Le titre ne laisse planer aucun doute sur le contenu de cette compile. Depuis 2005 le label Parklane s’attache donc à soigner l’emballage et la sélection musicale de cette série. Vingt-deux titres partagés entre deux rondelles ! Mais comme la copie promo n’en contient que dix, toute cette chronique sera concentrée sur ceux-là… Electro de salon (Kenneth Bager, Goloka), ballades vocales et atmosphériques (Koop), musiques du monde passées à la moulinette électronique (l’horrible flûte de pan d’Amanaska, le Gotan Project, Nickademus), résume le menu musical proposé. Des petits malins comme Duran Y Garcia ‘samplent’ telle quelle la composition « Tibetan Serenity » du jazzman Travis Biggs et la rebaptisent « Old Fashioned Thief ». Dans le même style, Goloka repique la mélodie du « Confusion » de New Order et la couche sur un tapis de crunk paresseux. Comme quoi, il n’y a pas de sot métier… En résumé : rien d’essentiel, mais rien de fondamentalement dérangeant non plus. En pratique : parfait pour faire sa vaisselle ou réfléchir sur les directions que l’on souhaite imprimer à son existence.
« A Diario » constitue le premier disque solo de Telmary, une rappeuse qui à déjà participé à plusieurs projets musicaux et en particulier au prestigieux groupe Interactivo. Cette artiste de La Havane se définit elle-même comme une ‘poétesse jazz’. Ayant étudié la littérature, elle chante et déclame des textes traitant de thèmes pourtant communs (amour, quotidien) tantôt en espagnol, tantôt en anglais. La musicalité est remarquable. Contrairement à des groupes plus connus établis hors de Cuba tels qu’Orishas, Telmary ne s’appuie pas exclusivement sur la musique issue de la tradition cubaine. Cette artiste a su s’entourer d’excellents musiciens (dont deux membres d’Interactivo) qui mélangent avec savoir-faire le jazz, le funk, le rock et la timba. Mais Telmary ne renie pas pour autant les riches traditions de son pays : le disque commence par une prière de Santería, une religion que les esclaves africains ont importé sur l’île (religion pratiquée aujourd’hui par la majorité de la population, indépendamment de leur couleur). Autre élément à relever : la manière de rapper similaire au groupe espagnol Ojos de Brujo, formation groupe avec laquelle elle partage d’ailleurs un titre sur ce disque : « Sueño Brujo ».
Ils sont là, planqués derrière le coin, à l’affût. Les oreilles curieuses, les langues mauvaises comme une gourde de grenadine oubliée en été, les prédicateurs acerbes, les critiques blasées et tout ce que le circuit musical comporte comme acteurs ont accompli le trajet. Un deuxième album après le succès énorme du premier à de quoi attirer les foules de curieux. C’est légitime. Chacun peut repartir en affichant la même certitude, le premier comme le second ne sont pas dus à la chance. « Ten New Messages » décroche le respect en étalant son huile forte et parfumée. Alan Donohoe et ses complices ne se sont pas laissés démonter, ni influencés par une néfaste pression commerciale. Au contraire, ils construisent un album réfléchi et plus long que le premier, rallongeant les minutes des morceaux comme pour dire ‘même pas peur’. Ils osent se répandre plus encore et frôlent l’émeute de plaisir sur « When Tom Cruise Cries » qui propulse plus haut encore la barre du respect sous laquelle nous devons humblement nous incliner. Vindicatif et pourtant mélodique, l’enfilement des morceaux s’achemine comme une lettre à la poste. L’angoisse de manque peut apparaitre à l’approche de la fin des 10 plages, l’ambition de se réécouter l’album ‘une dernière fois’ avant de passer à un autre naît tout naturellement. Une petite bombe discrète, sans pétarades excessives mais qui laisse des traces profondes : une bonne définition pour ce « Ten New Messages »… Tiens d’en avoir parlé, je m’en vais le réécouter sur le champ…
De son vrai nom Mortimer Softley, Natural Black est un artiste guyanais plutôt intéressant. On n’a pas encore beaucoup entendu parler de lui sous nos latitudes mais le garçon compte déjà pas mal de singles et trois albums à son actif, tous sortis en Jamaïque, où il s’est installé depuis 1995. « Cool Nuh Black » constitue son quatrième opus. Il a été entièrement enregistré à Kingston en compagnie du Fire House Crew et de quelques autres pointures comme Sly Dunbar, Dean Fraser ou encore Leroy « Horsemouth » Wallace. Il signe ici une belle collection de chansons ‘new roots’, donc rasta à souhait. Malgré la grande qualité musicale (hormis quelques synthés un peu ringards), c’est la voix de Natural Black qui fait la différence. On croirait entendre Gregory Isaacs au sommet de son art, et les fans du grand Greg savent qu’on ne peut pas effectuer ce genre de comparaison à la légère. Même si les allergiques aux discours rasta fuiront ce disque comme la peste, les fans de reggae roots y trouveront sans aucun doute leur bonheur.
Shara Worden possède certainement des dons de couturière. Du moins, elle est capable de tisser ! Tisser entres eux tous ces artistes venus remixer son précédent album « Bring The Workhorse ». Album –si nécessaire d’en reparler– excellent, au demeurant. Et où la voix gracieuse De Shara Worden semble porter avec facilité la douceur des paroles. La chaleur émise par ce premier opus aurait pu mal digérer les prétentions de ces remixeurs sans peur (NDLR : et sans reproche ?) Ce qui est loin d’être le cas. Tisser, c’est bien mais avec goût, c’est encore mieux. Et là, c’est carrément un plaisir qu’il ne faudrait pas se refuser. Les 13 artistes qui se succèdent aux consoles semblent construire, en compagnie du patron préposé au patchwork initial, une interprétation personnelle version Lego. Les pièces s’emboîtent, se tiennent et montent l’une sur l’autre en conservant un équilibre solide. Parfois audacieuses, les motivations de chacun semblent traduire un appel vers la capacité des autres, du genre : ‘Et toi tu sais faire ça ?’. Un univers revisité de manière radicale par Alias, Lusine, Gold Chains Panique mix, Stakka, Murcof pour ne citer qu’eux. De très calme au début de l’album jusqu’au limite de l’expérimental vers la fin, les sons reconstruits gonflent les anciennes notes. Les effets n’effacent pas la base solide, ils servent juste à embellir un univers déjà fort riche. A manipuler la qualité, on risque de la dénaturer ; on risque seulement, car quand, comme ici, le travail est réussi, il apparaît un moment que je vous invite vivement à connaitre.
Avant toute chose, j’aimerai saluer le retour des enfants chéris du label californien Delta Groove. "Big plans" constitue déjà leur troisième opus. Il fait suite à "That represent man" et "Live and in demand", deux disques encensés par la critique. Neuf musiciens figurent aujourd’hui au sein du line up des Boys. Et parmi ceux-ci, on y dénombre pas moins de cinq chanteurs, deux harmonicistes et trois guitaristes. Certainement une des plus solides machines à blues de notre univers.
Dès l’ouverture, "Border town blues" dévaste tout sur son passage. De la dynamite ! La rythmique est imparable et en particulier Richard Innes, véritable chef d’orchestre qui dirige la manœuvre en martelant sèchement ses peaux. Tom Leavey le suit à la trace de sa basse, immédiatement talonné par le piano de Leon Blue. Finis Tasby chante d'un timbre sûr et autoritaire. Kirk Eli Fletcher se réserve un des solos de l'année sur ses cordes. Frank Goldwasser attaque son "I can't stay here". Le son de sa slide est volontairement sale, primaire. Une compo qui baigne dans le Delta. Frank libère une puissance phénoménale dans son chant, comme si sa vie en dépendait alors que la slide tente bon gré mal gré de survivre au sein de ce climat étouffant. Finis chante "I get so worried", un bon blues lent dominé par la guitare de Kid Ramos. Parmi les invités, on retrouve Rob Rio aux ivoires, Jeff Turmes à la basse acoustique et au sax alto ainsi que Woody Woodford au saxophone ténor. Bien que disposant de 5 chanteurs, les Boys se paient encore le luxe d'en inviter d'autres. Tout d’abord Bobby Jones. Cet ex-Aces (celui des frères Myers) chante "Mary Jane". Randy Chortkoff souffle dans son harmonica tout au long de ce Chicago shuffle, très Jimmy Reed dans la démarche. Le patron du label transperce la solution sonore de ses sonorités acérées. Rob Rio, ensuite. Il interprète "Carpet bogger blues", assis derrière ses ivoires. Il pianote à la manière d'Otis Spann sur ce blues lent à l'intensité dramatique, pendant que Kirk dispense ses petites phrases assassines. Le vieux Johnny Dyer également. Il monte sur les planches. Son harmonica à la main. Il chante toujours à la manière de son ami Muddy Waters. Et en fait la plus parfaite démonstration sur "Just to be with you". Rick Holmstrom se réserve la guitare et Larry Taylor la basse. Quel show! "Why do things happen to me?" constitue un autre blues de toute grande classe. La voix de Finis Tasby est impériale. Il est épaulé par les cordes chaleureuses de Ramos et le sax baryton de Woodford. L'apparition soudaine de Jody Williams est une autre bonne surprise. Issu de Chicago, ce guitariste a accompagné Howlin' Wolf, Bo Diddley, Otis Rush, et quelques autres. Il chante son "Groan my blues away" tout en grattant sa râpe. Une compo qu’il avait immortalisée en 1955, lors de sa toute première session comme leader. L'impresario Chortkoff a composé deux plages. "Mina all mine" et "Young and tender". Il chante le premier morceau face à la slide de Kid Ramos, un blues délicat qu'il avait composé pour Jody Williams. Et le second d’un timbre soul, tout en sensibilité. Un feeling qu’il accentue en s’accompagnant à la guitare et en s’appuyant sur la rythmique de Rick Holmstrom Larry Taylor et de ‘Big Foot’ Innes. L'intérêt de cette œuvre est constant. Même en fin de parcours. Tasby chante le nerveux "My baby's a good 'un" d'Otis Rush et son "Walkin' down Fillmore". Les échanges de cordes évoluent à très haut niveau. Que ce soit face à Eli, d'abord ou au Kid, enfin. Mitch Kashmar est le dernier le la liste des guests. Harmoniciste maison, il participe à deux plages. Tout d’abord "Broken hearted blues. Signé Jimmy Rogers, ce slow blues sent bon le Chicago Southside. Dyer se charge des vocaux. Et ce n'est pas une surprise, car ce bluesman est originaire du même patelin que Muddy Waters, dans le Mississippi. Cet excellent opus s’achève par le "California blues" (bien sûr!) de Howlin' Wolf. Bobby Jones le chante d’une voix puissante, proche du grand Chester Bennett.
Comme l’ironise Bénabar, ‘Ils s’appelaient tous Michel : Polnareff, Jonasz, Delpech, Fugain, Berger et Le Forestier ( ?!?!?)’. En conjuguant le verbe ‘s’appeler’ à l’imparfait, il ne veut certes blesser personne. Mais il a peu raison : les carrières de tous ces Michel sont derrière eux. Heureusement, l’air du temps autorise une formule idéale : l’album de reprises. Il y a quelques mois, c’était un certain Michel... Delpech qui y allait de son petit retour en arrière, sur une rondelle revisitant ses propres succès en compagnie d’artistes d’hier et d’aujourd’hui.
Voici donc le nouvel album -le quatorzième- d’un Michel nommé Jonasz. Un album de reprises. Mais pas les siennes. L’interprète de « La boîte de jazz » explore un répertoire presque ‘classique’ de la chanson française, de Brassens (« Les copains d’abord ») à Brel (« Fernand », « La chanson des vieux amants ») en passant par Prévert (« Les feuilles mortes »), Ferré (« Avec le temps ») ou encore Nougaro (« Armstrong »). Bien entendu, ce projet n’aurait aucun intérêt si le gaillard n’y mettait pas, avant toute chose, de la sincérité. Dont acte. Et, bien entendu, personne n’y aurait prêté attention si notre homme ne s’appelait pas Jonasz, qu’il n’avait pas ce timbre de voix si chaud et ce don inimitable de chanter des histoires. Mais bizarrement, on apprécie sans en profiter pleinement. La raison est simple : les morceaux choisis ont vécu dans d’autres bouches, avec une force qui ne réclamait ni rappel, ni hommage…
Ne cherchez plus l’excellente surprise rock du printemps : la voici. Et elle vient de chez nous. De Bruxelles, pour être précis. Trio monstrueusement inspiré et délicieusement décadent, Kube ne traîne pas pour appâter nos tympans. Dès l’ouverture, les riffs sont robustes, débordants de vitalité et de hargne, empruntés à tout ce que le mot ‘rock’ contient comme déclinaisons et qualités. Certains citeront les Queens of the Stone Age, d’autres penseront à And You Will Know Us By The Trail Of Dead. La liste des influences est aussi vaste que vaine à énumérer: nos trois gaillards ont tout simplement choisi de se fier à tout le monde, mais de ne copier personne. Succession d’uppercuts assénés par des guitares tantôt ‘décoiffantes’ tantôt hypnotiques, ce « Stockholm Syndrom » ne souffre d’aucun temps mort et s’offre le luxe -trop souvent négligé par les énervés d’aujourd’hui- de laisser une grande place aux envolées purement instrumentales. En un mot : ‘waow’.
Loïc Lantoine… ! Le nom, combiné à la pochette de l’album, est aussi attractif qu’un déodorant l’est pour les mouches. N’en déplaise à celle reproduite sur ladite pochette. Mais lorsque Loïc Lantoine entame son « Tout est calme », force est de constater qu’on l’écoute. Sa voix est empreinte d’une sincérité telle que c’en est touchant. Il ne parle pas vraiment, ne chante pas non plus. Il a sa manière à lui de nous dire qu’on est foutrement bien ensemble. Bourré d’humour (« NNY »), Loïc Lantoine a l’âme d’un poète des temps modernes (« Pierrot » dont la mélodie rappelle Mano Solo). Bien sûr, il ne s’agit pas d’un nouvel Apolinaire, non. C’est juste un gars sans prétention, à la sympathie contagieuse, partageant ce qu’il a sur le cœur. A nous de le suivre lors d’un léger coup de blues (« Pierrot ») ou d’un abus de whisky (« Quand les cigares »)…
« Mirror King ». Premier titre de « Crossing the strings », et déjà, Leo fait mal. La mélodie est du même gabarit que celles susceptibles d’être inventées à brûle-pourpoint pour entonner un air qu’on ne connaît pas… Et les chœurs n’y changeront rien. Suivant ! Re-aïe ! Non, Leo ne séduit pas. Allez, un brin de chauvinisme tout de même (c’est qu’il est liégeois, le Leo !) : le petit duo de cordes (violoncelle-violon) est !…sympa. C’est mêlé d’inquiétude et d’espoir qu’on passe au troisième titre : « My private apathy ». Ô joie ! Ô délivrance ! Des rythmes captent l’attention, des accents mineurs caressent agréablement l’oreille… Mais Leo entame le refrain et chante d’une voix presque désespérée « My private apathy… Oh yeah ! ». Si le « Oh yeah ! » est la goutte d’eau qui fait déborder le vase, pas de regrets, le refrain foutait déjà tout en l’air, cassant ce petit rythme blues qu’on espérait devenir grand. Cessons-là le suspens ! A ceux qui se bercent d’illusions, la suite n’est pas mieux. Des accents folks aux airs blues afro-américains, rien n’accroche vraiment.
On ne peut pas dire que ces Cubains perdent leur temps. Formé vers la fin des années 90 après leur rencontre en France, Orishas compte à peine 3 albums dans sa discographie et sort déjà son premier « Greatest Hits ». Rien d’exceptionnel donc, un simple recueil des singles et morceaux préférés du quatuor devenu trio, Flaco-Pro ayant quitté la formation. Enrichi de deux inédits, « Antidiotico » n’offre pas de quoi sauter sur sa chaise, mais juste assez de bons morceaux pour se secouer les fesses dessus. On pense notamment aux hits radios « Represent, Cuba », « El Kilo » et « A Lo Cubano ». Un disque estival qui fera plaisir aux fans de Hip Hop ensoleillé et aux inconditionnels du festival Couleur Café mais laissera probablement de marbre tous les autres…
Le grand air, les vertes campagnes sauvages des Highlands et une brume à trancher à la machette plantent le décor de la musique d’Eddi Reader. Nationaliste convaincue, l’ex-chanteuse de Fairground Attraction se lance à la recherche de ses racines écossaises. En 2003, le folk d’Eddi Reader s’était déjà attaqué aux grandes traditions régionales en mettant en musique des poèmes de Robert Burns, véritable institution littéraire au pays. Sur « Peacetime », son nouvel album, la chanteuse recourt à nouveau à la poésie de Burns, tout en s’entourant d’autres paroliers locaux. Rêveur, mélancolique et légèrement pompeux aux entournures, ce disque met surtout en exergue une production recourant à tous les artifices de la musique traditionnelle écossaise : flûte, accordéon et violon s’accordent ainsi à donner le ton à ces treize chansons. Dans les pires moments, on songe aux mauvaises galipettes celtiques des Corrs. Et dans les meilleurs instants, on s’assoupit paisiblement. « Peacetime », donc.
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