Formé par Heck Armstrong, ancien leader de Hangnail, stoner band qui écuma l’Europe et le Japon en 2002 en compagnie de Cathedral, End of Level Boss mise beaucoup sur le riff lourd et dévastateur. Digne successeur de « Prologue », un premier opus commercialisé en 2004, soutenu par des combos aussi légers et délicats que Orange Goblin et Atomic Bitchwax, « Inside the Difference Engine » cultive le doom psyché et le métal d’avant garde. Voivod est la référence ultime pour ces quatre cockneys amoureux de gros son, de changements de rythmes incessants, de structures complexes et de sonorités noisy. Neurosis n’est pas étranger à un titre comme « Reticence ». Et en particulier lors du final étourdissant. En outre, l’ombre du Sludge se profile sur certains fragments. Il faudra multiplier les écoutes avant de totalement apprivoiser cette galette dont on aurait tendance à dire à priori que les titres se suivent et se ressemblent, sans aucune nuance. Mais l’œuvre est insidieuse, et on se laisse prendre au jeu des frères Armstrong, pour peu qu’on tente une écoute intégrale en appliquant la formule consacrée « Play it Loud ! »
Dans l’imaginaire collectif, Holly (Holiday) Golightly restera à jamais cette sulfureuse ‘voyageuse de commerce’, mangeuse d’hommes virevoltante et émouvante, qui sonnait chez ses voisins à trois heures du matin sans se soucier des lendemains. L’héroïne de Truman Capote (dans le magnifique « Petit déjeuner chez Tiffany ») trouve aujourd’hui un écho retentissant dans nos vies : Holly Golightly, de son vrai nom, demeure certainement le secret londonien le mieux gardé des Etats-Unis. Car, bien qu’Anglaise, Holly possède la voix d’une Amérique imagée, fantasmée (même Jim Jarmusch s’est laissé prendre au jeu au moment de concocter la bande originale de son « Broken Flowers »). En fait, le jour où elle s’est glissée sur scène en compagnie des flexibles Headcoatees de Billy Childish, miss Golightly n’imaginait certainement pas qu’elle rencontrerait un jour les White Stripes et autres phénomènes internationaux de la culture rock indépendante.
En 2007, Holly Golightly s’accompagne des Brokeoffs (un drôle de patronyme pour ce qui ressemble à un homme orchestre, répondant au joli nom de Dave Lawyer ) pour sortir « You can’t buy a gun when you’re crying », douzième album (solo) d’une discographie alléchante. D’un chant chaleureux comme une bougie dans l’obscurité, la dame nous conte quelques nouvelles histoires endimanchées de légers arrangements : jeu de cordes dépouillé mais enjoué, kit de batterie minimaliste et autres petites notes de piano. Du folk au blues, en passant par la country, tout le répertoire de la musique traditionnelle US se voit ici sublimé. Que ceux qui sont tombés amoureux de la pureté des White Stripes et de l’honnêteté d’une chanson comme « In the cold, cold night » se jette dans les bras de ce disque !
Le nouvel album d’Holly Gollightly nous emmène à l’aventure, dans des rêves d’Amérique profonde. On se voit déjà pénétrant dans un troquet où le seul client accoudé au comptoir est cet infâme glandeur de Lebowski, les yeux mi-clos devant une Budweiser mi-pleine. Au mur, des peaux de croco et quelques photos souvenirs des plus belles prises de la dernière grande chasse aux alligators. Du rêve par procuration, des images plein la tête. Bienvenue dans l’univers d’Holly : bande-son parfaite de tous les Tarantino à venir et des fonds de bouteilles à finir, « You can’t buy a gun when you’re crying » ne fait que confirmer le talent exacerbé d’une artiste dont l’apparente facilité d’écriture et le sens mélodique pourraient bien devenir une référence pour les générations futures.
Souvent sous-estimée, la scène métal française a révélé d’incontestables talents depuis l’avènement de Loudblast notamment. S.U.P., Misanthrope et Division Alpha entretiennent le métal pur et dur, tout en dépoussiérant le style. Pleymo et Lofofora et consorts ont emboîté le pas au mouvement ‘néo métal’.
Issu de la région de Nancy, inTRaMURos lorgne vers un univers différent. Mystique, complexe et torturé, son concept évoque Neurosis par certains aspects sonores, Placebo au niveau vocal, A Perfect Circle pour les sphères les plus planantes et surtout le géant Tool, incontestable influence majeure du combo.
Initialement sorti en 2004 sous le format elpee autoproduit, « Like a New Pathology ? » connaît une seconde jeunesse sous cette version CD reliftée. Nous ne crierons pas au génie, mais Intramuros aurait pu accoucher d’une copie conforme d’un « Lateralus », le gros son en moins. Le combo s’est créé un univers propre, ‘toolien’ sans aucun doute, mais en y apportant quelques variantes, comme ces séquences électroniques qui sauvent les onze fragments de la peu honorable qualification de copie carbone d’un grand du métal contemporain. Un essai satisfaisant.
‘What’s happening in Berlin? Nothing, Sir !’ C’est vite dit. Ce serait sans compter sur le duo Allemand de Kissogram, véritables dandys de l’électro, boulimiques et talentueux. Issus du berceau où la musique électronique est plus qu’un genre, où c’est carrément un style de vie, c’est à une fontaine d’énergie de la ville que nos deux lascars ont rempli leurs gourdes. Propriétaires d’une série non négligeable de maxis, remixes et du remarqué « The Secret Live Of Captain Ferber » paru en 2004, Jonas Poppe et Sébastien Dassé proposent leur nouvel enfant modestement intitulé « Nothing, Sir ! » 12 plages de pop électro, se répartissant entre énergie posée et calme absolu, soulignant le désir de signer chez un label indépendant (Louisville Records) qui leur accorde toute liberté d’expression. Même si certaines chaînes télévisées musicales s’intéressent et diffusent du Kissogram, les auteurs gardent la tête froide, les pieds sur terre et les doigts sur les machines. Universal, en grand pape qui les distribue, n’a pas l’air d’influencer leurs choix. Voilà une tribu d’irréductibles plutôt bien malins capables de concilier liberté d’expression et filons de distribution. Bien ouej’ les gars !
Parmi la multitude de sous-genres plus ou moins accouchés du punk et du hardcore, le screamo se positionne plus ou moins à mi chemin entre emo et post-hardcore. Autrement, un cocktail difficilement définissable reposant principalement sur des morceaux mélodiques et des hurlements furieux. C’est en tout cas la veine dans laquelle évolue The Ordinary Me.
Formé en 2002 par cinq ex-punks d’outre-Rhin, ce quintet livre ici un premier effort studio sous forme de manifeste tonitruant, à l’image de la plage d’ouverture, le déchaîné « The Swarm ». Onze morceaux pour cinquante-deux minutes, surfant constamment entre le punk (« El Maquinista », « Evacuate »), le noisy et le hardcore, basculant sans cesse du mélodique au délire sonique à grands coups de larsens et de sons bizarroïdes. Sans oublier les rugissements gutturaux ponctuant la plupart des morceaux. La galette est fort bien produite, nantie d’un son énorme, mais la formule peut lasser si l’on n’apprécie pas le genre : même si l’équilibre entre les grosses guitares, le chant mélodique et les hurlements métalliques est bien géré, une impression de longueur se dégage rapidement. Mais pour peu que l’on accroche au genre, la puissance latente du groupe et son énergie débordante peuvent très vite se révéler accrocheuses.
Fondé en 1965, Savoy Brown constitue un des plus anciens groupes issus du british blues boom. Il n'a jamais cessé de se produire ou d’enregistrer, même s'il est devenu, au fil du temps, le projet personnel de Kim Simmonds. Ce dernier vit depuis belle lurette dans l'état de New York où il a fondé sa famille. Savoy Brown est donc devenue une formation américaine, mais toujours inspirée par le blues. Que ce soit en solo ou au sein de son band, ses derniers opus sont parus sur le label Blue Wave de Greg Spencer (NDR : en quelque sorte un voisin !) Il y a quelques années, Kim a décidé de ne plus louer les services d'un chanteur ; mais de prendre les parties vocales à son compte. S’il remplit correctement ce rôle, il faut reconnaître que sa voix manque de puissance. Pour son combo, il a adopté la formule du trio. Il en est le leader incontesté et incontestable en se réservant le chant, les guitares, la plupart des compositions et des arrangements ainsi que la production. Il est soutenu par Gerry Sorrentino à la basse et Mario Staiano ou Dennis Cotton à la batterie. Sa musique est toujours aussi agréable à écouter. Et le blues rock dispensé tout au long de “Steel” s’avère léger, sans fioritures, évoluant dans un registre assez proche des elpees "Street corner talking" et "Hellbound train", commis en 1971/72.
Signé Lowell Fulsom, "Monday morning blues" ouvre la plaque. Et il ne faut pas plus de quelques secondes pour reconnaître l’empreinte personnelle de Kim, les sonorités et le style très caractéristiques de Savoy Brown. Il chante d’un timbre léger quelques couplets avant d’enchaîner par de longues phrases imaginatives sur ses cordes. Le tempo monte d’un cran pour "Long as I've got you". Kim a empoigné sa slide. Il la fait rugir. Mais si les sons produits ont été torturés, l’écoute de cette plage passe facilement la rampe. Simmonds est en excellente forme ! Le tempo ralentit. La rythmique s’alourdit et impose un climat inquiétant et troublant tout au long d’"I don't remember you". Rapidement, la guitare largement amplifiée doit faire face aux instruments préposés au rythme. Elle trahit le mal-vivre de l'instant. Un retour à une formule déjà explorée dans le passé ! Ballade réminiscente des Stones, "You don't do a thing for me" rocke et rolle. Plaisant, "Fly away" est balayé par une toute bonne slide! Kim adopte un profil davantage hard, mais sans trop d’agressivité pour attaquer "Crying forever", une composition très tonique. Plage de bonne facture, "Daybreak" baigne au sein d’un univers nonchalant, laidback, un univers entretenu par la voix de Kim, les cordes se chargeant de faire la différence. Plage instrumentale "Echo of a sigh" nous replonge en 1971, à l’époque de l’elpee "Looking in", le dernier concocté par le Savoy Brown au sein duquel militaient les futurs membres de Foghat. De la dentelle ! Ou si vous préférez du pur Simmonds. Nous sommes alors très proches du "Romanoff" de l'époque! Le slow blues dépouillé, c’est ce que Simmonds fait de mieux. Tout au long du superbe "I'll keep on singing the blues", il y instaure un dialogue entre le chant et la guitare ; et au fil de la plage, cette dernière se révèle de plus en plus impatiente. Ce cd s’achève par "Keeping the dream alive", un rock'n'roll bien dans l’esprit de Jimmy Reed au cours duquel Savoy Brown met le turbo. Bref, si cet opus reste de bonne facture, il ne constitue pas le meilleur de la bande à Simmonds…
Opérant une vision circulaire en rase motte, mes yeux sont interpellés par une forme brillante. Des douilles encore fumantes jonchent le sol ! Pas de doute le crew de Snowgoons est passé par ici ! Blindé dans le genre armada de guerriers, le collectif allemand a décidé de descendre dans la rue afin de mitrailler de leur beats assassins toute forme de vie sur terre. Les sergents de ce German Lugers sont DJ Illegal, Det, Torben et DJ Waxword. Passés maîtres des opérations et producteurs de beats, il y a 10 ans. Assistés par des tireurs d’élite issus du milieu indé au pédigrée parfait, tels que : Jus Allah, Wise Intelligent, Reef The Lost Gauze, Edo G, Sean Price etc. Chaque morceau de l’elpee possédant son (voire carrément ses) featuring(s). Babygrande le clairvoyant (Blue Sky Black Death, Gillie Da Kid, The Lost Children of Babylon, etc.), mise sur la qualité et le poids énorme de l’album pour ouvrir plus loin l’horizon du label. Fins stratèges que ces derniers, German Luggers est littéralement une bombe à fragmentations version 18 éclats, laissant l’écho de la détonation une éternité dans les oreilles. Et le souffle de l’explosion à jamais gravé dans la roche…
Une compilation dont le titre ne ment pas sur la marchandise. Eparpillés sur trois rondelles, l'auditeur retrouvera sur « Beginner's guide to latin lounge » les travaux des bidouilleurs les plus réputés dans ce qu’on appelle la musique d’ambiance. Un genre qui consiste à accommoder à la sauce électro des rythmes caribéens, brésiliens et salsa. Notre compatriote Buscemi, les Espagnols d’Ojos de Brujo ou des groupes comme Ska Cubano et le Javi P3z Orquesta (pour le drôle « Ping Pong ») appartiennent au casting… C’est l’écoute des trois cd’s en enfilade qui révèle la vacuité profonde de ce style musical répondant au nom de ‘lounge’ », un style fort prisé dans les bars à la page. Un travail tout en surface qui se résume à un recyclage facile et ‘carte postale’ de rythmes créés par d’autres, les chansons et le feeling en moins. Comparez le remix du « Ordinary Guy » de Joe Bataan proposé ici à l’original. Vous décèlerez rapidement où se trouve la différence.
Ce deuxième volume réunit les recrues du nouveau label de Gilles Peterson, un dj/producteur anglais. Ce disque creuse une veine beaucoup plus méditative et atmosphérique que le premier volume. A l’écoute de cette quinzaine de titres, on pense souvent aux travaux de la bassiste Meshell Ndegeocello. Le jazz et l’expérimentation, souvent teintés d’électronique, s’y taillent la part du lion. Même si « Bubblers Two » est de moins bonne facture, il réserve tout de même quelques excellentes surprises. Et en particulier l’étrange ballade jazz-électro de Elan Mehler, la soul cybernétique de Boomclap Bachelors, le très beau ‘Flow’ de Sotu The Traveller, le jazz vocal de Marcina Arnold et Grand Union ou encore l’a capella évocateur de Jamie Woon. Le reste, loin d’être médiocre (mais un peu prétentieux), se résume à une succession de tentatives à moitié convaincantes de mariage entre jazz, électro, hip hop, r’n’b. Quelquefois il vaut mieux être seul que mal accompagné.
Voilà ce qui arrive à force de courir pieds nus sur le sable californien. La voûte plantaire se durcit et s’habitue à la chaleur, les sensations s’estompent pour ne former qu’une semelle naturelle. Protection idéale pour prendre le temps de flâner. Il est donc loin le temps de « This Chapter is Called Titles », premier album des artistes paru chez Utility Records. Après avoir opéré des débuts clairement punky (nous somme alors en 2000 !), Limbeck accuse par cette dernière plaque éponyme chez Doghouse Records (Paulson, Minutes Too Far, These Enzymes, etc.), une équation dorénavant pop rock country, sans gêne. Produisant un son à l’image de la température ambiante, les fans de surf et autres balaises en maillot à fleurs seront aux anges sur les bords de plage quand débarqueront Patrick Carrie, Justin Entsminger, Rob Mc Lean et Matt Stephens dans leurs oreilles. Un peu saoulant sur la longueur, les guitares semblent s’ensabler petit à petit, et se ternissent de l’éclat du soleil qui voudrait s’y refléter. Faisant parfois penser à Bon Jovi (je vais encore me faire des ami(e)s), le côté ronflant, too much happy, et mega sunny aura vite faite de vous assommer et vous plonger dans un coma cuisant. A ronfler sous les rayons brûlants, faites attention au coup de soleil !!
Se prendre la tête en écoutant la musique de Luka Bloom (alias Kevin Barry Moore) semble chose irréalisable. Tout du moins incompatible vu l’état d’esprit de cet Irlandais. L’expérience, la sagesse, la douceur et la poésie sont des armes de défense qu’il manie avec dextérité. C’est donc d’une prose romantique qu’il tranchera tout conflit. Vingt-cinq ans que le gaillard produit des textes argumentant avec qualité les mélodies associées. Vous pensez s’il s’y connaît ! Issu d’une famille de musiciens, c’est bercé dans les coulisses et sur les planches qu’il a développé cette aptitude créatrice. Signé chez V2 records, « Tribe » est un atout de plus au jeu de l’artiste, déposant, sur l’échiquier de sa carrière, une nouvelle pièce maîtresse. Relatant le quotidien de nos vies humaines, les réflexions et les observations fusent des 12 titres conçus avec précision. A la fois optimistes et tristes, les ballades sont le reflet de la vision de Luka, qui ne l’impose pas mais plutôt nous la propose en manifestant un plaisir non dissimulé. Soliste accompli, c’est tout de même en compagnie de Simon O’Reilly que l’Irlandais s’associe pour mettre en boîte cette plaque. La campagne irlandaise comme réceptacle à la création, l’esprit fou et curieux, il n’en fallait pas plus pour produire un superbe album invitant à la détente et au repos. En tout cas, c’est tout le mal que je vous souhaite.
A peine remis de sa victoire au concours ‘Musique à la française’, Veence Hanao s’est emparé de la scène pour mieux paraphraser ses mots exaltés. Nouveau chantre intello d’une culture urbaine consciente, Veence Hanao chante ses textes à qui veut les entendre. Et ils sont de plus en plus nombreux. Cet été, cet amateur de soul au cœur jazzy se laisse découvrir sur les planches des Francofolies de Spa, du Dour Festival et d’Eu’ritmix. Rencontre avec un artiste au verbe acéré et à la langue bien pendue.
L’histoire de ta carrière solo est inextricablement liée à celles de Festen et Autumn. Peux-tu nous présenter ces différents projets ?
Dès mes débuts, j’ai eu la chance de rencontrer Noza, un jeune producteur. Je suis vite revenu vers lui pour lui faire part de mes envies. A l’époque, il venait de commencer un projet en compagnie de Pixel et Barok. Ils jouaient ensemble au sein d’une formation complètement décalée, proche du néo-dadaïsme : Festen. Noza m’a aidé à enregistrer mes premiers morceaux et m’a invité à rejoindre Festen. On s’est rapidement retrouvé à la tête de deux démos finalisées : une pour Festen et l’autre pour mon projet solo. Entre temps, Barok a quitté Festen. Avec Noza, on a encore cherché à toucher à d’autres styles musicaux. On a donc lancé Autumn. On s’est détourné des sonorités électroniques pour se concentrer sur le jazz et la soul des années 60. Le hip-hop reste, bien évidemment, le ciment de ces différents projets.
Aujourd’hui, Festen n’est plus. La fin du groupe coïncide-t-elle avec une volonté de ne pas s’éparpiller, d’éviter d’embrouiller l’auditeur ?
Inévitablement, une confusion s’installait. Quand on jouait pour Festen, on présentait quelques morceaux de mon projet solo. Quand je montais sur scène, les gens disaient : ‘Ah, c’est Veence Hanao de Festen !’ Quand nous avons lancé Autumn, certains venaient télécharger les morceaux en pensant écouter Festen. Bref, c’était un peu l’anarchie. Cependant, les raisons de la séparation de Festen ne sont pas à chercher de ce côté… Nous avions des envies différentes à l’égard de Festen. Aujourd’hui, on en est arrivé à penser qu’il s’agissait davantage d’un projet conceptualisé qu’un groupe !
Ta musique évolue entre le hip-hop, le jazz, l’electro, le slam et la poésie. Comment la décrirais-tu ?
J’ai la chance de bosser en compagnie de Noza, un gars d’une grande culture, capable de produire des sons qui partent dans tous les sens. Au risque de frôler une certaine incohérence, je souhaite conserver ce côté touche-à-tout. Je veux faire des choses différentes et éviter de restreindre mon univers. Maintenant, pour décrire ma musique, on peut dire qu’il s’agit d’un croisement entre le rap et le slam avec des influences electro et jazz.
Sur scène, tu joues déjà de nouveaux morceaux. Te lasses-tu facilement de l’interprétation de tes propres morceaux ?
Oui, je me lasse facilement. J’ai besoin de mouvement. Plus j’en fais, plus je suis critique par rapport au passé. Cela me permet d’évoluer. De toute façon, je ne suis pas encore au stade où les fans viennent pour entendre un morceau particulier. Aujourd’hui, j’ouvre les concerts pour des têtes d’affiche. Dès lors, j’offre de la découverte au public.
Vas-tu commercialiser ton premier album éponyme ?
C’est davantage une carte de visite. Grâce à cet enregistrement, on a eu la chance de remporter le concours ‘Musique à la française’ et de participer aux Nuits Botanique. Mais, à mes yeux, ce premier essai discographique est bouclé depuis longtemps ! Aujourd’hui, j’ai une terrible faim créative. Dans quelques semaines, Nous allons bientôt commencer à travailler sur de nouveaux titres. Nous voulons maintenant trouver un distributeur, peut-être lancer les bases d’un nouveau label. A l’occasion de notre tournée d’été, on offrira toutes nos chansons en téléchargement gratuit ! Mais on n’éprouve aucun regret à l’égard de ce premier album : il nous a permis de gagner un concours, de toucher un public dans quelques magasins spécialisés, de jouer de chouettes dates, de participer à des festivals. En quelque sorte, il s’agissait de présentations. Maintenant, elles sont faites !
Quel regard portes-tu sur la scène hip-hop belge ?
D’une manière générale, la scène hip-hop est boycottée. Nous sommes victimes d’un certain blocage. Cependant, nous ne nous donnons pas les moyens de nos ambitions. Certains rappeurs font preuve de bonne volonté... Malheureusement, il ne suffit pas de prendre un micro dans une cave pour sortir du lot ! Nous sommes mal informés sur le système culturel… On manque d’outils. Le paradoxe en Belgique, c’est qu’au moment où la scène hip-hop se réveille et s’active, elle ne dispose même plus des moyens mis en œuvre par le passé. Pour un Starflam, par exemple… Mais je déteste entretenir le rôle de la victime. Aujourd’hui, la culture rock est installée. A une époque, le rock a dû se battre pour en arriver là. Désormais, il est aux portes de toutes les institutions culturelles du pays. Je ne vais pas dire que c’est normal. Mais dans un même temps, les rappeurs ne font rien pour améliorer la situation. Alors, chacun doit y mettre du sien. Ce n’est pas impossible ! Arrêtons de cultiver le mépris gratuit : les gens ne veulent pas de mal au hip-hop !
Quels albums conseillerais-tu à Monsieur et Madame Tout-le-Monde ?
Le « Madvillainy » de Madvillain, « Champion Sound » de Jaylib, « Opera Puccino » d’Oxmo Puccino, « The Disrupt » de Oh No et l’incontournable Ella Fitzgerald pour son « Lullabies of Birdland ».
En concert :
Le 13 juillet : Dour Festival
Le 22 juillet : Francofolies de Spa
Le 18 août : Festival Eu’ritmix
Comment expliquer le phénomène CocoRosie ? En moins de trois ans, Bianca Casady et sa sœur Sierra sont devenues le dada le plus hype chez les hippies post-modernes. Cette nouvelle communauté est bigarrée : fashionistas, pères de famille, joyeux girons, mères au foyer et adolescent(e)s mélancoliques. En trois albums, les deux Américaines ont repéré le point sensible d’une société éclatée. Avec son folk tarabiscoté de mille astuces infantiles, CocoRosie est passé de sa chambre à coucher au sommet de l’affiche. Sans même comprendre les raisons de son succès. Pour ce troisième album, intitulé « The Adventures of Ghosthorse & Stillborn », les voix mutines des deux sœurs se détachent pour laisser place à une castafiore (Sierra) et une enfant blessée (Bianca). La poésie énamourée et les larmes de joie des débuts s’ornent aujourd’hui d’une conscience politique. Dans cet opéra urbain, CocoRosie est une Superstar. Même Jésus Christ cherche sa place. Si la religion a perdu une grande part de son mysticisme, Bianca et Sierra seront bientôt plus célèbres que la Vierge Marie. Demandez à John Lennon.
Parfois, un regard suffit pour comprendre. Bianca et Sierra sont nées sous les étoiles : des stars, des vraies. Maquillées de jour, comme de nuit, les deux sœurs ressemblent à des vedettes hollywoodiennes : intouchables, impénétrables. Une casquette vissée sur une tignasse rasée et peroxydée, une veste de training sur les épaules, un jean grisonnant, forcément moulant, un foulard rouge serré autour de la cuisse, Bianca est là, face à nous, plantée dans ses pompes blanches. Premier constat : son air triste ne fait pas les belles chansons d’amour de son groupe. « C’est difficile à gérer. Toute cette attention, cette pression, ces questions sur ta vie, tes envies. Aujourd’hui, je ne sais même pas si je crois encore en l’amour ». Ambiance. Malgré ses épanchements émotionnels et une rupture sentimentale mal digérée (NDR : avec Devendra Banhart), Bianca demeure charismatique, christique. « A l’époque de la ‘Maison de Mon Rêve’, notre premier album, tout semblait évident, simple. C’était un rêve éveillé », explique Bianca. Aujourd’hui, CocoRosie est une formation populaire, presque un porte-drapeau générationnel. « Nous n’avons pas cherché à devenir des icônes ou un symbole quelconque. Si des gens se reconnaissent en nous, c’est une bonne chose. Mais nous n’avons jamais cherché cette reconnaissance. » Toujours est-il que le nouvel album des deux sœurs est attendu et sera entendu. Les sœurs Casady le savent et profitent de l’occasion pour habiller leur folk aux mélodies mutines de textes engagés. A ce titre, les paroles de ‘Japan’ sont illustratives : « Everyone wants to go to Iraq. But once they go, they don’t come back ». Quand on aborde le sujet, Bianca s’emballe : « Le fait de toucher un public plus large ne change en rien notre façon de travailler, de voir le monde. Notre réalité n’est pas forcément différente de la vôtre. L’art est un champ de liberté. Il faut le cultiver. » Toujours mystérieuse, elle repousse encore les limites de l’allégorie lorsqu’on aborde la photographie de Pierre et Gilles, illustrant la pochette de leur nouvel album. « Oh, c’est simple. Sur cette photo, nous apparaissons sous les traits des ‘jumelles sanglantes’ (NDR : The Bloody Twins). Là, évidement, elles sont mortes. On est donc au paradis et on navigue sur la voûte d’un arc-en-ciel. » Voilà bien longtemps qu’on n’avait plus entendu telle explication... Si l’univers du disque se vit comme une nébuleuse aventure mythologique, la musique de CocoRosie permet à l’auditeur de se rattacher à une certaine réalité. Car « The Adventures of Ghosthorse & Stillborn » regorge des subtilités d’usage : harpe miniature, jouets d'enfants, crépitements électroniques, guitare titubante, beats humains et timbres vocaux effarouchés. Petites nouveautés cependant : l’affirmation d’un goût immodéré pour l’opéra et l’accentuation d’un phrasé coulé dans le hip-hop. « Tout ça n’est pas nouveau... Sierra a suivi des études de chant lyrique. D’ailleurs, elle est fan de Debussy et Fauré. Et nous avons toujours apprécié le hip-hop. Mais, au fond, ce n’est pas essentiel. L’important, c’est de continuer à créer, d’être en relation avec sa musique, de rechercher de nouvelles lignes d’expression et d’y trouver du plaisir. » Sur ce nouvel album, l’objectif semble atteint, tout comme le grand public. Un jour, peut-être, les deux filles seront les vedettes de vos plus belles émissions de divertissement. Ce jour-là, l’appellation ‘variété’ en sortira grandie. A coup sûr.
Conor Oberst, le cerveau de Bright Eyes, est un monstre sacré, une sorte de légende vivante. Et franchement, on songe à prendre le pari : dans quelques années, les autorités américaines songeront à remplacer la Statue de la Liberté (symbole rendu caduque par l’érosion de l’échelle des valeurs) par un buste de Conor Oberst (nouveau résident new-yorkais, par ailleurs). Sans relâche, depuis ses quatorze ans, l’enfant d’Omaha, dans le Nebraska, étudie les bases de la country folk américaine pour mieux la sublimer. Autant dire que le garçon sortait des disques avant même d’entrevoir ses premières poussées d’acné. « Cassadaga », sixième album de l’éphèbe, marque une nouvelle étape dans la carrière de Bright Eyes. Enfin signé sur une major, Oberst délaisse ses introspections dépouillées pour privilégier la densité et quelques levées instrumentales ancrées dans la plus pure tradition du ‘classic rock’.
Qu’il chante l’amour ou des faits sociaux teintés d’implications politiques, Conor Oberst emprunte toujours cette même voix : chevrotante et gavée d’une foule d’émotions (à faire pleurer les plus réjouis). Et si les premières écoutes sont susceptibles de condamner ce disque à la rubrique des albums écrasés par la banalité, il serait dommage de s’arrêter en (si bon) chemin et de ne pas approfondir les idées avancées par Conor Oberst et ses compagnons d’aventure (au rang des invités, on reconnaît notamment Gillian Welsh ou M. Ward). Car le fil des écoutes se révèle vite des plus précieux. « Cassadaga » est un disque à apprivoiser. Comme la belle pochette de cet album, les subtilités harmoniques se décodent ici avec patience.
L’Amérique a enfanté bon nombre d’artistes (con)sacrés en son cœur : Bob Dylan, Bruce Springsteen ou Woodie Guthrie. Avec des titres comme « Four winds » et « Soul singer in a session band », Bright Eyes rejoint (sans mal) ce lignage patriotique. Préparons-nous déjà à suivre la discographie du bonhomme. Les perspectives sont vastes et toujours réjouissantes.
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