Fondée en 1983, Beasts of Bourbon est considérée en Australie, comme une formation mythique, au même titre que les Stooges aux States. En près d’un quart de siècle d’existence, le combo a vu défiler une multitude de musiciens, dont les plus célèbres demeurent Kim Salmon (futur Scientists et Surrealists) et James Baker (drummer qui (v)a également sévi chez les Hoodoo Gurus, entre 81 et 85). Une constante : le chanteur Tex Perkins et un des guitaristes, Spencer Jones (à une certaine époque le line up en comptait cinq !) Le B.O.B. a toujours pratiqué ce qu’on appelle du pub rock, c'est-à-dire une musique mélangeant allègrement country, blues, rock and roll, punk et garage ; une musique que le groupe dispense sur un ton particulièrement lascif et électrique, un style renforcé par des lyrics extrêmes, sordides traitant de sujets tels que la dépravation, le désespoir, l’abus de consommation de drogue ou encore la violence. On leur prête certaines affinités avec le Gun Club, la bande à Iggy Pop et à Birthday Party, même si la voix de Perkins me fait plutôt penser aux grognements de Don Van Vliet. Le Dvd à été tourné au Copernico de Madrid en 2006, il est en quelque sorte la transposition en ‘live’ de l’album « Low life » paru en 2005, même si d’autres compos ont été incluses dans le set ; et en particulier une version hymnique du « Ride on » d’AC/DC, ainsi que le « Let’s get funky » de Hound Dog Taylor. Tout irait pour le mieux dans le meilleur des mondes si la qualité sonore avait été au rendez-vous. C’est loin d’être le cas. L’image a beau être au point, on a parfois l’impression que les prises de son ont été effectuées à l’aide d’un enregistreur portable…
Vaut mieux s’en foutre qu’écrire une critique de cet album (version pour les pigeons).
Message personnel à Chantal Lauby : ‘Cher Chantal, vous m'avez fait rire pendant toute mon adolescence. Hier soir, votre fille et sa bande m'ont fait passer un bon moment de rock péchu comme je les aime. Soyez donc doublement remercié.’
Bon, ça c'est fait. Superbus à la Palestre au Cannet, donc... En première partie, Le Comte de Fourques. Sympathique bonhomme, il se produit au sein d’un line up classique. Un trio guitare/basse/batterie. Il se cherche encore un peu sur le plan musical : de bonnes chansons mais qui ne se différencient pas vraiment du paysage actuel. Les textes sont plutôt bien trouvés ; mais une chose est sûre, il affiche une présence scénique indéniable. A suivre donc.
Arrivée ensuite de l'attraction principale. Jennifer. Enfin. Précédée de sa bande. Placé dans la fosse entre la scène et le public, je me retrouve alors instantanément au milieu d’un public d'ados déchaînés. En particulier les filles, fringuées dans le style de la demoiselle. Le groupe lui-même maîtrisant assez précisément son look, on se croirait dans un film, et ce n'est pas désagréable à vivre. Sur scène, ses musiciens déjà sur les rails, Jennifer s'empare du micro, manifestant l'intension manifeste d'en user énergiquement.
Le concert démarre en trombe, et se déroulera pratiquement sans aucun temps mort. Jennifer est évidemment bien plus qu'une jolie poupée ‘bubblegum’ ; elle tient la scène avec panache, et est capable de mettre le public dans sa poche. Un exemple ? Lors des rituelles salutations de bienvenue, elle nous explique qu'ils ont un plaisir particulier à être à Cannes (on n’est pas vraiment à Cannes ; mais bon, ne chipotons pas), Michel (l'un des guitaristes) et elle-même étant du coin. Il est donc rassurant de voir que cette ville peut engendrer autre chose que des mémères en manteau de fourrure.
Coté spectacle, les garçons qui l'accompagnent ne sont pas en reste. Même si Superbus n'est sur le devant de la scène que depuis peu, c'est leur 3eme album et ils ont un sacré métier. Mouiller la chemise n'est pas qu'une image dans leur cas, à voir l'état de Patrice, l'un des deux guitaristes, et du batteur.
On peut regretter une trop grande homogénéité des chansons. Difficile souvent de les différencier. Il semble hélas que la scène ne les ait pas beaucoup inspirés du point de vue des réarrangements. Néanmoins le temps passe assez vite, et le groupe s'éclipse un court moment avant de revenir pour un long rappel, qui se termine en feu d'artifice sonore.
J’émettrai une réserve vis-à-vis des jeux de lumières. Elles restent purement fonctionnelles pendant une bonne partie du concert. Ce n'est qu'au bout de quelques chansons qu'elles s'étofferont un peu ; en particulier à cause des trois lettres blanches 'W O W' qui servent de fond au décor. Elles sont judicieusement exploitées, changeant de couleur au gré des ambiances de chaque chanson.
Bref, au final, un très bon concert. Allez les voir si vous en avez l'occasion.
Le groupe Eiffel a livré une performance très électrique lors du Festival des Enfants du Rock à Nice, ce jeudi. Dans une salle malheureusement trop petite, et pourtant peu remplie faute de presse, toutes les personnes présentes ont pris en pleine figure un rock basique, et d'une énergie impossible à éluder. Difficile de ne pas faire le rapprochement (pas déshonorant pour eux) avec Noir Désir. Faut dire que la ressemblance entre le chanteur Romain Humeau et Bertrand Cantat accentue cette impression. Voir l'intensité avec laquelle il se livre ne peut laisser indifférent tout amateur de rock qui se respecte, et la salle y a clairement répondu. Si leur nouvel album, "Tandoori", reste dans la lignée des précédents, sur scène le groupe mérite définitivement le coup d'œil et d'oreille.
Auparavant, le groupe Solid State, nouveau venu sur la scène niçoise, a assuré une première partie sans faille. Ces hard-rockeurs venaient la semaine dernière de prouver leur aisance instrumentale et leur cohésion lors d'un set acoustique tout aussi efficace que leurs prestations électriques. L'équilibre entre leur technique, un bon sens de la mélodie, et une présence scénique qui s'affirme sans les clowneries auxquelles se livrent trop souvent ce genre de groupe, leur permet d'assurer bien au-delà du cadre hard-FM dans lequel on pourrait les croire inscrits. Petit bonus en prime, une nouvelle chanson ("Solid"), qui ne dépareillera pas du premier album.
Il n’est pas courant de lire des chroniques de groupes relevant de la variété télévisée sur ce site. Et pourtant c’est bien le cas ici, puisque la sortie de ce quatrième album des Fatals Picards coïncide avec leur élection comme représentant de la France pour le concours Eurovision 2007 ! Et oui, lors d’un scrutin organisé par FR3 (!), les Picards ont été sélectionnés parmi une liste assez ouverte de candidats dont les…Wampas. Ne manquait plus que Morrissey comme ambassadeur pour le Royaume-Uni et nous aurions eu toutes les raisons d’assister à la finale du 12 mai, programmée à Helsinki, devant notre petit écran.
Bref, revenons à ce CD, le quatrième de la formation parisienne (au nom trompeur donc) dorénavant signée chez Warner, après trois premiers opus complètement autoproduits (et auto-distribués lors de leurs concerts, la totale !) « Pamplemousse mécanique » comme son nom l’indique, est un savant condensé d’humour au second degré et de caricatures extrêmes parfois même acerbes. La plage d’entrée « Bernard Lavilliers » donne le ton, tant au niveau du texte corrosif, que du tempo. On pense immédiatement à d’autres Picards, les « Marcel et son orchestre » ; mais bien que les morceaux soient plutôt de courte durée (comptez 3 minutes en moyenne pour les 16 titres), la deuxième et troisième plage font retomber notre enthousiasme. « Djembé man » ou « Les dictateurs » cassent un peu le rythme d’un punk/ska redondant, lors d’une parodie de reggae, toujours sur fond de textes ironiques. « Monter dans le pantalon » plagie ouvertement Zebda, et repart dans le ‘name coding’ où d’autres personnalités médiatiques sont entachées (Jean-Pierre Pernaud ou Descombes, par exemple). « Cure toujours » rappelle les premiers pas d’Indochine. Tout aussi caustiques, les textes dressent le portrait d’un jeune disciple de la cause gothique ; mais toujours en adoptant le ton de la dérision omniprésent sur cet opus. Seule la reprise de « Partenaire particulier » épouse un format classique. « Et puis merde je vote à droite » ainsi que l’interminable « Où se demandait » clôturent cette plaque dont le patchwork puise aussi bien dans la chanson française, le rock, le punk, le ska que la musique de rue.
Typiquement français, ce style possède-t-il suffisamment de caractéristiques grand public pour décocher la palme lors de l’Eurovision ? Réponse ce 12 mai 2007. Cependant, après la victoire conquise par les guignols heavy-métal de Lordi on peut s’attendre à toutes les surprises…
Troisième étape de leur parcours, « Wincing The Night Away », confirme avec élégance, grâce et qualité tout le bien que l’ont pensait déjà de The Shins à l’époque de « Oh, Inverted World » et de « Chutes Too Narrow », ses précédents opus. De toute manière, qui pourrait se tromper à leur sujet ? Après avoir livré ces deux excellents albums, la formation ne pouvait décevoir tant le travail de ces artistes est loin du simple rassemblement d’instruments. Il règne tout au long de ce disque une réelle envie de partage, une douceur palpable dispensée généreusement. Ce mélange de rock, pop et folk transforme les Shins en amis que l’on voudrait compter parmi ses proches. La simplicité de ce gang de potes issus de Portland n’a d’égale que sa qualité ; et on irait jusqu’à leur souhaiter de devenir membres de notre famille (aaah dommage que je n’ai pas de sœur !) La douceur transparaît sur des morceaux tels que « Sleeping Lesson » ou « Black Wave » et le plus qu’enivrant « Red Rabbit ». Et le reste vaut son pesant d’or ! Rester insensible à cette œuvre relève du défi ou du masochisme. Impossible de garder une quelconque once de rage ou d’énervement quand la voix de James Russell se profile et que les mélodies semblent s’extraire du fond de leurs âmes pour venir percuter la nôtre. Par un savant mélange de lumière et de pénombre auditive, les onze plages s’écoutent sans lassitude et –pour ma part– même après répétition abusive. La carte blanche attribuée par Sub-Pop (The Album Leaf, CSS, Soundgarden, etc.) pour leur travail est la preuve d’un respect tout à fait mérité, et purement bénéfique pour les grands fans que nous nous devons d’être. Respect !
Après la rupture (musicale et sentimentale) opérée entre Neil Hagerty (un ex-Pussy Galore quand même) et Jennifer Herrema, au sein de Royal Trux, on se demandait sous quelle forme les deux personnages allaient relancer leur carrière. Si le premier a poursuivi sous son patronyme ou chez The Howling Hex, ses aventures expérimentales, la seconde a décidé de se tourner davantage vers le métal en fondant RTX. Un quintet dont « Western Xterminator » constitue son deuxième opus. Mais un métal teinté de glam et de psychédélisme que Herrema torture de son timbre nicotiné (elle doit au moins fumer 40 clopes par jour, pour avoir une telle voix), tourmenté, sordide, graveleux, démoniaque, une voix qu’elle personnalise en préservant les voyelles et en accentuant les consonnes (le compte est bon !) Hormis le titre d’ouverture et morceau maître, une sorte de tango complexe, angoissant, contaminé par les accords d’une flûte spectrale, les 9 autres titres font la part belle aux riffs bien saignants, susceptibles de remuer les viscères et de ravir les secoueurs de tête. « Wo-wo-din » s’aventure même dans le ‘death metal’ (pas trop ma tasse de thé). Et puis « Knightmare & Mane » campe une ballade dont les accents semblent avoir été empruntés à Cockney Rebel. Les seventies semblent d’ailleurs beaucoup inspirer RTX et en particulier Alice Cooper voire Hawkwind, même si « Last ride » est découpé dans des accords électriques aussi déchiquetés que chez Megadeth.
L’ombre de David Bowie est omniprésente sur ce sixième album du dénommé Rain, artiste au talent intense et aux humeurs vaporeuses. Voyage onirique dans un pays où la pluie ne s’arrête jamais afin de ne pas perturber les âmes égarées, ce « Bedhead » est aussi puissant que tragique, envoûtant et brumeux. Déversant des gouttes empruntées à la (défunte ?) tempête du trip-hop, à l’averse électro et aux brises du rock planant, il accapare nos émotions pour les transformer en de solitaires réflexions sur la vie et ses fausses envies. La pluie tombe, à la fois légère mais chargée de mélancolie. Les nuages défilent, prenant tantôt la forme de Craig Armstrong pour distiller des atmosphères vaporeuses, tantôt celle de Roger Waters pour nous avouer inconsciemment que ce génie n’est pas le sien. Rain ne triche pas : il clame haut et fort ses influences. Et si, de temps à autre, on regrette qu’il n’aille pas au bout de ses fantasmes en refusant de franchir la barre des 5 minutes par chanson pour nous emporter encore plus loin, on ressort ébahi par la densité des sentiments propagés et l’indéniable qualité du service. Des nébulosités comme celle-ci, on en veut bien à toutes les saisons…
Pas simple de se faire un avis sur le nouvel album de Shannon Wright ! Non, pas simple... Comme d’habitude, c’est une réussite. Une grande réussite. Mais le jugement devient plus ardu lorsqu’il s’agit de confronter « Let in the Light » à ses petits frères (dont le magnifique « Over the sun », en 2004). D’emblée, un constat : l’ouragan est passé, les marées se sont déchaînées. Aujourd’hui, l’horizon semble dégagé. L’heure est à l’accalmie. Et Shannon Wright se pose là, les doigts retroussés sur son piano. En découle un album surprenant, calme, mais traversé d’une immuable fièvre rock’n’roll.
Pour comprendre « Let in the light » et son côté serein, il convient de soulever le rideau, de passer en coulisse. Là, à notre plus grande surprise, Steve Albini (Nirvana, Pixies, etc.) n’est plus aux commandes. Pendant des années, la collaboration entre Shannon Wright et Steve Albini avait constitué une indéniable mine de créativité, prête à exploser au moindre coup de grisou. Cette fois, Steve n’est plus là. Alors voilà : l’univers écorché de Shannon s’est apaisé. Produit par Andy Baker, « Let in the Light » laisse entrevoir la face émotionnelle de l’artiste. Touchante (« Steadfast and true »), percutante par moments (« Don’t you doubt me »), Shannon Wright se présente sous un jour nouveau. Bouleversant, plus accessible aussi. « Let in the light » est un lumineux élan de nostalgie. Un album indispensable pour les fans de Chan Marshall, fortement recommandé pour tous les autres.
Pour fêter ses 25 années d’existence, Indochine a donc décidé d’enregistrer un album ‘live’. Mais pas n’importe où ! A Hanoï, au Vietnam. Et en compagnie de l’orchestre philharmonique local. Une manière également de rendre hommage à Marguerite Duras, dont le groupe s’était inspiré pour choisir son patronyme. Femme de lettres disparue voici dix ans, elle avait longtemps vécu en Indochine. Une telle expérience n’est jamais sans risque. Et pourtant, il faut reconnaître que la bande à Nicola Sirkis est parvenue à tirer son épingle du jeu. Les moins bonnes adaptations sont paradoxalement « L’aventurier » et « Trois nuits par semaine ». Le rythme imposé aux chansons y est sans doute pour quelque chose. Tout au long de ces deux compos, on a l’impression que l’orchestre de 70 musiciens court derrière le groupe. Pour le reste, on est subjugué devant tant de magie. Mention spéciale à « Tes yeux noirs » imprimé pour la circonstance sur un mid tempo. Et si vous êtes inconditionnels d’Indochine, vous ne pourrez que succomber aux versions symphoniques de « Justine », « J’ai demandé à la lune » « Ceremonia » ou encore « Sweet dreams ». Cette sortie est doublée par la gravure de l’événement sur un double DVD. Mais ne m’en demandez pas plus, je n’ai pas encore eu le loisir de le visionner…
Deux ans après la sortie de leur premier album "Silent Alarm", le groupe londonien offre le second chapitre, ultra attendu, d’une saga qui a commencé sur des chapeaux de roue. A l’époque, on se souvient que, propulsés par des critiques exceptionnelles et un matraquage radiophonique, nos quatre Anglais avaient touché les étoiles. On nous faisait même presque croire qu’ils étaient seuls au monde (avec Franz Ferdinand…). Zappons immédiatement sur le mot ‘confirmation’ et attardons-nous sur l’essentiel : que peut bien cacher une pochette traversée par des routes tamisées passant au-dessus de terrains de sport ?
A première vue, la réponse fait très mal : pas grand-chose. Le morceau d’ouverture a tout pour irriter. Introduit par un chant insipide puis souillé par un rock scabreux, il ne laisse rien présager d’excitant. Pire : le morceau suivant ("Hunting For Witches") semble tout droit sorti du passé, c’est-à-dire de l’album précédent. Le clonage fait décidément des merveilles… En cours de route, on a pourtant envie de changer d’avis. Les guitares nerveuses, presque épileptiques, font magnifiquement leur boulot, désaxant notre stupeur vers un besoin d’en savoir plus. "The Prayer" fait monter la température, tandis que "Uniform" nous rappelle que nous sommes bien devant un groupe au sens du rythme (et du refrain) acéré(s). Il ne reste plus qu’à entrer dans la seconde partie du voyage, succession de chansons qui, à défaut de nous faire crier au génie, parviennent à maintenir l’attention. Le style est propre et efficace. Les fans de la première heure prendront leur pied sans se prendre la tête. Mais soyons honnêtes : Bloc Party n’est pas (comme certains le souhaitaient, il y a deux ans) à mettre sur un piédestal.
Gentiment rétrograde, méchamment produit, le nouvel album de Little Barrie fait la part belle à un monde rêvé, forcément suranné, où le rock’n’roll est roi. Cette trêve utopiste pose son fantasme en plein cœur des sixties et revêt l’indispensable perfecto, signe de ralliement nécessaire du rebelle en motocyclette. En 2005 déjà, nos trois Londoniens faisaient des appels de santiags en brandissant un premier album (« We Are Little Barrie »), produit par Edwyn Collins.
Cette fois, les longs cheveux noirs des Anglais prennent le vent, la hype soufflant sur leur nouvel album. Aux manettes, on retrouve, en effet, Dan The Automator (Gorillaz). Rien à redire sur son boulot. Le son est nickel, les riffs claquent et les rythmiques groovent à mort. Malheureusement, ce deuxième album de Little Barrie tend à s’enfermer dans l’objet même de son fantasme. Malgré son lot de hits (« Green Eyed Fool », « Pin That Badge ») à vous démonter une parade de bikers sous poppers, « Stand Your Ground » évoque trop bruyamment les plus belles histoires du dictionnaire du rock. Nous sommes pourtant en 2007. La vie a continué, des disques ont été enregistrés. Sans vouloir pousser un innommable effet de mode, on aurait donc souhaité davantage d’audace dans la relecture des chapitres consacrés aux Black Crowes et à Cream...
Pour enregistrer son deuxième album, Kaiser Chiefs a reconduit Stephen Street (The Smiths, Blur) à la production. Et il faut reconnaître que la mise en forme est époustouflante. Un disque qui regorge de hits et rend quelques lettres de noblesse à une britpop en nette perte de vitesse. 12 plages hymniques, contagieuses, imparables à siffloter sous la douche. Ce qui n’empêche pas les nuances de proliférer ; l’énergie et l’électricité de se libérer. On a même droit à une ballade semi-acoustique empreinte d’une grande délicatesse (« Love’s not a competition ») et une autre, « Try your best », adressant manifestement quelques clins d’œil à la bande à Damon Albarn ainsi qu’à Oasis… Si plusieurs plages lorgnent manifestement vers l’univers de Blur circa « The great escape », les références à la new wave des eighties sont légion. Et en particulier celles relatives à Tears For Fears, Naked Eyes et Chumbawamba (les chœurs vindicatifs !) Alors que « My kind of guy » émarge à une sorte de post punk presque déclamatoire (imaginez un Eighties Matchbox B-Line Disaster hospitalier), deux titres optent résolument pour une formule plus garage : « Highroyds » et ses riffs ‘fuzz’, tranchants, et puis le final « Retirement » au cours duquel claviers ‘vintage’ et guitares poisseuses remplissent bien l’espace sonore. Mais ce qui frappe le plus tout au long de ce disque, c’est le timbre et les inflexions du chanteur, Ricky Wilson : ils n’ont jamais été aussi proche de David Gahan (Depeche Mode). « Employement », l’album précédent s’était vendu à plus de 2.000.000 d’exemplaires en Angleterre. Après ce que je viens de vous raconter, il n’est pas difficile d’imaginer que le record sera nettement battu…
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