Dans la grande famille des crooners jamaïcains, on oublie trop souvent l’élégant Alton Ellis, auteur de l’immortel « I’m Still in Love With You », récemment remis au goût du jour par Sean Paul. Heartbeat, le seul label (avec Soul Jazz) à exploiter de façon légale le catalogue Studio One, nous propose à nouveau cette copieuse compilation des meilleurs titres enregistrés par Alton et sa sœur Hortense pour le compte du meilleur label de l’histoire de la musique jamaïcaine. Immortalisés en pleine période ‘rocksteady’ (un élégant mélange de soul et de reggae), les titres compilés ici recèlent pas mal de reprises de classiques de la soul américaine. Mais également des titres originaux qui ont fort peu à envier à leurs illustres modèles. Les deux voix sont magnifiques. Le son du groupe de Studio One est inimitable. La richesse mélodique et musicale incomparable. Sans oublier le rôle impérial du claviériste Jackie Mittoo. Un disque idéal pour rappeler une fois de plus que le reggae ne se résume pas aux rastas enfumés qui déblatèrent sans fin sur la mise à feu de Babylone. Comme dirait 10cc dans « Dreadlock Holidays » : « I don’t like reggae, I love it ! ».
Je me suis plongée dans l’écoute de ce disque sans trop de conviction. Tout d’abord à cause du patronyme du groupe : trop simple, trop banal. Ensuite parce que les paroles sont exprimées en français. Et cette langue peut s'avérer rédhibitoire. Cependant, après le premier morceau (l’électro-pop « Superbusiness »), je me suis laissée entraîner dans cet univers sombre imaginé par Electric. Un quintet fondé en 2001 qui réunit les membres fondateurs Isa et Sylvain (respectivement chanteur et guitariste), Thomas (guitare), Fred (basse) et Philippe (batterie). Une formation parisienne qui a pris son temps avant d'enregistrer ce premier album, distribué par Musicast en France et Bang ! en Belgique ! Malheureusement, après être tombé sous le charme de la plage d’ouverture, le soufflé est rapidement retombé. Adapté d'un poème de Marion Donnelly, le titre maître passe complètement à travers. A cause du rythme qui ne suit pas, tout d’abord. Et puis de la chanteuse qui finit par agacer à force de crier. En outre, on ne peut pas dire que les lyrics soient toujours judicieux. Ils se révèlent même parfois totalement incompréhensibles, voire obscurs ou encore absurdes (« Frigo »). Pourtant, cette voix est capable, paradoxalement, de prendre de l'ampleur lorsqu'elle est murmurée. Et « Chamane » en est la parfaite illustration. A cet instant, l’équilibre entre les instruments - et en particulier les guitares - poussés à leur paroxysme et la voix sensuelle, susurrée, d'Isa semble retrouvé. Un des meilleurs titres de l’opus. D’ailleurs, cet elpee recèle de véritables perles. A l’instar de « Paresse » (dont les paroles sont, elles, bien senties) ainsi que « Plaisir ». Cette véritable bouffée d’air frais contraste avec les passages laborieux pour ne pas dire fatigants qui grèvent le début de l’œuvre. Tout au long de ce fragment énergique, Isa chante des phrases courtes entrecoupées d'un refrain primal et efficace.
Pas toujours convaincant, « Coma », se termine beaucoup mieux qu’il n’a commencé. Le groupe manifeste pourtant beaucoup de bonne volonté et même parfois d’originalité. Mais il est vrai qu’on a parfois du mal à séparer le grain de l’ivraie, tant les différents morceaux soufflent le chaud et le froid.
Un vent de fraîcheur souffle sur les musiques électroniques à la française. En sont les fiers responsables, Jean-Christophe Baudouin et Thomas Baudriller, musiciens-bidouilleurs acharnés et inventifs s’il en est. Gong Gong, nouvelle signature chez F Com, dépoussière intelligemment ce qu’il reste de la french touch et délivre un joyeux bordel électronique des mieux organisés. « Laughing With The Moon » témoigne en 9 morceaux son amour évident pour les musiques du monde (« Tzig », « Out », « Radiola ») et pour le sample bien placé. Quelque part aux limites du trip hop et de l’ambiant, Gong Gong déploie une inventivité qui n’est pas sans rappeler certains travaux de Tortoise (« Atone », « De l’air ») voire d’Aphex Twin. Là où certains auraient pu régurgiter une série de collages informes, le duo français pique là où il faut, quand il le faut. « Laughing With The Moon » est bien le genre de disque que l’on peut écouter une bonne dizaine de fois à la suite, sans se faire chier une seule seconde.
Joëlle Phuong Monh Lê, jeune vidéaste et productrice, se lance dans la création sonore. Son premier opus - fruit d’une ‘electronica’ très organique - est en tout cas révélateur d’une précision à couper le souffle. Cette Bruxelloise n’hésite pas à mettre des gants pour une expérimentation des plus troublantes, posant sa voix sur quelques titres, donnant un souffle de vie à une musique trop souvent qualifiée d’aseptisée. Les battements du cœur ou de fines pulsations comme beats, des sons synthétiques qui se matérialisent dans une contemplation séraphique, nappes aériennes et cristallines nous enveloppent dans une placidité tranquille. Le micro label berlinois d’electronica Iwari Records se distingue par cette nouvelle signature, un concentré de sérotonine dont le langage intemporel prend toute sa dimension dans des atmosphères éthérées. A travers 12 berceuses chargées d’émotions, « Lullabies For The Warriors » nous plonge dans une hypnose réparatrice. Loin de tout formalisme, modulant l’image et le son dans une délicatesse commune, Monh Lê s’associe pour l’occasion avec la photographe et vidéaste Ewo du collectif belge Plexiphonic, collaboratrice pour les labels Ninja Tunes, Shitkatapult, Rephlex ou encore Warp. Regard neuf sur une vision du monde belle et enfantine, aux couleurs des Boards of Canada, atmosphères évocatrices de Brian Eno et acuité affective à la Tujiko Noriko, Joëlle Phuong Monh Lê resplendit l’écoute, attendrit le regard et réalise une sublime rêverie sonore à déguster d’urgence.
Deux musiciens sinon rien ! David Gross et Collin Ruffino sont à l’affiche de cette soirée Home Video. D’emblée, le duo new-yorkais nous en met plein la vue. Comme au cinéma. Sauf que, cette fois, c’est à la maison que ça se passe. Les nouveaux meilleurs amis de ce brave Tim Goldsworthy, gourou dansant et membre fondateur de la secte DFA, agissent sur nos neurones tels des praticiens du beat malin. En provenance de Brooklyn, ces nouvelles pulsions électroniques s’accommodent aux goûts de tous, clubbers ou rockers. Les confessions inquiétantes du duo se couchent ici sur un lit de beats névrotiques. L’auditeur demeure sur les nerfs, comme dans un thriller. Bouche bée, les oreilles pointées vers les amplis, il se délecte des vibrations diffusées par Home Video.
Notre paire electro-pop flotte sagement au croisement des galaxies Depeche Mode, Boards of Canada, Radiohead et Junior Boys. Des titres comme « That You Might » ou « Gas Tank » ressemblent, à s’y méprendre, à une dérive électronique d’un Thom Yorke sous antidépresseurs. Sérieuse montée d’adrénaline, « Confession of a Time Traveler » a toutes les chances de remporter le titre du ‘tube officiel de l’hiver’. Et bientôt, la clique DFA se penchera plus sérieusement sur « Penguin » pour en proposer un remix nucléaire. D’ici là, on court à travers la maison, droit dans le salon : le Home Video, c’est si bon…
Aaah, ce difficile exercice du second album… Certains groupes devraient vraiment s’abstenir. Après la salve de critiques dithyrambiques adressées à « Get Born », les Australiens de Jet ont sans doute imaginé remettre le couvert en nous pondant à nouveau le même canevas wok’n’wol. Le côté tranchant en moins. Pas de tube de la trempe de « Are You Gonna Be My Girl ? » ou « Cold Hard Bitch ». On ne s’en plaindra pas vu la surexploitation de ces morceaux. Mais, pris dans leur ensemble, « Shine On » et sa série de ritournelles tantôt sympathiques (« Rip It Up », « Eleanor », « Come On Come On »), tantôt casse-couilles (« Stand Up », « That’s All Lies », « Shiny Magazine ») ont, à la longue, une fâcheuse tendance à exaspérer. Bref, le genre de disque qui nous fait hurler ‘Ta gueule !’ avant de se rendre compte que l'on s'adresse à la chaîne hi-fi. S’habiller comme un Beatle et hurler à la AC/DC dans le micro, il en faut bien plus pour convaincre…
Figure non négligeable collaborant dans la cour des grands (Queens of The Stone Age, Rob Vaughn ainsi que pour les B.O de X-Files, Road Trip etc.), Mickey Melchiondo - aussi connu sous le pseudonyme de Dean Ween - forme depuis 1984, en compagnie d’Aaron Freeman aka Sean Ween, le duo réputé de la scène alternative : Ween. S’éloignant des sonorités indie de cette première formation, Melchiondo s’exclame dans un heavy métal bien lourd en binôme avec Guy Heller (guitare / basse) pour en devenir les Moistboyz en 1992. Ce projet parallèle pourrait s’inscrire dans la rubrique des inclassables tants le fond comme la forme dérange. Responsables de textes crus politiquement incorrects, ces compères de l’anti militent ouvertement contre le gouvernement Bush, le public américain, l’industrie musicale et prônent le retour du rock n’ roll, le vrai, le sale, le puant. S’érigeant en caricatures d’un discours dénonciateur dans lequel l’alcool, les flingues et la sueur sont leurs armes, Mickey Moist et Dickie Moist s’aventurent dans une pseudo parodie tout au long de leur quatrième album : « Moistboyz IV ». Enregistré en 6 mois de temps au cours de l’année 2005, ce disque a été mixé par Howie Weinberg, connu pour ses collaborations auprès des très respectés Smashing Pumpkins, Nirvana, Sonic Youth et Ween ; mais également Sepultura et Pantera… Signés sur le plus gros label indépendant Sanctuary Records, les frères Moist n’inventent rien musicalement parlant, gerbant leurs riffs aux allures de Black Sabbath, Mötörhead et Iron Maiden. Leurs attitudes et principes, considérés comme homophobes ou racistes, en font la marque de fabrique Moistboyz. Responsable de titres ouvertement anti-Bush comme « I don’t give a fuck where the eagles flies », « Uncle Sam and Me », « Captain America » ou véhiculant une idéologie purement machiste (« Fuck You », « Everybody’s Fucked Her »), le combo flingue dans le rock dur. Un univers parcouru de textes à la pointe de la vulgarité, au sein duquel les soli - accentués par une rythmique lourde et une basse vrombissante - sont saturés de guitares métal. En bref, un album foncièrement testostéroné qui se rangerait parfaitement dans le kit gueule de bois entre les packs de bières, les mégots de clope et les vidéos porno. Et pour maintenir la forme, le DVD sorti en 2006 « Live Jihad ». Que du bourrin...
Chaque mois, la Grosse Pomme dévoile ses nouvelles sensations : quelques poignées de groupes faussement hypes et une meute de formations réellement captivantes. Face à cette agitation mensuelle, il convient de choisir son camp. A Brooklyn, les guitares d’Oxford Collapse commencent à se faire entendre. Une signature sur l’honorable label Sub Pop, un troisième album convaincant et quelques refrains mordants suffisent aux New-yorkais pour sortir de la mêlée. Balancés sans concession, les riffs du trio se rappellent aux bons souvenirs des premiers R.E.M. Sur « Remember the Night Parties », les mélodies se superposent, couche par couche, énergiquement. Et, tout naturellement, Oxford Collapse nous convie à chanter (l’excellent « Please Visit Your National Parks »), à pogoter (« Loser City »), à gigoter bêtement sur un air de flûte fumeux (« Molasses » renvoie l’auditeur aux jolis bordels lo-fi antérieurement orchestrés par The Unicorns), à se joindre aux chœurs d’une improbable chorale (« Kenny Can’t Afford It »). Certes, la voix brinquebalante de Michael Pace peut énerver. Mais elle plaira aux admirateurs de Wolf Parade et autres Pavement.
Né à Berlin, ce quatuor a été fondé par un certain André Abshagen, un Berlinois qui a chopé le virus de la musique dès l’âge de 8 ans. Il a même fondé son premier groupe 6 ans plus tard, et fabrique ses propres instruments, dont les synthés. Sa partenaire, Miss Mono a bossé comme journaliste à la TV, avant de tout laisser tomber pour se lancer dans l’aventure musicale. Ensemble, ils ont alors commencé à composer des B.O. de films d’horreur. L’autre moitié de groupe s’est établie à Milan. Elle réunit Dodo NKishi, drummer chez Mouse On Mars, et Stefania Vacca (basse), une Sarde qui jusqu’alors avait trempé au sein de divers projets politico-artistiques. Tout ce petit monde avait déjà commis un premier opus en 2004, « Player one ready ». « Rewind the Sofa Lady » constitue donc tout naturellement le second elpee. Un disque découpé en onze plages qui hésitent constamment entre expérimentation et ‘mainstream’. Glam, pop, rock, electro, funk, psychédélisme, disco et ambient alimentent cette solution sonore qui puise ses influences tour à tour chez Roxy Music, The Sweet, TRex, E.L.O., Dandy Warhols, Lenny Kravitz, Gerry Rafferty, Air, Ladytron, Death In Vegas, Cornelius, Zoot Woman et même The Go ! Team, en compagnie duquel Pet partage le même ingénieur du son (Gareth Parton). Si « Whip my blue chip » est déjà paru sous la forme d’un single, « Out of the blue » constitue manifestement le titre le plus contagieux : autrement dit celui que vous siffleriez le plus spontanément sous la douche. Pour le reste, les compos sont plutôt sympa, bien équilibrées, parfois dansantes ; et même s’il n’y a pas de quoi crier au génie, elles passent toues facilement dans le lecteur Cd de votre autoradio.
Paul Mullen et sa bande s’ennuyaient ferme dans leur studio d'enregistrement en attendant de travailler sur leur prochain elpee prévu pour 2007. Les spectres de leurs influences se réfléchissaient sur une isolation laissant transparaître le désir de les animer. Heureux parents en 2005 d’un premier opus, « Ignoto », pris sous l’aile protectrice de Richard Branson via son label V2 , Yourcodenameis:milo aka Justin Lockey, Adam Hiles (guitares), Ross Harley (basse), Shaun Abbott (batterie) et Mullen (chant, guitare) décident d’agrandir la famille. Le quintet invite alors les membres de leurs groupes influents à se joindre à eux pour un projet de collaboration. Parmi les candidats choisis, figurent une belle brochette de divers représentants de la scène rock anglaise : Gordon Moakes de Bloc Party, Ross Millard de Futureheads, Lukas Wooler de Maximo Park, Tom Vek, Martin Grech, Lethal Bizzle ou encore The Automatic. Entre autres. Ils s’affichent dans le premier volume de cette association « Print is Dead » s’ajoutant aux productions de V2. Emergent de ces sessions 11 morceaux et autant de parcours musicaux atypiques d’une vitrine rock british. Ce projet pourrait être la concrétisation d’un melting-pot culturel sillonnant divers horizons, chacun apportant sa touche personnelle. L'opus ondule sur les variations d’un mouvement, partant d’une pop folk dandy très Hot Club de Paris sur « Greetings » ou rock new wave propre à Bloc Party lors de son « Wait a Minute ». Un album qui fusionne les genres, flirtant avec du métal mélodique « Captains of Lies », « We hope you are what you think you are » (Martin Grech déchaîné et Reuben déguisé sous des faux airs de Red Hot et Deftones) au hip hop garage sur « Ordinary Day », pour finir par de l’indie électronique (« Tiny Vessels », « Noah » et « Plans for Everything »). Née d’une impulsion créatrice d’envergure, l'initiative pourrait paraître d’emblée fort innovante et fraîche d’une spontanéité susceptible de rendre cette entreprise alléchante. Malgré quelques titres accrocheurs comme « Ordinary Day » (un featuring avec le rappeur Lethal Bizzle, figure de la scène grime londonienne), « Plans for Everything » ou « Noah » (une approche de Maxïmo Park aux boucles électroniques éloquentes), ce premier volume laisse l’auditeur quelque peu sur sa faim. L’écoute aussi nuancée soit-elle, n’atteint pas cette apogée qu’on espère entendre lors du prochain épisode.
On est Anglais ou on ne l’est pas ! Tel serait le slogan de la manifestation orchestrée par The Young Knives. Henry Dartnall, The House of Lords (Thomas Dartnall à l’état civil) et Oliver Askew sont originaires d’Oxfordshire. Ils l’écrivent et le crient sur tous les toits. En voilà trois qui paraderaient volontiers en brandissant l’Union Jack au vent. Revivalistes pop-punk, idéalistes brit-rock, les trois musiciens empruntent une voie mélodique parsemée de stéréotypes. The Young Knives chante l’Angleterre. Celle qui roule à gauche, réprouve l’euro, achète ses vestons sur Oxford Street, apprécie les fish and chips avant d’achever sa journée en pintant au pub. The Young Knives aime son pays, ses mythes, ses histoires. Après un mini album, le trio passe maintenant aux choses sérieuses par l’entremise de « Voices Of Animals And Men », premier long format d’une discographie adolescente. La voix d’Henry Dartnall entretient des accointances avec celles de Jarvis Cocker (Pulp) ou d’Eddie Argos (Art Brut) tout en conservant une touche personnelle. En musique, les embardées de The Young Knives côtoient davantage les riffs nerveux de The Rakes. Certes, ce premier album ne fait pas encore du gang d’Oxfordshire le digne héritier de l’Archiduc Franz Ferdinand. N’empêche, un brûlot de la trempe de « Weekends and Bleak Days (Hot Summer) » a de quoi ranimer la dépouille de l’illustre Top of The Pops.
Faites attention à cet objet sonore non identifié, il risque de vous brûler les neurones. Cet improbable mariage entre hip hop et free jazz (réalisé par une chanteuse américaine d’à peine 23 ans) convie les fantômes de Sun Ra et Albert Ayler, mais aussi de Pharoah Sanders, de l’Art Ensemble of Chicago ; bref tous ces musiciens mystiques et politiques qui ont poussé la musique populaire afro-américaine vers l’avant-garde tout en gardant un pied dans la ‘soul music’. La voix de Georgia Anne Muldrow évoque celle de Lauryn Hill. D’ailleurs, à l’instar de cette dernière, elle est aussi à l’aise dans le domaine rap qu’au chant. La différence réside dans la manière de chanter. Tout au long de la vingtaine de titres (souvent très courts) de ce « Fragment of an earth », Georgia explore des harmonies étranges et peu entendues, révélant leur grande musicalité au fil des écoutes de plus en plus intriguées que génère cette galette. Côté musique, le disque oscille entre titres pas du tout électroniques - à l’instar de l’obsédant « New Orleans » qui rappelle les albums ‘free jazz gospel’ d’Archie Schepp) - et morceaux plus électroniques proches de certaines productions d’artistes maison comme Madlib ou encore le défunt J-Dilla. Le tout dispensé avec un feeling incroyable, comme sur le très beau « Patience ». A découvrir en priorité donc, mais à petites doses, sous peine de sombrer sous les assauts répétés de cette dense matière musicale.
Il y a un petit temps qu’on avait perdu Mudhoney de vue, un groupe impossible à détester tant sa démarche est et restera toujours empreinte d’une admirable intégrité. Même s’il n’a pas vraiment arrêté de jouer, la fin du grunge l’a renvoyé fissa à cet underground qui lui a toujours collé aux basques. Hormis l’adjonction de cuivres, la manière et le son n’ont pas changé. Immobilisme ? Peut-être. On a toujours droit à ce punk rock légèrement psychédélique, ces guitares dopées aux pédales ‘fuzz’, ces paroles qui oscillent entre sarcasme et désespoir et ce son général ‘boueux’, un adjectif qui m’est toujours venu à l’esprit en écoutant la musique de ces gaillards. Moins jovial que par le passé, ce disque est loin d’être mauvais mais il manque de mélodies assez attachantes pour avoir envie de le remettre dans le lecteur cd. En résumé, il sonne un peu fatigué et pas très inspiré. Pour ceux qui aimeraient découvrir Mudhoney sous un meilleur jour, on leur conseillera plutôt l’excellent « Every Good Boy Deserves Fudge ».
On tenait jusqu’ici Montevideo comme la grande success story de l’année 2006. Le peuple ayant tendance à s’emballer de façon éphémère, c’est au tour d’Arker de, déjà, prendre le relais. En témoigne « Humdrum Street ». A peine lâché sur les ondes qu’il devient le tube incontournable, obligatoirement playlisté dans le iPod des jeunettes en quête de cooltitude. Après avoir pris d’assaut les scènes du Suikerrock ou Nandrin l’été dernier, l’auteur-compositeur de 24 ans délivre « Them & I », première oeuvre à l’image de son single : frais, simple et résolument pop. Bénéficiant d’une production plutôt bien léchée, les douze pépites d’or incluses sur ce disque pourraient sans grand mal connaître la même destinée audiovisuelle que le single susmentionné. La voix ‘Stef Kamil-ienne’ d’Arker finira de convaincre les oreilles étanches à la pop issue de Wallonie. Un très bon point pour le nouveau label No Vice Music, dont Arker est la première signature.
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