L’incarnation du jusqu’auboutisme même. L’homme-instrument qu’est Emil Svanängen juché sur 8 pistes entre la salle de bains et la cuisine dans un bordel de guirlandes électriques, est un meuble vivant aux multiples tiroirs (clarinette, guitare, orgue à pompe, percus, saxo et songwriting). Nourri au sein de Brian Eno, Kraftwerk, A-Ha quand ses congénères jouaient encore à la marelle, Svanängen développe assez vite son troisième œil en vouant un véritable culte à Euterpe. Alors à peine âgé de 8 ans, il reluque déjà les beautés informatiques via ses logiciels musicaux. En pleine puberté, le disciple s’initie par la suite à la sérénade propre aux troubadours avant d’investir dans le jazz et la mousse à raser. Cet apprentissage poussé, que le jeune stagiaire s’impose très tôt, contribue sans aucun doute à la qualité et la diversité de son quatrième ouvrage « Sologne », paru en 2004 (réédité en 2006). L’alliance des genres pop/folk est maîtrisée (sur le rythme militaire de l’enjouée « Where Are You GoGoGoing To ? » posé sur « Le Fever » ou persistant « I Lose it All »), embellie par des beats électros (« The City, The Airport ») et balancée d’interludes mystiques (« Grekerna »). Le ménestrel retrousse ses manches, affute sa voix et garnit l’opus de poèmes dédiés à l’amour et à la confusion des sentiments. Une recette qui marche et l’a amené à ouvrir la danse pour Clap Your Hands Say Yeah tandis qu’il se joignait à Sonic Youth, Bloc Party ou Devendra Banhart sur la scène du Festival Accelerator. Mais loin d’être seul cette fois pour transmettre son magnétisme sur les podiums, Svanängen s’improvise chef de chantier et délègue ses multiples talents à un orchestre en format familial. Une potion magique dont une goutte ne suffit pas, tant le ton est mesuré et la contagion certaine.
Qu’écrire qui ne le fût déjà en ces pages volatiles ? My Morning Jacket est l’un des groupes les plus importants de ces dernières années, qui en l’espace de trois ans a signé deux chefs-d’œuvre intemporels de country-psyché-pop-rock, les fabuleux « Z » et « It Still Moves ». Ce premier double live ne remet donc pas les pendules à l’heure, puisqu’en plus d’être un formidable groupe de studio, My Morning Jacket s’avère aussi un formidable ensemble de scène. Ceux qui les ont vus à l’AB en novembre 2003 s’en souviennent sans doute encore comme si c’était hier, tant leur performance, ce soir-là, frôlait le nirvana, en version pourtant quasi-instrumentale ! L’anecdote vaut la peine d’être rappelée : suite à un gros rhume persistant, Jim James s’était réveillé ce jour-là en bien petite forme. Aphone, il préférera préserver son organe magique et ne chanter qu’en début et fin de concert… Et pourtant le moment se sera révélé exceptionnel, tant ces types jouent comme des dieux de l’Olympe rock’n’roll, s’élançant tels des foudres de guerre sur leurs guitares/basse/batterie, jusqu’à toucher le ciel et tout le chambardement. De dieu ! On en frémit encore. Autant dire que ce live sous plastique on l’attendait comme le Messie, et on n’est pas déçu : 21 titres d’une splendeur mirifique, pour la plupart issus des deux classiques cités dix lignes plus haut. Seuls un titre de « Tennessee Fire » (« I Think I’m Going to Hell ») et trois de « At Dawn » (« Lowdown », « Xmas Curtain » et « At Dawn ») évoquent leur carrière pré-major, mais ne boudons pas notre plaisir : « Okonokos » est un grand disque live, que tout fan qui se respecte devrait posséder en plusieurs exemplaires. Buy or die !
‘Voguons, matelots, vers de nouvelles aventures. Traversons les mers et les continents afin de rapporter à nos bonnes gens les merveilles croisées sur notre route !’ Voilà ce que Colin Meloy et ses joyeux matelots doivent probablement s’exclamer avant d’aller à l’abordage d’un studio d’enregistrement. Fraîchement signés chez Capitol, ces derniers débarquent donc sur un navire bien plus large que lors de l’épopée précédente. Conteur hors pair, Meloy s’inspire cette fois d’une fable japonaise qu’il réinvente magistralement (« The Crane Wife 1 & 2 » et « The Crane Wife 3 ») ainsi que d’autres histoires captivantes évoquant la guerre (un peu), l’amour (beaucoup) et la mort (énormément).
A la hauteur de toutes les espérances, ce nouveau roman musical des Decemberists regorge de petites merveilles telles que « Sons & Daughters », « The Perfect Crime #2 », « When The War Came » et surtout l’impressionnant « The Island », parabole épique développée en 12 minutes et découpée en trois parties distinctes mais indissociables. Membre honoraire de la formation, Laura Veirs boucle la boucle en donnant la réplique à Meloy sur un « Yankee Bayonet » filmique. Sorti en octobre 2006 aux Etats-Unis pour ne débarquer que début février sur les terres européennes, « The Crane Wife » valait largement l’attente et constitue un successeur digne de ce nom à « Picaresque ».
Stéphane Deroubaix “Völkerball”, comprenez “La balle au prisonnier”, était déjà sacré dvd d’or en France rien qu’en précommande… C’est dire si l’engouement du public francophone est toujours aussi brûlant pour les héritiers (qui a dit copieurs ?) du sulfureux Laibach !
Décliné en 3 formats différents, l’objet est déjà tout à fait attrayant sous sa forme standard. D’une durée de 140 minutes, le dvd concentre l’intégralité du concert accordé en juillet 2005 dans les Arènes de Nîmes durant le « Reise, Reise Tour ». Sur le plan visuel, Rammstein s’impose indéniablement comme le groupe le plus spectaculaire depuis Kiss ou Alice Cooper, usant de pyrotechnie jusqu’à l’indigestion. Le son est absolument ‘kollossal’ et la production on ne peut plus soignée. « Links », « Keine Lust », Mein Teil », « Du Hast », « Amerika », « Sonne »… Les classiques s’enchaînent, la scène s’enflamme !
Après 2h20 de débauche sonore et visuelle, on a droit à quatre titres filmés à la très honorable « Brixton Academy » de Londres (« Sonne », Rein Raus », Ohne Dich », et « Feuer Frei ») et trois fragments captés dans un club de Tokyo (« Du Hast », « Mein Teil », Ohne Dich »). Pour clôturer le tout, on se prend tel un uppercut, l’irrésistible « Moskau » enregistré en 2004 comme par hasard au Complex Olympski Sport de Moscou. Accompagné de choristes ‘sexy’ (ces cuissardes !), le combo séduit et entretient l’ambiguïté qui lui colle aux bottes depuis ses premiers balbutiements dans la langue de Wagner…
Formant une croix lorsqu’il est entièrement déplié, le luxueux digipack présente une jolie ‘galerie’ de portraits consacrés aux fans, en noir et blanc ! Quant au cd audio offert en ‘bonus’, il se résume à une version légèrement rabotée du concert accordé aux Arènes de Nîmes. De quoi faire vibrer les membranes des woofers de votre vieille Volkswagen et susciter les réactions les plus épidermiques de la part de vos voisins amateurs de reggae, de bouffe exotique et des émissions d’Adrien Joveneau.
Il est des artistes qui possèdent tout le talent nécessaire pour créer des petites merveilles musicales… et qui passent à côté ! C’est le cas de Josh Tillman. Car si « Minor works » est un condensé de mélodies plus que convenables, agrémentées d’une voix au timbre chaud, rien n’accroche. Et ce n’est pas faute d’essayer. Malgré la sincérité tangible du singer-songwriter, les émotions ne passent pas. De « Darling night » à « Now you’re among strangers », les neuf titres se suivent et se ressemblent. Il est dur de résister à l’envie d’envoyer promener cet importun qui semble se lamenter au fil des chansons. Nouveau venu dans la scène folk rock de Seattle, J. Tillman comptait déjà deux albums autoproduits à son actif avant d’être remarqué par le label Fargo qui le signe aujourd’hui. Pas d’ovation, hélas, pour ce premier opus de J. Tillman bénéficiant d’une large distribution… mais l’espoir d’un « Major Works » !
A part les kiwis, on ne peut pas dire que la Nouvelle-Zélande soit réputée en matière de grandes exportations. Surtout musicales. Il y’a bien eu Neil et Tim Finn (et, par extension, Crowded House), The Datsuns, The Veils ou The Brunettes, mais qui peut citer plus de cinq formations issues de cette contrée ? (NDLR: Peu de monde, en effet... Et pourtant, on répertorie encore The Chills, JPS Experience, The Verlaines, The Clean, Bailterspace, Chris Knox, Tall Dwarfs, Superette, The D4 et tous les groupes du label Flying Nun, qui n’est malheureusement plus distribué chez nous depuis une bonne décennie - voir infos liées). Pour y remédier, Ryan McPhun et ses sept musiciens se préparent à une invasion mondiale qui risque de faire mal ! Quelque part entre Architecture In Helsinki circa « Fingers Crossed », The Shins, The Flaming Lips et, surtout, The Beach Boys, l’éponyme de The Ruby Suns marque un départ remarquable.
Survolé de bout en bout par le spectre de Brian Wilson, ce premier essai aurait tout aussi bien pu être produit par ce dernier. Outre l’hommage évident à « Pet Sounds », The Ruby Suns pratique une pop organique rondement bien menée. Le genre de disque qui prend le temps de s’immiscer lentement dans le système nerveux et qui ne vous quitte plus une fois son but atteint. Jolis petits contes estivaux, « My Ten Years On Auto-Pilot », « Criterion », « Look Out SOS ! » et autres « It’s Hard To Let You Know » nous plongent dans un état d’euphorie tel qu’une seule envie nous pourchasse : celle de se retrouver au bord d’une plage ou d’une piscine découverte affublés de tongues, chemises hawaïennes (néo-zélandaises ?) et autres shorts de circonstance. Peu importe s’il fait -10 dehors, soyons fous !
Depuis maintenant cinq ans, Sufjan Stevens enregistre, chaque hiver, un petit EP garni de quelques titres (reprises ou compositions personnelles) consacrés à la thématique de Noël. Destiné à ses proches, l’objet participe en fait d’une sorte de démarche masochiste de la part du songwriter puisque ce dernier avoue, sans pudeur, une aversion prononcée pour les « Christmas Carol »… Malgré tout, ce ne sont pas moins de quarante-deux morceaux qui ont ainsi été mis en boîte au cours des longs mois de décembre que le sociétaire du Michigan employa à se flageller seul dans son coin… Quarante-deux titres que le label Asthmatic Kitty Records publie aujourd’hui sous la forme d’un packaging regroupant les 5 EP’s, produits entre 2001 et 2006.
Si le disque promo fourni à la presse ne contient malheureusement que dix-huit chansons, on peut néanmoins affirmer, à l’écoute de celles-ci, que l’ensemble tient vraiment la route. L’auditeur séduit par les mélodies pop et les orchestrations baroques d’« Illinois » retrouvera, à l’écoute de « Songs for Christmas », toutes les petites subtilités qui font le charme de l’œuvre de Sufjan Stevens. Il est assez impressionnant de constater que l’Américain s’est réapproprié des scies telles que « Jingle Bells » ou « O Come O Come Emmanuel » au point de les rendre franchement touchantes. La palme de l’émotion revenant à « Sister Winter », tout bonnement bouleversant, beau à en pleurer… Un titre à écouter en boucle, blotti au coin du feu, et qui justifie à lui seul l’achat du coffret tout entier. A bon entendeur…
Société de consommation, civilisation d’adorateurs spécialisés dans l’art de la consommation impulsive, réjouis-toi : le New Musical Express vient de révéler le nom du ‘meilleur groupe émergent de la scène américaine’ ! Célébrité en devenir ou simple feu de paille fomenté par le NME, Cold War Kids s’impose et revêt le maillot rouge du buzz, patron incontesté du peloton dans ce tour de hype mensuel. Aperçus sur scène aux côtés des Two Gallants, révélés par un E.P. tonitruant (« We used to vacation EP »), les Californiens tendent aujourd’hui à justifier l’engouement suscité par la sortie de « Robbers and Cowards », leur premier album. Riffs menaçants, notes de piano chaotiques, voix chancelante, notre oreille emprunte le chemin tortueux esquissé par Nathan Willett et son équipe.
Ici, le post-punk se couvre d’envolées lyriques, les mélodies se déversent dans un déluge de distorsion, avant d’échouer sur les berges d’un havre de paix. Cold War Kids semble apprécier les ruptures, passant aisément d’un moment de pure tension à une embardée d’émotions. Sur « Robbers and Cowards », la formation de Long Beach laisse entendre l’écho de son chant théâtral, l’énergie de son désespoir, la variété de son répertoire. Les Kids ressuscitent les mélopées désabusées de Jeff Buckley sans se soucier des qu’en dira-t-on. Et, incontestablement, ce premier album de Cold War Kids séduit.
Nous avons eu le mois de janvier le plus chaud depuis des décennies, paraît-il. Normal. Peut-être se préparait-il tout simplement à accueillir le nouvel et troisième album de Norah Jones. On aura beau pointer le doigt vers le réchauffement climatique, qu’on ne vienne pas nous dire que Miss Jones n’y est pour rien. Accompagnée de son inséparable bassiste, producteur et, accessoirement, petit ami Lee Alexander (un million d'euros à celui qui me rapporte sa tête), Norah susurre treize titres dans la droite lignée de ceux gravés sur les magnifiques « Come Away With Me » et « Feels Like Home ». Rien de révolutionnaire. Mais comment ne pas fondre au son de la voix envoûtante d’une naïade qui parviendrait à créer de la saison la plus morne, un instant inoubliable ? Figure de proue d'une scène jazz-pop, dont elle a grand ouvert la porte en 2002, la digne descendante de Ravi Shankar nous offre un recueil d’une douceur saisissante. Qu’elle psalmodie l’amertume de la trahison (« Not My Friend »), célèbre la fatalité (le génial « Sinkin’ Soon », en compagnie de Matt Ward) ou déclare sa déception politique (« My Dear Country »), la jeune femme agit toujours avec une telle grâce qu’on ne peut être que conquis. Pas étonnant, après chaque écoute de ce « Not Too Late », de s’entendre fredonner à tue-tête « Meeeeee and Mrs- Mrs Jones… We got a thing goin’ on… »
Vainqueur du Humo’s Rock Rally en 2004, The Van Jets vient d’enregistrer son premier album sur son propre label, Belvédère Records. Un groupe belge que la presse du Nord du pays ne tarit pas d’éloges. Le titre de ce disque ? « Electric Soldiers ». C’est également celui du single destiné à faire connaître la formation ostendaise. Et surtout son engagement politique. Influencé – suivant ses propres dires – par Bowie, Thin Lizzy ou encore The Datsuns (dont ils ont assuré la première partie, en 2006, à l’AB), le band pratique un rock, à première écoute, clair. Pourtant, lorsqu’il est volontairement mixé, il se révèle un peu plus ‘crade’. Très entraînant, bourré d’énergie positive, le cd est découpé en 12 titres parfois un peu courts. Dommage d’ailleurs que le band ne s’autorise pas davantage de développements instrumentaux. Une exception qui confirme la règle : « Run ’n’ Hide », un morceau un peu plus long et logiquement le plus captivant de l’opus. Les riffs de guitare électrique alimentent efficacement un rythme soigneusement et pertinemment construit. Un bon moment à ne pas écouter au garde à vous ; mais plutôt en prévoyant une activité physique à la hauteur de l’ambiance générale du disque… Rompez !
Ceux qui aiment se secouer le bas des reins vont en avoir pour leur argent. Les incomparables !!! sont de retour. Trois ans après l'incroyable gifle assénée par « Louden Up Now », la formation au nom atypique (généralement prononcé chk chk chk) revient avec un « Myth Takes » encore plus prodigieux. Nic Offer (chant) et Allan Wilson (percussions), plus ou moins en forme malgré trois journées intense de promo, nous parlent de leur nouveau bébé.
Accorder des interviews toute la journée, c'est un peu la rançon de la gloire. Cet exercice vous fatigue déjà ?
Allan : Il fait partie du boulot, on assume. Heureusement, on a droit à un peu de repos entre la tournée de promo et la tournée mondiale.
Comment expliquer que vous vous soyez embarqués à huit dans la même aventure ?
A. : On s'est tous connus à Sacramento. A l'époque où on a commencé à jouer, nous étions déjà amis tous les huit.
Nic : Tout a vraiment démarré une belle nuit sur une simple `jam' improvisée. A la fin de la soirée, on avait composé plusieurs morceaux. On en était trop satisfait pour en rester à ce stade.
On peut considérer vos morceaux comme un patchwork de plusieurs genres. Comment les décririez-vous ?
N. : Patchwork Music, c'est pas mal.
A. : On ne sait pas trop? Dance Music, Rhythmic Dance? Peu importe.
N. : Moi, je la définis simplement comme du Punk Funk ou Disco Punk.
La pochette de « Myth Takes » est enrichie d'une magnifique illustration de Kevin Hooyman. Quelle est l'histoire de ce dessin ?
A. : Nous nous sommes drogués avec lui pendant six mois non-stop?
N. : Et on lui a demandé de nous faire un croquis illustrant les fesses d'une femme. La pochette de « Myth Takes » en est le résultat. C'était assez inattendu.
A. : Oui, on a tout de suite accepté quand on a vu qu'il y avait tout de même une paire de fesses dessus (rires).
N. : En bref, on adore tout ce qu'il fait.
Le titre éponyme est très différent de tout ce que vous avez pu faire jusqu'ici?
A. : Le groupe voulait prendre une nouvelle direction. Cette chanson, aussi bien que le reste de l'album en général, est assez différente au niveau du son et du tempo. Ce dernier est d'ailleurs plus rapide que celui habituellement utilisé.
N. : En ce qui concerne « Myth Takes », on savait la conviction de détenir une chanson surprenante. Elle faisait l'unanimité et devait absolument faire office de plage d'ouverture. Histoire que les auditeurs plongent directement dans le bain.
Et John (Pugh, batterie) interprète beaucoup plus de titres qu'auparavant?
N. : Oui, il se débrouillait plutôt bien sur « Louden Up Now », alors nous l'avons généreusement laissé chanter un peu plus (rires). En fait, il s'est principalement occupé des chansons que, personnellement, je n'appréciais pas trop. Comme par exemple « Sweet Life ». Je n'ai pas vraiment aimé cette chanson. John a décidé de l'interpréter à ma place. Le résultat est finalement génial. Par contre, pour « A New Name », c'était différent. Mario (Andreoni, guitare) n'était pas satisfait de mes vocalises sur ce titre. Celles de John collaient mieux à l'ambiance de cette compo. En général, j'aime l'idée de passer d'un chanteur à l'autre. N'observer la perspective que d'une seule personne sur l'entièreté d'un disque peut parfois être lassant.
Après avoir assuré la première partie des concerts de Red Hot Chili Peppers face 25.000 personnes, ne commencez-vous pas à rêver d'occuper une tête d'affiche devant un parterre aussi impressionnant ?
A. : Pour commencer, je n'aurais jamais cru un jour me retrouver ici, à accomplir une tournée mondiale de promotion pour un album que j'aime beaucoup et être entouré de gens qui soutiennent le groupe. C'est déjà une part de rêve qui se concrétise. Quant au reste, tout est possible.
N. : En fait 6.000 ou 25.000 voire plus, c'est du pareil au même. On ne voit pas vraiment les visages donc ce n'est pas aussi impressionnant qu'il n'y paraît. Mais c'est impressionnant quand même. Tu vois ce que je veux dire ?
A vous voir sur les planches, on pourrait facilement croire que c'est la fête 24h/24 en votre compagnie. L'ambiance est la même en studio ?
A. : En studio, il faut être très patient. On passe le plus clair de notre temps à attendre. Il y a des jours pendant lesquels on s'amuse bien. Puis d'autres où on s'emmerde tellement qu'il faut téléphoner au studio le lendemain pour savoir si le reste du groupe va avoir besoin de nous ou si on peut rester glander chez soi. Ce n'est pas aussi fun que d'être sur scène.
Les clips de « Hello, Is This Thing On ? » et « Heart of Hearts » étaient principalement constitués d'extraits live. Pour « Must Be The Moon », vous avez tourné votre première `véritable' vidéo. !!! en clip, ça donne quoi ?
N. : On vient de la terminer. Les scènes sont un peu folles et relatent une histoire de sorcière vaudou. Au cours de laquelle un paquet de filles essaie de nous agripper (rires) !
Vous avez sorti un EP contenant deux reprises assez inattendues. Vous comptez remettre le couvert ?
A. : Oui, j'aimerais bien. Tant qu'elles sont intéressantes.
N. : Ces deux reprises sont arrivées naturellement. Nous nous sommes simplement dit `Tiens, pourquoi pas ?' Personnellement, j'aimerais enregistrer un album de reprises. Ce serait fun et ce serait un bon moyen de rester dans l'actualité entre deux sorties plus `officielles'. En ce moment, je n'ai pas trop d'idées quant au choix de reprises potentielles. Mais ces choix doivent être intelligents. En reprenant ces deux titres, on y a ajouté quelque chose. On ne s'est pas contentés de les réinterpréter tels quels.
Quelle est votre manière favorite de prononcer le nom du groupe ?
Ils se mettent tous les deux à imiter ce qui ressemble à une sonnerie de portable.
Je vois que avez dû répondre à cette question toute la journée. Comment je retranscris ça, moi ? (rires)
A. : Y a-t-il un podcast sur votre site ?
Non?
A. : Il est temps d'y penser (rires) !
(Merci à Didier)
Trio belge, The Tritones est constitué de Sébastien Févry (guitariste), Michael Schots (bassiste) et Bart Van Goethem (batteur). Intitulée « Requiem for a Mermaid », leur deuxième démo est partagée en cinq titres instrumentaux. Des plages qui mettent parfaitement la guitare en exergue. Et nous plongent au sein d’une ambiance relaxante, envoûtante, parfois nostalgique. Inspirée par la mer, la musique des Tritones pourrait facilement servir de bande originale de film. Une idée aussi pertinente qu’intéressante. D’ailleurs, le titre « Chagrin de la mer » a été choisi pour sonoriser « Ex-drummer », un métrage dont la sortie est prévue en janvier 2007. Le combo reprend également « Crockett´s Theme », BO de Miami vice (« Deux flics à Miami »), originellement jouée par Jam Hammer. Les sonorités de la guitare rappellent inévitablement les mythiques Shadows. Le jeune groupe a déjà séduit Ozark Henry, qui a sollicité leur démo après les avoir entendus sur Myspace. Ce fort joli travail, tout en qualité et en finesse, devrait permettre à la formation d’atteindre une certaine reconnaissance… voire une reconnaissance certaine.
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