Michael Katon est enfin de retour en ‘live’. Plus de quarante déjà que l'homme de l'enfer gratte sa guitare comme un possédé, un sauvage, malmène ses cordes sur les scènes de la planète. Issu de Hell, dans le Michigan, il a commis son premier opus en 1984 : "Boogie all over your head". Et de boogie, il en bien évidemment question tout au long de cette œuvre. En 1998, il nous avait déjà gratifié d'un opus enregistré en public, "Bustin' up the Joint – Live", un disque immortalisé dans un club obscur de l'Ohio. Son dernier elpee studio remontait à un an à peine : "MK", un elpee qui sert largement de rampe de lancement à son nouveau ‘live’. La moitié des titres en sont effectivement extraits. Une situation logique, puisque les prises datent de sa dernière tournée européenne accomplie en 2006, alors qu’il assurait la promotion de ce "MK".
Katon est soutenu par sa section rythmique inoxydable : Johnny ‘Bee’ Badanjek" à la batterie et Sid Cox à la basse. Un concert accordé par MK ne suscite jamais l'ennui, mais l’aventure n'a rien de reposant. Il nous invite à séjourner dans cet enfer déjanté, peuplé de décibels. Dès les premières secondes de son set, le géant secoue sa longue chevelure. Il ne desserre pas l'étreinte de son manche avant que le dernier accord ne s'éteigne. Son répertoire nous transporte dans son monde fait de rock'n'roll dur et lourd, de blues et de boogie furieux. Là où on brûle dans les flammes éternelles… Le décor est bien vite planté par "Guitar for my friend". Une fusion vibrante entre l'artiste et ses cordes suramplifiées. Le chant semble au bord de l’épuisement. Mais ce n’est qu’une impression, car au cœur de l'univers d’outre-tombe de l'infernal Katon, la vigueur renaît sans cesse de ses cendres. Dès le décollage, le docteur nous administre des doses massives du seul traitement qu'il connaisse. Le cheminot de Hell mène son train sur les rails de Lucifer : "Yeah… but we can boogie". L’emprise est irrémédiable. Le glissement de la slide nous prend tous à la gorge. Impossible de reprendre sa respiration. Ne reste plus, au passage, qu’à subir le riff puissant de "Baby please don't go". La montée d’intensité se poursuit. "American McMofo" ressemble à une intervention chirurgicale désespérée. Auprès de lui, son concitoyen Ted Nugent n’est plus qu’un enfant chétif, doux et tendre! Toujours au bord de la rupture, sa voix l'emmène vers un rockin' blues impérial et extraordinaire : "Bad moon risin". Une compo proche du célèbre "Goin' down" de Don Nix. Pour le titre maître, la menace est à son paroxysme, la mise en scène impitoyable. L'orageux Michael consent de mettre la pédale douce. Une dizaine de minutes. Le temps d'expérimenter son livre de travaux pratiques consacrés à Jimi Hendrix. En l’occurrence sur "Luv a dawg". Mais, au même instant, il recharge les batteries de sa slide tonitruante. Et repart irrésistiblement sur le devant de la scène pour mieux cracher "Whiskey hill", un boogie furieux qui lui sort des tripes! Les cordes envahissent tout l'espace sonore. Plus moyen de relâcher la pression. Sa voix se déglingue, mais ne se rend pas. Il parvient à faire vibrer ce qui lui reste de cordes vocales pour hurler son "Rock'n'roll man", avant de mettre le cap vers un autre boogie menaçant : "Motorcycle blues". L'atterrissage s’opère dans l'ordre établi par l'artiste. Il se charge en personne de ramener son public à bon port, lors d’un boogie blues intitulé "Love hoodoo", une compo sortie tout droit des mystérieux bayous louisianais. La slide se met à hurler pour la dernière fois. Un accouchement dans la douleur, métallique ; et pourtant, les cordes ont bien tenu la distance. Chapeau bas! La participation à l'un de ses prochains concerts vous est largement recommandée! Il revient en Europe en mai prochain, il débutera sa tournée le 3, au Centre Culturel d'Harelbeke, chez l'ami moustachu poivre et sel, Eric Hautekeete.
Nos vies sont trop stressantes. Affublées de questions toutes aussi récurrentes que stupides - ‘Ai-je bien fermé à clé ? Ai-je bien éteint le gaz ? Pourquoi tout ce froid ?’- nos débuts de journée ont souvent un goût de déjà-vu. Un goût sec qui colle au palais. La mise en route de Winterset vient poser d’autres questions : ‘Pourquoi te stresses-tu ? Pourquoi douter ? Pourquoi tu n’as pas mis un pull à col roulé ?’ Titubant entre doute et plénitude les Italo-franco-néerlandais de Templo Diez déjouent, sur un pied, nos angoisses primaires. Le groupe, après le gros succès de son premier album « Hoboken », décroché en 2003, réalise ici un forcing de bien-être en gravant 13 plages dénuées d’une quelconque particule de stress. Avec grandeur, les guitares volent comme jetées dans le puits de l’infini, croisant sur leur trajet la voix de Pascal Hallibert et d’une représentante féminine à la douceur vénézuélienne. Le projet ambitieux aurait pu se casser les dents mais Templo Diez n’as pas l’intention de se faire édenter et connaît les limites à ne pas franchir en frôlant le trop ambitieux pour ne rester qu’en zone ‘humilité’. Mot qui définit bien en un seul tout le caractère de la plaque. Joli coup de My First Sonny Weissmuller en emportant dans sa besace le poids de ces artistes.
Après nous avoir délivré un opus convaincant (« A song about a girls »), Zita Swoon nous propose un album tout à fait captivant. Pourtant, à l’issue de l’écoute des trois premières plages de « Big city », dont le single « I feel alive in the city », on se dit qu’il n’y a rien de neuf sous le soleil. Caressé par les chœurs des charmantes métisses, le ton reste résolument jazzyfiant. Les thèmes abordés par les lyrics sont constants : les amours (heureux et malheureux), la famille, les femmes, les rêves ou les illusions. Mais Zita Swoon ne tombe jamais dans la facilité. Il ose même une reprise du « Series of Dreams » de Bob Dylan. Opération délicate, mais parfaitement réussie. La voix de Stef Kamil Carlens passe toujours aussi bien la rampe. Que ce soit dans la langue de Shakespeare que celle de Molière. Lorsqu’il chante en français, ses origines néerlandophones transparaissent inévitablement ; mais son accent flandrien apportent ce petit plus à son timbre légèrement cassé. Pour concocter ce disque, Zita Swoon a reçu le concours de Miossec. Il ne s’est pas contenté d’être fan ou spectateur, mais a participé activement aux sessions d’enregistrement. C’est manifeste pour « Humble », compo sur laquelle on ressent la griffe du Breton. Ou encore tout au long de « Ose aimer ». On a même parfois l’impression que Stef mime le chant de Miossec. Cette œuvre aborde le thème des grandes villes. Et on ne peut s’empêcher de penser à « Paris » de Daniel Darc, à l’écoute de « L’opaque paradis ». Il y brosse d’une manière semblable façon un portrait guère reluisant de la ville lumière (‘Paris…mais qu’est-ce que je fais ci ?...tu m’appelles et puis tu m’oublies’).
Bref, à aucun moment on ne se lasse d’écouter ce digne successeur de « A song about a girl » et « A band in a box », ses précédents elpees. Sorti ce 30 mars, « Big city » ne devrait pas passer inaperçu, et pourrait même devenir l’album de la consécration pour Zita Swoon…
Second ouvrage du projet d’Andrew Whiteman, guitariste et compositeur chez Broken Social Scene, « National Anthem Of Nowhere » est un pur produit Arts & Crafts, comme on les aime. Apostle of Hustle livre une ribambelle de joyeux hymnes folks, relevée ici et là par une exquise saveur cubaine (« Rafaga ! », « Fast Pony For Victor Jara »). La volonté de Whiteman à embrasser de nouvelles sonorités, dont il faisait déjà acte en 2004 sur « Folkloric Feel », est encore plus persistante sur ce nouvel essai. Apostle of Hutle se renouvelle sur chaque morceau, ne laissant aucune chance à l’ennemi suprême du mélomane, la lassitude. Pas de quartier ! Situé quelque part entre la légèreté des œuvres de The Sea and Cake et la chaleur de celles de Calexico, « National Anthem Of Nowhere » est avant tout une œuvre printanière qui vous met la banane. Que demandez de plus ?
Bienvenue dans l’antre électronique des ‘monstres et des chansons idiotes’. Aussi inquiétante et sombre qu’elle soit, il n’est pas question de fuir. Au contraire, on aurait tendance à s’y précipiter tête la première, sans se soucier de ce qu’il pourrait arriver. Et on s’y enfonce avec délectation jusqu’à destination. Attendus de pied ferme par Joakim et son orchestre de créatures nocturnes inquiétantes, on se laisse soudain envahir par un sentiment d’insécurité tandis qu’un sombre « Sleep In Hollow Tree » se dégage du fond de cet antre.
A-t-on fait le bon choix en y pénétrant ? La confirmation ne tarde pas. En voyant débarquer des visiteurs impromptus, le maître des lieux et ses musiciens insolites enchaînent sur des « I Wish You Were Gone », « Three Legged Lantern » et autres « Peter Pan Over The Bronx » déconcertants. Nous aurait-on menti ? Les ‘chansons idiotes’ dont il est question n’étaient-elles qu’une vilaine légende ? Pas de doute. « Drumtrax », « Love-Me-2 » et « The Devil With No Tails » constituent à eux seuls la raison pour laquelle tous ceux qui se sont aventurés dans l'angoissante propriété de Joakim n’ont jamais été revus. Hypnotisé par l’ensemble, il devient impossible de ne pas se proposer en offrande à sa horde de monstres qui s’en délecte d’avance…
Ce Gantois est un pianiste très talentueux. Mais sa musique n’est pas toujours facile à assimiler. A cause de sa formation classique, c’est une évidence. Et puis du ton dramatique qu’il imprime à ses compositions. Pour la plupart, des ballades. A travers lesquelles il injecte des émotions très fortes qu'il accentue de son timbre légèrement rocailleux. En outre, il lui arrive régulièrement de tramer ses différentes lignes mélodiques sur une structure complexe, presque prog. C’est la raison pour laquelle il me fait souvent penser à la période de Peter Hammill la plus minimaliste. Et c’est à nouveau le cas sur une bonne moitié des plages de son troisième opus, « A potion ». Encore que sur certaines d’entre elles, le concours d’instruments à cordes (violon et alto) leur confèrent un aspect solennel. Et pourtant, Sioen est capable de concocter des petites perles de pop songs. Et je pense tout particulièrement à « Ready for your love (high) », sorte de croisement improbable entre Coldplay et Travis et du single ‘beatlenesque’ « No contemporary at all ». Enfin, le dernier titre de l’elpee, « I play a song for you », emprunte un style cabaret (Tom Waits ?) qu’on ne lui connaissait pas. Toute une série d’instruments inhabituels pour l’artiste, font d’ailleurs ici leur apparition, dont un harmonium, un glockenspiel, un sax ténor, une contrebasse et un saxophone. Et ma foi, cet exercice de style est particulièrement réussi. Dommage d’ailleurs que Frederik ne se soit pas risqué davantage dans cette voie. Elle lui va comme un gant ( ?!?!?)…
Le troisième volet de la série « Read & Burn » précède la sortie d’un nouvel opus de Wire, prévu pour l’année 2008. Cependant, aucun des quatre titres de cet Ep ne figurera sur le prochain album. Surprise, le premier titre de « Read & Burn 03 », « 23 years too late » s’étale sur près de 10’. Une compo étonnante, imprimée sur un tempo à la fois frénétique et métronomique, au cours duquel le contraste opéré entre le baryton déclamatoire de Graham Lewis et la voix plus mélodique de Newman est saisissant. Et si en fin de parcours, cette compo s’enfonce dans l’ambient, c’est la créativité de Wire qui fait ici merveille. Plus indolent, « Our time » s’inscrit avantage dans l’esprit de « A bell is a cup ». Basse rampante et cordes de guitare presque noisy balisent cette plage caractérisée par une urgence sinistre. La guitare est encore plus luxuriante et même tintinnabulante sur « No warming given ». Elle alimente un morceau post punk à la fois clinique et chaleureux. Evoluant sur un rythme élevé, ce titre est aussi complexe et opaque qu’il est contagieux et envoûtant. Du pur Wire ! Dernier fragment, « Desert diving » s’inscrit plutôt dans l’esprit de Githead, le dernier projet de Newman. Basse mélodique, riffs de guitare grinçants, gémissants et chœurs hymniques se mettent ici au service d’une véritable pop song. Maintenant après 25 minutes de « Read & Burn 03 » on reste sur sa faim. Parce que l’esthétisme, la pertinence, la perfection technologique et l’imagination de Wire sont toujours au pouvoir. Bien vite l’album !
On attendait de pied ferme le retour des Brésiliens délurés de CSS depuis l’excellent concert presté à la Rotonde du Botanique quelques mois auparavant, à guichets fermés. Cette fois, le combo a eu l’excellente idée d’amener dans ses bagages leurs amis de Tilly & The Wall.
L’ouverture du concert a été assurée par The Holloways, des Brittons distillant un punk pop engageant mais trop instantané. Le genre qui s’oublie quelques minutes après la prestation… Les esprits s’échaufferont un peu plus à l’arrivée des trois filles et deux gars de Tilly & the Wall. Armée d’une artillerie de ‘feel-good-hits’, les filles s’époumonent en tapotant du pied sur des socs en bois fixés au sol, en guise de percussions. Un bon moment, en particulier lorsque le groupe entamera leur tube « Sing Songs Along ».
Une petite demi-heure plus tard, la troupe brésilienne faisait son apparition sur scène. A peine débarquée sur scène, Foxxylove entame devant un parterre extatique non pas le « CSS Suxx » que tout le monde attendait mais un nouveau titre, « Don’t Mess With Holidays ». D’entrée de jeu, l’ambiance se fait à la fois chaude et bon enfant, l’interprète de CSS éclatant de rire à tout bout de champ. Elle entamera d’ailleurs une courte reprise du ‘cultissime’ « No Limit » de 2 Unlimited que l’orangerie reprendra en chœur avec grand plaisir. Le batteur et seul mâle de la formation semblait, lui, pressé d’en finir, coupant la parole à Foxxylove à coups de percussions chaque fois que la jeune fille se lançait dans des divagations avec l’assistance entre les chansons. Cansei De Ser Sexy enchaînera donc ses tubes « Alala », « This Month, Day 10 », « Meeting Paris Hilton », l’excellent « Acho Um Pouco Bom », « Off The Hook », et l’incontournable reprise des L7 « Pretend We’re Dead » avant de s’évaporer dans les coulisses pour revenir quelques instants plus tard clôturer le show par un délicieux « Let’s Make Love And Listen To death From Above ». Excellente prestation, à la hauteur de celle exécutée à la Rotonde en décembre 2006.
CSS (+ Tilly & The Wall + The Holloways)
« Turn The Lights Out » n’est pas le meilleur album des Ponys. Ceci est dit. N’empêche, l’animal est loin d’être calmé. Depuis « Laced With Romance », signé sur l’écurie In The Red, on connaît ces Ponys : bêtes dangereuses, boostées à la guitare fuzz, biberonnées aux hymnes de My Bloody Valentine, bien plus heureux au galop dans leur garage qu’au trot dans un studio. Les plus médisants argumenteront que cette nouvelle plaque est foutrement léchée. On les renverra sagement au dernier album de Kaiser Chiefs en se resservant une dose de « Turn The Lights Out », excellente fricassée de psychédélisme noisy. Inutile de tourner autour du pot : Jered Gummere et sa bande savent torcher des tubes incandescents. C’est bien simple, en moins d’un titre (on optera volontiers pour « Small Talk »), le son bourdonnant de la basse vous décolle les tympans. Sans peine, la formation nous transporte alors dans ses tourments (« Poser Psychotic »), prônant la dépendance (« Everyday Weapon ») jusqu’à en crever (« Harakiri »). Bouge ton cul, mange de l’avoine et lève le poing : il n’est pas trop tard pour découvrir cette excellente formation. Si ce nouvel album reste moins foudroyant que ces prédécesseurs, les Américains parviennent néanmoins à faucher la concurrence à grands coups de sabots magiques. C’est comme ça. Rien n’y fait : on les aime ces petits Ponys !
Ouaaaaiiiis, chouette un petit groupe rock-punk à première vue bien sympa. Une pochette un peu minimaliste, des titres aguicheurs : « J’écoute les Cramps », « Le Gang », « Mr Hyde », tout ressemble à un bon petit truc bien péchu, dépourvu de prise de tête. Mais c’est quand le concret commence que l’on se rend compte de la supercherie. BB Brunes ? Qu’est-ce que c’est que ce truc ? Un groupe qui, semblerait-il, réunit une armada de fans ! Sont-ils sourds ? Complètement plat, tant dans les mélodies que les textes (‘C’est la belle qui nous rate, ces gars n’ont rien compris, c’qu’on veut c’est de l’audimat, des filles et du whisky’), la plaque de ce trio ne décolle jamais, faute de bagage, de sérieux et de qualité. Comment d’ailleurs pourrait-on faire décoller la musique de cette bande d’énergumènes, profiteurs sans-gêne du mouvement vintage punk ? A aucun moment un éclair de bon goût n’apparaît. Réécouter l’album dans d’autres dispositions ne sert à rien. C’est nul, archi nul et je reste sympa ! La vraie question reste : quelles sont leurs réelles influences ? Parce que si ces gars vous disent qu’ils écoutent les Cramps, ne les croyez surtout pas ; ou peut-être n’avons-nous pas écouté les mêmes albums… « Blonde Comme Moi » est disque à éviter absolument. D’ailleurs, vu son titre c’est presque une insulte.
Nos plus fidèles lecteurs ‘tignasseux’ se souviennent peut-être de la chronique élogieuse consacrée au premier album des Small Jackets, groupe de ‘easy’ hard rock parfumé au patchouli. Paradoxalement, le combo qui nous emmène dans une longue ballade à travers le Texas, n’est pas originaire du Pays des hamburgers, mais bien de la patrie de la pizza et du chianti ! A l’écoute de ce « Walking the Boogie » au nom judicieusement choisi, c’est une vague de souvenirs qui se réveille en nous. Tout roule facilement. Solos fuzzy, voix aiguë, rythmiques façon Young Brothers : rien ne manque à ce hard teinté de boogie et de southern rock. La comparaison avec AC/DC et Led Zep est un peu réductrice. Les Jackets ont sans aucun doute écouté davantage Lynyrd Skynyrd, Humble Pie, The Faces et ZZ Top que les monstres sacrés du heavy métal. Niveau tempos, la formation est aussi à l’aise dans les grandes lignes droites à fond les manettes que dans les petites évasions plus intimes et ‘folkisantes’. Ce sont néanmoins les « My Surprise », « Born to Die » ou « She don’t Care », titres aux gros riffs typiques pour secoueurs de tête, qui retiendront surtout notre attention. Un chouette album de vacances, sans prétention ; un avant-goût d’été en quelque sorte !
Les Dub Pistols sont emmenés par un duo de punk rockers fans de reggae, de hip hop et d’électro. Mais son troisième album oscille entre le futile et l’essentiel. Pour commencer, le casting est pour le moins prestigieux. Terry Hall (Specials) chantait déjà sur le disque précédent et les MC’s anglais Rodney P et Blade sont venus rejoindre l’équipe. Cette tambouille préparée à base de reggae, d’électro et de rap nous réserve quelques bons moments mais aussi quelques sacrés ratés.
On commencera par cette énième et inutile reprise du « Rapure » de Blondie, chantée par Terry Hall comme s’il avait oublié son chien dans le frigo. Aux rayons vieilleries, on préfère oublier cette autre cover du « Gangsters » des Specials. Elle n’apporte rien de plus que la version originale. Et pas davantage à Terry Hall qui a curieusement décidé de réinterpréter le classique de son groupe alors qu’il refuse même d’évoquer celui de Jeffrey Dammers lors de ses interviews… Passé le pire, on peut parler des bons moments. « You’ll never find » campe un sinueux et sombre reggae caractérisé par un sample du légendaire chanteur jamaïcain John Holt. En outre, il recèle le bon flow ragga de Rodney P. Toujours au rayon reggae, « Running from the thoughts » constitue aussi un des sommets de la plaque, un petit tube qui peut se lover dans l’oreille tout en se révélant très susceptible de secouer les dancefloors. Le reste du disque s’avère d’honnête facture (« Stronger », la relecture du « Peaches » des Stranglers) mais souffre d’un manque sérieux d’unité. En diluant un peu trop le son, il marque une volonté trop claire de plaire à tout le monde. Dommage, car un ancrage majeur dans le reggae aurait rendu l’ensemble plus convaincant.
En 1971, Neil Young termine une tournée mondiale. Son album « After the gold rush » remonte déjà à 1970, et il vient de terminer la composition de toute une série de nouvelles chansons. Il se produit alors à Toronto, au ‘Massy hall’ ; et alors que tout le monde s’attend à un set électrique, Neil choisit une formule acoustique, pour y rôder la plupart des nouvelles plages de son prochain album : « Harvest ». Plusieurs bootlegs avaient déjà immortalisé cet événement, mais aucun n’était, à ce jour, parvenu à atteindre un niveau sonore aussi éloquent. 35 ans plus tard, Reprise a donc décidé de remettre les pendules à l’heure. S’il faut reconnaître que la version audio n’apporte pas grand-chose de neuf à la discographie de Young, le Dvd est d’un tout autre intérêt. On reprochera peut-être la qualité de l’image un peu passée ; et puis la longueur un peu excessive de l’œuvre encombrée parfois de séquences superflues (on y trouve notamment une galerie de photos, des interviews radiophoniques, des coupures de journaux consacrées à la review du concert, un documentaire tourné dans le ranch ‘Broken Arrow’ de l’artiste, un passage filmé lors du ‘Johnny Cash on Campus TV show de 1971’, etc.) ; mais c’est la prestation accordée dans la capitale de la province d’Ontario qui mérite une attention toute particulière. Il y a avait notamment interprété des classiques tels que « Heart of gold », « The needle and the damage done », « Old man », « A man needs a maid », « Journey through the past », « Cowgirl in the sand », « Down by the river », « Ohio » et puis deux raretés : « Dance dance dance » et « Bad fog of loneliness ». En s’accompagnant simplement de sa sèche ou d’un piano. Malgré toutes ces remarques, aucun fan de Neil Young ne peut passer à côté de ce témoignage…
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