gratteur. Son jeu ne bascule jamais dans la facilité et tient bien la route. Les courtes notes dispensées épousent les lignes rythmiques. Introduit par son jeu rythmique et le piano de Tom, "Defies gravity" est un blues imprimé sur un tempo assez lent et dont l’approche sur les cordes demeure toujours fort intéressante. Mike est épaulé par ses frères : Bob à la batterie, Dave à la basse et Tom également capable de souffler dans un harmonica. Le MBB aborde le R&B, en bénéficiant du concours de chœurs féminins ainsi que du saxophone de Jason Hicks. Cette composition de bonne facture est illuminée par la voix de Miss Joan Zen. "Phunky dread" embrasse les rythmes exotiques de la Jamaïque. Une plage instrumentale funkysante couverte d’accents reggae. Blues rythmé, "Call me the Grizz" lorgne vers le Chicago Westside. Le spectre de Magic Sam n'est pas loin, mais Mike Bader y colle sa touche toute personnelle. Toujours un peu dans le même style, mais en plus soul, "Keep on movin" campe une très bonne ballade syncopée par le funk. Une plage chantée avec passion. L’impact de "Been grounded" est direct. Un blues sans fioriture partagé, à nouveau, entre les quatre frères Bader. L’approche de la guitare rappelle parfois la simplicité du BB King des débuts. Soutenu une nouvelle fois par l'ami Giblin aux ivoires, "Smokin' Buffalo" trahit une sensibilité boogie. "Jump shufflin' bllues" est une titre dont le nom est suffisamment explicite. Un shuffle imprimé sur un tempo bien trempé, mêlant blues et jump. Chaleureuses, les cordes sont inspirées par BB King et mises en forme à la sauce Bader. De très bonne facture, cet elpee (le second du MBB) s’achève par "High & wide". Sculptée dans le funk, cette plage souffre de la présence de sons synthétiques produits par les claviers. Mais que cette exception (qui confirme la règle) ne ternisse pas la bonne impression générale laissée par cette œuvre…
Winterpills remet le couvert deux ans après son immense premier essai éponyme. « The Light Divide » reprend à peu de choses près là où Phillip Price et ses potes s’étaient arrêtés. Les paysages désolés se dessinent à nouveau dès les premières notes du morceau d’ouverture, « Lay Your Heartbreak », ravivant le sentiment de faux désespoir provoqué par le disque précédent et qui avait sournoisement laissé ses marques. La formation s’est cependant appliquée à apposer une once d’optimisme supplémentaire. Pas forcément nécessaire. Un petit point négatif qui s’avère insignifiant devant la beauté des harmonies vocales de Price mariées à celles de Flora Reed. Cette dernière s’avère d’ailleurs beaucoup plus présente que sur « Winterpills », ce qui n’empêche pas le fantôme souriant d’Elliott Smith de hanter quasi chacune des compositions de ce nouvel et (presque) impeccable second recueil. A écouter sous la couette, des images plein la tête…
‘Pas de blabla, que du rock’. C'est en ces termes que Louis Bertignac nous salue sur la scène du Théâtre de Verdure, sa vieille Gibson SG en bandoulière, qui a l'air d'avoir fait trois guerres. Et d'enchainer aussitôt sur la première chanson, "Rêves", aussi électrifiée que le sera le reste du concert.
Quelques minutes avant, le groupe niçois Chinaski a assuré une première partie honorable, mais pas vraiment remarquable. Passons.
Est-il besoin de présenter le personnage ? Si l'expression ‘enfant du rock’ peut s'appliquer à quelqu'un, c'est bien à Louis Bertignac. La pentatonique dans le sang, des riffs au bout des doigts, un visage témoignant de quelques excès, Bertignac respire le rock. Il tourne depuis quelques temps en 'power trio' batterie (Sylvain Joasson) basse (Cyril Denis) guitare (ben, Louis), et cette formation lui va comme un gant.
Premier moment fort d'un concert qui en comptera beaucoup, un couplet de "Stand By Me" suivie d'une ‘vieille chanson’ qui a 25 ans... mais c'est jeune quand même’ : les premières mesures de "Cendrillon" déchainent instantanément le public. Portée en chœur, il la termine en un solo brûlant, s'offrant même une petite citation extraite du "So Lonely" de Police.
Baignant dans le rock'n roll, vient ensuite un bout de "Blue Suede Shoes". Louis et Cyril se chamaillent comme des gosses avant de repartir sur "Vas-y Guitare". Vu le titre, cette chanson doit terminer sur un solo de six cordes, et ça ne loupe pas. Ainsi chauffés à blanc, le trio fait doucement retomber l'ambiance lors d’un blues plus ou moins improvisé (citation de "Wonderful Tonight" de Clapton en intro), puis ‘une chanson pour les filles’ : "Les Froleuses", très bien chantée par une certaine Isabelle, courageuse volontaire choisie parmi le public.
Suit un moment assez émouvant, "Ces Idées La", durant laquelle le public chante la mélodie d'accompagnement sur toute la chanson... Il est rare de voir une telle proximité entre un chanteur et son public.
La dernière partie du concert nous invitera à l’accompagner lors d’une bal(l)ade nostalgique mais énergique entre reprises rocks et revisites de quelques classique Téléphoniens : histoire de remettre un peu la pression, redémarrage brutal et énergique avec "Won't be fooled again" des Who, ponctué d'un court solo de batterie. Petite incursion vers Led Zep pour clore la chanson (juste le temps de quelques mesures). Dans la même veine : "Argent trop cher", qui décidément n'a pas pris une ride. "Little Wing" ensuite, visiblement Louis a décidé de revisiter tous ses maîtres. Un coup de blues concédé par "J'ai rendez-vous là haut", et "Hygiaphone" (farcie d'un gros bout de Led Zep encore, "Rock'n Roll") pour achever de mettre les points sur les 'i', avant de s'éclipser rapidement en coulisses le temps que le public les rappelle.
Pour ouvrir les ‘encore’, une chanson douce, "Cœur Ouvert" (que le batteur ne sait soi-disant pas jouer, mais ça ne s'entendra pas), dédicacée à la fille nouvellement née de l'ingé son. Bertignac sait autant créer l'émotion que remuer les foules. Et il le démontre aussi sec lors d’un "Ça c'est vraiment toi" qui fait sauter de joie le public dès l'intro. Comme déjà fait tout au long du concert, petite incursion vers un autre classique "Day Tripper", et même de "Satisfaction" (juste le riff) avant de revenir à la chanson. L'aisance à passer de l'une à l'autre, bien qu'a vue de nez les deux comparses ne soient pas toujours prévenus, témoigne du plaisir que Bertignac éprouve à jouer cette musique.
Louis nous quitte sur (et non pas pour) "Un Autre Monde", chanté à plein poumons par tout le public. Etirée sur la fin en un morceau de bravoure digne de clore ce concert, elle offre à Bertignac l'occasion d'un autre solo mémorable, fini à genoux, guitare aux dents, puis tournoyant avec elle à bout de bras en un accord ultime, face à un public déchaîné.
2h20 de rock pur et dur, administré par un trio qui prenait son pied en jouant. Difficile de demander mieux.
Du ‘disco de merde’ : à écouter brailler ces Anglais qui semblent être montés sur ressort, on ne voit pas le rapport, mais peu importe. « Shithype » aurait sans doute été plus opportun, tant la musique dance-punk de ces types fait saliver les journalistes en manque d’imagination. Un pléonasme ? Un bon petit disque, sans plus, à écouter fissa parce que demain il sera déjà trop tard. Où l’on entend de bons petits tubes à la « I Know Kung-Fu » et « Reactor Party », un mix épileptique, gaillard, de rock’n’roll et de dance, comme si Devo était coincé avec The Bravery dans les bureaux du NME. Eh oui, voici donc l’énième sensation british. Ne comptez pas sur nous pour vous parler de ‘nu rave’ : on ne voit pas le rapport. Mais peu importe. L’important c’est l’instant. Et Shitdisco l’incarne avec une morgue qu’on peut aimer ou détester… Et si ‘Carpe Diem’ était une marque déposée ?
Enregistré en partie dans le village moldave de Zece Prajini en Roumanie, ce troisième album de Jeremy Barnes (ex-Neutral Milk Hotel) creuse encore un peu plus le sillon d’un folk klezmer en prise directe avec l’Occident. Les cuivres se marient allègrement à l’accordéon et les percus, mais sans dégager d’agaçantes humeurs à la Kusturica. De Constellation à Beirut (Zach Condon est crédité à la trompette), les musiques de l’Est de l’Europe se fraient aujourd’hui un chemin jusqu’aux oreilles des amateurs de pop-rock… Si le terme de ‘musique du monde’ a été inventé pour assurer une belle retraite à Peter Gabriel et à Paul Simon, il semble ici prendre enfin tout son sens… Albuquerque, Nouveau Mexique, Leicester, Roumanie : voilà l’itinéraire qu’a emprunté Jeremy Barnes en suivant, fidèle, le souffle du vent qui traverse sa musique et chauffe nos tympans. Sans dévier d’une ligne de conduite qu’il s’est fixée depuis quelques années, l’Anglais raffermit son propos et nous offre un album d’une belle unité, sans temps morts ni clichés carte postale. Son meilleur à ce jour.
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