Après le temps de l’Apocalypse, voici le temps d’aller voir un médecin. Car depuis qu’on a vu Wolf Eyes en live, on n’entend plus pareil. Nos tympans auront atteint leur seuil limite : Wolf Eyes ou le point de non retour -après eux l’acouphène, jusqu’à la fin des temps. « Human Animal » est le deuxième album du trio d’Ann Arbor à sortir sur Sub Pop, et c’est encore et toujours du bruit qui déchire (larsens insupportables, décharges électriques à pisser dans son froc, bidouillages électroniques et concassage analogique, ululements gutturaux, crissements industriels). Celui qui ose dire ‘Même pas peur !’ en écoutant ces six morceaux de sauvagerie postmoderne est soit sourd, soit un habitué des Yellow Swans, de Kevin Drumm, de Sun O))) et de Lasse Marhaug. Plaît-il ? Ne cherchons pas MIDI à 14h : « Human Animal » vaut bien son pesant de boules Quiès. Faites du putain de bruit, après ça vous passera.
Le groupe francilien Lac Placide avait éveillé notre intérêt lors de la sortie de son insolite « Away », en 2003. Et malgré une démo parue en 2005, c'est avec une certaine impatience que « Closer » était attendu. Aucun changement de personnel n'est survenu. Le chant mixte, théâtral et puissant est donc toujours partagé entre 'Sa Majesté Roy' et 'Le Rôdeur Renaud', tandis que 'L'Archiviste Demurger' et le 'Rebouteux' assurent sans faillir la rythmique sur laquelle la guitare du 'Sénéchal Morin' et les claviers du 'Bourgmestre Ville' assoient leurs partitions. Par contre, la musique de nos compères a revêtu un habit plus métallique. Un résultat essentiellement dû à la production, très professionnelle, qui place en avant la guitare, souvent bien grasse. Tout est beaucoup mieux rangé que sur le précédent opus. Chaque intervenant est bien mis en valeur et l'ensemble ne donne plus du tout cette impression de joyeux foutoir dégagée par « Away ». Le groupe a beaucoup gagné en cohésion, gommé ses défauts de jeunesse et propose des compositions denses, touffues mais bien maîtrisées et totalement dépourvues de prétentieuses démonstrations de virtuosité. Puissant et abouti, cet album ne manque donc pas d'atouts. Et même si la musique du Lac a fait un pas vers la standardisation, même si elle y a laissé un peu de sa spontanéité et de son étrange, elle reste suffisamment personnelle pour demeurer intéressante et peu ‘étiquetable’. Il y a une marque de fabrique 'Lac Placide'. L'envoûtement immédiat que générait une plage comme « Growing Circles » nous manque un peu, il est vrai. Car paradoxalement, il faut plusieurs écoutes pour apprécier ce bel ouvrage à sa juste valeur. Mais une fois apprivoisé, l'objet s'installe malicieusement au creux des oreilles de l'auditeur.
Signé chez Alternative Tentacles, le label indépendant fondé par l’infatigable Jello Biafra, Pilot Scott Tracy revient sur les lignes pour un troisième envol. A bord, l’heure est toujours aux réjouissances : montée en puissance et vrombissements instrumentaux sont encore du voyage. Sans changer de cap, Pilot Scott Tracy tient toujours la distance. Sur « Country Style », la machine sursaute, le poing se lève et le corps s’agite au rythme d’un rock’n’roll psychotique (Allo oui ? The Cramps ? Ok, ne quittez pas…) pour les psychopathes du riff psychique. Après cette débauche de testostérone coupée à l’EPO, l’équipage s’offre un looping : une sympathique reprise des Smiths (« There is a light that never goes out »), avant de nous abandonner sur le bitume d’une piste d’atterrissage au son du planant « Take a flight II » (le retour ?). Bref, « We Cut Loose » est un album fourre-tout, aussi désordonné et étonnant que le contenu du sac à main d’une bonne femme. Pilot Scott Tracy, enfin prêt pour le décollage ?
Si Neurosis a calmé ses ardeurs et que le dernier Isis bande lui aussi sacrément mou, que dire de ce deuxième Red Sparowes ? Qu’il s’agit d’un énième exercice de post-rock, mais sans le romantisme d’un Explosions in the Sky ni l’élégance cuivrée d’un Sickoakes ? Qu’on se demande bien comment concilier vision politisée et musique instrumentale, même si nous sommes tous des victimes de notre propre idolâtrie ? The message is the medium, ou l’inverse ? Jean Baudrillard est-il bien mort le 6 mars dernier ? ‘La séduction représente la maîtrise de l'univers symbolique, alors que le pouvoir ne représente que la maîtrise de l'univers réel’, écrivit-il dans un essai fameux… Mais si l’univers du post-rock s’avère ici parfaitement maîtrisé, il ne provoque pourtant aucune séduction : on attend que le riff ait fini ses incessantes simagrées comme on attend le bus, bref on s’emmerde comme des rats morts. Ce disque est un non-événement. ‘Je pense toujours que ce qui se passe est en fait déjà là dans le processus même, et que la fin est déjà là, à partir du commencement’. C’était donc ça, bordel ! Ce type a tout pigé, respect.
En Norvège, le soir venu, chacun apportait son bout de bois ou ses brindilles, au choix. Les flammes montaient, la fumée se dévoilait et les premières cendres se répandaient dans l’air, flirtant avec les mots mélancoliques de la belle Ane Brun. Sur les rebords du brasier, en chœur, nous chantions ses belles complaintes, piquées sur deux albums divins (« Spending Time With Morgan » et A Temporary Dive »). Le cul dans l’herbe, la tête dans les étoiles, nous restions là, célébrant le songwriting dépouillé et intimiste d’Ane, ensorceleuse discrète, chanteuse talentueuse. Nous la respections pour ses chansons et ses compagnons d’aventure : Ron Sexsmith, Tobias Fröberg, The Tiny, Teitur, Madrugada, Syd Matters et tous ces gens qui, comme nous, admiraient le folk délicat de cette Norvégienne au yeux bleus.
Cette fois, oublions les feux de bois… Ane Brun habille ses chansons d’une section de cordes et se lance dans une tournée scandinave. Allez hop, tous dans le van : en route pour Uppsala, Stockholm, Trondheim ou Oslo à la découverte de ces nouvelles versions ! Assistée par la compositrice danoise Malene Bay Landin (ce nom !), Ane Brun revisite ses compositions et enregistre chaque spectacle accordé. « Live In Scandinavia » laisse entrevoir la fragilité de ses plus beaux morceaux (« My Lover Will Go », « Are They Saying Goodby » ou « Song N°6 »). Le temps d’un concert à Stockholm, Ane Brun s’approprie même les mots de Jeff Buckley (« So Real ») et de Polly Jean Harvey (« The Dancer »). Un disque envoûtant, à savourer par ces doux matins de déprime.
Imaginez un tribute à la contre-culture des sixties représentée par les éminents Rolling Stones, The Who et les Beatles dans leur période psychédélique et vous obtenez un curieux mélange hallucinogène. Une fragrance Haight Asbury ressuscitée dans sa version rock que le quintet de Phily vaporise à travers champs et dont on se surprend à cueillir des fleurs. Justement les « Flower Power » et « Let the Sun Shine » pourraient être leurs slogans, épiçant les mélodies contestataires de leurs veillées estivales. Epaulée par des chœurs fraternels et des tambourins charitables, la communauté du Dr. Dog scande des ‘hallelujah’ cérémonieux tout en s’éclatant les paumes. L’assemblée réunie sous des pseudos incongrus (Taxi, Tables, Text, Troubles, Thanks) peut alors entamer ses chants délirants dans un répertoire folk et protester à tout bout de champ en appel à une révolution indie pop édulcorée au psychédélisme hippie. L’effet d’un vieux buvard soixante-huitard en 6 morceaux.
Mark incarne sans aucun doute un des harmonicistes les plus doués de sa génération ; et même s’il est moins populaire que Charlie Musselwhite, Kim Wilson ou Rod Piazza, il affiche un sacré pedigree. Originaire de New Haven, dans le Connecticut, il a grandi à Los Angeles avant de se fixer à San Francisco où il vit depuis 35 ans. Malgré ce parcours, c’est bien dans le vivier du Chicago blues qu’il a puisé l’essentiel de son inspiration. A l’instar de nombreux musiciens de blues, il voue une grande admiration aux Grands : Little Walter, Sonny Boy Williamson, Junior Wells ou encore James Cotton. "Playing in your town", son premier elpee, est paru en 1985. Depuis, il a fait son chemin et écumé toutes les scènes des States et d’Europe. Il a également concocté toute une série d’albums sur les labels Flying Fish et Tone Cool. En 2002, il a signé chez Electro-Fi, écurie pour laquelle il a enregistré "Golden State Blues" et le live "Blowin’ my horn", en 2004.
Pour réaliser cet “Ain’t easy no more”, Mr Hummel a reçu le concours de ses Blues Survivors ; c'est-à-dire les fidèles compagnons qui le suivent depuis quelques années. En l’occurrence : le guitariste Charles Wheal, le bassiste Steve Wolf et le drummer Marty Dodson. Le talent de Mark est essentiellement concentré dans les deux reprises qui ouvrent l’opus. Tout d’abord le percutant "Get on the right track" de Ray Charles. La voix est puissante et délicatement éraillée. Le piano de Bob Welsh, les cuivres ainsi que la solide section rythmique servent de rampe de lancement à l'harmonica dévastateur et aux riffs classiques du Chicago Southside. Le "She's got it" de Muddy Waters en est une autre illustration. Mark souffle divinement. Tout en manifestement une sensibilité intérieure qui force l'admiration. Sa puissance est naturelle. Son "I didn't need another heartache" se fond naturellement dans ce décor de blues urbain classique. Un shuffle sans faille qui libère de l'espace pour les cordes de Wheal et les percussions de Marty. Le titre maître constitue un cri du cœur de l'artiste pour l'une de ses villes fétiche : New Orleans. Mark est l’auteur de cet "Ain't easy no more", une compo qu’il a écrite après les effets dévastateurs provoqués par l'ouragan Katrina dans la célèbre cité louisianaise. L’ambiance est de circonstance. Animée par les accords d’un piano sautillant, elle est entretenue par un cocktail de cuivres et de percussions. Le swing et le jump constituent une autre clé de l’expression sonore embrassée par Hummel. L’adaptation du "Jump with you baby" de BB King en est une parfaite illustration. Le chanteur souffleur est dans son élément naturel. Charles Wheal se fait BB et prouve son talent injustement méconnu. Ce style jump hante également sa version du "Stop now baby" de Sonny Boy Williamson. Instrumental, "Harpoventilating" respire la classe. Une leçon donnée par le maître qui, pour la circonstance, s’est trouvé une deuxième paire de poumons, histoire de pouvoir reprendre sa respiration. Impressionnant ! "So glad" swingue à ravir ! Charles est inspiré sur ses cordes tandis que Bob Welsh parcourt frivolement ses 88 touches d'ivoire. Mark sort de sa poche son encombrant instrument chromatique. Et si vous pensez que le meilleur est désormais passé, vous vous flanquez le doigt dans l’œil ; et jusqu’au coude, car notre Californien reprend deux plages écrites par le pianiste Eddie Boyd. Tout d’abord un sublime "Blues is here to stay". Ensuite "You got to reap" que Mark chante délicatement. Welsh y reproduit le jeu du regretté dieu de Chicago. Par son jeu déchiré, proche de Charlie Musselwhite, notre souffleur arrache larmes et sanglots sur "Creeper returns", une plage inspirée du Chicago Westside. Impérial ! Un album de grande classe!
Sur le carrelage, sur la table du salon, sur le lit de tes parents, sur le toit de ta baraque, dans ton jardin, dans la rue ou même dans les chiottes... Appuyer sur play te condamne à bouger tes fesses dans tous les sens. Impossible d’échapper à l’emprise de « Myth Takes ». C’est bien simple : dès la réception de la troisième œuvre de !!! en décembre 2006, on se savait tenir là l’un des meilleurs disques de l’année suivante ! Et trois points d’exclamation ne sont que trop peu pour souligner le brio avec lequel Nic Offer et sa bande marquent leur grand retour.
« Myth Takes » récompense largement les fans pour les trois insurmontables années d’attente qui ont suivi la sortie de « Louden Up Now ». Condensé orgasmique de genres hybrides, l’essai s’ouvre sur un titre éponyme qui donne le ton. Les huit New-yorkais roulent des mécaniques dans les rues de leur ville d’origine, ‘mob-style’, s’apprêtant à conquérir un monde en mal d’expériences transcendantales. Il ne leur en faudra d’ailleurs pas plus que les infectieux « All My Heroes Are Weirdos », « Must Be The Moon » et « Heart Of Hearts » pour inciter aux chorégraphies les plus insolites, à la fois libidineuses et spirituelles. Nic Offer, que l’on devine plus énergique que jamais, s’adonnera ensuite à un épique « Bend Over Beethoven », qui n’est pas sans rappeler le splendide « Me & Giuliani… », extrait de l’ouvrage précédent. Si Nic mène la barque sur la majorité des titres, l’intensité de « Myth Takes » se voit décuplée par les vocalises de John Pugh qui prend possession du micro sur quatre titres, dont les frénétiques et hallucinatoires « Yadnus » et « A New Name ».
Chef-d’œuvre passionnel, ce nouvel essai devrait définitivement établir !!! comme combo incontournable de la scène indie aux yeux et aux oreilles de la terre entière. Ne reste plus qu’à évaluer l’intégralité de « Myth Takes » sur scène (ils jouaient déjà « Heart Of Hearts » et « Yadnus » lors de leur tournée estivale), histoire de découvrir ou redécouvrir Nic Offer et ses déhanchés qui feraient gémir de jalousie Shakira. A écouter de toute urgence et plutôt trois fois qu’une !(!!)
Une pop élégante, des harmonies légères comme l’air, trois voix célestes en orbite autour de la Terre : la musique d’Au Revoir Simone agit sur notre organisme tel un étrange phénomène d’apesanteur. Du haut de leurs longues jambes, Annie Hart, Erika Forster et Heather D’Angelo entrevoient forcément de nouveaux horizons musicaux. Bien loin du chaos quotidien et de nos petits chagrins, les trois New-yorkaises chantent « The Bird Of Music », une nouvelle collection de titres au charme mélancolique.
Chez Au Revoir Simone, la nostalgie est un lieu chaleureux, un espace onirique où il est agréable d’entamer des danses extatiques. Certaines femmes aiment les hommes, d’autres préfèrent les synthétiseurs : ils sont toujours moins poilus et plus polis. Nos trois Simone sont comme ça : préférant Roland, Alessis, Korg ou Casio à Devendra, Anthony ou Brian. Et, en substance, « The Bird Of Music » contient quelques étoiles filantes. La grâce désenchantée de « The Lucky One », l’air faussement folâtre imprimé par cette belle « Sad Song » et une obsession récurrente pour les échappées crépusculaires (« Dark Halls », « Night Majestic », « Stars », « I Couldn’t Sleep ») esquissent un disque de rêve, intimiste, lové entre les discrètes envolées électroniques de Broadcast et les trips raffinés de Stereolab. Indéniablement, « The Bird Of Music » est une belle réussite : rien à revoir pour Au Revoir Simone !
Of Montreal appartient au collectif Elephant 6, une écurie particulièrement branchée sur tout ce qui touche au néo-psychédélisme et au sein de laquelle on retrouve notamment Beulah, Olivia Tremor Control, Apples In Stereo, Elf Power, et sévissait l’énigmatique autant que remarquable Neutral Milk Hotel. Kevin Barnes est la figure de proue de cette formation géorgienne (d’Athens, très exactement).
« Hissing fauna, are you the destroyer ? » constitue le onzième album d’Of Montreal, un disque semi-autobiographique enregistré en deux phases. En fait, Kevin et parti vivre, en 2004, quelque temps en Norvège. Il y accompagnait son épouse et sa fille. Apparemment, ce nouvel environnement ne lui convenait pas, puisqu’il a rompu avec sa femme et est entré dans une profonde dépression, proche de l’aliénation mentale. C’est pourtant à cette époque, qu’il a écrit la première moitié des titres de cet opus. Des compos naturellement empreintes de désespoir et de cynisme (les lyrics !) Puis, le couple s’est réconcilié et, c’est dans cet état d’esprit qu’il a concocté la seconde partie de l’œuvre. Si Of Montreal émarge au psychédélisme, alors on peut le qualifier de psychédélisme baroque. Parce que cet elpee laisse transparaître une multitude d’autres influences. Glamoureuses, tout d’abord. Et on pense ici en particulier aux Sparks, à Bowie et même à Todd Rundgren. Funkysantes. Mais dans l’esprit de Prince. Des caractéristiques accentuées par le falsetto de Barnes. Parodiques. Pensez à Gruppo Sportivo. Et puis électro dark wave. Atteignant presque les 12 minutes, un titre comme « The past is a grotesque animal », pièce centrale et maîtresse de l’elpee, est digne du « Blue Monday » de New Order. Remarquable !
Enfin, on ne peut passer sous silence le digipack qui s’ouvre comme une fleur de lotus et laisse alors apparaître de superbes mandalas kaléidoscopiques.
Si Pete Doherty était un Beastie Boys, il se nommerait Jamie Treays. Et si Mike Skinner avait été le chanteur des Libertines, il se serait appelé Jamie T. Personnage hybride, bâtard sensible, la nouvelle coqueluche de la presse britannique lâche « Panic Prevention », un premier album bourré de bonnes intentions. La musique de Jamie T. est à l’image de la pochette de son disque : bordélique, passionnée et agitée. Entre rock’n’roll déglingué et hip-hop affolé, le son de ce jeune Anglais balance : en rythme, en cadence, toujours proche de la démence.
Jamie T. est originaire de Wimbledon. Mais, au demeurant, personne ne sait si le gazon demeure sa surface préférée. Chez lui, le port de la raquette n’est point obligatoire. D’ailleurs, chez Jamie, les obligations sont rédhibitoires. Alors, il prône le grand bricolage. On songe à Beck pour son côté fourre-tout, aux Clash pour son appétit musical aventureux, voire dangereux. Capable de voler la vedette aux rockers cuivrés et maquillés (« Salvador », « Operation ») ou d’imposer son flow (« If You Got the Money », « Sheila »), Jamie T. flingue les genres avec humour (« Alicia Quays ») et passion (« Ike & Tina »).
Lily Allen a été la grande sensation pop de 2006. Mais elle est déjà reléguée au second plan en Grande-Bretagne, la nouvelle coqueluche féminine 'grande-gueule' étant à présent Amy Winehouse. Pas découragée pour un sou, Lily parcourt l'Europe afin de présenter son premier essai, « Alright Still » via un passage d'abord annoncé le 27 février dernier au Cirque Royal et finalement déplacé à l'Ancienne Belgique.
Une saloperie de grippe, c'est pas l'idéal pour se mêler à la populace d'un concert. C'est donc entre deux mouchoirs dans les gradins qu'on décidera d'observer le spectacle. En avant-programme, Stijn accomplit son show tout seul sur scène. Passant le plus clair de son temps à faire le mariole devant le public, on n'aura retenu de sa prestation que les excellents singles « Hot & Sweaty » et « Sex Junkie » qui seront parvenus à remuer deux ou trois personnes. Si, si, du deuxième étage, on les voyait bien, ces deux ou trois personnes. Et on en voyait aussi plus d'une s'emmerder ferme.
Lily Allen n'allait pas changer la donne… Accompagnée d'un orchestre de sept mâles à son service, la pétillante Britannique a ouvert les festivités par « LDN », enchaînant aussitôt sur « Knock 'Em Out » et un « Not Big » qu'elle dédicacera à tous les hommes peu gâtés par la nature. Durant tout le concert, Lily sautillera invariablement de droite à gauche, histoire de combler l'inconsistance de sa prestation. Inconsistance qui se ressentira d'autant plus par le fait qu'à trois reprises, la jeune femme bouchera les trous de sa playlist par des réinterprétations des titres tirés du répertoire de certains de ses compatriotes. A savoir, The Specials (« Blank Expression »), « Oh My God » des Kaiser Chiefs et « Naïve » des Kooks, une formation qu'elle a pourtant en horreur. Le public aura également droit à quelques nouveaux morceaux dont « Sunday Morning » et un très bon « Absolutely Nothing ». Peu communicative avec son public, Lily s'excusera de l'état de sa voix dont le timbre commençait légèrement à se faire la malle. L'assistance a ensuite eu droit à d'assez plats « Shame For You », « Friday Night », « Friend Of Mine », « Littlest Things » et même au génial « Everything's Just Wonderful », bien plus convaincant sur disque. Même le tube « Smile » ne parviendra pas à faire monter la sauce. On comprend mieux maintenant le changement de salle. Il aurait été triste que la moitié du public s'endorme sur les sièges du Cirque Royal. En bref, Lily est une fille bien gentille mais son « Alright, Still » est définitivement destiné aux platines de salon plutôt qu'à la scène.
Organisation Live Nation
Le problème des 'fils de' qui suivent les traces d'un illustre parent, c'est qu'ils doivent subir la comparaison pratiquement tout au long de leur carrière. Pourtant, il suffit d'écouter son dernier album, "Friendly Fire", pour constater que Sean Ono Lennon s'est fait un prénom. On retrouve certes des échos de son père dans la voix (heureusement pas celle de sa mère, diront certains) et certaines mélodies, mais il s'est forgé son propre style et ne cherche aucunement à vivre sur son héritage paternel. Il le prouve également sur scène, en formation standard guitare/basse/batterie/clavier, se contentant même du rôle de second guitariste, le long d'une tournée européenne des clubs et petites salles sympas.
C'est donc le Théâtre Lino Ventura de Nice, plein comme un œuf, qui accueillait ce spectacle. Il y avait même une première partie, à laquelle je n'ai pu assister pour des raisons personnelles. Un concert à l'image de l'album. Sean a d'ailleurs repris la plupart des titres de ce disque (non, il n'y a pas eu de chanson des Beatles ni de John Lennon). Intelligente, fouillée mais sans excès, sa musique pop-rock recèle quelques très belles mélodies (sa voix fait merveille sur le refrain de l'envoûtant "Parachute"). Il s'exprime dans un français presque parfait entre chaque chanson, créant ainsi une ambiance conviviale parfaitement appropriée à ce type de concert. On notera sa tentative de recours au verlan pour nous expliquer qu'il préfère sa guitare électrique à l'acoustique ('plus roman... marrant à l'envers, roman, ça se dit chez vous ?')
Le seul reproche que l'on pourrait adresser à ce concert concerne la constance du tempo d'une chanson à l'autre. On aurait bien aimé que le groupe se lâche un peu plus (et sans inciter à la consommation de breuvages alcoolisés, je me suis dit que le verre de jus de tomate, sis au pied du guitariste, était symptomatique). Sean Lennon ose une chanson écrite 'la semaine dernière', explique-t-il, "Smoke and mirrors", puis les watts montent enfin sur "Headlights", dans une version nettement plus énergique que celle de l'album. Pour clore le set, "Would I be the one", reprise de Marc Bolan (elle figure également sur l'album) s'étire sur un instrumental très mélodique (décidément le monsieur est doué pour cet exercice ce style), solo de guitare à la clé.
Au début des rappels, il nous concède un petit bijou : "Tomorrow", qu'il interprète seul à la sèche. Pendant que le reste du groupe le rejoint, Sean nous annonce que son frère Julian est présent dans la salle (est-ce un scoop ou raconte-t-il toujours la même histoire à chaque concert). Puis la prestation s'achève en beauté par "Mystery Juice", extrait d' "Into the sun", son premier album. A cet instant, se libère une intensité qu'on aurait aimé vivre un peu plus souvent au cours de la soirée.
En conclusion, cet excellent concert a laissé un goût de trop peu. On en redemande !
Le principe d’« Electric Gypsyland » est simple : on confie les travaux des formations phares de la musique des Balkans (Taraf de Haïdouks, Koçani Orkestar, Mahala Raï Band ainsi que le Français Zelwer) à une brochette de remixeurs. Ce deuxième volume de la série part dans tous les sens, du meilleur au plus anodin.
Le premier disque s’ouvre par l’électro folk pointilliste de Tunng. Il parvient à transformer la musique de Taraf en une envolée rêveuse qui ne dépareillerait pas sur un album du label Morr. Après le ‘loungy’ Buscemi, les rockeurs US d’Animal Collective transposent le Koçani Orkestar en une étrange kermesse de nains de jardins atomisés au psilo. Balkan Beat Box orchestre la rencontre réussie des vieilles rythmiques dancehall de King Jammy avec les cuivres bondissants du Mahala Raï Band. Par contre, on passera la main sur le dub trop clinique de Dj Click et l’envolée trop abstraite de Smadj. Plus dancefloor, Shantel booste le très beau « Duba, duba si hora » du Taraf, inclus d’ailleurs ici sous sa version originelle sur le deuxième cd. Les anglais d’Oi Va Voi se fendent d’un magnifique et lancinant « A rom and a Home », dont les arpèges de guitares restent gravés à l’esprit. Forty Thieves Orkestar réveille le fantôme des Pogues sur la cavalcade éthylico-punkoïde de « The Man Who Drinks ». Le ShrineSynchroSystem embarque Tony Allen et le joueur de kora Sekou Koyate lors d’une jam investie par le violon éraillé du défunt Neacsu, figure tutélaire du Taraf. Atmosphère éthylique encore, où le Russendisko transforme une pièce intimiste de Zelwer en polka reggae. Et on ne peut passer sous silence l’excellente contribution électro du belge Gaetano Fabri sur « Go East ».
L’auditeur curieux pourra découvrir certaines des versions originales sur le deuxième compact disc ; et notamment le très beau « Siki, Siki Baba » du Koçani Orkestar, les imbattables roumains du Taraf, le funky Mahala Raï Band et le plus synthétique Zelwer. Beaucoup de bonnes choses, peu de déchets.
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