Ancien compère de Pascal Deweze au sein de Metal Molly dans les années 90, Allan Muller pose sa voix de crooner sur ce premier disque solo, après avoir fait un peu parler de lui au sein des discrets Satellite City. Beaucoup plus lumineux et pop que les travaux de Deweze chez Sukilove, ce « Resting my case » ne prétend pas révolutionner la musique mais propose quelques très bons morceaux. Dont le sautillant et tubesque « Can’t stop now », plage rappelant le Boo Radleys de l’époque « Wake Up Booh ». La suite oscille entre ballades indie pop de bonne facture (l’accrocheur « If it’s good for you, it’s good for me ») et morceaux rock aux rythmiques ‘impaires’ que les musiciens flamands semblent apprécier particulièrement. Un boulot de qualité, fort bien joué (l’excellent guitariste de Das Pop, Reinhard Vanbergen, est de la partie) et bien mixé, mais ce son appartient peut-être trop à un glorieux passé proche pour séduire autre chose que les indécrottables nostalgiques.
Bongo à go-go. Les passionnés du label Vampisoul continuent leur entreprise de vulgarisation, en mettant à jour les premiers travaux de Chuck Brown, surnommé ‘The Godfather of Go-go’, du nom de ce style musical issu de Whasington Dc, mariant le hip hop au funk. La présente compilation résume les meilleurs moments de deux albums publiés au début des années 70 par les Soul Searchers. Des jams funky endiablées emmenées par le chant à moitié parlé de Chuck Brown. Les breaks de batterie sont légion (les fans de hip hop en reconnaîtront certains), les paroles hésitent entre les francs appels à la danse (le génial « Blow your whistle ») et des paroles un peu mystiques reflétant l’état d’esprit idéaliste de la période, pas encore tout à fait revenue de l’idéal hippie. Et en prime, une reprise du « Think » de James Brown ; soit le clin d’œil d’un ‘godfather’ à un autre. A la différence près que Chuck Brown est encore vivant et se consacre toujours de la musique. Oh my God that’s the funky shit !
Des beats électro minimalistes, des synthés euro dance. Des mc’s qui rappent à propos d’arnaques, de benz et de biatches remuant leur popotin dans les clubs, un verre de champagne à la main… Si vous cherchez des tubes à la pelle pour animer vos soirées crunk locales, cette compile risque donc de faire votre affaire. De Lil John au cubain Pitbull en passant par Bubba Sparxxx (ancien protégé de Timbaland), Snoop Dogg, Ice Cube et les Ying Yang Twins, les stars du genre et les stars tout court se bousculent donc pour balancer des titres calibrés pour les dancefloors. Une musique conçue pour la frime, aux paroles totalement débiles, mais dont l’efficacité et les flows tout terrain des mc’s sont plus amusants à écouter qu’une grosse partie du hip hop ricain ‘classique’ ; car s’il s’enfonce lui aussi dans les clichés, il ne fait plus rire depuis longtemps. Idéal pour votre soirée au club de fitness.
Chapitre final de la trilogie « +2 », cette plaque clôture un concept original qui aurait mérité plus d’attention sous nos latitudes. Moreno, Domenico et Kassin sont trois amis musiciens au c.v. blasonné (Bebel Gilberto, Arto Lindsay, Marisa Monte). Les trois albums de cette trilogie ouvrent chacun la porte aux univers et compos personnels de nos amis. C’est Moreno qui ouvrit le bal en 2001, suivi par Domenico en 2004 (voir la chronique de Domenico +2 en ces pages) et ce « Futurismo » tout neuf nous fait entrer dans l’univers de Kassin. Une œuvre copieuse dont certains titres ont été réalisés avec l’aide de Sean O’Hagan (les psychédéliques High Lamas) et John Mc Entire (Tortoise). L’essentiel a bien entendu été réalisé en compagnie de Moreno et Domenico. Album beaucoup plus mélodique et classique que le « Sincerely Hot » de Domenico, « Futurismo » semble être une ode au farniente et à la douceur de vivre… Mais une certaine folie reste présente tout au long de ce disque qui touille allègrement dans la bossanova (« O seu Lugar », « Futurismo »), la samba décalée (« Esquecido », le génial « Agua ») la pop sixties (« Mensagem ») et les expériences psychédéliques (le fou « Ponto Final »). Pas mal de belles mélodies (dont le bien nommé « Tranquilo ») qui s’apprécieront plus si elles s’écoutent à petites doses, la voix un peu linéaire de Kassin constituant le (très relatif) point négatif du disque. Hormis cette réserve, « Futurismo » exhale une salutaire bouffée d’air frais qu’on vous conseille chaudement.
La sortie de ce ‘live’ acoustique, après celle de « Résistance à la nuit » en octobre dernier, laisse penser que le charmant Raphaël tire sur la corde du raz-de-marée « Caravane » jusqu´à l´usure. Si la démarche ne convainc pas de prime abord, il faut pourtant admettre, à l´écoute de l´œuvre, que le pouvoir de séduction et le talent du jeune homme fonctionnent une fois de plus. A l´occasion de cette « Nuit au Châtelet », l´artiste s´est attaché à réarranger de main de maître, non seulement certains de ses titres, mais aussi des morceaux composés par des Monuments de la chanson française tels que Serge Gainsbourg, Alain Bashung, Barbara ou encore Gérard Manset (entre autres). Résultat : un univers intimiste, parfois sombre, par lequel on se laisse bercer sans aucune retenue. On ne peut qu´applaudir le choix judicieux des chansons et l´originalité avec laquelle l´auteur-compositeur-interprète les revisite. Raphaël continue son parcours sans fausse note…
Un ange passe. Quelques minutes se sont écoulées mais le temps s’est figé sur cette voix. A ses côtés, piano et violons, même impeccablement arrangés, ne sont que prétextes. Prétextes pour s’accrocher désespérément à la profondeur indélébile de ce timbre grave et doux. Prétexte pour faire tourner l’album en boucle, sans paraître, juste pendue aux lèvres de Matt Berninger. Le conteur a séduit, et fait sombrer délicieusement dans les méandres de ses narrations, bercées entre l’ombre et la lumière. Une voix qui n’a désormais plus rien à envier à Stuart Staples (Tindersticks), pour un album qui affine les surprises du passé. « Sad songs for dirty lovers » (2003) avait ému par sa pop parfaitement en équilibre entre acoustique ténébreuse et efficacité électrique ; « Alligator » (2005) avait conquis par ses vocalises sereines, acheminées en déluges sonores. « Boxer » s’élève toujours plus haut, à travers la finesse de l’instrumentation (violon, violoncelle, piano, harpe, trompette, orgue) et les participations complices de Padma Newsome, Doveman et Sufjan Stevens. Profondément sincère, il précipite d’imparables émotions sans jamais se départir de cette déconcertante sérénité. Emmené par cette impressionnante batterie où puissance et finesse se donnent la réplique sans jamais cesser de surprendre, le rythme flirte à la dérobée avec l’abysse. « Boxer » tangue entre résignation romantique et volonté débridée ; et c’est au cœur de ce va-et-vient que The National confirme sa force et sa délicatesse. Sur « Ada » et « Fake empire » guettent l’imparable crescendo et tombent les dernières résistantes. Où est la faille ? Pensée avortée, car, déjà, la vague a délicieusement submergé. Lorsque la marée baisse, les corps nus et frissonnants sont à découvert. Subitement tellement légers, les armes éparpillées dans l'écume. Seul un rire nerveux distrait un visage placide où la peur a littéralement fondu devant l’inébranlable moment présent. Car « Boxer » est purement et simplement une tempête de présent.
Comme écrit dans tout grimoire qui se respecte, notre chambre d’enfant était remplie de monstres en tous genres. Pernicieusement cachés dans la pièce, ils profitaient de l’obscurité complète pour sortir hanter nos nuits. Agrippant de leurs mains spectrales nos chairs sensibilisées par l’innocence, ils écourtaient nos nuits et trempaient nos draps de sueur.
Le label MORR music (encore eux) a redessiné cette pièce stratégique de nos émotions enfantines, laissant le champ libre à Ghost pour s’y cacher pendant notre absence et y scruter le moment opportun, afin de surgir au-dessus de nos têtes. Pas des monstres affreux, sanguinolents et idiots (faut pas être très malin pour accepter ces conditions de travail). Mais des génies malins, phosphorescents dans la nuit, qui surgissent une fois que le carillon, tel un métronome, a fini d’égrener les douze coups de minuit. De leurs bras protecteurs, ils nous enveloppent au cœur d’un bien-être réconfortant, laissant apparaître les émotions qu’ils souhaitent nous communiquer. « Radical face » recèle ce parfum de souvenir, cette sensibilité qui laisse une trace toute la journée. Ils deviennent nos amis imaginaires, jouant habilement de la guitare et des percus, tout en glissant discrètement quelques effets electro bien ciblés. Un album folk electro très tendre, touchant directement un point sensible commun : l’émotion !
Vivement cette nuit, j’espère qu’ils reviendront…
Après « Chambre avec vue », énorme succès concocté en compagnie de Keren Ann et Benjamin Biolay, l’attachant Henri Salvador revient avec ce « Révérence » tout aussi décontracté. Un opus enregistré entre le Brésil, les USA et la France. Bardé d’invités de marque (le percussionniste de Miles Davis, Mino Cinelu, au mixage, Gilberto Gil et Caetano Veloso pour des duos), l’atmosphère indolente de « Révérence » oscille en ballades jazzyfiantes et ambiances sud-américaines. Si l’instrumentation fait la part belle à l’acoustique, la production a mis les petits plats dans les grands : un grand-orchestre accompagne la petite formation jazz (guitare, piano, contrebasse, batterie) qui constitue l’ossature des chansons. Excepté l’énergique « L’amour se trouve au coin de la rue », couverts d’accents jazz chicagolais, le tempo général est très lent et renforce l’atmosphère mélancolique du disque dont l’apogée est atteinte sur le beau « Tu sais je vais t’aimer ». Moins crucial que son illustre prédécesseur, « Révérence » manque peut-être de chansons marquantes pour susciter une adhésion sans faille ; mais parvient malgré tout à faire passer un agréable moment en compagnie d’un artiste qui mérite le plus grand respect.
Publier un article consacré à Michel Sardou n’est pas dans les habitudes de Musiczine. Surtout un compte-rendu de concert (NDR : oui, il est exact que des chroniques de disques ont été consacrées à Obispo, Haliday, Clerc ou même Adamo). D’autant plus que ce texte nous a été transmis par un lecteur. Assidu, mais ce n’est pas suffisant. Un papier bien écrit, mais ce ne l’est pas davantage. Et si cette prestation mettait un point final à la carrière du chanteur, ce n’était pas une raison pour faire des exceptions. Alors pourquoi le publier ? Ben par esprit de contradiction et pour susciter le débat (Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.). Parce qu’en parlant de Michel Sardou, on peut en profiter pour dénoncer à nouveau ce vase clos au sein duquel se pavanent les stars de la variété en France et dont les médias généralistes outre-Quiévrain ainsi que les magazines ‘people’ font les choux gras. Suffit de penser aux émissions de Michel Drucker pour savoir de qui on parle. Cet animateur avait même poussé le bouchon en imposant sa vision du monde musical en Belgique lors d’une émission spéciale ‘Champs Elysées’. Pourtant, aussi bien en France qu’en Belgique, il existe d’autres artistes que ces stars de variétés séniles ou posthumes. En fait, les valeurs montantes (de la chanson française, par exemple) n’ont guère voix au chapitre dans les médias à grande audience. Ou alors à des heures très tardives. On préfère en fabriquer d’autres. Impersonnelles. A la Star Academy, par exemple. Serait-ce dû à un manque d’esprit critique de nouvelle génération de mélomanes ? J’en doute. Parce qu’elle taxe d’intégriste celle qui dénonce ou dénonçait ce système. Mais un flashback n’est pas superflu pour mieux comprendre ce point de vue.
Mai 68 a aussi engendré une révolution artistique et musicale. Le rock et la chanson française à texte ont traduit le ras-le-bol des jeunes face à l’establishment. Et inconsciemment, ils visaient déjà ce même cercle fermé. Au sein duquel on avait déjà essayé de trouver la parade en inventant le mouvement ‘yéyé’. Simplement, le public jeune et curieux s’est rendu compte que la muse de ces derniers était puisée chez les anglo-saxons. Suffisait d’écouter les bonnes radios. Les premières stations pirates, par exemple. London, Caroline, etc. (NDR : évidemment, les autorités se sont empressées de faire cesser leurs activités). C’est l’époque à laquelle les jeunes branchés vomissaient Claude François, Sheila et bien d’autres du style. Difficile dès lors pour celles et ceux qui ont vécu intensément cette époque rebelle, de voir revenir en force les mêmes fantômes. Qui n’ont jamais réussi qu’à faire le vide autour d’eux. N’acceptant finalement celles et ceux qui pensaient (gagnaient ?) comme eux. Mais l’ivraie n’a jamais été totalement éradiquée et a fini par repousser… Aussi, au fil du temps, le rock est devenu plus pop. Et la pop moins rock. La chanson française est devenue plus proche des variétés et les variétés plus proches de la chanson française. Tout est même devenu recyclable. Sans la moindre exception. Les radios libres sont devenues moins libres (NDR : quand recommence-t-ton la révolution des ondes ?) On a jeté des paillettes et remis le play-back au goût du jour. Même chez les Anglo-saxons. Et on en a presque oublié la nature première d’un artiste : la création. Car dans ce monde moderne guidé par le néo-libéralisme (NDR : certains préfèrent dire néo-capitalisme), la vente a pris le pas sur la création. Subir sans réagir face au néo-establishment, c’est refuser de penser ou de s’ouvrir. Et dans cet esprit, si Musiczine ne souhaite pas passer pour un webzine intégriste, il a la volonté de s’accrocher à un principe de base : l’indépendance de rédaction et le souci de vous faire découvrir de nouveaux artistes. D’essayer de donner un avis (im)pertinent et critique sur leur création ou leurs prestations ‘live’. C’est d’ailleurs le meilleur service qu’on puisse leur rendre. Pour les autres, et en particulier les protégés de Michel Drucker, il existe suffisamment de plateformes sur le web ou autres médias pour vous en parler en long et en large. Et quand il n’y en a plus, pas de problème, il y en a encore… (Bernard Dagnies. Rédacteur en chef)
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Il y a quarante ans que Michel Sardou déchaîne haines et aversions par delà la presse et les forums d'internautes ; moins souvent d'ailleurs pour son œuvre musicale que pour des ‘opinions politiques’ que du reste l'interprète des « Bals populaires » semble lui-même ne pas toujours partager. Le « Live au Zenith 2007 » (qui clôt définitivement sa carrière de chanteur, selon son propre aveu) est donc l'occasion de rappeler à ceux qui voudront l'entendre que Michel Sardou chante, et chante bien.
« Live au Zenith 2007 » est aussi très étonnant, pour un tour de chant d'adieu. Si l'on aurait pu s'attendre à la présence de « La Maladie d'amour », « Musulmanes », « En chantant », « Etre une femme » ou du célébrissimme « France » qui aurait irrité en son temps le général de Gaulle, c'est dans un medley qu'il en entonnera quelques couplets a capella, en compagnie du public, surpris. Au contraire, en interprétant une nouvelle version de « Je ne suis pas mort, je dors » –qui n'aurait pas déplu à François Mitterrand dont c'était la chanson préférée– Michel Sardou donne le ton. Le concert sera ‘2007’ dans les réarrangements des anciennes chansons, comme dans le choix abondant de titres extraits de ses deux derniers opus.
La soirée s'ouvre par « Allons danser » dont le côté crispant du texte est très vite dissipé par Michel Sardou qui prend, dès la seconde chanson, « Du Plaisir » à retrouver des textes qui ne seront dès lors presque plus ‘engagés’. Le surprenant « Concorde » s'achève gravement avant que ne lui succèdent quelques chansons plus tenaces parmi lesquelles « J'accuse » ou « Les jours avec et les jours sans ». Touchant quand il se souvient des « Yeux de son père », il rappelle au passage que si « 1965 » et « Parce que c'était lui, parce que c'était moi » sont moins connues que « Le rire du sergent », elles n'en sont pas moins réussies. Après le medley-anciennes chansons, la voix de « Maman » Sardou surgit et introduit habilement la reprise d' « Aujourd'hui peut-être » qui fait un écho digne à son regret de n'avoir pas ‘deviné sa vie dans les yeux de son père’, regret chanté quelques minutes plus tôt. Le concert prend alors une tournure définitivement ‘2007’ lorsque Monsieur Sardou entonne, visiblement fier, son « évangile » (selon Robert): un slam version Sardou. Quand il chante que ‘seuls les chagrins restent à leur place, avec leurs sales gueules, dans la glace’, on doit lui reconnaître qu'il excelle dans l'exercice. On sent alors venir la fin du concert lorsque résonne un « On est plantés » justement interprété, suivi par « Espérer » qui évite à l'ambiance lourde de persister. « Loin », « Les lacs du Connemara », « Valentine Day » et « La dernière danse » occupent alors leurs justes places, avant que Sardou ne vienne s'installer quelques instants au piano pour chanter le dernier titre de la soirée, « Cette chanson-là n'en est pas une ». « Salut » précédé par un court remerciement du chanteur pour la fidélité de son dévoué public, se rajoutera à la track-list lors des dernières dates de la tournée, confirmant la volonté de son interprète de revenir ‘dans un autre costume, dans un autre emploi’.
En bref, nous avons passé une excellente soirée. Chansons bien agencées, track-list pour le moins audacieuse, technique millimétrée et un Michel Sardou très agréable. Rien à dire si ce n'est merci, et bravo!
On ne présente plus Arno, le rocker ‘number one’ du royaume. En activité depuis plus de trente ans, il est devenu un phénomène médiatique. Bien que bégayant et dipsomane, ce personnage fréquente radios, télés et alimente les rubriques des journaux qui se pressent pour écouter ses propos décousus. La nouvelle fournée du vénérable Ostendais souffle le chaud et le froid. Hésitant entre ballades rock (« Help Me Mary/Reviens Marie »), funk bien raide rappelant TC Matic (« Enlève ta langue », « Miss Amérique ») et rock sévèrement ‘burné’ (l’incongru duo « I’m not into hop », partagé en compagnie du marseillais Faf Larage, issu de la galaxie Iam), ce « Jus de box » se révèle assez varié(té), mais pas vraiment inspiré.
On peine ici à extraire un vrai bon morceau de cette collection un peu paresseuse pour laquelle il a reçu le concours de ses indéboulonnables complices (le claviériste Serge Feys ou encore le bassiste Mirko Banovic), mais aussi quelques ‘guests stars’, dont Marie ‘Zap Mama’ Daulne. Il faut attendre les comptines à la Tom Waits de « Jusqu’au bout » et « Toute la nuit » pour, enfin, voir Arno communiquer son émotion. Et, surtout, permettre à l’auditeur d’entendre de chouettes mélodies. Reste quelques moments d’humour, comme lorsque d’un accent bizarre, il déclare ‘Hier matin je voulais tuer la mort, aujourd’hui je ris et même Dieu est heureux’ ou encore (sur le comique « Red Lipstick ») ‘My last girlfriend was a drinker, she lost her dog, his name was Thinker’. Le reste, pas franchement passionnant, est réservé aux fans acharnés. Si vous venez de découvrir le bonhomme, il est préférable d’entamer votre initiation par l’album « A la française », bien meilleur que cet effort un peu poussif.
Après huit années d´existence, cinq autoproductions et une centaine de concerts, Sliver sort « Kamikaze », EP composé de six titres. La formation française qualifie sa musique de ‘new-rock’. Pour être plus clair, on préfère parler de métal aux relents de punk. Les guitares agressives, les drums violents et les hurlements présents sur la plupart des titres ne peuvent contredire cette constatation. Une chose est sûre, les quatre membres de Sliver manient le genre avec adresse et style. Style qui n´est pas sans rappeler celui ‘Linkin park’, en moins pop, et ce surtout grâce à la voix de Ben, chanteur et guitariste du groupe, proche de celle de Chester Bennington. Un groupe et un EP dignes d´intérêt.
Depuis « Antics », Interpol affiche un profil nettement plus pop. Et ce n’est pas « Our love to admire » qui changera la donne. Bien sûr leur musique est toujours aussi contaminée par les eighties : la new wave, le post punk et évidemment la cold wave. L’attitude et l’image sont également préservées. Et la voix spectrale de Paul Banks continue de donner le ton. Alors, rien n’a changé chez Interpol ? Pas tout à fait, puisque la production a été confiée à Rich Costey (Muse, Franz Ferdinand). Et puis les arrangements sont beaucoup plus riches, impliquant comme sur le précédent opus, « Antics », piano et claviers, mais également des cuivres et des cordes. Encore qu’il soit nécessaire de bien tendre l’oreille pour s’en rendre compte, tant cet enrichissement est subtil. Bref, cet « Our love to admire » manque singulièrement de groove. Ce qui ne veut pas dire que cet opus soit de mauvaise facture. Au contraire ! Mais il risque de décevoir les fans de la première heure. Maintenant en analysant les morceaux de plus près, on y décèle une grande sensibilité mélodique. Et une texture finalement fort élaborée. Hormis le très dispensable « Wrecking ball », plage destinée à inviter les spectateurs à balancer les bras, au-dessus de leurs têtes, lors d’un set ‘live’, le reste nous plonge au sein d’un climat profond, ténébreux, teinté de mélancolie et d’introspection. Moments solennels et intenses (le single « The Heinrich maneuver »), parfois proche de la symphonie gothique (« Mammoth ») alternent avec passages plus atmosphériques (le final nébuleux, presque contemplatif « The lighthouse » et surtout les vaguelettes de cordes de guitare directement inspirées par And Also The Trees, parsemées tout au long de l’opus) et compos hymniques (« Pioneer to the falls »). Personnellement, j’estime que les deux morceaux les plus intéressants sont aussi les plus audacieux. Tout d’abord « All fired up ». Caractérisé par ses variations rythmiques et ses riffs de guitare angulaires, il frôle épisodiquement l’univers punk/funk d’un Radio 4. Et puis « Rest my chemistry ». L’ombre d’AATT y est omniprésente, malgré les déflagrations ponctuelles d’électricité. Et pour compléter votre information, sachez que les lyrics de Banks sont toujours aussi cryptiques.
Assister à l'éclosion sur scène d'un nouveau talent, est un privilège rare pour un amateur de musique. Encore plus rare lorsqu'il s'agit de deux, lors de la même soirée. C'était pourtant le cas ce samedi 21 avril au Soleil de la Butte.
Virgule, nouvelle arrivante sur la scène parisienne, accordait ce soir son (presque) premier concert dans ce haut lieu Monmartrois. En ‘première première partie’, Cléo et Jane ouvraient agréablement la soirée par deux chansons plutôt sympathiques. Mais c'est May Day qui constituera la deuxième révélation de la soirée.
En pantalon et débardeur noir qui soulignent un teint mat, cette jolie femme ne manque pas d'allure. Une fois installée, guitare en main, elle évacue un peu du trac qui la tenaille en formulant quelques remarques ironiques. Dès la première chanson pourtant, on est surpris par une belle voix, assurée, mélodieuse, et surtout une vraie présence scénique. Etonnant quand on sait qu'elle n'a, jusqu'à présent, enregistré que des démos seule, dans sa chambre ; et qu'il s'agit là de sa première confrontation face à un public, certes intimiste, mais déjà trop nombreux pour lui être acquis par défaut. Sans effets faciles, May Day aligne des chansons intelligentes, souvent émouvantes et dont les refrains restent volontiers dans un coin de la tête. Ecoutez sa petite dernière, "Blood on my hands", pour vous en convaincre. Ses histoires lorgnent plutôt vers les teintes sombres de la palette des sentiments humains. Racontées sur un ton doux-amer, elles ne peuvent laisser indifférent.
Avant de laisser la place à Virgule, May Day achève un set sans faute par une reprise de "Music" de Madonna, introduite sur un ton caustique auquel ceux qui la connaissent quelque peu sont habitués : ‘Vous aimez Madonna ? Moi non plus, mais on est obligé par contrat’). Pas facile a priori de faire sonner une chanson comme celle-ci en se limitant à une voix et une guitare... mais la demoiselle s'en tire avec les honneurs.
Après une petite pause pour la mise en place et le réglage d'une sono qui, hélas, gâchera un peu le concert par ses problèmes chroniques, Virgule et sa bande s'installent.
Une batterie, une basse, une guitare, une choriste, un... violoncelle (tiens donc), et la voix ainsi que la gratte nonchalante de Virgule. L'ensemble forme un groupe parfaitement structuré. Dès les premiers morceaux, il est clair que si ceux-là n'ont pas encore beaucoup joué en public, ils n'ont aucun problème de cohésion. Nous partons donc pour une longue ballade au cœur d’un univers pastel, évoquant tour à tour des personnages un peu cassés ("La Joliesse"), la déprime d'une histoire d'amour finissante ("Mes Souvenirs"), les compromissions de l'existence ("C'est pas joli joli") ou une vie parisienne ("Paris").
Beaucoup de monde dans cette petite salle. Le groupe se produit face à un public debout, l'entourant comme s’attroupe autour d'un conteur venu narrer ses histoires curieuses. Les arrangements de Greg Behar, le guitariste, sont impeccables de justesse, aucun instrument ne s’égarant dans le superflu. La voix douce et un peu traînante de Virgule s'accorde très bien à cette tapisserie musicale, même si on peut penser qu'elle pourrait la muscler un peu. Le violoncelle de Fanny Warin reste la touche la plus originale, remplaçant avantageusement un clavier. Sébastien Saint André (basse) et Benoît Gascquet (batterie) se chargent de la rythmique, et Jane Sevilla ajoute sa voix haut-perchée sur la plupart des morceaux.
Lorsque le concert touche à sa fin, les applaudissements et surtout les sourires du public témoignent du très bon moment que chacun vient de passer. Une seule envie en repartant : qu'il y en ait d'autres, vite :-).
Assister à l'éclosion sur scène d'un nouveau talent, est un privilège rare pour un amateur de musique. Encore plus rare lorsqu'il s'agit de deux, lors de la même soirée. C'était pourtant le cas ce samedi 21 avril au Soleil de la Butte.
Virgule, nouvelle arrivante sur la scène parisienne, accordait ce soir son (presque) premier concert dans ce haut lieu Monmartrois. En ‘première première partie’, Cléo et Jane ouvraient agréablement la soirée par deux chansons plutôt sympathiques. Mais c'est May Day qui constituera la deuxième révélation de la soirée.
En pantalon et débardeur noir qui soulignent un teint mat, cette jolie femme ne manque pas d'allure. Une fois installée, guitare en main, elle évacue un peu du trac qui la tenaille en formulant quelques remarques ironiques. Dès la première chanson pourtant, on est surpris par une belle voix, assurée, mélodieuse, et surtout une vraie présence scénique. Etonnant quand on sait qu'elle n'a, jusqu'à présent, enregistré que des démos seule, dans sa chambre ; et qu'il s'agit là de sa première confrontation face à un public, certes intimiste, mais déjà trop nombreux pour lui être acquis par défaut. Sans effets faciles, May Day aligne des chansons intelligentes, souvent émouvantes et dont les refrains restent volontiers dans un coin de la tête. Ecoutez sa petite dernière, "Blood on my hands", pour vous en convaincre. Ses histoires lorgnent plutôt vers les teintes sombres de la palette des sentiments humains. Racontées sur un ton doux-amer, elles ne peuvent laisser indifférent.
Avant de laisser la place à Virgule, May Day achève un set sans faute par une reprise de "Music" de Madonna, introduite sur un ton caustique auquel ceux qui la connaissent quelque peu sont habitués : ‘Vous aimez Madonna ? Moi non plus, mais on est obligé par contrat’). Pas facile a priori de faire sonner une chanson comme celle-ci en se limitant à une voix et une guitare... mais la demoiselle s'en tire avec les honneurs.
Après une petite pause pour la mise en place et le réglage d'une sono qui, hélas, gâchera un peu le concert par ses problèmes chroniques, Virgule et sa bande s'installent.
Une batterie, une basse, une guitare, une choriste, un... violoncelle (tiens donc), et la voix ainsi que la gratte nonchalante de Virgule. L'ensemble forme un groupe parfaitement structuré. Dès les premiers morceaux, il est clair que si ceux-là n'ont pas encore beaucoup joué en public, ils n'ont aucun problème de cohésion. Nous partons donc pour une longue ballade au cœur d’un univers pastel, évoquant tour à tour des personnages un peu cassés ("La Joliesse"), la déprime d'une histoire d'amour finissante ("Mes Souvenirs"), les compromissions de l'existence ("C'est pas joli joli") ou une vie parisienne ("Paris").
Beaucoup de monde dans cette petite salle. Le groupe se produit face à un public debout, l'entourant comme s’attroupe autour d'un conteur venu narrer ses histoires curieuses. Les arrangements du groupe sont impeccables de justesse, aucun instrument ne s’égarant dans le superflu. La voix douce et un peu traînante de Virgule s'accorde très bien à cette tapisserie musicale, même si on peut penser qu'elle pourrait la muscler un peu. Le violoncelle de Fanny Warin reste la touche la plus originale, remplaçant avantageusement un clavier. Sébastien Saint André (basse) et Benoît Gascquet (batterie) se chargent de la rythmique, et Jane Sevilla ajoute sa voix haut-perchée sur la plupart des morceaux.
Lorsque le concert touche à sa fin, les applaudissements et surtout les sourires du public témoignent du très bon moment que chacun vient de passer. Une seule envie en repartant : qu'il y en ait d'autres, vite :-).
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