Allons droit au but : les fans du premier album peuvent se ruer les yeux fermés sur cette nouvelle salve de bombes envoyées par l’Américain James Murphy. Car le constat est en tout point identique à celui fait en 2005 : le gaillard possède un don sauvage pour exciter chaque partie de notre cortex avec une énergie et une conviction ardentes. Dès l’ouverture, la messe est déjà presque dite, lors d’un élégant « Get Innocuous ! » transformant le « Robots » de Kraftwerk en objet d’extase pour dancefloor. Ensuite, l’ambiance ne s’essouffle qu’à de rares occasions, juste le temps d’apprécier quelques judicieux moments de faux égarement, à l’instar d’un « All My Friends » contemplatif dont l’atmosphère n’est pas sans rappeler celle de « The Sunshine Underground » des Chemical Brothers (pour lesquels notre homme a d’ailleurs déjà réalisé des remixes). Entre riffs taillés au canif et rythmes plus robustes, electro-punk enjoué et pop craquelée, le fondateur du label new-yorkais DFA s’amuse comme un bougre et nous délecte sans tabou. Allez, osons le mot… Indispensable.
‘Je regarde à travers ces choses transparentes et je me sens bien !’ Déclaration philosophique ou simple affirmation hédoniste ? Peu importe : cette phrase résume (le corps) et l’esprit de « Transparent things », enregistrement compilant tous les singles publiés en vinyle par le trio depuis ses débuts. En neuf titres, David Best (le fils de George ?), Steve Lewis et Matt Hainsby robotisent le krautrock et lui collent un sourire sur le minois. Acclamé par Erol Alkan, James Murphy et autres Tiga, le projet Fujiya & Miyagi sort de sa réserve et balance un mélange extrêmement cool (le terme s’applique ici parfaitement) de guitare, de basse, de claviers, de beats limpides comme ces choses transparentes qui nous traversent.
Disponibles pour la première fois en cd, ces titres nous invitent à la danse du lombric. On se tortille, on glisse sur le mobilier en pirouette cambrée, avant de repartir pour un trip(le) loop contrôlé sur la rambarde des escaliers. Comme Surya Bonaly dans ses plus belles années ! Fujiya & Miyagi trouve son patronyme au carrefour de déconnes folichonnes. D’un côté, un lecteur de disques (bonjour Fujiya !) et, de l’autre, un coup de pupilles dilatées ou du moins, un clin d’œil appuyé à l’univers de Karaté Kid (enchanté Miyagi !) On s’amuse et on danse. Comme sur « Ankle Injuries », ce titre un peu fou, au cours duquel le trio de Brighton évoque l’histoire d’un bambin marchant, inconscient, sur le chemin de l’école et trouvant, sur sa route, un magazine porno. Sans emprunter la voie éphémère du single tapageur, Fujiya & Miyaki tire son épingle du jeu. Facile, beau et transparent de surcroît.
Encore un album pour le label Kinky Star… Décidemment très prolifique ces derniers temps, la petite structure gantoise aime mettre les bons produits du terroir en évidence. « Needle and the pain reaction », agréable formation de power pop issue de la ville de Charles-Quint, a ainsi profité de cette campagne de promotion régionale pour sortir un premier album convaincant. Si vous êtes en quête d’une bonne dose de déflagrations électriques, « Phéromone » devrait vous combler sans peine. Recelant quelques chouettes petites bombes comme « Sugar » ou « Monster », l’effort a le mérite d’être honnête et sans fioritures. Seul bémol : on se croirait au début des nineties lorsqu’un ensemble pléthorique de formations noisy pop estampillées Sub Pop faisait la pluie et le beau temps du marché rock. Pour une paire d’oreilles nées à la fin des seventies, un tel constat ne pose pas vraiment de problème… Mais en sera-t-il de même pour les teenagers ?
De nos jours, il est de bon ton, lorsque l’on est adepte de gothic metal, de dénigrer Within Temptation en martelant que « Silent Force » n’était autre qu’une sorte d’ersatz d’Evanescence : ‘une formation beaucoup trop commerciale pour mériter d’entrer dans la grande famille du métal !’ Les détracteurs du combo hollandais, emmené par la sublime Sharon Den Adel, s’en donneront à nouveau à cœur joie. En effet, à l’instar de son précédent opus, « The Heart of Everything » propose une collection de hits métalliques flambants neufs. Production surboostée, orchestrations hollywoodiennes, refrains ronflants tel un moteur de Messerschmitt : tous les ingrédients qui ont fait le succès de Within Temptation sont réunis. Après tout, pourquoi changer une recette qui fonctionne plutôt bien ? Même classic 21, dont la spécialité n’est pas de promouvoir les groupes de la ‘nouvelle’ scène métal, a fait de « The Heart of Everything » son album de la semaine. Le concert programmé à l’AB le 7 avril prochain affichait complet près de quinze jours avant la sortie de l’opus tant attendu depuis l’excellent « Silent Force ».
De nouveau, l’aisance manifestée par Sharon à égrener ses mélodies est sidérante. « Our Solemn Hour » s’immisce dans la mémoire dès la première écoute. Un hymne taillé pour la scène. Rien à voir avec Neurosis, Voivod ou Spock’s Beard bien évidemment. L’exercice n’est certes pas intellectuel, mais on retrouve une série de chansons diablement bien ficelées pur un groupe décidé à se positionner pour défendre un métal appartenant désormais au ‘mainstream’. Péché mortel pour certains secoueurs de tignasses ! Jouissance absolue pour d’autres métalleux moins intégristes ! Si on ne retrouve pas de grandes innovations sur l’opus (il fera une nouvelle fois l’objet de débats enflammés), on s’étonnera de l’intervention de Keith Caputo, chanteur de la formation yankee Life of Agony, sur « What you have you one », single radiophonique qui fleure bon l’odeur d’une crème anglaise chaude coulée délicatement sur un cake aux poires confites. Il y a bien l’une ou l’autre ballade inutile (« Forgiven »), destinée à arracher quelques larmes aux adolescentes prétendues ‘métalleuses’ (suffit pas d’avoir téléchargé un de My Chemical Romance et un autre de Slipknot pour revendiquer cette passion) ; mais l’ensemble reste bien heavy et les guitares, quelque peu gommées sur l’opus précédant, ont retrouvé leur tranchant. L’œuvre ne révolutionnera pas le métal du vingt et unième siècle, mais il serait stupide de nier l’évidence. Ca marchera, et ça marchera même très fort.
Depuis ses « Premiers Symptômes », Air s’est toujours rapproché des étoiles, côtoyant la voûte céleste, observant le monde et ses cultures, apaisant les douleurs à grands renforts de mélopées nostalgiques. Trois années se sont écoulées depuis la sortie de « Talkie Walkie ». Pourtant, le savoir-faire de Nicolas Godin et Jean-Benoît Dunckel planait toujours dans l’atmosphère. Entre un album surmédiatisé pour la belle Charlotte Gainsbourg et un disque solo, sombre et distingué, pour Dunckel ‘le Darkel’, la paire versaillaise ne s’est jamais véritablement envolée : point de pause pour ces forçats du studio.
Les yeux entrouverts, évitant la lumière du jour tels des vampires assoiffés de nouvelles trouvailles technologiques, Air signe son retour par la grâce d’une longue léthargie intitulée « Pocket Symphony ». Pour l’occasion, le groupe ouvre portes et fenêtres sur son univers. Jarvis Cocker (sur « One Hell of a Party ») et Neil Hannon (sur « Somewhere Between Waking and Sleeping »), tous deux présents sur le « 5 :55 » de Charlotte Gainsbourg, en profitent pour y pénétrer à pas feutrés. De même que le batteur Tony Allen (Fela, The Good, The Bad & The Queen) et Joey Waronker (Beck, Spain, Idaho). Dans cette symphonie de poche, le timbre androgyne de Jean-Benoît Dunckel se pose, en suspens, sur une nébuleuse synthétique de premier ordre. Si la production de ce sixième album est irréprochable, son impact sur les mémoires est misérable, frêle, grelottant. Quelques sonorités raffinées s’approchent de nos tympans, s’y glissent lentement, avant de s’évanouir lourdement. Comme le vent retombe après l’orage. A l’avenir, pour éviter toute mauvaise surprise, on conseillera au duo de fermer ses fenêtres et d’éviter ce genre de courants d’Air.
Goldrush ou la ruée vers l’ennui. En 2002, la formation était remerciée par Virgin Records quelques semaines seulement après la sortie de son premier ouvrage, « Don’t Bring Me Down ». Aujourd’hui réfugié chez City Slang, le combo publie un nouvel essai qui nous permet de mieux comprendre la décision prise par leur label précédent. Quelque part entre les travaux de Grandaddy (sans le charme) et Flaming Lips (sans la folie), « The Heart Is The Place » s’embourbe rapidement dans une mièvrerie insipide. Excellente entrée en matière instrumentale, « Aperture » laissait pourtant présager le meilleur. Mais la promesse est brisée par un inutile « The Story Of The City », suivi d’une série de morceaux acceptables mais sans étincelles. On retrouve bien ici et là quelques morceaux un tantinet plus intéressants et créatifs (« 24 Hours », « Heaven’s My Destination », « Sun In Your Eyes ») mais ils sont bien trop peu nombreux pour réellement donner l’envie de s’attarder sur cette galette. Les Anglais de Goldrush devront creuser plus vite et plus profond s’ils veulent se dégoter de véritables pépites d’or et se faire une place au soleil.
Issu de Las Vegas, de The Killers est devenu un groupe majeur. Drivé par Brandon Flowers, il pratique un pop/rock solide, entraînant, énigmatique. Un style qui nous incite très souvent à battre du pied. Son premier album, « Hot Fuss », recelait des hits comme “Mr Brightside” ou “Somebody told me”. Plus raffiné, « Sam’s Town » (le second opus) regorge de chansons davantage faites sur mesure. Et en particulier des compos comme “Bones”, “Read my mind” ou encore “When you were young”. Embarras à l’entrée de l’Aéronef à Lille, pourtant réputé pour la ponctualité de ses concerts : il faut faire la file une bonne vingtaine de minutes, en plein courant d’air, avant d’entrer dans la salle nordique. Et après une fouille minutieuse… Heureusement nous serons récompensés de notre patience, car le set fut vraiment à la hauteur.
Sur le coup de 20h45, le quintet américain monte sur le podium. Le fond de la scène est tapissé par un panneau Sam’s Town, conférant au décor un petit air de salon du far-west où Brandon Flowers jouerait les Henry Fonda dans ‘Once upon a time in the West’. Après un “Enterlude, we hope you’ll enjoy our show”, The Killers passent à l’attaque. Pendant une petite heure trente, ils vont aligner les morceaux de leurs deux CD en alternance. Le son est puissant, subtil, enflammé et direct. Les tubes s’enchaînaient rapidement, sans temps mort, et le public lillois, comme souvent d’ailleurs, se montre d’une grande ferveur.
Dès l’ouverture, l’audience est plongée dans le bain, au propre comme au figuré. Au cours de ce “Sam’s Town”, de petites banderoles s’échappent du haut de la scène et tombent sur les spectateurs du premier rang, comme lors des grands shows organisés dans le cadre des élections américaines. La machine à hit peut démarrer: “When you were young”, “Bones” et “Somebody told me” se succèdent. Le public est enthousiaste et restitue bien l’énergie libérée par les musiciens. Quelques ballades pop permettent de reprendre son souffle. A l’instar de “Jenny was a friend of mine”, “Smile like you mean it”, “Uncle Jonny” ou encore du remarquable “When you read my mind”. Souvent les chansons commencent par quelques accords de piano, en douceur. Mais ces ivoires boostent littéralement “Bling (Confession of a king)” et “Why I do keep counting”. Les claviers ne sont pas en reste et la voix de Flowers semble alors au sommet de son art. La première partie du show s’achève par “Mr Brightside”, que le public –apparemment guère fatigué– reprend en chœur.
Le traditionnel rappel nous réservera cinq titres, dont un très new vave “Shadowplay/this river is wild” (ce rythme de danse des années 80 !) ainsi que les très convaincants “For reasons unknown” et “All these things that I’ve done”. “Exitlude” clôturera ce spectacle d’excellente facture avant que le combo ne prenne congé de son public en formulant un “Exitlude, it’s good to have you with us”.
Les Killers ont prouvé ce soir qu’ils ont aussi des planches en ‘live’ ( ?!?!?) ; mais surtout démontré qu’ils étaient capables d’y transposer la qualité de leur son studio…
(adaptation Bernard Dagnies)
Organisation : FLP, Lille
Jeannette Lodovici tient ses promesses. La veuve de William Clarke sort de ses tiroirs de magnifiques témoignages de son défunt mari. Et en particulier sur Dvd. Paru l’an dernier, "My last goodbye" réunit différents extraits de concerts ‘live’ dont des séquences issues de cette fameuse ‘Alligator Records Party’, qui s’est déroulée en octobre 1990, dans un magasin de disques : le Lamar's Shop de Long Beach. Un événement destiné à marquer la sortie de « Blowin' like hell », le premier album édité sur le célèbre label blues de Chicago. L’intégralité de ce concert est ici immortalisée. Plusieurs musiciens talentueux ont collaboré à cet épisode dont le bassiste Buddy Clark, le drummer Eddie Clark ainsi que les guitaristes Zach Zunis et Rick Holmstrom (avant qu'il ne rejoigne les Mighty Flyers de Rod Piazza). D'évidence, William est au sommet de son art. Au fil du temps, il a développé un style percutant tout à fait personnel. Imaginez la scène : le groupe joue au beau milieu d'une boutique de disques exiguë. Les spectateurs se serrent comme ils peuvent entre les présentoirs. Mais ils ne le regretteront pas, car le set sera remarquable
Le concert s’ouvre par l’instrumental "Blowin' like hell", titre maître de « Blowin' like hell ». Pas moins de trois shuffles s’enchaînent. La température ambiante est torride. Les deux guitaristes se réservent des solos successifs avant de se mettre au service du rythme. Clarke a toujours eu le don de s'entourer de gratteurs capables de respirer le bonheur sur les planches. Fin des années 70, il a sévi chez le Hollywood Fats, avant de collaborer en compagnie de Steve Samuels, Joel Foy et John Marx, mais aussi d'Alex Schultz et Rick Holmstrom ; paradoxalement chaque fois préalablement à leur engagement par Rod Piazza pour ses Mighty Flyers. D'ailleurs, au cours de cette party, après quarante bonnes minutes, à l'initiative de William, le géant Bill Stuve (ce bassiste à longtemps milité chez Mighty Flyer) et Alex Schultz (ce guitariste est un des maîtres incontestables du style west coast) remplacent, le temps de trois titres, respectivement Buddy Clark et Rich Holmstrom. La complicité entre William et Alex fait plaisir à voir et à entendre. "Lonesome bedroom blues" en est la plus belle démonstration. Les autres rappliquent ensuite pour achever ce show promotionnel. William Clarke était un bluesman au talent extraordinaire. Et s’il était encore de ce monde aujourd’hui, il serait, sans nul doute, toujours à la pointe de l’actualité, dans le domaine du blues…
1985 : William Clarke est âgé de 34 ans. Il se produit à Los Angeles, sur la scène de Brother Matt. Pour la circonstance, sa section rythmique est constituée de Willie Brinlee et Jerry de Monte, respectivement bassiste et drummer. Il est également soutenu par deux guitaristes : Steve Samuels et Joël Foy. William jouissait déjà d’une fameuse réputation, à cette période de sa carrière.
Le concert s’ouvre par "She's dynamite", un de ses titres ‘fétiche’ réservé à la scène. Le tempo est bien enlevé. Il est assez cocasse de voir Steve Samuels réussir un solo, à l’aide de son demi-bras gauche. Il parvient à tirer les cordes en se servant de son moignon, avec une énorme dose de dextérité et de feeling. A cette époque, on venait juste d'inhumer le légendaire George ‘Harmonica’ Smith. Tout naturellement, Clarke ne pouvait que lui rendre hommage. Et il fait revivre George en soufflant dans son harmonica chromatique sur ce "Tribute to George Smith". Il y communique toute son émotion. "I got my brand on you" est imprimé sur un tempo plus enlevé. Samuels en profite pour dispenser une nouvelle salve. "Take a walk with me" est un excellent Chicago shuffle. Clarke pète la forme, mais pour l’occasion, le discret mais efficace Joel Foy sort de sa réserve. William se retire quelques minutes pour laisser ses musiciens rivaliser de talent ; et tout particulièrement Steve qui, de toute évidence, prend son pied. Ce concert s’achève par une compo phare de son répertoire d’alors : le vivifiant "All night long" ; un morceau qui clôturait habituellement ses concerts. Le souffleur californien (un peu plus svelte en ce temps-là) termine son show à genoux, avant de s’étendre totalement sur les planches pour extraire de son instrument des sonorités incroyables. Ce Dvd constitue un excellent témoignage (un de plus) de l'héritage laissé par un des harmonicistes les plus doués de la fin du XXème siècle.
Après la sortie d’un « Deep Cuts » frais mais inégal, le duo suédois est revenu sur le devant de la scène. L’an dernier. Lors d’un « Silent Shout » surprenant de noirceur. Afin de soutenir cet excellent essai, The Knife a parcouru l’Europe en 2006 pour une tournée de quelques dates, qui s’est notamment arrêtée chez nous au festival Pukkelpop. Un événement si l’en est ; la formation se faisant plutôt rare sur les planches. Encore plus dark, encore plus surprenant, « Silent Shout : An Audio Visual Experience » retranscrit respectueusement l’ensorcelante prestation des frangins Dreijer. Au niveau audio, hormis quelques titres brillamment dépouillés de leur candeur initiale (« Heartbeats », « Pass This On »), la version CD n’apporte pas grand-chose à l’ensemble, certaines compos sonnant exactement comme sur le disque originel (« We Share Our Mother’s Health », « The Captain »). Le Dvd constitue par contre une véritable mine d’or. Outre le concert et son incroyable mise en scène qui laisse pantois, il recèle également l’intégralité des clips de la formation. Un véritable régal pour les yeux. Des ‘kitchissimes’ « NY Hotel » et « You Take My Breath Away » aux petits joyaux techniques incarnés par « Silent Shout » ou « Like A Pen », il faut reconnaître que la qualité des vidéos, à l’instar des compos du tandem, a bien évolué au cours du temps. Enrichi d’un amusant court-métrage de 5 minutes intitulé « When I Found The Knife », « Silent Shout : An Audio Visual Experience » fera pleurer de rage tout fan ayant manqué cet événement fabuleux !
Derrière le patronyme de Corde Sensible, se cache un jeune auteur-compositeur-interprète français, appelé LaCorde. Cet Ep serait-il consacré à la guitare ? Oui, mais pas exclusivement. Il recèle surtout de jolies mélodies pop, évoquant les compositions d´artistes tels que Richard Aschcroft, Oasis ou encore les Beatles. Les harmonies vocales, les trompettes et les violons qui viennent les ponctuer sont particulièrement appréciables. Le chant, bien que juste et agréable, est moins accrocheur que la musique, manquant peut-être quelque peu d´émotion. Il n´empêche que l´impression générale laissée par les quatre titres de cet EP est plutôt bonne. L´avenir nous dira si LaCorde parviendra à confirmer cette première appréciation...
Le nouvel album d’Arcade Fire est enfin paru. Et il est très bon, excellent même. Mais pas toujours accessible. Six à sept écoutes ont d’ailleurs été nécessaires pour pouvoir enfin m’en imprégner. Première constatation, si « Funeral » traduisait une douleur toute personnelle (le décès de proches), « Neon bible » aborde des thèmes beaucoup plus universels. Quoique engagés. Et sur un ton empreint de colère, d’amertume ou d’emphase. Prenant pour cible le gouvernement, les religions, le pouvoir militaire et même l’industrie du divertissement. Vous me direz, ce n’est pas neuf. Mais c’est quand même mieux de se pencher sur la situation de notre monde que de faire l’apologie du banditisme ou d’écrire des textes qui n’ont ni queue ni tête.
Une partie des sessions d’enregistrement se sont déroulées dans leur pays natal. A l’église St Jean-Baptiste de Montreal, très exactement. Ce qui leur a permis d’utiliser les grandes orgues. Tout d’abord sur « Intervention ». Enrichi de backing vocaux spectraux, cette plage me fait penser à des Go-Betweens qui auraient bénéficié d’arrangements ‘philspectoresques’. Exécutés par Owen Pallett (également impliqué dans le projet Final Fantasy) et Régine Chassagne, ces arrangements (principalement de cordes) sont, vous vous en doutez, somptueux. Ou solennels, selon. Le morceau final, ensuite, « My body is a cage ». Plus biblique, presque gothique, il est imprimé sur un tempo martial. La plupart des titres de cet opus baignent d’ailleurs, en permanence, au sein d’un climat mystique (construits en crescendo aussi). Littéralement balayée par des vocaux incantatoires, « Black mirror » en est probablement la plus belle illustration. Des vocaux toujours partagés entre le timbre gémissant, intense de Win Butler et le soprano de Régine. Pas la peine de vous faire un dessin. Personnellement, « (Antichrist television blues) » me semble le morceau le moins en phase avec cette œuvre. Trop inspiré de Bruce Springsteen, à mon goût. Par contre, la nouvelle version de « No cars go » (elle figurait sur le premier Ep éponyme) est une véritable perle. Contagieuse, hymnique, un peu plus uptempo, elle se conjugue dans un tourbillon majestueux de chœurs, de cordes et de cuivres. Des cuivres qu’on retrouve sur « Ocean of noise ». Guitare surf et ligne de basse empruntée à la samba s’ébranlent à la manière du ‘petit train rébus’ (signé Clyde Otiset/Brook Benton et interprété par Marc Taynor et son orchestre, ce thème musical assez léger servira d’Interlude à la RTB, à partir de 1963), avant que le climat ne vire au mariachi, en fin de parcours. Et pour cause, les trompettistes de Calexico, Martin Wenk et Jacob Valenzuela sont de la partie. Puisqu’on en est au stade des invités, signalons encore la collaboration de Hadjii Bakara (Wolf Parade). Si le titre maître se révèle la chanson la plus confidentielle de la plaque (la subtilité de ces arrangements de cordes est un véritable régal !), deux fragments lorgnent manifestement vers la new (cold) wave. Tout d’abord l’hypnotique « Keep the car running ». Win y va tellement d’inflexions à la Ian Mc Culloch, qu’on se croirait revenu à l’époque de « Rescue » d’Echo & the Bunnymen. Et puis le curieux « The well and the lighthouse ». Paradoxalement allègre, il trahit de fortes réminiscences empruntées à Joy Division. Et dans le registre de mauvaise augure, l’envoûtant « Black wave » (une réflexion sur le Tsunami asiatique) implique une rythmique électro. Instrumentalement, Arcade Fire a mis le paquet : orgue d’église et de barbarie, cuivres et cordes (on en a parlé), accordéon, harpe, chœurs militaires, sans oublier la participation d’un orchestre issu d’Europe de l’Est, outre la panoplie à laquelle a recours habituellement le collectif. Pas la peine d’en rajouter une couche, vous savez ce qu’il vous reste à faire.
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